También se conoce ya el argumento de la película dirigida por Genndy Tartakovsky, creador de series como El laboratorio de Dexter, y es, cuando menos, bastante peculiar: Drácula regenta un hotel en el que otros monstruos y sus familias pueden refugiarse tranquilos del mundo de los humanos. Pero lo que muchos no sabemos sobre él es que también tiene una hija de espíritu aventurero que su padre quiere controlar a toda costa. No obstante, los problemas llegarán cuando al hotel, en el que podremos encontrar a personajes como Frankenstein y su Novia, la Momia, el Hombre invisible, Quasimodo o varios hombres lobo, llega para alojarse un humano, el cual encima se fija en la hija del dueño. El argumento a mí me suena que podría dar para una película muy interesante o para un bodrio tremendo que sólo sirva para causar enfados entre cierto sector del público. Yo, si tuviese que mojarme, apostaría por lo segundo. Tendremos que esperar hasta el 21 de septiembre de 2012, que es cuando está fijado su estreno en USA, para saberlo.

Vía | EW

Un gángster endeudado se descubre libre de todo peligro cuando su antiguo jefe le disculpa de toda deuda, pero, claro, habrá un último trabajo, en apariencia sencillo: asustar al novio del último capricho (femenino) de su hijo, un psicópata pedófilo al que cree capaz de redimir. Con pocas posibilidades de declinar la oferta, el gángster reúne a un equipo de criminales retirados para ejecutar el trabajo. Y, habrá adivinado el lector, que esta orden sencilla se llenará de un baño de sangre en el que, visto el título, habrá nulas posibilidades de salir con vida.

Eran los tiempos de Miramax y del éxito inesperado de ‘Pulp Fiction’ (id; 1994), eran los tiempos de lobos de Sundance y jóvenes dispuestos a ser devorados por otra mutación (nueva) del sistema, perfectamente relatada por Peter Biskind en su excelente crónica sobre esa generación en la que la revolución industrial más importante la protagonizaron Harvey Weinstein y Quentin Tarantino. Así que no es descabellado teorizar que el guión de Scott Rosenberg recibiera luz verde debido al boom tarantiniano, ni resulta difícil emparentar esta película con ‘Sospechosos habituales’ .

Ha escrito Jonathan Rosenbaum que la película carece de estilo, pero es, sin embargo, estilizada y no podría estar más de acuerdo con la afirmación. El cine negro original, movimiento que según muchos historiadores termina en 1958 con ‘Sed de Mal’ (‘Touch of Evil’, 1958), se forjó, sobre todo, en el estilo, en la construcción de una retórica que dotaba de un énfasis expresivo insólito a los espacios urbanos y resaltaba los escenarios, con ello la misé en scène, como una parte vital del estilo. El manierismo que se desarrolla en el neo noir tontea con un peligro y es el de confundir la repetición de los tópicos y arquetipos, sin ningún tipo de conciencia o novedad, como materia estilística, como valor per se, cuando de lo que estamos hablando es, efectivamente, de estilización, de imitación, de una actitud que viene de otras películas (las de los cincuenta) antes que de algún tipo de pensamiento sobre estas o sobre la realidad de sus personajes.

Con esto quiero decir que, por ejemplo, la ironía del cine de Tarantino tiene su razón de ser (o su perfecta superficialidad) en la influencia del francés Jean-Luc Godard, el tratamiento irónico de los hermanos Coen invita a reflexionar sobre el género y sus convenciones y estamos en un caso contrario. Pero, incluso asumiendo que el terreno de la reflexión no sea el asunto, pensar en ‘Reservoir Dogs’ (id, 1991) y en su contundencia y hasta originalidad en la puesta en escena, en el golpe que supuso encima de la mesa, es pensar en un tipo muy diferente de película. Esta cinta que nos ocupa estaría más cerca, también, del venidero Guy Ritchie, un artesano con ínfulas de auteur cuyas obras serían mucho menores a esta cinta que nos ocupa, afortunadamente menos autoconsciente y más narrativamente directa.

