En su faceta como director, Ben Affleck tiene en su haber ‘Adiós, pequeña, adiós’ (‘Gone Baby Gone’), ‘The Town’ y está dirigiendo ‘Argo’. Warner Bros. confía en la habilidad del intérprete tras el megáfono tanto como para encomendarle un proyecto de envergadura, que hasta ahora estaba en manos del guionista Steve Kloves y el director David Yates, ambos conocidos por varias de las entregas de ‘Harry Potter’. Nos referimos a la traslación al cine de la novela de Stephen King ‘Apocalipsis’ (‘The Stand’), que ya fue llevada a las pantallas en modo de miniserie de televisión, dirigida por Mick Garris y protagonizada por Gary Sinise, Miguel Ferrer, Rob Lowe y Molly Ringwald, que comenzó a emitirse en 1994. También fue convertida en cómic, con guion de Aguirre-Sacasa y dibujada por Mike Perkins, con el trabajo de Laura Martín en el color.

El tomo de más de mil páginas, escrito en 1978 y reeditado con nuevo material en 1990, cuenta cómo un virus de gripe, fabricado por el Ejército de los Estados Unidos con el nombre “Proyecto azul”, escapa los confines de los laboratorios y aniquila a casi la totalidad de la población del mundo. Quedan únicamente unos cuantos supervivientes, que comienzan a tener sueños apocalípticos comunes. En ellos aparecen una anciana y un hombre joven. La mujer los incita a viajar a Nebraska para combatir a Randall Flagg, un abominable personaje que lidera las fuerzas del mal y busca su exterminio definitivo sirviéndose de un temible arsenal nuclear.

Affleck tiene otras ofertas que considerar. Se había hablado recientemente de ‘Line of Sight’, una producción de Joel Silver sobre un comando de elite que transporta mercancía peligrosa mientras se enfrenta a una amenaza global. La curiosidad mayor de ‘Line of Sight’, con idea de F. Scott Frazier y guion de Peter O’Brien (‘Halo: Reach’), sería que estaría rodada en primera persona, como un videojuego del tipo “shooter”. Asimismo, de la nueva versión de la francesa ‘No se lo digas a nadie’ (‘Ne le dis à personne’, 2006), de Guillaume Canet, que se basaba en la novela de Harlan Coben ‘Tell No One’, en la que el guionista de ‘Argo‘, Chris Terrio, se volvería a inspirar para hacer algo que quedaría a medio camino entre el remake y la reinterpretación.

Vía | Deadline, entre otras.

A pesar de que lo consideramos un escritor de bestsellers, que tira de estudio y produce novelas como churros, con ánimo exclusivamente comercial, de la obra de Stephen King han surgido algunos de los mejores ejemplos de la mini-historia de la adaptación cinematográfica. Fan del autor de pequeña, leí en aquellos años una gran parte de su producción y vi casi al completo lo que se ha trasladado a la pantalla de sus trabajos. Con calidad sumamente desigual, su currículum como guionista o autor adaptado, se nutre de, desde una cutre ‘Cementerio de animales’, a las más grandes obras fílmicas inspiradas en sus novelas: ‘El resplandor’, ‘Cadena perpetua’ y, ¿por qué no?, la que nos ocupa, pasando por cintas más curiosas que buenas, como ‘Carrie’, ‘Christine’ o ‘La zona muerta’. No es mi intención repasarlas todas, ya que son multitud, pero comentaré que casi la totalidad de las que pude ver, por poco estimables que fuesen, me marcaron de alguna forma y de casi cualquiera de ellas recuerdo aún ahora frases e imágenes.

‘Misery’ (1990) no solo ha constituido una de las más apreciables adaptaciones que han salido de los libros del de Maine, sino que podría ser considerada su mejor novela, quien sabe si por ser la más cercana al tener un protagonista que funciona en cierto modo como su alter-ego y por no tirar de elementos sobrenaturales o tópicos en el terror. Recuerdo devorarla una y otra vez, disfrutando del juego metalingüístico, de esa obra dentro de la obra y, por supuesto, de la relación enferma y psicopática de ambos protagonistas, retratados a la perfección en sendos casos. La película de Rob Reiner –asimismo responsable de otra de las adaptaciones más conseguidas: ‘Cuenta conmigo‘– también la consumí en varias ocasiones y es con satisfacción, por lo tanto, con lo que regreso sobre ella gracias a vuestras peticiones.

Fan fatal

Película de pocos personajes, ‘Misery’ es casi un duelo entre James Caan y Kathy Bates, del que, sin menospreciar en absoluto al actor, que está siempre atinado con sus reacciones y equilibra el miedo con el disimulo lo necesario –no solo pensaba que muchos otros actores podrían haber hecho el papel, sino que leo que les fue ofrecido a una gran cantidad de ellos–; no puede negarse que sale ella victoriosa en el papel de una psicópata que arranca con la apariencia de una simpática enfermera a la que el protagonista debe la vida. Sus prontos, su amour fou, sus cambios de humor, sus eufemismos beatos, su convencimiento de que está en una misión divina para ayudar al escritor a extraer su obra definitiva sobre el personaje que tanto adora y algunas de las acciones –que no describiré para que sorprendan a quienes aún no han disfrutado del film– convirtieron en un mito a esta fan fatal que aterroriza más que algunos de los monstruos sobrenaturales ideados por la pluma del mismo autor.

