No sé como se me pudo pasar esta fecha tan destacada en mi particular calendario cinéfilo. Ya que el pasado 4 de abril se cumplió 40 años del estreno, y no quería dejar pasar la oportunidad de rememorar esta importante efeméride del maestro Stanley Kubrick.

Y resulta complicado hacerlo cuando esta película ha suscitado tantos ríos de tinta, tantos comentarios, interpretaciones y debates en cuatro décadas de existencia. Pero, quizás, no me supone tanta dificultad por tratarse de una de mis películas de cabecera y, sin duda, una de las que mayor impacto me causó en el primer visionado.

Existe tanta literatura acerca de esta película, porque guste más o menos, como espectador hay que reconocerle el valor de tratarse de un hito en la historia del cine. Una cinta que revolucionó el arte cinematográfico y que elevó el género de la ciencia ficción a la misma altura y consideración de otros, como el western, el musical o el drama.

Resulta fascinante analizar y profundizar en las múltiples interpretaciones que se derivan de la película. La casi ausencia de diálogos o una voz en off que faciliten su entendimiento, además de su lentitud narrativa y su carácter experimental, la convierten en una película compleja, que exige del espectador algo más que su mera atención. Pero esta dificultad no está reñida con su enorme capacidad de impacto, de transmitir sensaciones que no dejan indiferente. Resulta toda una experiencia intensa si se ve en las condiciones adecuadas.

También resulta fascinante conocer algo más sobre su dilatado y denso proceso de creación. Y aún más, si tenemos en cuenta que todo se debe a la prodigiosa mente de un genio como Stanley Kubrick y su extremada obsesión por el perfeccionismo que hizo que su producción fuera toda una proeza fílmica.

Kubrick deseaba hacer “la película” de ciencia ficción, estaba fascinado con la recién iniciada carrera espacial, en plena guerra fría, y con la posibilidad de existencia de vida extraterrestre. Por lo que se encontraba en la necesidad de hallar una historia que se adaptara y le sirviera como excusa para llevar a cabo su idea de película. En ese proceso, irrumpió el nombre de Arthur C. Clarke (recientemente fallecido, por cierto). No era precisamente el mejor escritor del género (al menos en cuanto a forma, con una prosa simplona), pero sí gozaba de cierta popularidad y cuando a Stanley se lo recomendaron y tuvieron su primer encuentro en Nueva York, congeniaron de inmediato. Y eso ya era mucho, teniendo en cuenta el carácter egocéntrico de ambos autores.

Además, la elección final del relato ‘El Centinela’ no era precisamente la mejor, ya que no se trata de un texto brillante, ni mucho menos, aunque sí contenía la premisa básica para contar lo que después sería el guión de la película. Y así se lanzaron a escribir ‘Cómo se conquistó el sistema solar’, que fue uno de los primeros títulos que se barajaron. Pero, mientras Clarke tenía la idea de realizar una historia de ciencia ficción pura, a Stanley le entusiasmaba más el concepto de un “documental mitológico” con inserciones dramáticas.

Y justo antes de comenzar a escribir la adaptación, el propio Kubrick le propuso a Clarke escribir juntos una novela que sería la base de la película. Ésto fue clave, pues parece que se trataba de una estrategia urdida por el cineasta buscando aprovecharse de Clarke para hacer lo que él realmente buscaba. Y así fue, ya que cuando la película se estaba llevan a cabo, el escritor tenía terminada la novela a espera de los reparos o modificaciones de Kubrick para lanzarla y lograr la popularidad definitiva. Pero Stanley actuó con crueldad y alargó la situación porque no le interesaba que apareciese antes de que se estrenase el film.

‘Viaje más allá de las estrellas’ fue el título con el que la Metro Goldwin Mayer anunció en 1965 la promoción de la nueva película de Kubrick, que pronto comenzaría a rodarse. Ésta fue la génesis definitiva de la película, luego vendrían varios meses de rodaje con los actores, que nunca supieron muy bien el sentido de lo que interpretaron, y un posterior y dilatado proceso de post producción. En este periodo fue cuando la creación de los efectos especiales se convirtió en un laborioso y extenso trabajo que Kubrick y su equipo, llevaron a cabo con extrema minuciosidad en los estudios de la productora en Londres. La obsesión por lograr un perfeccionismo realista como nunca antes, llevó a Kubrick a contar con científicos de la NASA, para conseguir un resultado que bien mereció la pena.