Gary Fleder no dirigió grandes películas después y dotó a esta de un ritmo trepidante, contando con la complicidad expresa de que el guionista era un antiguo compañero de clase y de que Denver parece un escenario un poco inusual para el cine negro (basado siempre en las urbes angelinas y neoyorquinas, tal vez Chicago) que aquí se pretende, con esta tensión continuada y este cierta cierta facilidad con la que todo ocurre. Las películas posteriores de su director demostraron hasta qué punto trabajó aquí con los moldes preestablecidos de un género y con una rotundidad que no dependía tanto de su talento como de la historia y de convertir la dramaturgia en algo más rápido que coherente, principalmente entretenido. El culto que ha recibido el film a posteriori se debe a dos razones, principalmente, y una de ellas está en Denver, convertida en metáfora de la película, cine negro canónico y estilizado, dispuesto a ser consumido (y visto) como un disparo (o un tequila).

El otro elemento por el cual la película brilla es el reparto, coral y magnífico, que brinda unas interpretaciones especialmente memorables de todos los actores, capaces de levantar a la película por encima de la media y seguramente responsables de su status de quo. Destacan todos: Christopher Walken, en su eficaz modo amenazador, William Fichtner, Gabrielle Anwar sacando provecho de su sensualidad, el siempre imprescindible Steve Buscemi (ya habitual en este tipo de películas y entonces la presencia imprescindible gracias a los hermanos Coen y a Tarantino) y un sorprendente Andy Garcia, llevando el protagonismo con una liviandad adecuadísima. El más sorprendente es, indudablemente, Treat Williams, dando la nota más insólita en su registro de pervertido psicótico de regusto necrófilo y carácter implosivo.

Todas las semanas comentamos el estreno de un montón de películas intrascendentes, repetitivas, absurdas, cuando no directamente vergonzosas. Si la cuestión fuese que no hay más, de acuerdo, se aceptaría, bajaríamos la cabeza y reconoceríamos que el cine ha caído definitivamente en la peor crisis de su historia. Pero no, no es así, sabemos que no es cierto. Entre muchas que aún no han llegado a España, está el estupendo drama ‘The Messenger’, del debutante Oren Moverman, con dos nominaciones al Oscar en la pasada edición (mejor actor de reparto y guión adaptado). Moverman, periodista y guionista (‘I´m Not There’) nacido en Israel hace 44 años, tiene ya un nuevo proyecto entre manos, un thriller titulado ‘Rampart’ que empieza a rodarse .

Para su segundo trabajo, el director volverá a reunir a los dos protagonistas de su ópera prima, Ben Foster (estaba formidable, él debió optar al Oscar) y Woody Harrelson. Estos dos estarán acompañados por Sigourney Weaver, Robin Wright, Anne Heche, Cynthia Nixon, Ice Cube y Steve Buscemi, entre otros. El guión de ‘Rampart’, escrita por Moverman a partir de una historia de James Ellroy basada en hechos reales, se centra en la búsqueda de redención de un veterano oficial de policía (Harrelson) del departamento de Los Angeles, atrapado en un escándalo de corrupción. No hay fecha de estreno todavía.

PD: Entre otros proyectos, Moverman tiene sobre la mesa un biopic sobre Kurt Cobain.

Vía | Comingsoon

En la página oficial de Michael Bay, una tal Jeanine Basinger, escribe lo siguiente:

“A pesar de lo que hayan podido oir, ‘Armageddon’ es una pieza de arte de un artista de vanguardia, que es un maestro del movimiento, la luz, el color, la forma -y también del caos, el frenesí y la explosión”

Hay otras perlas, que rayan en el más infecto mercadeo a pesar de tratarse de una página oficial en la que, como es lógico, no vas a tirar piedras contra tu propio tejado. Pero hay formas y formas, y esta señorita no vio la película, me parece a mí, que el otro día se pasó por televisión por enésima vez. O bien yo no sé apreciar el exquisito arte de Miguel Bahía tal como se merece. Pero bajo mi punto de vista, ‘Armageddon’ no es solamente una pésima película de aventuras, es más que eso. Es un insulto directo incluso contra los adolescentes amantes de las palomitas a quienes va dirigida y por quienes existe en realidad.

Tanto es así que el cine comercial de los años ochenta, el de ‘Arma letal’, el de ‘Depredador’, se erige en comparación como cine clásico, como cine supremo, al lado de esta memez de película. Poner al lado de ‘Armageddon’ algo como ‘Arma letal’ sería como poner al lado de ‘Crepúsculo’ (que por fin la ví, al menos hasta que me quedé dormido) el ‘Drácula’ de Terence Fisher. Tal cual.