Atrapado en un ambiente que podría ser acogedor y familiar, Paul Sheldon goza de menor libertad que en una cárcel y su oponente supone una rival muy superior a él mismo, no solo por la ventaja considerable que mantiene sobre la piltrafa en la que se ha convertido, sino por el desconocimiento del hombre sobre los límites de la locura de su admiradora. Cada escalofriante descubrimiento que hace sobre ella resulta, de alguna forma, tranquilizador, ya sirve al novelista para saber con qué se está enfrentando. Muchas veces es más perjudicial la incertidumbre que la constatación de los peores temores.

La tensión

Al volver a ver ‘Misery’, pasados tantos años, me topo con algunas minucias que, o bien había tamizado con el mortero del recuerdo o no había observado entonces, sea porque ahora veo el film con un ojo más crítico o porque los cuatro lustros largos han alejado estos detalles del lustre que da la actualidad, o, por decirlo de forma más directa, que están pasados de moda. Me refiero a los poco convincentes subrayados o aclaraciones, como ese primer flashback con la editora – intervención especial de Lauren Bacall– , algún zoom, ralentí y reencuadre, esa voz de Annie resonando antes de que Paul haya recobrado la consciencia; encuadres en plano detalle, por ejemplo, el de la copa; ópticas deformantes en grandes angulares más propias de un terror de otro rango, en una cinta que es antes que nada un thriller psicológico, o el ataque de la música cuando a ella le da el primer arrebato de ira –primer giro del guion que ocurre exactamente a la media hora de película–. El montaje musical que hace pasar el tiempo –o film montage– algo más avanzada la cinta, es efectivo, pero no resulta agradecido y la fotografía, de Barry Sonnenfeld, podría tender a tonos más oscuros para crear mayor atmósfera.

Siguiendo dentro de la técnica, antes que criticar estos aspectos, es necesario admirar cómo se mantiene la tensión con tan poco. Son magistrales las dos o tres secuencias que se montan en paralelo para crear la incertidumbre de si ella estará de vuelta del pueblo a tiempo para atraparlo a él en sus intentos de fuga o, dándole la vuelta, si el sheriff –interpretado por Richard Farnsworth (en la fotografía siguiente), quien falleció en 2000– será capaz de pillarla a ella in fraganti. El tiempo está dosificado a la perfección para que la consecución no sea engañosa y los planos están elegidos con astucia para dar la inminencia necesaria –pies sobre escalones, pasos en la nieve, etc…–. Este recurso se ha utilizado muy a menudo, pero pocas veces con tanta finura como en esta película.

(Spoilers) La angustia está servida y la dificultad de escapar está retratada con tal verosimilitud, frustrando casi todos los intentos que hace Paul, que parece imposible que la cinta pueda acabar bien. Efectivamente, es muy probable que hoy en día, se le hubiese dado un final fatídico, con la excusa de que sería lo lógico. Pero el mérito narrativo, que aquí habrá que repartir entre King y el guionista, el célebre William Goldman, reside en hacer que parezca irrealizable y, a pesar de ello, hallar la manera plausible de sacar de allí al protagonista.

No cierro aún el aviso ante palabras que destripan el final o momentos clave de la película, para comentar la escena que más me marcó ya en su día –y apuesto a que no solo a mí–: hablo de la ruptura de las piernas con el mazo. Reiner no escatima el primer golpe y nos deja ver el pie fuera de su sitio, aunque se podría haber obtenido el mismo efecto de contagio de dolor con un sonido fuera de campo, como hace en el segundo mazazo, y la reacción del actor. Es el único instante de la película que recurre a lo grotesco, ya que aquí el miedo no lo producen la sangre, las vísceras u otros factores, sino la pura psicología.

A nadie se le escapa la ironía –ya que tampoco hay intención de disimularla– no solo de que Wilkes salvó la vida al protagonista, sino también de que la experiencia casi fatal ha servido al escritor para dar a luz a su mejor obra y no solo porque el sufrimiento le haya hecho crecer o le haya aportado una jugosa historia que contar, sino porque esa enfermera pueblerina escondía en la manga algunas buenas lecciones sobre narrativa (fin del spoiler).

Conclusión: ejemplo perfecto de tensión bien llevada y de terror psicológico, ‘Misery’ cuenta con un terrorífico retrato de una obsesión de la mano de Kathy Bates, que no en por nada le valió un valiente Oscar. Supondrá un descubrimiento para aquellos espectadores que, dada su corta edad, aún no hayan tenido el placer de disfrutarla. No sé si envidio la experiencia de verla por primera vez, pero aseguro que merecerá la pena.

En los comentarios, podéis pedir la película que deseéis que reciba la próxima Crítica a la Carta.

Mi puntuación:

Tanto hablar de esto y al final no se va a hacer. La noticia del día es que Universal Pictures no seguirá adelante con la adaptación de ‘La torre oscura’ (‘The Dark Tower’), un ambicioso proyecto capitaneado por Ron Howard, a través de su productora Imagine Entertainment, que iba a consistir en tres películas y una serie de televisión, con Javier Bardem como protagonista. El motivo es el que os podéis imaginar, un presupuesto demasiado alto (se dice que superaba los 200 millones de dólares), un riesgo que no han querido asumir.