Clarke, por su parte, reescribió muchas partes de la historia, a petición del director, sobre todo en la parte final, la del viaje interestelar, además de añadir algunas partes con voz en off que intentaban explicar las partes más complejas al espectador. Todo fue eliminado en la sala de montaje, Kubrick no quería caer en lo fácil, además de que, tras un primer y obligado visionado por parte de los directivos de la Metro, necesitaba recortar en unos minutos el metraje final.

Stanley también tuvo que claudicar, aparentemente, con su idea de insertar música pregrabada en la película, temas de música clásica, a lo que la Metro se negó en rotundo. Así llegó el encargo de la composición de una partitura original a Álex North, que trabajó durante dos intensos meses en ella. Para su sorpresa, comprobó en el estreno como no aparecía ni una nota suya. Sin embargo, lo que parecía una excentricidad más del director, supuso una verdadera genialidad y un acierto esencial en el resultado final.

Y es que Kubrick siempre tuvo en mente que la película fuese una experiencia intensamente subjetiva, que llegase al espectador a un nivel más íntimo de conciencia, como hace la música. Según sus propias palabras. Y de ahí, que también resultara una apuesta arriesgada pero finalmente certera, la inclusión de temas del compositor húngaro György Ligeti, cuyas trémulas partituras para voces corales sin palabras, evocaron el misterio del monolito.

Tras ese estreno por todo lo alto en Nueva York el 4 de abril de 1968, las críticas no tardaron en calificarla negativamente, aunque conforme fue acaparando atención y acumulando espectadores, muchos críticos fueron suavizando su concepción pesimista, para empezar a valorar ciertos elementos incontestables de la cinta. La verdad es que, después de algunos meses de exhibición, la Metro recaudó una importante cantidad que justificaba el exceso y las exigencias del director, a la par que se fue considerando una película muy importante dentro del género. En la actualidad no se puede obviar que se trata de una de las más grandes películas de la historia. Hoy la volveré a ver para rememorar este 40 aniversario.

En Blog de Cine | Stanley Kubrick

De todos es conocido el perfeccionismo de Stanley Kubrick en todos sus trabajos (ahora recuerdo que tengo pendiente una entrada sobre su filmografía que sé que no va a gustar mucho), y éste alcanzaba, hasta detalles a tener en cuenta tanto en el trailer como en los títulos de crédito. Uno de los ejemplos es ‘Dr. Stangelove or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb’ (Teléfono rojo, volamos hacia Moscú), con una curiosa historia sobre ambas cosas.

Los títulos de crédito de la película, que son los que tenéis colgados pertenecen a Pablo Ferro al que contrató Kubrick tras ver sus comerciales. La idea era filmar todo usando aviones pequeños, Ferro le disuadió y fue quien le convenció para meter las letras de los créditos en diferentes tamaños. Tanto le gustó el resultado, que le convenció para establecerse en Londres, y para colaborar en el trailer de ‘La naranja mecánica’.

En principio también se encargó del trailer de Dr. Strangelove, en el que empleaba una técnica de corte y pegado rápido en la que incluía 125 imágenes por minuto para lograr el efecto que tiene el trailer. Sin embargo, se puede decir que Pablo Ferro para Kubrick fue un segundo plato, ya que su idea era que el trabajo fuese realizado por Arthur Lipsett, y todo a cuenta de lo encantado que se quedó el director al ver su cortometraje nominado ‘Very Nice, Very Nice’. Su idea era que Lipsett fuese quien hiciese el trailer, pero éste lo rechazo, pese a la carta de admiración que le escribió para convencerlo, con lo que Kubrick se tuvo que ayudar de Pablo Ferro para realizarlo, que aplicó su estilo a lo que el director quería, logrando unos excelentes resultados.

