Recuerdo el momento en el que supe que estabas enamorada de mí. Lo vi en tus ojos. Todavía puedo verlo…

A falta de solo un día para el estreno en España de ‘Un método peligroso’ (‘A Dangerous Method’), nos toca hablar en este especial dedicado a David Cronenberg de su primera colaboración con el actor Viggo Mortensen. Después de ‘Spider’ (2002), el realizador canadiense tenía entre manos un nuevo guion original titulado ‘Painkillers’ que pintaba muy bien (centrada en un artista y la resistencia al dolor), pero en algún momento dejó de interesarle lo que estaba creando y lo abandonó. En su lugar, optó por hacerse cargo de la adaptación a la gran pantalla del cómic o novela gráfica ‘Una historia de violencia’ (‘A History of Violence’) de John Wagner y Vince Locke. He leído que Cronenberg aceptó el proyecto en parte para compensar el no haber cobrado nada por su anterior trabajo, y puede que así fuera, al fin y al cabo dirigir es un trabajo y este hombre no vive del cuento, pero, de nuevo, se trata de una película que encaja perfectamente en su coherente carrera, no es obra aparte sin conexión con las demás y que podría haber realizado cualquiera. Queda patente su interés por el texto que tiene entre manos (violencia, sexo, identidad…) y se percibe su mirada, su idea del cine.

Según el director canadiense, el guion que le ofrecieron (escrito por John Olson) llamó su atención en primer lugar por toda la iconografía y mitología vinculada a Estados Unidos, por esos elementos que uno espera encontrar en la típica historia norteamericana; elementos con los que Croneberg podía jugar y pervertir para tratar algo mucho más fascinante que un simple relato violento de redención. Tenemos el pequeño pueblo aislado y tranquilo, los buenos vecinos, los valores familiares, las recompensas del trabajo duro, el sheriff, el bar, los forasteros indeseables, los tiroteos… Podría tratarse de un western, el género estadounidense por excelencia. O una de mafiosos, con el gánster elegantemente vestido amenazando la paz del héroe. A ratos, ‘Una historia de violencia’ es eso. Por un lado tenemos a los Stall, una familia ejemplar que está viviendo el sueño americano (el inicio empalagoso recuerda al de ‘La zona muerta’), y que representa el amor y todo lo bueno, y por otro lado están los villanos, unos monstruos que solo entienden de robar, violar y matar; tenemos el conflicto planteado y solo queda esperar a que el héroe lo resuelva, y todos contentos con nuestra dosis de violencia “justa”. Pero Cronenberg no quiere hablar de buenos y malos, de héroes y villanos; su objetivo es la naturaleza humana, la oscuridad y la luz que hay en cada uno de nosotros.

Que Cronenberg adapte un relato ajeno no significa que no se haya implicado en el guion. Lo hace, y no solo en la etapa de pre-produción, también lo modifica durante el rodaje y durante la post-producción. El que lea el cómic descubrirá que la adaptación cinematográfica comienza de manera similar, con un hombre corriente que despierta su alter ego violento para detener a unos criminales, pero difiere mucho en el desarrollo y el desenlace; a Cronenberg no le interesaba el espectáculo violento, sino retratar la violencia innata al ser humano, y cómo podemos convivir con ella. En este sentido es muy significativo el final de la película, un cierre cargado de significado y emoción, de lo mejor que ha rodado el canadiense. Recomiendo a todos los lectores interesados en saber más sobre esta película o sobre el modo en el que trabaja este director, que echen un vistazo al interesante contenido extra incluido en la edición doméstica de ‘Una historia de violencia’ (2005); aparte de los audio-comentarios del realizador, o una escena eliminada con Mortensen y Ed Harris (una sangrienta pesadilla que habría perjudicado el conjunto), hay un jugoso “making of” donde se ve cómo el director afronta el rodaje de una serie de escenas, siempre buscando la colaboración del equipo técnico y artístico que le rodea, dispuesto a escuchar a todo el que tenga una idea que pueda enriquecer la película.