Por lo que he leído, los numerosos fans de la extensa obra de Stephen King se dividen entre los que se alegran de la noticia, pues no deseaban ver la historia en manos de un director tan blando como Howard, y los que se entristecen por la cancelación, cuando ya se habían hecho a la idea de ver las aventuras del pistolero Roland Deschain tanto en la pequeña como en la gran pantalla. Si te encuentras en el segundo grupo, quizá te consuele saber que el hecho de que a Universal no le interese el proyecto, no significa que no se pueda llevar a cabo próximamente. Simplemente, Ron Howard y sus socios, Brian Grazer y Akiva Goldsman, deberán negociar con otro estudio (quizá la Warner, ahora que se quedó sin Harry Potter), lo que seguramente conllevará hacer modificaciones en el plan original, y un retraso en la producción que puede significar la marcha del solicitado Bardem. Ya veremos. Pero si Howard deja el mando a otro realizador, mucho mejor.

PD: Recientemente, Universal también canceló la adaptación de ‘Las montañas de la locura’ de Lovecraft, que estaba preparando Guillermo del Toro.

Vía | Deadline

Se rifan al español. Javier Bardem, que como sabréis recientemente ha sido padre y está nominado al Oscar por tercera vez, se encuentra en el punto de mira de dos de las mayores superproducciones que se están preparando en estos momentos. Tal como nos adelantó Beatriz, el actor canario es la primera opción del director Ron Howard y el productor Brian Grazer para encabezar el reparto de la adaptación al cine de ‘La torre oscura’ de Stephen King. Viggo Mortensen era el otro candidato que sonaba con más fuerza, pero la semana pasada dejó de hablarse de él, pues está negociando su posible incorporación a ‘Snow White and the Huntsman’ (‘Blancanieves y el cazador’), que podría protagonizar junto a Kristen Stewart. Sin Mortensen, y con Bardem pensándoselo, la otra opción que se baraja es llamar a Christian Bale, que al parecer está interesado en el proyecto, pero Howard está decidido y quiere al español a toda costa.

Por otro lado, hoy es noticia que la MGM también quiere a Javier Bardem para la nueva película de James Bond. Ya os comenté que Judi Dench ha confirmado que tanto ella como Daniel Craig han firmado para volver a repetir sus papeles en la 23ª entrega de la franquicia, y que Sam Mendes estará al mando. Se rumorea que Rachel Weisz dará vida a la primera gran villana de la saga, pero mientras se resuelve ese asunto (la actriz ha sonado para el tercer Batman de Nolan), los productores Michael G Wilson y Barbara Broccoli quieren que Bardem se incorpore al proyecto para dar vida a otro enemigo de Bond, al parecer, uno similar al que encarnó Mathieu Amalric en ‘Quantum of Solace’ (2008). Teniendo en cuenta lo caprichoso que se ha mostrado el español eligiendo sus proyectos, rechazando incluso una oferta de Steven Spielberg (porque no quería correr detrás de Tom Cruise), sería raro que aceptase participar en la saga de 007, sin ser el protagonista. Aun así, no es descartable, recordemos su cameo como mafioso en ‘Collateral’ o su breve papel de seductor padre brasileño en ‘Come, reza, ama’. Pronto saldremos de dudas.

Actualización: Se ha confirmado que Bardem estará en ambas producciones.

PD: Naomie Harris, Jennifer Carpenter y Ghita Tazi suenan como favoritas para lograr el papel de Susannah Dean (‘La torre oscura’).

Vía | Deadline

¿Bendecido? ¿Sabes lo que Dios hizo por mí? ¡Me lanzó un camión y me envió a ninguna parte durante cinco años! Cuando desperté, mi chica se había ido, mi trabajo había desaparecido, mis piernas prácticamente no sirven para nada… ¿Bendecido?

(Johnny Smith)

Habíamos dejado el especial dedicado a David Cronenberg en ‘Videodrome’ (1983). Lo recuperamos hoy, meses después (pido disculpas por ello), para hablar de otra de las películas más conocidas del cineasta canadiense, una obra que ha sido y seguirá siendo muy citada, pues hay en ella ideas e imágenes muy poderosas e inteligentes (de las adaptaciones de Stephen King más aplaudidas, junto con ‘Carrie’, ‘El resplandor’ y ‘La niebla’). Cronenberg tuvo que lidiar desde el principio de su carrera con presupuestos muy limitados, pero ello no fue un impedimento para tratar los temas que más le interesaban, ni para componer las escenas que surgían en su cabeza, así que siempre recurrió al ingenio, y a la sugerencia, a la capacidad del espectador para imaginar más allá de lo que se muestra, y de esta manera, sentirlo con mayor intensidad. Por el contrario, muchos cineastas actuales basan todo en costosas imágenes de impacto inmediato, tratando al público como meros borregos que pagan una entrada.