Y por cerrar la historia, resulta que la influencia de Lipsett en otros cineastas no fue menor, ya que inspiró, por ejemplo, a George Lucas en su primera película THX-1138 y tomó prestado el término de La Fuerza para Star Wars, o la escena de la princesa Leia en la celda.

Vía | Kottke
Vídeo | Trailer La naranja mecánica

Aprovechando que este viernes se estrena la esperadísima por muchos ‘John Rambo’, pues hoy toca una de esas listas que ya conocéis. ¿Y de qué va esta vez? pues de films bélicos; como siempre reduciendo la cosa a diez títulos, colocados sin orden alguno. Ojo: SPOILERS como una casa.

• ‘Apocalypse Now’

Para mí la obra cumbre de Francis Ford Coppola, un auténtico viaje al corazón de la locura y la guerra, con secuencias tan fascinantes como el famoso ataque de los helicópteros mientras suena La Cabalgata de las Valquirias de Wagner. Martin Sheen nunca fue capaz de hacer algo mejor de lo que hizo aquí, a pesar de que casi acaba con él un rodaje que fue de lo más peligroso. Por cierto, ¿sabíais que Coppola quería a Eastwood para uno de los personajes? ¿adivináis cuál?

• ‘Objetivo Birmania’

Una de las mejores cintas de Raoul Walsh, perfecto narrador donde los haya, consigue un impresionante relato de hazañas bélicas en la mejor tradición del género. Alucinante utilización de los silencios, idea que por cierto salió de la mente de su estrella principal, Errol Flynn.

• ‘Senderos de Gloria’

Mi compañero Juan Luis llama a Stanley Kubrick Dios. Lo cierto es que por películas como ésta no le falta razón. Uno de los más consistentes alegatos contra la guerra, retrasado su estreno en nuestro país hasta mediados de los 80 por increíble que parezca. Un Kirk Douglas inmenso, y Kubrick ya hacía gala de su virtuosismo técnico. ¿Qué me decís de su final?

• ‘Salvar al Soldado Ryan’

Sólo por sus primeros quince minutos ya merecería estar en esta lista, y es que ese desembarco se te queda grabado en la mente para siempre. La injusticia hizo que no se llevase el Óscar a la mejor película, aún habiendo ganado el de mejor director y otros cuatro técnicos. Con Tom Hanks en uno de sus mejores papeles, la película nos habla de muchas más cosas de las que aparenta a simple vista. Personalmente me quedo con la conversación al otro lado del puente antes de que el personaje de Hanks muera.

• ‘Sin Novedad en el Frente’

Una de las películas más conocidas de Lewis Milestone, un alegato antimilitarista mil veces imitado (incluso se le hizo un remake para televisión que en algunos países se estrenó en cines). La secuencia del soldado alcanzando una mariposa es una de las más bellas que ha dado el cine en toda su existencia, sobre todo porque a día de hoy sigue impresionando.

• ‘Alas’

La primera película que ganó el Oscar al mejor film, obra del inolvidable William A. Wellman que retrató en ella las heroicidades de la famosa escuadrilla Lafayette. El propio director volvería sobre el mismo tema en una especie de remake realizado en 1958, en la que sería su última película, con resultados notablemente inferiores, aunque no desdeñables. Imperdonable que este título no esté editado en dvd. En USA (mi actual tienda de compras) hay indicios de que se editará pronto.

• ‘Cartas Desde Iwo Jima’

A pesar de que forma parte de un díptico sobre la batalla de Iwo Jima junto con ‘Banderas de Nuestros Padres’, el punto de vista japonés es superior al americano, entre otras cosas porque los personajes están mejor tratados (Ken Watanabe se convierte inesperadamente en el alter ego de Eastwood). Las escenas de guerra son terroríficas y tienen un punto innovador en su tratamiento.

• ‘Ángeles del Infierno’

El millonario Howard Hughes, un enamorado del séptimo arte, filmó esta magistral película (primer de las dos que realizó) no escatimando en gastos, logrando un relato sobre la heroicidad y la cobardía realmente espectacular. Las escenas aéreas no han sido superadas.