Tengo una teoría tan disparatada (o no, vaya usted a saber) como la propia película. En Hollywood la artesanía de elaborar trailers (realmente un trabajo muy interesante) se ha ido desarrollando casi tanto como el lenguaje del cine. A fin de cuentas, un trailer sigue siendo la piedra de toque por la que el espectador va a acercarse a ver un producto al cine. Pero cuando hicieron ‘Armageddon’ se dieron cuenta, tontos no son, de que hay trailers que consisten en una sucesión de imágenes molonas y explosiones estupendas y movimientos de cámara hiperbólicos que se erigen, en sí mismos, como pequeñas piezas de acción y suspense muy divertidas. Así que pensaron: ¿para qué queremos un guión, unos personajes, un desarrollo, una estructura? Bah, bobadas, hagamos el trailer más caro y más largo de la historia. Y lo hicieron.

¿Puesta en escena de Miguel Bahía?

Me van a perdonar el tono jocoso de este post, pero creo que si ‘Armageddon’ va de jocosa (sin conseguirlo) al menos yo también puedo intentarlo. Y es que no lo puedo evitar. Volví a verla en televisión (no entera, lo confieso) con la esperanza de encontrar algún aspecto decente en ella. No tuve éxito, claro. Bay se hace con todos los recursos estilísticos de un trailer hipervitaminado y los lleva hasta sus últimas consecuencias. No existe una sola escena en la que la cámara no gire como una posesa alrededor de los actores, muchas veces en cámara lenta, o en que la cámara no encuadre al menos una vez perdiendo la horizontalidad (encuadre aberrado, se llama eso), con un montaje absolutamente demencial, que intenta poner un poco de fluidez entre las tomas de las quince o veinte cámaras (no exagero) de que disponían en cada set.

Para acabar de rematar el engendro, lo que no lo filma como un trailer, lo filma como un anuncio de compresas. Al que le falle la memoria le recomiendo que haga click sobre el vídeo disponible encima de estas líneas, en el que unos espantosos (aunque muy guapetones y muy “norteamericanos happy life” ellos) Liv Tyler y Ben Affleck, declaman algunos de los peores y más chorras diálogos de la entera historia del cine, en una escena de amor para el olvido. Aunque hay escenas tanto o más vergonzosas, como ver a Bruce Willis pegándole tiros a Affleck a través de la plataforma petrolífera porque se ha acostado con su hija, o de nuevo a Bruce Willis lanzándoles bolas de golf a los de Greenpeace.

No se sabe si Bay quería efectuar una especie de remake/homenaje de ‘Elegidos para la gloria’, en clave chusca, o si en realidad se la tomó muy en serio, como una gran saga épica americana de ciencia ficción. Yo voto por lo segundo. El principal problema, claro, es un guión demencial, firmado nada menos que por J. J. Abrams, entre otros cinco guionistas más, los cuales supongo que se irían juntos de juerga y completamente borrachos escribirían unas cuantas bobadas en servilletas de papel de bar y se apostarían entre ellos quién tenía los redaños de mandar ese guión a una productora de Hollywood. Puede que no ande muy desencaminado.

Pero poco importa el guión, porque aunque la historia fuese acerca de dos monjes tibetanos que viajan al Japón feudal, Bay se las apañaría para meter sus consabidas perlas patrioteras, que además son tan sutiles como una polilla posada en la pantalla del televisor. Lo de las banderas gigantes tiene su perdón, a lo mejor, pero lo de la destrucción de la estación espacial rusa es pasarse catorce pueblos. Con Peter Stormare haciendo de ruso pirado (los yankees no son pirados, son divertidos, claro) al que enseguida le destruyen la estación porque, por supuesto, está que se cae a pedazos.

Santo Bruce Willis

Ah, pero Bahía se guardaba un as en la manga. Hizo uso de uno de esos salvavidas que todavía ostentan carisma en el cine americano. Y no es otro que Bruce Willis. Este actor, de carrera tan irregular, siempre me ha parecido un grande. Por sus buenas películas y por las malas, como esta, que se salva sólo cuando aparece él. Willis frunce el ceño o se ríe y ahí tenemos carisma en estado puro, como no lo tenía el cine americano desde el fallecimiento de Steve McQueen. Es tan bueno, que hace creíble un papel disparatado y una dirección de actores bajo mínimos profesionales. No es que salve a la película de la quema, ni por asomo, la película se quema sola y de sus cenizas surge este gigante.