Y digo esto porque ‘La zona muerta’ (‘The Dead Zone’, 1983), al igual que las anteriores ‘Scanners’ (1981) y ‘Videodrome’, pueden ser vistas perfectamente como los antecedentes de las mejores propuestas del moderno cine de superhéroes. Esas que, ambientadas en escenarios cotidianos y urbanos (una de las constantes en la filmografía del canadiense), apuestan más por los personajes y sus conflictos interiores, por el lado humano de los seres fantásticos, en lugar de centrarse en el espectáculo de los efectos visuales y la violencia estilizada. Hay en concreto una película que a mí me resulta imposible no asociar con ‘La zona muerta’, y es ‘El protegido’ (‘Unbreakable’, 2000) de M. Night Shyamalan, que en mi opinión es una completa maravilla (muy superior a la que nos ocupa). Lo curioso es que Shyamalan divide a Johnny Smith (Christopher Walken) y le entrega su excepcional habilidad a David Dunn (Bruce Willis) mientras que Elijah Price (Samuel L. Jackson) se queda con el oscuro atuendo y el bastón. No he visto aún ‘Más allá de la vida’ (‘Hereafter’), pero he visto semejanzas en el tráiler y estoy deseando comprobar los parecidos con el noveno trabajo de Cronenberg.

Cuenta el cineasta que ‘Videodrome’ supuso en cierta manera un punto y aparte en su carrera. Toda la producción de la película había sido muy dura, y el canadiense necesitaba un descanso, enfrascarse en un proyecto menos personal, que no exigiera tanta dedicación. Entre otros títulos le ofrecieron encargarse de ‘El retorno del jedi’ (también a David Lynch), pero finalmente no se llegó a un acuerdo. La adaptación de ‘La zona muerta’, la sexta novela de Stephen King, le llegó de rebote; en un primer momento, iba a ser Stanley Donen quien la trasladara al cine, pero el proyecto se canceló y los derechos cayeron en manos del famoso productor Dino de Laurentiis (recientemente fallecido), que rechazó varios guiones antes de ceder el proceso creativo a su socia Debra Hill, siendo ésta la que finalmente encontró en Cronenberg al director que estaban buscando. A él tampoco le gustaron los libretos que había disponibles (uno de ellos firmado por el propio King), por lo que decidió reescribir el que le pareció más interesante, junto a su autor, Jeffrey Boam. Era un encargo y la historia no había salido de sus entrañas, pero Cronenberg necesitaba implicarse en la escritura para sentirse cómodo con el material, para empezar a hacerlo suyo.

‘La zona muerta’ se centra en John Smith, un nombre de lo más corriente para un hombre corriente (lo que viene a subrayar la arbitrariedad del don, o la maldición, que recibirá más adelante), y desde el mismo arranque se nos anticipa que la suya será una historia oscura y tenebrosa. Smith, profesor de literatura, habla irónicamente a sus alumnos sobre el próximo libro que tratarán en clase, ‘La leyenda de Sleepy Hollow’: “Os gustará, va de un profesor que es perseguido por un demonio sin cabeza“. Casi parece que se dirige al público. Aunque al protagonista de ‘La zona muerta’ no lo perseguirá tal cosa, sí será comparado con un demonio, una vez que adquiera la excepcional facultad de ver el futuro, y el pasado, de la gente que toca con sus manos. Como es habitual en el cine de Cronenberg, el personaje sufrirá una profunda transformación (a partir de un accidente automovilístico, al igual que en ‘Rabia’) y se resistirá a asumirla, a considerar indeseable su nueva condición. El cambio en Smith es brutal, tanto interior (su nueva sensibilidad y el precio que ha tenido que pagar por adquirirla cambian su carácter por completo) como exteriormente (la cojera y ese atuendo que le hace parecer un cuervo, lo que no puede ser casual, pues recita pasajes de ‘El cuervo’ de Poe como si hablaran de sí mismo).

Un acierto del relato es establecer un claro contraste entre la vida que posee Smith antes del accidente (que sin ser maravillosa es justo la que él deseaba) y la que se encuentra después, al despertar de un coma que le ha apartado del mundo durante varios años. Esto permite entender perfectamente al protagonista y por qué no desea aceptar su nueva realidad, por qué lo ve como una desgracia, sintiéndose tan solo y amargado. En muchas películas se hace mal, nos presentan un argumento inverosímil en el que el personaje tarda demasiado en reconocer sus nuevas habilidades (en el caso del cine fantástico), su nuevo propósito (en el de acción o aventuras) o su nueva pareja (en el cine romántico), cuando hemos visto que partía de una situación problemática o indeseable. Smith era feliz, pero tras el incidente (llega a sugerirse que es causado por Dios) es ya otra persona con otras circunstancias, y debe adaptarse. Enseguida descubre que tiene el poder de ver cosas que no están al alcance de los demás, pudiendo prevenir o ayudar a las personas que aparecen en sus visiones. En cierta manera, como comprende pronto, es también ayudarse a sí mismo, pues comparte el sufrimiento de las víctimas como si fuera propio. No puede ver y escapar.

Podría decirse que ‘La zona muerta’ es dos películas en una. Smith deberá hacer frente a dos graves situaciones, algo que Cronenberg aprovecha para dividir el relato en dos partes, dotando a cada una de un tono y una atmósfera particular. A priori, es una idea interesante, pero el resultado es que rompe totalmente el ritmo de la narración, la estructura es demasiado brusca, y una vez que se ha visto la resolución de la primera aventura del protagonista, cuesta volver a engancharse, con pleno interés por seguir viendo cómo progresa la vida de este trágico superhéroe. Y es que el primer bloque es más inquietante y sórdido, destacando la fotografía de Mark Irwin, en un tramo de investigación criminal que parece adelantar el estilo de psycho-thriller que se hizo famoso tras ‘Seven’ (1995); el segundo es más convencional y esperanzador (más romántico, Smith vuelve a sentirse cerca de Sarah, interpretada por Brooke Adams), pero no por ello menos ingenioso, profundizándose en las responsabilidades del protagonista (sus dudas morales) e introduciéndose a un rival caricaturesco que permite una divertida sátira política.