• ‘El Gran Desfile’

La primera gran obra de King Vidor, un impresionante alegato a favor del pacifismo desde una perspectiva totalmente trágica y desencantada. Su lirismo y contenida emoción son sus bazas más fuertes. A recordar la despedida del protagonista de su amada cuando aquél se marcha a la guerra, o el reencuentro final. Otra joya no editada en dvd.

• ‘Black Hawk Derribado’

Un prodigio de montaje (ganador del Óscar) que dota al film de uno de los mejores ritmos de los últimos años. El no dotar a ningún personaje de protagonismo, logrando que éste sea el pelotón entero sin que uno sobresalga por encima del otro, es uno de sus múltiples aciertos. Por no hablar de que el espectador sabe en todo momento que es lo que sucede y dónde, dentro del infernal laberinto de calles de Mogadiscio. Memorable el soldado aferrándose a una fotografía mientras intentan lincharlo.

Ahora, damas y caballeros, es vuestro turno. No dudo de que me recordaréis una y otra vez cierta película del 98, en la que los soldados además de luchar se las daban de filósofos intelectuales mirando al cielo o a la rama de un árbol. Me gusta esa película, bastante, pero no me apasiona. ¿A qué a vosotros sí?

Así de simple. Y aquí os dejo pruebas. Irrefutables. Stanley Kubrick es Dios.

La primera colección a destacar es la del maestro Robert Bresson. Si eres de los que quiere hacer cine cuando seas grande, tienes que ver y estudiar las películas de este director francés. Yo, al menos, no me canso de ellas. El Cofre Robert Bresson que aparece esta semana incluye tres de sus más conocidos largometrajes: Lancelot du Lac, El Diablo Probablemente y Un Condenado a Muerte se ha Escapado, intenso filme de fuga carcelaria que, a pesar de tener un título que es todo un spoiler, te mantiene pegado al asiento.

Echo en falta en este cofre El Carterista, la obra cumbre de Bresson. En cambio, el paquete incluye el documental El Camino a Bresson, más un abecedario de términos bressonianos elaborado por el crítico e historiador Santos Zunzunegui. Con un estilo desprovisto de artificios —hasta rayar en el conceptualismo—, actores no profesionales que deliredamente ejecutan interpretaciones casi planas, el cine de Bresson es la búsqueda incansable del lenguaje visual puro.

Colección La Primavera de Praga. El 20 de agosto de 1968, 200 mil soldados y 5 mil tanques del Pacto de Varsocia, que agrupaba a los países satélites de la Unión Soviética, cruzaron la frontera de Checoslovaquia para poner fin al socialismo con rostro humano adelantado por el presidente Alexander Dubček, en un período que la historia conocería como La Primavera de Praga.

Esta semana aparece una colección que reúne seis títulos de otras tantos de los más importantes realizadores de la época: Milos Forman, Ján Kadár, Elmar Klos, Ivan Passer, Vera Chytilová y Jirí Menzel. Sus obras son Concurso, La tienda en la Calle Mayor, Iluminación íntima, Las margaritas, Alondras en el alambre, Mi dulce pueblecito. Una colección para la colección.

Colección Sam Peckinpah. Creo que no tengo que escribir sobre quién es Sam Peckinpah. Bastará decir que se trata de acaso el más influyente cineasta estadounidense después de Alfred Hitchcock. Y como Hitchcock era inglés, entonces Peckinpah quedaría como el más influyente cineasta estadounidense. Punto. Y lo digo porque prácticamente en cada película moderna, hay uno o dos minutos del mejor Peckinpah. Sin contar películas como las de John Woo o Robert Rodríguez, que son practicamente ensamblaje de diversas escenas extraidas de las películas del “loco” Sam.

El pack que nos ocupa incluye sus mejores películas: Grupo Salvaje, Pat Garrett y Billy the Kid, La Balada de Cable Hogue, Duelo en la Alta Sierra y La Huída.

If they move, kill ‘em!