Cronenberg no usa “storyboards” y acude al set sin una idea preestablecida de cómo va a rodar la escena. Lo decide in situ, con el equipo. Ensaya con los actores en el escenario, lo más cerca de la ficción, permitiendo que se sientan cómodos con sus personajes, sus frases, su ropa, los objetos que le rodean y el lugar dónde tienen que moverse. Las improvisaciones están permitidas y ningún detalle es irrelevante para Cronenberg, todo lo que el reparto pueda aportar a sus personajes es bienvenido (Greg Bryk y Stephen McHattie inventaron un pasado para los dos matones que encarnan, aunque nunca llega a oídos del espectador). Este método de trabajo, bien entendido y ejecutado, tiene un excelente resultado en la pantalla, todo resulta más cercano y auténtico. Asimismo, cabe señalar que, desde ‘Crash’, el realizador muestra a los actores las escenas de sexo o con desnudos que ha filmado, con la intención de transmitirles confianza, deja que vean qué queda dentro del plano, cómo se ven sus cuerpos, cómo resultan sus movimientos, con la esperanza de que así darán lo mejor de sí mismos. Dos de las escenas más recordadas de ‘Una historia de violencia’ son precisamente las sexuales. Las incluyó Cronenberg, no estaban en el guion de Olson. Y el motivo es que si estaban plasmando la faceta más salvaje o animal del hombre, era imprescindible abarcar la sexualidad.

Normalmente, las escenas de sexo en las películas son gratuitas, una concesión al espectador o una manera de lucir a los actores con intenciones puramente comerciales. Las películas de Cronenberg no suelen durar más de una hora y media, no tiene piedad eliminando metraje si considera que debilita o desestabiliza el conjunto, así que si incluye desnudos o acción sexual puedes estar seguro que hay un motivo. Efectivamente, las dos situaciones en las que los personajes de Mortensen y Maria Bello se relacionan sexualmente son relevantes, aportan información. Atención sobre todo al cambio que se produce en la segunda escena, cuando la mujer ya ha descubierto la verdad sobre el pasado de su marido (no resultaría tan convincente ni tan sorprendente si no les hubiéramos visto antes en la cama). Es importante apuntar que en esa escena se une la violencia con el sexo, que es también una parte innata del ser humano; Cronenberg considera que en los actos violentos suele haber excitación sexual, y que el sexo es en esencia un acto violento consentido por las dos partes, un enfoque que encaja con la visión del hombre como un animal racional o con conciencia (y choca con ideas religiosas). También es muy interesante porque refleja una lucha de poder entre el hombre y la mujer. Ojo al final de la escena, a cómo termina cada uno.

Durante la presentación de la película en el festival de Cannes, un periodista comentó a Cronenberg que le había sorprendido (negativamente) cómo la gente aplaudía entusiasmada tras las escenas violentas. Y el realizador contestó, con la tranquilidad y la sinceridad que le caracterizan, que ésa era justo la respuesta que él buscaba cuando las filmó. A la mayoría puede que le resulte inconcebible la idea pero Cronenberg sabe y demuestra que el ser humano disfruta con la violencia; lo mismo que disfruta del sexo. En este sentido, su película es un puñetazo de verdad en el estómago de la hipocresía. No hay más que ver las películas, las series o los videojuegos que se hacen y triunfan, o el mismo pasado del ser humano, toda esa Historia de violencia. ¿Cómo es posible que aún haya tanta gente que mire hacia otro lado, y crea en fantasías como el cielo y el infierno? Cronenberg apuesta por asumir lo que somos, con el objetivo de poder controlarlo, no en ensalzar la violencia o darle un sentido positivo, como suele hacer el cine industrial o comercial. Aquí no hay un héroe de Hollywood que tras matar a los malos vuelve a casa satisfecho y entre aplausos, porque ha devuelto la paz, con sangre en las manos.

Como ocurre en películas de Sam Peckinpah o Clint Eastwood, matar puede llegar a ser un acto inevitable, pero no deja de ser un acto brutal, sucio e indeseable, perturbador, que puede transformarse en una especie de potente virus y acabar con todo lo que se ha construido humana y pacientemente. Llama la atención cómo Cronenberg representa las escenas violentas de una forma similar a los accidentes de tráfico que aparecen en sus otras películas, buscando el realismo en la medida de lo posible y no el espectáculo visual (prohibida la cámara lenta); son rápidas y contundentes, destructivas (los rostros desfigurados), desagradables y definitivas en la mayoría de las ocasiones, sin vuelta atrás. Pero no es este retrato descarnado del ser humano un pozo de tinieblas, sangre y pesimismo, Cronenberg confía en la humanidad, cree que hay esperanza. Y en definitiva, ‘Una historia de violencia’ es una de las películas más sentimentales de su director, además de una de las más accesibles para el gran público, una meta necesaria para una producción de 30 millones de dólares (el mayor presupuesto en la carrera del realizador).