Como en ‘Videodrome’, el enemigo, Greg Stillson (Martin Sheen), vuelve a tener ese toque de fanático religioso, de falso profeta, siendo venerado por una masa de fieles que no ven más allá de las apariencias y los huecos discursos. Tendrá que ser el solitario y ambiguo Smith (al que le queda de fábula el rostro de Walken), que a lo largo de la película ha sido calificado tanto de obra divina como satánica, quien se sacrifique por los demás, en un desesperado intento por detener un posible apocalipsis. Resulta curioso comprobar que, pese a que Cronenberg y Boam se tomaron muchas libertades trasladando la novela, tanto King como la crítica consideraron que se trataba de una adaptación bastante fiel (al contrario de los que piensan que se debe seguir el original al pie de la letra). Según parece, los pases previos con público fueron muy esperanzadores, pero luego esto no se tradujo en un éxito de taquilla, lo que posiblemente llevó al canadiense a considerar que había realizado un buen trabajo, que no había caído en las redes de lo comercial. Su siguiente trabajo volvería a ponerle a prueba, pero de nuevo saldría victorioso, al demostrar que independientemente de la procedencia o el envoltorio del proyecto, el autor que se lo propone, siempre deja su firma. Hasta la música de Michael Kamen parece compuesta por Howard Shore, esencial en los relatos del canadiense.

PD: Un último apunte curioso. Casualmente, Walken encarnó posteriormente al demonio de ‘Sleepy Hollow’ en la versión que dirigió Tim Burton, y Sheen fue Presidente de Estados Unidos en la serie ‘El ala oeste de la Casa Blanca’, cargo al que aspiraba su personaje en ‘La zona muerta’.

• Especial David Cronenberg en Blogdecine:

‘Stereo’

‘Crimes of the Future’

‘Vinieron de dentro de…’

‘Rabia’

‘Fast Company’

‘Cromosoma 3’

‘Scanners… su solo pensamiento podía matar’

‘Videodrome’

Ya nos había anunciado mi compañero Juan Luis que Ron Howard tenía la ambiciosa intención de adaptar las siete novelas de Stephen King que llevan por título ‘La torre oscura’ (‘The Dark Tower’).

El proyecto vuelve a ser noticia porque se están barajando actores para interpretar el papel principal y los nombres que más se han escuchado son los de Javier Bardem y de Viggo Mortensen. O la Universal no se decide entre ellos dos o son las fuentes de noticias las que no lo tienen claro.

El New York Post asegura que será el español quien interprete a Roland Deschain, mientras que Mortensen sería simplemente un repuesto. Sin embargo, pocos días antes, a mediados de diciembre, Howard habló de su proyecto durante la campaña de promoción de ‘The Dilemma’ y ni mencionaba a Bardem. En aquella ocasión, Ron Howard declaró al LA Times que no descartaba a Viggo Mortensen, una de las opciones más aclamadas por los fans de la saga.

Parece que lo de Bardem suena más seguro, pues la información sobre su elección es posterior. Por mi parte, preferiría que se quedasen con Viggo, ya que lo veo más adecuado para este tipo de héroe, aunque quienes conozcáis bien al personaje, quizá tengáis otra opinión.

Este reparto se mantendría tanto para la serie de televisión, como para las tres películas. La idea es arrancar con una película épica y lanzar posteriormente la serie. Más adelante, se estrenaría el segundo largometraje cinematográfico para pasar a una nueva temporada de la serie en la que Deschain sería joven. Una tercera cinta larga daría pie a la tercera temporada televisiva, con un Deschain viejo. Las series servirán de apoyo a los films, pero no serán necesarias para su comprensión. Ahora que escribo todo esto, creo que la palabra del primer párrafo, «ambiciosa», se queda muy corta.

En una mezcla de géneros que incluye la literatura fantástica, la fantasía científica, el terror y elementos del Western, la serie de novelas de Stephen King cuenta la búsqueda de la metafórica Torre Oscura y de su verdadera naturaleza, por parte de Roland Deschain, un pistolero que imagino que toma el nombre del poema épico de caballerías ‘El Cantar de Roldán’ (‘La Chanson de Roland’), atribuido al monje normando Turoldo.

En esta semanal sección, que comenzamos hace dos semanas, intentamos hacer un resumen de algunas noticias o artículos de la blogosfera que nos han llamado la atención y que creemos que os van a interesar mucho. Cinco nuevas propuestas en este final de mes de noviembre, que merecen mucho la pena, así que no os las perdáis:

• En El Blog del Cine Español, nos traen una cita muy reveladora (y muy deprimente) de Carlos Cuadros, el flamante director del ICAA, ahora que Ignasi Guardans se ha marchado (o le han invitado a marcharse), en la que incide en la teoría victimista de que algunos medios atacan por sistema el cine español. Por supuesto, también incluyen un enlace a la entrevista completa.