Y, para terminar, otra estupenda perla de la tal Basinger:

“En menos de un minuto identificamos a cinco caracteres, establecidos en sus ambientes específicos, mostrando sus relaciones con otros, otorgándoles diferentes personalidades, y definiéndolos en términos que explicarán su futuro comportamiento en la misión. Si eso no es escritura de guiones ¿qué lo es?”.

Definitivamente, yo vi otra película.

michaelbay.com | Armageddon

Enid: Creo que sólo la gente estúpida tiene buenas relaciones.

Seymour: Ése es el espíritu.

De vez en cuando, echo un vistazo a mi (modesta, pero aun así voluminosa) colección de libros, cómics, películas, cds… y me pregunto de dónde han salido tantas cosas. Hace unos meses, harto de las frenéticas mudanzas, en las que nunca, sin remedio, acabo de cerrar las maletas hasta el último segundo, decidí que ya estaba bien, que tenía demasiado, que debía hacer limpieza y quedarme sólo con lo fundamental. Bueno, lo fundamental, y los recuerdos valiosos, y los regalos de personas queridas… ya sabéis, con lo que uno no puede desprenderse sin perder parte de su propia identidad.

En esas me encuentro todavía (y lo que me queda), revisando cosas y desprendiéndome de todo lo que puedo. Claro, muchas veces necesito revisar y estar seguro. Así que veo otra vez unas películas, escucho otra vez unos discos, leo otra vez unas revistas… Pierdo tiempo, mucho, pero me alegro cuando luego acabo tirando casi todo eso que he revisado. Así fue como llegué a ‘Ghost World’, el cómic de Daniel Clowes y la película de Terry Zwigoff. Por el título de este texto, seguro que ya sabéis dónde han acabado ambas obras.

Vi la película en su momento, en 2002 (se estrenó antes en Estados Unidos se estrenó, en 2001), y el recuerdo que tenía, hasta hace poco, era muy positivo, teniendo la impresión de que me había parecido una comedia dramática muy divertida y original. Hace unos dos o tres años, compré el cómic, animado por las palabras de los supuestos críticos que ponían la obra por las nubes, pero no fue hasta este verano cuando, en medio del proceso que os he contado antes, decidí leerlo de una vez por todas, para comprobar si me habían engañado o si debía mantenerlo entre mis posesiones.

Vaya por delante que lo mío, con mil matizaciones, es el cine; en el cómic, como en la música o en la cocina, soy un sencillo aficionado de lo más corriente, sin un paladar experimentado. Igualmente, a diferencia de Jaime Valero, compañero de Weblogs S.L. y editor en ZonaFandom, no soy ni pretendo ser un experto en la obra de Daniel Clowes. Con eso en cuenta, mi valoración del cómic ‘Ghost World’ se resume en lo siguiente: original punto de partida, interesante comienzo, diálogos ocurrentes… y repetición de esquemas a partir de mucho antes de lo deseable, resultando tedioso llegar al final.

Bien, con ese asunto aclarado, y el tomillo ya en la terraza del vecino, me dispuse a comprobar qué había hecho Terry Zwigoff, producto que también tenía en mi leonera. Partiendo de tan poca sustancia, mi esperanza, apoyada en el vago recuerdo de haberme entretenido viéndola por primera vez, era que el realizador no se hubiera limitado a tomar lo creado por Clowes, sino que hubiera ido más allá de las páginas del cómic, presentando un universo extendido, donde dos chicas inteligentes y cínicas (o sea, raras para la mayoría) tratan de aclarar sus ideas, mientras aprenden, se relacionan y cometen errores. No fue eso lo que me encontré. Teniendo en cuenta que el propio Clowes figura en los créditos como guionista (posiblemente un gesto de Zwigoff por dejarle plagiar su trabajo), el resultado final es tan lógico como intrascendente.

Así las cosas, una obra de ochenta páginas son convertidas en una insípida película de casi dos horas (algo claramente excesivo) y el único interés parece ser el de ver a las dos protagonistas en su versión de carne y hueso, repitiendo las mismas frases y las mismas acciones que en el cómic, al que se toma como un referente equivocadamente poderoso, y se le tiene más respeto del que merece. En otras palabras, Terry Zwigoff es un cobarde que adapta lo más literalmente que puede, modificando sólo lo que el autor del cómic le ha permitido, quedando en definitiva una película plana, vaga y aburrida, que si parece fresca es por los pocos aciertos de Clowes al crear este universo.