‘Una historia de violencia’ no fue lo que se dice un éxito de taquilla, pero funcionó bien y en general recibió elogios tanto de la crítica como del público; William Hurt (que apenas interviene en diez minutos) y Olson fueron candidatos al Oscar. Cronenberg quedó encantado con la experiencia y encontró en Mortensen a un extraordinario aliado delante de la cámara, repitiendo de nuevo con él en su siguiente proyecto, ‘Promesas del este’ (‘Eastern Promises’, 2007). Como ya hay varias críticas de esa película en el blog (incluida una mía, escrita con la emoción que se siente tras un único y reciente visionado), mi próximo artículo dedicado a la carrera de Cronenberg estará centrado en su nuevo y esperado trabajo, el que llega mañana a nuestras salas, antes de dar por concluido este especial que, reconozco, ha durado más tiempo del previsto.

• Críticas de ‘Promesas del este’:

‘Promesas del este’, aún existe el buen cine

‘Promesas del este’, otra buena película de Cronenberg

‘Promesas del Este’, otra historia de violencia

• Otra crítica de ‘Una historia de violencia’:

‘Una Historia de Violencia’, Cronenberg firma su mejor film

• Especial David Cronenberg en Blogdecine:

‘Stereo’

‘Crimes of the Future’

‘Vinieron de dentro de…’

‘Rabia’

‘Fast Company’

‘Cromosoma 3’

‘Scanners… su solo pensamiento podía matar’

‘Videodrome’

‘La zona muerta’

‘La mosca’

‘Inseparables’

‘El almuerzo desnudo’

‘M. Butterfly’

‘Crash’

‘eXistenZ’

‘Spider’

Bueno, esto ya es otra cosa. Aquí tenéis el nuevo tráiler de ‘Immortals’, la nueva película de Tarsem Singh (‘La celda’, ‘The Fall’). Ya es el tercer avance que lanza Relativity Media (todos en torno a los dos minutos de duración, ningún teaser), y es el que más me ha gustado; el único, en realidad, los otros dos tenían imágenes muy llamativas, pero me dejaron algo frío. Este último avance me parece mejor montado, mejor organizado, y luce más el recargado aspecto visual de la película. Ya quería verla antes, no me pienso perder una superproducción dirigida por Tarsem, pero ahora han conseguido dejarme impaciente. Lamentablemente, aún queda bastante para poder verla; llegará a los cines el próximo 11 de noviembre, en salas 2D y 3D.

Henry Cavill (el nuevo Superman), Freida Pinto, John Hurt, Kellan Lutz, Isabel Lucas, Luke Evans, Stephen Dorff, Stephen McHattie, Daniel Sharman y Mickey Rourke son los protagonistas de ‘Immortals’, cuya historia gira en torno al guerrero griego Teseo, elegido por los dioses para liderar a los hombres en una batalla contra el temible ejército del cruel rey Hiperión. A continuación os dejo también el último cartel de la película, centrada en la escena más comentada de los avances:

PD: El mismo día se estrenan en nuestro país ‘Anonymous’, ‘La gran aventura de Winter’ (‘Dolphin´s Tale’) y el remake de ‘Perros de paja’ (‘Straw Dogs’).

Vía | Impawards

Dos meses después del primer avance, ya ha salido un nuevo tráiler de ‘Immortals’ que pretende dejarnos alucinados, con los ojos como platos, ansiosos por ver el resto de la película. Ya me diréis si lo ha conseguido con alguno de vosotros, a mí esto me sigue pareciendo una peligrosa mezcla entre ‘300’ (2006) y ‘Furia de titanes’ (‘Clash of the Titans’, 2010). Confío en la creatividad de Tarsem Singh (‘La celda’, ‘The Fall’) y quiero ver la película (no todos los días tiene uno la oportunidad de ver en el cine una aventura de estas proporciones), pero debo decir que el vídeo me ha dejado frío, indiferente.

Vlas y Charley Parlapanides firman el guion de ‘Immortals’, protagonizada por Henry Cavill (el próximo Superman), Mickey Rourke, Stephen Dorff, Isabel Lucas, Freida Pinto, Luke Evans, Kellan Lutz, John Hurt, Stephen McHattie y Daniel Sharman, entre otros. La historia gira en torno al guerrero griego Teseo (Cavill), elegido por los dioses para liderar a los hombres en una batalla contra el temible ejército del cruel rey Hiperión (Rourke). Se estrena el próximo 11 de noviembre (11-11-11) en Estados Unidos, en 2D y 3D; se supone que en España la veremos también por esa fecha.