Colección Stanley Kubrick. Otra colección para colección. Es un pack compuesto por cinco largometrajes de Stanley Kubrick, en sus ediciones especiales: La Naranja Mecánica, Eyes Wide Shut, El Resplandor, La Chaqueta Metálica, 2001: Odisea del Espacio. Claro no son todos los que están, ni están todos los que son. El paquete incluye el documental Stanley Kubrick: Una vida en imágenes.

Banderas de Nuestros Padres y Cartas de Iwo Jima. Fueron filmadas una tras otra y es la misma historia contada desde dos puntos de vista diferentes en medio del conflicto bélico que cambió la historia de la Humanidad. Además, ambas están dirigidas por el gran Clint Eastwood. De modo que ¿qué mejor manera de venderlas que juntas, en un pack? Esta semana saldrán a la venta en un cofre metálico.

Cofre Robert Mitchum. Uno de los mejores actores del Siglo XX, Robert Mitchum bien que se merece una colección con algunas de sus mejores películas. Y justo esta semana sale a la venta. El paquete esta compuesto por La Noche de la Iguana, La Hija de Ryan, Corrientes Ocultas, Con él Llegó el Escándalo, Tres Vidas Errantes y Yakuza. Sólo puedo agregar que merecería un lugar destacadísimo en mi estante.

Colección Gremlins. Hay quienes todavía disfrutan con la primera de estas dos películas. Yo, soy uno de ellos, lo debo confesar. Gremlins y su secuela vienen en un estuche metálico en una edición para coleccionistas. Nada de extras.

Planet Terror, de Robert Rodríguez. Mucha tinta ha corrido desde que esta película se anunciara, tanta o más que la sangre que corre dentro del filme. Para algunos, una obra maestra; para otros, una más del montón. A partir de mañana, la película cutre ex profeso de Rodríguez comenzará a circurlar en dos versiones. Una de ella, acompañada de un disco pleno de extras.

Invierno en Bagdad, de Javier Corcuera. Dije que no había novedades interesantes esta semana. Pero debo corregirme: como siempre, el cine de no ficción resulta la novedad interesante en el desolador panorama cinematográfico mundial. E Invierno en Bagdad, de Javier Corcuera, es un buen ejemplo. Documento desgarrador sobre el efecto de la guerra en los niños iraquíes, no ha faltado la polémica en torno a la pieza: mientras para algunos es un documental ineludible, para otros es mera explotación de las desgracias ajenas.

Innocence, de Lucile Hadzihalilovic. Otro de los estrenos interesantes de esta semana. Adaptación de la noveleta de Frank Wedekind, es una exploración de la pubertad femenina.

Otro punto de vista, esta vez desde dentro, de la película. Y lo importante, un documental que se disfruta durante su visionado.

Nota: el documental está dividido en 4 partes.

Making The Shining- Documentary and Interviews 1/4

Making The Shining- Documentary and Interviews 2/4

Making The Shining- Documentary and Interviews 3/4

Making The Shining- Documentary and Interviews 4/4

Vía | Kottke
En blogdecine | El resplandor dirigida por Spielberg
En blogdecine | El doblaje en España, algo que hacemos bien

Color Me Kubrick es el título de la ópera prima de Brian W. Cook que narra en clave de comedia la historia real de un caradura llamado Alan Conway, que se hizo pasar por Stanley Kubrick durante el rodaje de Eyes wide shut, entre 1998 y 1999, película en la que por cierto, según consta en su ficha de IMDb, Cook participó como asistente de dirección y actor de reparto.

Anthony Frewin, quien colaboró también como asistente en varios films de Kubrick, se ha encargado del guión de esta coproducción entre Inglaterra y Francia de 2005, que todavía no se ha estrenado en muchos países, pero fue presentada comercialmente en Estados Unidos ayer 23 de marzo.

Como guinda final, Color Me Kubrick tiene como protagonista a John Malkovich, a quien siempre es una gozada ver, pero todavía más cuando participa en un proyecto interesante.

Mientras esperamos a que llegue a nuestras salas, podemos disfrutarlo en el trailer de ‘Color Me Kubrick’, en un clip exclusivo, o en la web oficial de la película.