A la mediocre realización (Zwigoff venía de rodar documentales y se le nota perdido en esto del cine) tampoco le ayuda nada la torpe interpretación de una muy joven Scarlett Johansson, que intervino aquí antes de convertirse en la glamourosa estrellita de llamativo escote que es ahora, estupendamente retratada no hace mucho por mi colega Adrián. Johansson aprovecha la incompetencia de Zwigoff y la frialdad con la que Clowes viste a sus protagonistas para cumplir con su trabajo de forma desganada, sin llegar a transmitir nada en ninguna escena (excepto eso, que le importa un pimiento la película). Mejor, no siendo complicado, está Thora Birch, el verdadero centro de la trama, todavía más en la película, lo cual no deja de ser un acierto, estando la actriz más implicada que su compañera.

Ciñéndose a lo poco que hay en el cómic, a cuya historia se le añade más paja que contenido verdaderamente valioso, para divertir o hacer pensar al personal, o para dotar de más profundidad a los personajes, la película de Terry Zwigoff queda como una mera curiosidad (Brad Renfro tiene un papel secundario), válida para fanáticos de Clowes y de las dos jóvenes protagonistas, pero una pérdida de tiempo para quien busque frescura, ingenio y entretenimiento. Lo mejor de ‘Ghost World’, quizá lo único destacable, es el personaje al que da vida Steve Buscemi, por cierto, de lo poco creado específicamente para la gran pantalla. Se podría haber hecho más, mucho más, no atándose al cómic.

El próximo 10 de octubre llegará a los cines españoles ‘Quemar después de leer’ (‘Burn after Reading, 2008), la nueva película de los Coen, motivo por el cual me ha parecido una buena idea repasar su filmografía y elegir las que, en mi opinión, son sus mejores obras.

Nacidos en 1951 y 1954 respectivamente, Joel y Ethan Coen parecen trabajar como una sola persona, a tenor de las declaraciones de los actores que han trabajado con ellos. Sin embargo, por las reglas de la Directors Guild of America no pudieron aparecer juntos como directores de sus películas, quedándose sólo Joel en los créditos. Los hermanos debutaron en 1985 con ‘Sangre Fácil’ (‘Blood Simple’), consiguiendo pronto el éxito de la crítica, que mantienen hasta el día hoy; el público se fue sumando poco a poco, aunque su cine no va destinado ni interesa a las masas. Con ‘No es país para viejos’ (‘No Country for Old Men’, 2007) obtuvieron su mayor éxito, logrando el Oscar al mejor guión, director(es) y película.

Elaborados guiones, personajes extravagantes, humor negro, violencia, cuidada puesta en escena y gusto por lo clásico. Éstos podrían ser los principales ingredientes de la obra de estos hermanos tan particulares. A lo que hay que sumar los nombres de sus colaboradores habituales, desde el compositor Carter Burwell a los actores Steve Buscemi, Frances McDormand (casada con Joel Coen), John Goodman o John Turturro, de quienes los Coen consiguen sacar siempre lo mejor.

Sin más, a continuación os dejo con una corta lista de lo mejor que han hecho, por el momento, los hermanos Coen:

• ‘Muerte entre las flores’ (‘Miller´s Crossing’, 1990)

Cine negro clásico según los Coen. Una maravilla de principio a fin, con unos diálogos extraordinarios (como prueba, por ejemplo, el inicio del film, sobre la ética). De bellísima factura, la película cuenta la típica historia de un hombre en medio de una guerra de bandas, y, al más puro estilo Dashiell Hammett, se ve envuelto en una complicada trama llena de sorpresas y de alianzas engañosas, debiendo hacer uso de todo su ingenio para poder seguir con vida, recopilando información y anticipándose a los movimientos de cada uno. Todo el reparto está en su sitio, realizando una labor impecable, pero hay que destacar por encima de todos a Gabriel Byrne, genial en un personaje que podría haber encarnado Humphrey Bogart, y John Turturro, en el papel de una cobarde, tramposa y astuta lagartija. Mención especial para J.E. Freeman por ese Danés tan implacable como el famoso Anton Chigurh de Javier Bardem. Momento memorable: Albert Finney se basta para responder a un intento de asesinato; brutal.