PD: Cavill también tiene pendiente de estreno el thriller ‘The Cold Day of Light’, filmado en España. Dirigido por Mabrouk El Mechri (‘JCVD’), con Bruce Willis y Sigourney Weaver como secundarios de lujo.

Mientras en Hollywood se prepara el (¿imposible?) remake de la violenta ‘Martyrs’ (2008), su director, el francés Pascal Laugier, ya está rodando su nueva película, un thriller de suspense hablado en inglés que se titula ‘The Tall Man’ (‘El hombre alto’). Según dicen, la trama y el estilo recordarán a los primeros trabajos de M. Night Shyamalan, si bien supongo que hablan de ‘El sexto sentido’ y ‘El protegido’ (‘Unbreakable’), y no de las otras que hizo antes.

‘The Tall Man’ está protagonizada por la estadounidense Jessica Biel, quien interpreta a una mujer cuyo hijo ha sido raptado; en su desesperada búsqueda descubrirá una leyenda local que se refiere a “El hombre alto”, una misteriosa y oscura figura que se lleva a niños que desaparecen para siempre. Stephen McHattie, Samantha Ferris, Teach Grant, Jodelle Ferland y William B. Davis (el enigmático fumador de ‘Expediente X’) acompañan a Biel al frente del reparto. Está previsto que el rodaje, que está teniendo lugar en Canadá, termine a mediados de noviembre, aunque no aún no se habla de una fecha para el estreno.

PD: Lo último de Biel es ‘Nailed’, de David O. Russell, con Jake Gyllenhaal. Es una de las dos películas que Russell tiene en fase de post-producción, la otra es ‘The Fighter’.

Vía | ComingSoon

Grant: “Matar es besar… ¡Matar es besar!... ¡¡Matar es besar!!”.

Sydney: “Mátame”.

‘Pontypool’ es una atractiva película de terror dirigida por Bruce McDonald y escrita por Tony Burgess, a partir de su propia novela, titulada ‘Pontypool Changes Everything’. Realizada en 2008, la película, de producción canadiense, se proyectó en la pasada edición del Festival de Sitges, pero todavía no se ha estrenado en nuestro país; con un poco de suerte, saldrá algún día en DVD, aunque todos los que ya han tenido interés por ella han podido verla, en versión original subtitulada, y gratis. Enhorabuena a los que debían sacar dinero de este producto.

Decía mi compañero Adrián recientemente, que el género de terror deber ser uno de los más complicados de rodar, a tenor de la escasa cantidad de películas que merecen realmente la pena. Estoy de acuerdo con él. Se hacen muchísimas películas de terror malísimas, tan ridículas que más que asustar hacen reír. Caracterizadas normalmente por un guión repleto de situaciones absurdas, un reparto nefasto y un nulo sentido del suspense, pero apoyadas en el bajo coste que requieren, la mayoría suelen recurrir a jóvenes guapos, mucho escote y litros de sangre para disimular la mediocridad del conjunto. Una fórmula muy simple que aunque parezca mentira, todavía sigue funcionando. Por todo esto, encontrarse con ‘Pontypool’ supone toda una sorpresa al huir de todos los tópicos del terror actual.

Para seleccionar entre tantísima oferta cinematográfica, hay gente que se deja llevar mucho por la sinopsis (en lugar de fijarse en en el nombre del director, que es infinitamente más fiable). Yo siempre que puedo, evito leerlas. No sólo porque pueden contar hechos relevantes de la trama (algunos DVDs incluso destripan el final), sino porque muchas veces dan una idea equivocada de lo que luego vas a ver. Es un poco como lo que pasa cuando ves un tráiler, pero con una importante diferencia: al leer un argumento, te lo imaginas en la cabeza, le das forma, y luego puede resultar que no tiene nada que ver con la película que has ido a ver. Es lo que suele pasar con los libros y sus adaptaciones al cine, que casi nunca convencen a los que leyeron la obra original. James Cameron apuntaba también a esto cuando quiso explicar por qué hay gente que no alucina con su ‘Avatar’. Pero estamos hablando de ‘Pontypool’.