Vía | Off-Hollywood

Presentado por las dos chicas de El Diablo viste de Prada, Anne Hathaway y Emily Blunt, el premio al mejor vestuario ha sido para la italiana Milena Canonero por los pomposos trajes de María Antonieta.

Entre su extensa lista de agradecimientos, también ha nombrado a Stanley Kubrick, con el que trabajó en dos ocasiones.

Aparte de tener la posibilidad de verlo allí, existe una página especial dedicada a ‘Day of the fight’ en mutiny company, desde la que se puede descargar este cortometraje documental sobre el mundo del boxeo.

Pero no acaba hay la cosa, ya que también rodó otro cortometraje, de ahí las dudas que indicaba antes, de título ‘Flying Padre’, también documental, y que nos lo trae la gente de extracine. En esta ocasión, Kubrick sigue, en nueve minutos, a Fred Stadtmuller, un cura que sobrevuela el estado de Nuevo México en su avioneta, respondiendo al llamado de sus feligreses.

Dos rarezas de un director tan idolatrado como Stanley Kubrick, que desde luego merecen un visionado.

Blog sobre traducciones mal hechas.

Si en España se doblara tan mal como se hacen otras cosas, como por ejemplo, actuar, los doblajes serían un desastre. No podríamos haber visto casi ninguna película extranjera. Qué mejor ejemplo que todos los films que Stanley Kubrick le encargó a Saura que doblara y que, por lo tanto, fueron interpretados por actores físicos en lugar de por actores de doblaje. Ahí quedan esos espantos, como ‘El Resplandor’ (‘The Shining’, 1980) en la que la voz de Joaquín Hinojosa resulta blanda y nada adecuada para Jack Nicholson, a quien siempre dobla Rogelio Hernández con una voz que vale un mundo. Y no sólo actuar. En España tenemos un nivel muy bajo en cuanto a cine, a composición e interpretación musical, a creación de espacios televisivos y a muchas cosas… sin embargo, los actores y actrices de doblaje son bastante buenos. No todos, claro, como en cualquier otro ámbito, los hay buenos y los hay malos, pero los que participan más habitualmente en series y películas son buenos profesionales.

Otra cosa son las traducciones. Las traducciones para los doblajes suelen ser muy malas. En general, las expresiones no se traducen con el sentido que le ha querido dar el guionista, o bien se traducen literalmente o se utiliza una frase que en España no usamos para expresarnos. También se suelen emplear formas de hablar características de la región donde se hace el doblaje, pero que no son correctas o al menos no se usan en el resto de España. Muchas veces se nota que quien ha traducido no ha entendido el sentido de lo que se expresa. En otras ocasiones lo que ocurre es que no se conoce la referencia cultural de la que se habla en la película y en el doblaje se pierde ese comentario (véase ejemplo de ‘¿Qué me pasa, doctor?). Para saber traducir no sólo hay que saber el idioma (que ya sería mucho si al menos lo conocieran lo suficiente como para traducir la base), sino que también hay que tener un poco de cultura del país de prodecencia del texto original.

Evidentemente, me diréis que lo haga yo, que es muy fácil criticar sin hacerlo una misma, que me meto con una cosa que no conozco… Y ese “hacemos” del título es una de esas primeras personas que se utilizan, por ejemplo, en el fútbol cuando nuestro equipo o selección marca un gol. Tendréis razón, pero también es verdad que quien traduzca un guión y quien dirija un doblaje tiene una responsabilidad. Las películas y las series, generalmente, tienen una difusión enorme. El público, al estar constantemente escuchando frases que no existen, construcciones incorrectas, palabras empleadas sin propiedad… se acostumbra y las aprende y, por lo tanto, en muchas ocasiones las utiliza mal en su vida. Claro que también habla muy mal gente que aparece en televisión y que no está siendo traducida y claro que también sobre ellos debería ejercerse un filtro y una corrección. Pero eso es otro tema. En el doblaje es una pena que la mitad del trabajo se haga tan bien y la otra mitad, tan mal.