• ‘Barton Fink’ (1991)

La que más discusión puede provocar de esta lista. A pesar de lograr la (casi siempre) polémica palma de oro en Cannes, es una de las películas menos recordadas de los Coen. Encuentro en ella tanta extraña belleza y me identifico tanto con lo que piensa el protagonista que no puedo evitar ponerla entre lo mejor que han hecho los hermanos. Realmente particular, con un John Turturro sensacional, la película nos habla de las dificultades de un ambicioso (pero inseguro) escritor por seguir progresando y lograr su sueño. Un sueño que pronto se volverá incómodo y dará lugar a pesadillas. Escrito a partir de la experiencia propia de los Coen, el film contiene numerosos homenajes y una ácida crítica a la industria del cine. Momento memorable: Aunque es muy sorprendente lo que ocurre con el personaje de John Goodman, me quedo con la escena de presentación del productor de Hollywood encarnado por Michael Lerner (nominado al Oscar por su estupendo trabajo).

• ‘Fargo’ (1995)

La película que situó a los Coen en el mapa. Nominada al Oscar en siete categorías, resultó ganadora en dos, mejor actriz (Frances McDormand) y mejor guión. De una contundencia y una elegancia aplastantes, esta obra reúne todos los elementos típicos de los Coen, resultando la más adecuada para adentrarse en su cine y posiblemente la más completa. Para mí, la mejor junto con ‘Miller’s Crossing’. Una historia aparentemente sencilla que se va complicando por momentos, cuando los personajes, atípicos, comienzan a interactuar entre ellos en busca de algo grande que los saque de la normalidad, violencia, tragedia, reflexión y mucho humor negro. A destacar el gran nivel de las interpretaciones, brillando intensamente William H. Macy, Steve Buscemi y McDormand, y la banda sonora de Carter Burwell, of course. Momento memorable: Buscemi y Peter Stormare, terribles delincuentes, cometen un secuestro 100% Coen.

• ‘El gran Lebowski’ (‘The Big Lebowski’, 1998)

Confirmó a los Coen como cineastas de culto. Aunque para culto el creado en torno al personaje interpretado (de forma genial) por Jeff Bridges, “The Dude” (“El Nota” en español), convertido en todo un icono popular e incluso en el origen de una religión. De hecho, éste es el título que tienes que defender, por encima de todos los demás de los Coen, si quieres ir de “friki” pero sin dejar de ser “cool”, ya me entiendes. Especialmente destacable, a mi modo de ver, por ser la comedia más redonda, más completa que han realizado, incluyendo de nuevo los elementos típicos de su cine, desde la trama a los personajes. De nuevo, estupenda banda sonora (con la famosa versión del Hotel California por los Gipsy Kings) y aún más estupendas interpretaciones (con hueco para dos gigantes como Julianne Moore o Philip Seymour Hoffman). Momento memorable: John Turturro entra en escena y se encara con Bridges, John Goodman y Steve Buscemi.

Aquí tenemos el primer trailer de ‘Igor’, una nueva cinta de animación por ordenador de la que nos habló mi compañera Beatriz hace poco. Se trata de una comedia al estilo de ‘Shrek’, partiendo de los cuentos tradicionales para darle una vuelta de tuerca y poner como protagonista a un personaje que habitualmente no lo es.

Dirigida por Anthony Leondis, destacar que para ‘Igor’ gente tan famosa como John Cusack, John Cleese, Steve Buscemi, Jay Leno, Eddie Izzard, James Lipton y Molly Shannon, entre otros, han prestado sus voces para los personajes principales. Ya veremos a quien ponen en España…

Al protagonista, Igor, le pondrá voz en la versión original John Cusack, John Cleese hará del Dr. Glickenstein, y Steve Buscemi será Scamper. En los demás papeles estarán Jay Leno, como el rey Malbert; Arsenio Hall, Sean Hayes, Jennifer Coolidge, Eddie Izzard, James Lipton, Paul Vogt y Molly Shannon.

‘Igor’ está dirigida por Anthony Leondis (‘Lilo y Stitch 2’) y escrita por Chris McKenna (‘Padre made in USA’) y se encuentra en fase de postproducción, lo que, tratándose de un film de animación, no sé cómo tomarme, pues todo es postproducción en estos casos.