Como decía, no suelo leer las sinopsis de las películas. Pero el pasado mes de octubre estaba en el Festival de Sitges, en la cola de la taquilla, y en mi agenda había huecos que podía rellenar, así que me puse a leer de qué iban todos los títulos de la programación a los que podía ir, buscando algo que me atrapara. Así llegué al ingenioso punto de partida de ‘Pontypool’. La película nos traslada a la emisora de radio de la pequeña y tranquila ciudad de Ontario que da título al film. Durante la realización de un programa informativo, llegan noticias sobre el violento comportamiento de un grupo de habitantes de la población, al que poco a poco se van sumando más personas. Al parecer, están infectados por un virus que se transmite con el lenguaje…

A la atractiva idea escrita por Burgess, hay que sumar la habilidosa realización de McDonald, capaz de que no se note demasiado la falta de presupuesto, y sobre todo el extraordinario trabajo de uno de sus protagonistas, Stephen McHattie, en el papel del locutor de radio Grant Mazzy. El veterano actor, a quien habéis podido ver no hace mucho en ‘Una historia de violencia’ (es uno de los dos asesinos del principio) o en las dos últimas películas de Zack Snyder (‘300’ y ‘Watchmen’), compone un grandioso personaje, acertadísimo porque es el tipo que tiene que soportar el peso de la película y mantener al público pendiente de lo que sucede en la pantalla, aunque no esté pasando prácticamente nada. Y es que además de que la amenaza tarda bastante en llegar, durante gran parte de la película es invisible, nos llega narrada por radio. De hecho, para construir la trama, Burgess se basó en la famosa versión de ‘La guerra de los mundos’ con la que un joven Orson Welles aterrorizó a su audiencia en 1938.

Con su increíble voz, su aspecto de vaquero y su actitud (quiere pasarlo bien, lo mismo que nosotros), McHattie crea un personaje que es carisma en estado puro, un profesional que conoce a fondo su trabajo, un lobo viejo que ya ha pasado por todo tipo de situaciones, y que ahora debe encargarse de un miserable programa de radio en un pueblo donde nunca pasa nada… ¡hasta ahora! En este sentido, hay un momento antológico, que sucede cuando la situación en el pueblo se vuelve cada vez más preocupante, y entonces reciben la llamada de un periodista de la poderosa BBC que pide hablar en directo con Mazzy, para ver si éste puede aclarar un poco lo que está ocurriendo en Pontypool; la reacción del protagonista es desternillante. Detalles de humor como ése elevan el nivel de la película, haciéndola entretenida para todo tipo de público, no sólo para los fans del género de terror, que en todo caso la encontrarán de lo más refrescante.

La película tiene escenas muy inspiradas (el prólogo es de lo más inquietante), y la ácida crítica que se esconde bajo la corriente trama de zombies (o infectados) que atacan a los vivos es de lo más divertida, fruto de la mala uva de un escritor que al parecer se llevó la friolera de 8 años escribiendo y enviando versiones del guión al director. Según McDonald, que durante ese tiempo estuvo buscando financiación, Burgess tardó sólo 48 horas en hacer los arreglos necesarios y redactar el borrador definitivo, una vez que por fin tenían algo de dinero, el suficiente para rodar la película. Sé lo que es llevarte años con una historia, revisándola una y otra vez, y me imagino que Burgess estaría hasta los innombrables cuando debió entregar la última versión, porque lo cierto es que el guión de ‘Pontypool’ hace aguas en varios momentos, como cuando se comete el gran error de explicar cómo funciona el virus.

Situada casi por completo en un solo escenario (la emisora de radio), y con muy pocos personajes, ‘Pontypool’ podría definirse como una acertada mezcla entre la versión radiofónica de ‘La guerra de los mundos’ y el clásico de George A. Romero ‘La noche de los muertos vivientes’, rematada con un poco de saludable comedia. Sus mayores aciertos, McHattie, las bromas y la creciente tensión, realmente lograda (uno llega a sentirse agobiado por la inminente llegada de los infectados); sus errores, que tarda un poco en arrancar, que explica más de la cuenta y que se saca de la manga a un personaje totalmente prescindible (uno que entra y sale por el mismo sitio).

En cualquier caso, sus logros son más importantes, el conjunto se mantiene en pie con y frente a su competencia, es una película muy divertida y recomendable. Creo que una clara señal de que una película de terror funciona se produce cuando terminas de verla y te quedas con mal cuerpo, ligeramente nervioso, llevándote un susto (o casi) cuando experimentas algo que se parece demasiado a una escena de las que acabas de ver, pero ahora en tu mundo, el real. En este sentido, no hay más que darse una vuelta por Internet o encender la televisión para comprobar que, efectivamente, el virus de Pontypool es real, y da miedo.