• Para listas, la que nos trae Cineralia de las diez mejores del año 2010 (que todavía no ha terminado, por lo que se antoja aún más incompleta) según el famoso escritor Stephen King. No suelo estar muy de acuerdo con los gustos cinematográficos de este escritor, que tantas horas de buena lectura me ha dado, pero este año creo que la lista tiene menos sentido, incluso, que otras veces.

• Un muy vistoso vídeo, recopilando los trailers más importantes del año 2010, es el que nos traen en El Ocio Digital, aunque por supuesto, todos ellos americanos, por lo que puedo ver. Pero no importa. Tiene mucho curro el video, y merece la pena echarle un vistazo.

• Desde la interesante web Filmarketing, nos cuentan un poco lo que ha sido el estreno en streaming de la estupenda ‘Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte I’, y reflexiona sobre estas nuevas formas de marketing, que es muy posible que sean generalizadas de aquí a muy poco tiempo, y por poco dinero.

• En uno de los últimos artículos de Aullidos, llevan a cabo un muy grato especial acerca de lo que ellos llaman Monstruos enamorados, a cargo de Javier Bort Estrada, que me ha gustado mucho leer y que creo que también gustará a nuestros lectores.

Y por el momento, y hasta el domingo que viene, esto es todo en nuestra sección semanal. Si tenéis alguna petición o idea de algún artículo que debamos poner aquí, ya sabéis que tenéis el formulario de contacto para hacérnoslo saber.

Sin orden ni preferencia diez finales inolvidables en la historia del cine. Algunos en versión original, otros doblados, para todos los gustos.

‘Dejad paso al mañana’

Ya dije en su momento que probablemente nos encontrábamos ante el final más emocionante que haya dado el cine, por su sequedad, su dureza y su sinceridad. Tras pasar 50 años juntos una pareja es desahuciada y tiene que separarse, yéndose uno de ellos a vivir muy lejos. En un acto que puede tomarse como una irresponsabilidad deciden pasar una última noche juntos antes de una separación que saben será para siempre, y en este caso peor que la muerte. Nunca una película habló con tanta dureza sobre la vejez —esa amiga que nos espera a todos, preámbulo de la segura muerte— y el seco final es un puñetazo sin compasión que se siente cada vez que se recuerda. Leo McCarey tiene otros finales antológicos como el de ‘Tú y yo’ (‘An Affair to Remenber’, 1957).

‘Con faldas y a lo loco’

Evidentemente Billy Wilder no podía faltar en esta lista y entre todas sus películas, algunas de las cuales poseen unos finales maravillosos, he decidido escoger el más rápido, por seco, conciso y desternillante. La frase “nadie es perfecto” se ha convertido en una de las más famosas de toda la historia del cine. ‘Con faldas y a lo loco’ —estúpido título español de ‘Some Like It Hot‘— es una de las comedias más perfectas de todas cuantas se han hecho, una locura con mucho sentido cuyo final es simple y llanamente una graciosísima vuelta de tuerca y toda una declaración de intenciones.

‘La invasión de los ultracuerpos’

No considero la versión de Philip Kaufman superior a la de Don Siegel, una obra maestra de la ciencia ficción, pero sí es un apreciable remake que supo hacer algo que la mayoría de los remakes no hacen, aportar algo más a lo ya visto sin traicionar el espíritu de la obra versionada. Evidentemente una de esas aportaciones es su terrorífico final, sin duda uno de los gritos más espeluznantes que servidor pueda recordar, y que le dejó atemorizado durante días. Donald Sutherland gritando a la llorona y superviviente Veronica Cartwright es uno de los finales más desesperanzadores que existen.

‘Esta tierra es mía’

Por motivos muy personales y que ahora no vienen al caso, ‘Esta tierra es mía’ es una de mis película favoritas. El final con un impresionante Charles Laughton hablando a un grupo de niños justo antes de enfrentarse a la muerte es uno de los instantes más emotivos que existen y existirán. Una llamada a la cordura y a la esperanza de las futuras generaciones en cuyas manos está la supervivencia y preservación de los derechos humanos. “Me tengo que ir, no porque perjudico a las sociedad, que sois vosotros, sino porque perjudico a la tiranía” es una frase que se queda grabada para siempre. Jean Renoir en suelo americano filmando otra de sus obras maestras.

‘Inteligencia artificial’

De ese genio de nombre Steven Spielberg podría haber elegido mucho finales, aunque tenga a gente muy cerca que piensa que este director falla en los finales, pero éste me parece el más atrevido y duro de todos. El perfecto colofón al film que siempre soñó Stanley Kubrick y que el Rey Midas nos sirve con un bonito envoltorio tratándose en realidad de una puñalada sin compasión al espectador. Muchos quedaron defraudados, curiosamente los mismos que creen ver extraterrestres en esta parte de la película, algo que todavía me sigue sorprendiendo cuando alguien me lo dice —“no puede ser tan cortito”, pienso yo—. La manera que Spielberg tuvo de reírse de ellos en ‘Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal’ es también antológica, y cómo no, siguieron sin pillarlo.

‘La niebla’

Frank Darabont adaptando de nuevo a su amigo Stephen King y atreviéndose a cambiar el final del libro. El propio escritor se considera fan del final de la película y no es para menos. Tras pasar un verdadero infierno y sentir que no hay esperanza se toma la única decisión posible ante el horror inminente. La música de Dead can Dance —con Lisa Gerrard al frente— desvela la cruel e irónica realidad. Da igual las veces que se vea, sigue impresionando y dejando sin palabras. Recomiendo la versión en blanco y negro, tal y como la concibió Darabont.