Hace poco, mientras confeccionaba mi lista de las mejores películas de 2009, volví a ver ‘Watchmen’, la polémica adaptación de Zack Snyder del prestigioso cómic de Alan Moore y Dave Gibbons. Por el material del que partía (que a mí me parece una genialidad), porque los superhéroes están de moda, por el presupuesto (Snyder lo cifra en 100 millones, pero otras fuentes lo elevan hasta 200) y porque el realizador venía de dirigir la muy taquillera y salvaje ‘300’, la película de ‘Watchmen’ dio que hablar desde mucho antes del estreno. Demasiado.

Con el tiempo, las expectativas eran tan altas, que sólo había dos posibles resultados: o era una obra maestra, y nos dejaba mudos a todos, o no cumplía con lo que se esperaba de ella, y se convertía en un fracaso. Pasó lo más lógico, lo segundo. Revisando de nuevo la crítica que escribí en su momento, me ha alegrado comprobar que fui bastante cauto (más de lo habitual), e incluso dije que necesitaba un segundo visionado para tener más claro lo que había visto. Este nuevo artículo cierra esa cuenta pendiente. Y por si no queréis seguir leyendo, os lo digo aquí y ahora: no es tan buena como pensé la primera vez, se balancea peligrosamente entre lo vulgar y lo inspirado, manteniendo el equilibrio de milagro.

Estética de videoclip, caos estructural y un villano de pacotilla:

Vamos a empezar con lo peor. Y aquí entra ya el principio. El inicio de la película es una bofetada en todos los sentidos (al fan del trabajo de Moore lo deja K.O.). Es curioso porque es una de las escenas en las que se modifica el cómic, lo cual en principio es una estupenda idea, pero el resultado es lamentable. En primer lugar, porque se reconfigura la escena para convertirla en el primer combate “a lo 300”. La cámara lenta, el baile y los golpes imposibles. Snyder se emociona tanto que olvida que el Comediante es humano, y no puede destrozar paredes con los puños, ni mesas de mármol con la cabeza, y seguir en pie. El despropósito crece cuando no contentos con haber extendido la escena de forma gratuita, nos vuelvan a colar planos de la misma pelea más adelante, como si tuviéramos la memoria de un pez. Lo peor es que no es la única vez que nos acordaremos de ‘300’ o ‘Matrix’. En el callejón y en la prisión se repite el bochorno.

Anticipando el final, los guionistas potencian en la película la crisis entre Estados Unidos y la URSS, para que el público entienda la gravedad de la situación y no resulte tan incomprensible el plan de Adrian Veidt. Es una buena decisión, pero no se logra encajar del todo en el montaje, entorpeciendo aún más la progresión del film. Y todo pierde sentido cuando nos presentan a una caricatura de Nixon. Es un chiste sin gracia, normal que la gente desconecte. Veidt tampoco está muy logrado, y sigo pensando que Tom Cruise habría sido una elección fantástica. Lamentablemente Snyder no lo quiso para ese papel y creo que perdimos al mejor Ozymandias. Matthew Goode no realiza una mala interpretación (sus diálogos al final están dichos con mucha convicción, como si fueran ciertos), a diferencia de Malin Akerman, que está horrible, pero no es el actor adecuado, es imposible creérselo como un descendiente de Alejandro Magno capaz de tumbar a dos expertos luchadores (tal como han demostrado antes) con suma facilidad.

En este mismo sentido, también clama al cielo que mantengan a Carla Gugino para el personaje de Sally Jupiter en su vejez, algo que queda tan mal como lo de Nixon. Lo más lógico era tener a una actriz diferente para esas escenas, del mismo modo que Stephen McHattie interpreta a Hollis Mason (uno de los mayores aciertos de casting) mientras que de joven es otro actor, Clint Carleton. Ya digo, incomprensible. Dejando ya a los actores y sus caracterizaciones, otro de los grandes defectos del film (junto a las peleitas bailadas) es su estructura. O mejor dicho, la falta de una. David Hayter y Alex Tse realizan una estupenda labor de resumen de la historia del cómic (unas 400 páginas), pero fracasan por completo dándole un orden cinematográfico.