‘Duelo al sol’

Si el amor es destructivo el final de una de las obras maestras de King Vidor lo demuestra con creces. Uno de los besos más esperados de toda la historia del cine, entre una perfecta Jennifer Jones —normalmente esta actriz estaba insoportable— y un malvado Gregory Peck en uno de los papeles más extraños de toda su filmografía. El inevitable y lógico duelo final bajo un sol abrasador, y sellado con el mencionado beso, es uno de los instantes más intensos que existen en el séptimo arte, una de esas escenas por las que merece amar el cine. Ya he perdido la cuenta de las veces que la he visto, ¿y quién no?

‘Los puentes de Madison’

De Clint Eastwood podría haber elegido varios finales pero es éste el que me deja completamente desarmado y llorando como un gilipollas. Tras la impresionante secuencia bajo la lluvia —que apuntemos, era la escena de prueba— Eastwood va más allá y rueda la llegada de un paquete cuyo interior se desvela como el más triste filmado por su director. La posterior ceremonia de las cenizas con la voz en off de Meryl Streep diciendo aquello de “haced todo cuanto esté en vuestras manos por ser felices” no es sólo la demostración final de cómo hacer de una mediocre novela una obra maestra, es demostrar por el cine un amor inmenso. Pero ya hablaremos de ella más detenidamente en el especial que le estamos dedicando al actor realizador en Blogdecine.

‘Cinema Paradiso’

¿Tengo que explicar por qué está este final en la lista? Espero que no. Sólo una pregunta: ¿algún cinéfilo de los de la vieja estirpe, como yo los llamo, es capaz de aguantar las lágrimas?

‘Los pájaros’

Don Alfred Hitchcock tiene en su haber unos cuantos finales antológicos —‘Vértigo’, ‘Psicosis‘— pero es éste, el de una de las mejores películas de terror que se han filmado, el que considero más impactante. Sin música, sólo el espeluznante sonido que desprenden los pájaros en aparente calma, los protagonistas logran subirse al coche y huir de allí. ¿Final feliz? Permítanme dudarlo. Por otro lado esta película logró convertir en puro horror algo tan cotidiano como un pájaro. Tal es su poder de sugestión que es imposible no acordarse de ella cuando vemos una bandada de pájaros que se acerca. Nunca pasa nada, pero yo siempre me acuerdo de la madre de Hitchcock.

‘Lost’

Jack caminando solo entre el bambú para más tarde morir acompañado por Vincent; el limbo donde todos toman conciencia de sí mismos comprendiendo por lo que vivieron y también por aquello que murieron, mientras Michael Giacchino eleva el material a la categoría de obra maestra. Hay más cine en el último capítulo —y en el 99% de la serie— de ‘Lost’ que en el 80% de las películas estrenadas a lo largo de un año.

Séquense las lágrimas, damas y caballeros, necesitan los ojos en perfecto estado para contribuir a mi lista con la vuestra.

Parece que se aclara el futuro cinematográfico de ‘La torre oscura’ (‘The Dark Tower’), la serie de siete novelas escritas por Stephen King. El propio autor y las compañías Imagine Entertainment y Weed Road están perfilando la creación de una trilogía de películas basadas en esta obra, así como una serie para la televisión. La distribución correrá a cargo de Universal Pictures. Recordemos que este proyecto estuvo durante un tiempo en la órbita de J.J. Abrams, que pretendía llevar a cabo la adaptación junto a sus colaboradores de ‘Lost’, Damon Lindelof y Carlton Cuse.

Volviendo a lo que más nos interesa, cabe destacar que el nuevo acuerdo supone que las películas las dirigirá el estadounidense Ron Howard, a partir de los guiones escritos por Akiva Goldsman; como recordaréis, los dos son responsables de las adaptaciones de ‘El código Da Vinci’ y ‘Ángeles y demonios’, nos guste o no, éxitos de taquilla. Brian Grazer, socio de Howard en Imagine Entertainment, producirá la trilogía junto a Goldsman y King. Por el momento no se sabe a ciencia cierta qué papel tendrá la serie, pero parece que saldrá tras el estreno de la tercera película, narrando la historia de los libros de forma más completa (todo por sacar más beneficio). No sé por qué, pero me veo venir una cadena de comentarios iniciados con un largo nooooooo…

PD: Al parecer, las principales fuentes de inspiración de la serie son el poema ‘Childe Roland to the Dark Tower Came’ de Robert Browning, ‘El Señor de los Anillos’ de JRR Tolkien, las leyendas artúricas y la película de Sergio Leone ‘El bueno, el feo y malo’.

Vía | Deadline

Voy a repasar un top ten con todas las dificultades y limitaciones que ello conlleva. Muchas se quedan fuera inmerecidamente, pero a la hora de escoger entre diez películas de terror de toda la historia, la decisión viene dada por el buen recuerdo, la experiencia vivida con su visionado y por cierta afinidad con sus creadores o intérpretes. Vamos a recordar algunos momentos terroríficos (sin orden de preferencia).

• ‘Phantasm’ (1979)

Solo la vi una vez (en VHS) y siendo muy joven, pero el recuerdo de algunas escenas aún perdura en mi cabeza. Quizás esta cinta dirigida por Don Coscarelli no sea una de las más reputadas dentro del género, pero si que contiene momentos realmente terroríficos y es de las que no quiero volver a ver para no perder ese ¿buen? recuerdo. Tiene un aire desconcertante, con muchos tópicos del género pero con un horror sobrenatural muy hábil y es difícil no asustarse con esas bolas metálicas que me provocaron más de una pesadilla.

• ‘La última casa a la izquierda’ (‘The Last House on the Left’, 1972)

Wes Craven logró hacerse un nombre en el género de terror con este título. Esta cinta contiene escenas realmente impactantes y de gran dureza. Es una verdadera pesadilla en forma de venganza sangrienta, quizás peca de falta de ritmo, pero su estética setentera y su auténtica serie B también me encandilaron hace muchos años. Otra de las que no he querido volver a ver (y menos el reciente remake) y que me provocó algún susto inolvidable.

• ‘El pueblo de los malditos’ (‘Village of the Dammed’, 1960)

El uso de niños para provocar pánico en el cine de terror ha tenido muchos capítulos ilustres, pero un destacado hueco tiene esta cinta protagonizada por George Sanders. Un grupo de pequeños niños con poderes mentales que anda fastidiando a toda la comunidad de una pequeña población. Su mirada y su actitud desconcertante provocan auténtico pánico. Vista hoy día, quizás pierda mucha de su eficacia, pero no se puede negar que con un planteamiento tan sencillo resulta muy efectiva.

• ‘Carrie’ (1976)

Gran acierto de Brian de Palma con esta historia ingeniada por Stephen King en una novela del mismo nombre, y quizás una las mejores traslaciones de sus obras literarias a la gran pantalla. Sabe transmitir ese sentimiento inquietante, gracias a un gran trabajo de Sissy Spacek con una joven con telequinesia y que lleva a cabo su particular venganza contra los que se burlaban de ella. Inolvidable la escena del baile de graduación. Estremecedora.

• ‘Al final de la escalera’ (‘The Changeling’, 1980)

Todo un clásico en la década de los ochenta, este título protagonizado por el inolvidable George C. Scott con casa encantada incluida. Contiene elementos visuales prodigiosos y un terror muy bien dosificado, con un suspense sensacional, generando la suficiente inquietud para que la película sea realmente entretenida. Muy bien narrada por Peter Medak y con un trabajo soberbio de Scott.

• ‘La profecía’ (‘The Omen’, 1976)

Parece que tengo una especial predilección por esta década con el género de terror, pero ciertamente fue una época fructífera y que dejó grandes títulos. ‘La profecía’ es una de ellas y fue un gran éxito que tuvo sus posteriores secuelas, algo habitual. Otro niño con cara de ángel, que con su sola mirada logra inquietar al más frío. Un guión magnífico, bien construido y que Richard Donner supo aprovechar a la perfección.

• ‘La noche de Halloween’ (‘John Carpenter’s Halloween’, 1978)

Primera y más auténtica aparición de Michael Myers, uno de esos asesinos clásicos que ha dado el género. Carpenter se lució con esta cinta, contando con la inestimable participación de Jamie Lee Curtis y Donald Pleasence que aportaron mucho para lograr que esta película consiguiera transmitir verdadero horror. Fue un fenómeno en la época (de ahí su consiguiente saga interminable) y no es para menos, puesto que con un presupuesto pobre se logró que un psyco-killer como Myers fuera un reclamo tan poderoso. El suspense y el ritmo son sus mejores armas para lograr que la película, que evidencia su falta de recursos, funcione.

• ‘El cuervo’ (The Raven’, 1963)

No podía olvidarme del maestro Roger Corman. Un genio que gastaba lo mínimo pero que dejaba su entusiasmo a la hora de plasmar historias fantásticas y de terror como esta. Con un reparto de cinco estrellas (Vincent Price, Peter Lorre, Boris Karloff, Jack Nicholson) consigue una historia muy de su estilo, con decorados barrocos, un tono decadente y buenas dosis de humor. Pura y auténtica serie B.

• ‘La cosa’ (‘The Thing’, 1982)

De nuevo Carpenter dio en el clavo con esta historia claustrofóbica ambientada en la Antártida, con unos investigadores (Kurt Russell de protagonista) que se enfrentan a algo misterioso que provoca verdadero terror. Está narrada con maestría, con insipiración y cuenta con unos efectos especiales nada desdeñables para una producción así. De verdad que su eficaz suspense y su asfixiante trama la convierten en un gran clásico.

• ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960)

Dudaba mucho en incluir a esta película de Hitchcock en el top, pero creo que le tengo especial afecto y no podía excluirla. Poco nuevo se puede decir de una obra maestra así, con escenas cumbre del género en la historia del cine y con un personaje tan mítico como el interpretado por Anthony Perkins. Y reivindico la banda sonora del absoluto genio Bernard Herrmann como una de las más sobresalientes. Menos mal que logró convencer a Alfred de incluir su música en la famosa escena de la ducha. A la postre fue una de las mejores decisiones que se tomaron. Hasta el tráiler es de culto:

Por cierto, ahora que se aproxima ‘Paranormal Activity’, ¿será un título que permanezca en la memoria? (en cuanto a cifras, seguro).

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