Y todo por la tontería de no saltarse la obra original. En un cómic de 12 números, puedes permitirte el lujo de presentar a un personaje, ampliamente, cuando te de la gana; estás leyendo y te tomas tu tiempo, incluso puedes dejarlo y seguir otro día. Una película no funciona así. Tienes al público sentado en una butaca y tienes que contarle algo en dos horas (más o menos). Necesita otro ritmo y otro orden. No debes parar constantemente la acción para meter escenas a cámara lenta. Como tampoco puedes introducir la historia personal de Rorschach a la mitad de la película, porque ya le hemos visto hacer de todo, y contarnos su pasado no es más que una redundancia. Innecesario, prescindible. Algo parecido pasa con el Dr. Manhattan, cuando la película se detiene en seco para exponer una larguísima secuencia en la que vemos quién era antes, qué le pasó para convertirse en el super-hombre y su relación con las dos mujeres de su vida. Eso después de más de una hora de película. Es absurdo.

Viñetas que cobran vida, un gran Rorschach y el espíritu:

Pero vayamos ya a lo mejor de la película, que no quiero dar una idea equivocada. Para empezar, algo innegable es el cuidado y el mimo con el que han trasladado la imagen del cómic a la gran pantalla. El diseño artístico es de Oscar. La ciudad, los personajes, el momento histórico, la suciedad, el aire que se respira. Todo lo que veíamos en las viñetas dibujadas por Dave Gibbons cobra vida en la película. El vestuario, los decorados, el atrezo, los efectos especiales; todo perfecto. Bueno, todo excepto las prótesis y el maquillaje para crear a Nixon y a la vieja Sally. La música es también otro de los elementos más acertados del film, como incluir el tema They Are A-Changin´ de Dylan en los créditos iniciales. Por el contrario, plantar el Hallelujah de Cohen en medio de la escena de sexo entre el Búho y Espectro es uno de los momentos más ridículos del conjunto.

En el reparto hemos visto errores, pero también hay grandes aciertos. Jeffrey Dean Morgan es el Comediante. Es el actor ideal para el personaje y sus escenas resultan tan crueles, divertidas y contundentes como en el cómic; especialmente destacable es la escena en la que se enfrenta a un grupo de manifestantes, golpeando en pleno rostro a la primera mujer que se le poner por delante, siempre con la sonrisa en el rostro. Igualmente impecable es el trabajo de Billy Crudup como Jon Osterman y el Doctor Manhattan (la escena de la transformación es brutal). Aunque ‘Avatar’ ha dejado en pañales los efectos especiales de todas las películas anteriores, lo cierto es que este Manhattan, como el Gollum de Andy Serkis, no se derrumba. Sí, no es tan realista como los Na´vi, pero tiene alma, personalidad, y parece real, aunque sea ahora más evidente la mano del equipo informático.

Pero si hay que hablar de un personaje, y de lo mejor de ‘Watchmen’, hay que hablar de Rorschach, Walter Kovacks, al que da vida un impresionante Jackie Earle Haley. Recuerdo cuando se empezó a gestar la película, haber leído que tratar de trasladar todo el cómic era una locura, que lo más razonable era contar la historia de este personaje, no sólo porque es quien protagoniza la trama principal sino también porque, sencillamente, es el personaje más interesante de todos. Bueno, vuelta a ver la película, no puedo sino apoyar esta teoría. Una película centrada en Rorschach habría sido mucho más concreta, potente y fascinante que la que se hizo. Todas las escenas de Earle Haley tienen intensidad, atrapan, del mismo modo que cuando lees el cómic. La pena es que, como señalé antes, su capítulo introspectivo está muy mal insertado, y tampoco Snyder está muy afortunado aprovechando al actor, hay demasiados cortes que impiden centrarse en sus gestos, su voz y su mirada. Los rasgos de una interpretación memorable.

Con todas sus flaquezas, equivocaciones, y sus bondades, sus destellos, la película avanza y llega al final. Al discutido desenlace del film, que cambia el cómic una vez más; dijo Snyder que pensaba en el público. Fue su decisión. A mí en principio me molestó que no hubieran podido mantener el delirante cierre ideado por Moore, pero en el segundo visionado lo he apreciado mejor, y creo que el realizador tenía razón. También es un buen final porque no hay tanto atropello, hay tiempo para respirar, para que los actores vivan el momento y hablen como sus creaciones. Uno disfruta porque ellos se lo creen. Y porque el mensaje con el que termina la película es demoledor. Snyder no altera la esencia de ‘Watchmen’. Me sorprende que haya tantas malinterpretaciones sobre esto, y que incluso mi compañero Adrián Massanet lo tilde de fascistoide. Puede parecerlo, pero no lo es en absoluto. Veidt queda retratado como una figura dictatorial que consigue la paz, sí, pero una paz falsa, manchada con mentiras y sangre, tal como señala Dan Dreiberg (Patrick Wilson). Y en todo caso, pasajera, gracias a la previsión del último hombre honrado y justo que quedaba, asesinado cruelmente por la acción del Dios azul.

En resumen, no, ‘Watchmen’ no es perfecta, ni muchísimo menos. Tampoco es la adaptación definitiva del cómic. Y tiene más agujeros que un queso gruyer. Pero refleja el espíritu de la obra original, contiene algunas secuencias de bellísima factura (los créditos iniciales, por ejemplo) y uno de los personajes más carismáticos de la década. No es poco.

PD: Por cierto, la versión del director no sólo no matiza los defectos, sino que los evidencia aún más. Quedaos mejor con el montaje que se estrenó en los cines.

Críticas de Watchmen en Blogdecine:

‘Watchmen’, ¿una adaptación demasiado fiel?
‘Watchmen’, crónica de un fracaso anunciado
‘Watchmen’, la visión de Zack Snyder
‘Watchmen’, la frialdad hecha espectáculo

Como sabéis, hubo mucha polémica en torno a la duración que iba a tener el montaje definitivo de ‘Watchmen’, debido a la gran dificultad de trasladar a la gran pantalla el complejo cómic de Alan Moore y Dave Gibbons. Finalmente, la discusión entre los productores y el realizador, Zack Snyder, que quería estrenar una película de tres horas, se quedó en 162 minutos. Desde ese momento, Snyder prometió que habría una versión del director, con material inédito, que no se había visto en los cines, quedando una película “más violenta y sexual”.

Hoy se ha filtrado en la red una de esas nuevas secuencias de la versión del director (que dura 186 minutos), en la que se nos muestra al viejo Hollis Mason (Stephen McHattie), quien fuera el primer Búho Nocturno, siendo atacado en la tranquilidad de su casa por una banda de maleantes. Hay algo más, pero os dejo que lo descubráis por vosotros mismos. Entiendo que este segmento, de unos tres minutos, se quedara fuera del montaje final, porque no aporta nada estrictamente relevante para la trama principal, y la película ya duraba bastante, pero en una versión extendida, que se ve de otra forma, parece imprescindible. Estoy deseando comprobarlo, aunque aún no sabemos si este montaje se editará algún día en España. Echad un vistazo al vídeo, no tiene desperdicio.

PD: El director´s cut de ‘Watchmen’ sale a la venta, en Estados Unidos, el próximo día 21; e incorpora subtítulos en castellano.

Críticas de la película en Blogdecine:

Opinión crítica de ‘Watchmen’
‘Watchmen’, la frialdad hecha espectáculo
‘Watchmen’, crónica de un fracaso anunciado
‘Wachmen’, ¿una adaptación demasiado fiel?

Vía | Worstpreviews

Lee Demarbre está dirigiendo el guión de Sean Hogan y Christine Conradt, ‘Summer’, que protagonizan Ashley Greene (‘Twilight’), Stephen McHattie (‘Watchmen’), Barbara Niven y Peter Mooney.

‘Summer’ cuenta la historia de una joven (Ashley Greene) que busca a su padre a quien no conoce. En su búsqueda descubrirá que en realidad procede de una familia de psicópatas asesinos en serie.

El rodaje está teniendo lugar en Ottawa y se mostrarán los primeros fragmentos de material en otoño en el American Film Market.

El título ‘Summer’ (verano) no es más que un nombre provisional para esta película de terror que producen Rob Menzies, Donald Osbourne y Curtis Crawford de Zed Filmworks. Los productores ejecutivos son Pierre David (‘Internal Affairs’) y Neil Bregman.

Lee Demarbre es el autor de ‘Jesucristo cazavampiros’ (‘Jesus Christ Vampire Hunter’, 2001), de la que ya habíamos hablado… perdón, de la que ya nos habíamos cachondeado. Y también es responsable de la saga de un tal ‘Harry Knuckles’ (Harry nudillos).

Fuente | The Hollywood Reporter.