Si en el mundo de Malaria naces con una joroba, te conviertes en un Igor. A los Igor los envían a una escuela de Igors en la que obtienen un Diploma en “Sí, amo”. Cuando se gradúan pasan a ser esclavizados como ayudantes de laboratorio por uno de los trece Sabios Locos que hay en Malaria. Los científicos trabajan duro en sus laboratorios para crear invenciones malvadas y diabólicas con las que competir los unos con los otros en la Feria de la Ciencia Maligna anual.

El rey Malbert, la mente política más hábil de Malaria, informa al resto del mundo de que el inventor del artilugio más malvado será soltado para que les ataque salvo que desembolsen una exorbitante cantidad de dinero. El mundo paga y Malaria prospera. Ésta es la historia de Malaria y de cómo un Igor cambió el mundo.

La película se ha descrito como “una comedia irreverente que le da una vuelta al género clásico del monstruo”. Y se vende con la frase comercial “All men are not created evil” (“no todos los hombres han sido creados malvados”), que parafrasea la máxima “all men are created equal” (“todos los hombres han sido creados iguales”).

Suena de lo más apetecible. Parece que podría ser una buena parodia y al mismo tiempo funcionar como historia independiente, con puntos emotivos y todo. Seguro que el primo de Quasimodo nos hará reír, aunque la gracia de Marty Feldman será difícil de emular.

Más información en Blogdecine sobre cine de animación.

Fuente | Film-releases.

En la película se pueden escuchar las declaraciones de Bono, Martin Scorsese, John Cusack, Brigitte Bardot, Johnny Depp, Matt Dillon, Steve Buscemi, Mick Jagger, Jim Jarmusch… y material de archivo en el que aparece Joe Strummer. Aquí podéis ver un avance.

El director, Julien Temple, se ha encargado hasta ahora de videoclips y recopilatorios musicales de diferentes grupos. Es el director del documental sobre los Sex Pistols ‘The Filth and the Fury’ (la suciedad y la rabia) que era muy interesante. Aparecían los miembros del grupo en silueta para que no viésemos cómo habían acabado… los que han acabado. Y veíamos imágenes de archivo de Sid Vicious. Como indica el título, sacaban los trapos sucios a relucir y, aunque muchas de las cosas que contasen las supiéramos de antes, resultaba ilustrativo conocer más profundamente a la banda.

Julien Temple también es autor de ‘Vigo’, un documento sobre Jean Vigo.

La banda sonora que acompaña a la película incluye una selección del trabajo de Strummer en The Clash (como unas versiones para discos de demostración y en directo sin editar), además de material realizado con sus otros grupos, The Mescaleros y 101ers.

Fuente | IMDB.

‘Interview’ es un remake de una película de idéntico título realizada por el tristemente desaparecido Theo van Gogh, quien tenía intención de dirigirlo con Steve Buscemi a la cabeza del reparto. Como por razones demasiado evidentes no pudo ser así, Buscemi terminó tomando las riendas del proyecto, en el que es su cuarto trabajo como director, el cual alterna como puede (una película cada cinco años más o menos) con su prolífica carrera como actor, en la que encontramos cosas de todo tipo que es mejor no comentar.

‘Interview’ tiene una premisa poco sugerente: un periodista, que hasta ahora ha trabajado como corresponsal de guerra, se ve forzado a aceptar un trabajo que su jefe le encomienda, el de entrevistar a una conocida actriz que interpreta películas de terror para adolescentes. Lo que en un principio empieza con un mal encuentro (ambos se sienten incómodos), termina en el piso de la chica convirtiéndose en una especie de juego del gato y el ratón.

Mi compañero Juan Luis acierta a compararla en su crítica con ‘La Huella’, lo cual puede verse como algo bueno o malo, dependiendo del prisma desde el que lo mires. Lo cierto es que toda película de similares características, dos personajes solos durante la mayor parte del relato “enfrentándose” en lo que podría llamarse una competición de inteligencia, pues recuerda irremediablemente al poderoso film de Mankiewicz. Claro que Buscemi, aún partiendo de un guión que no es original suyo, no tiene la mala leche que este tipo de historias requieren, una mala leche que las hace sumamente interesantes.

A pesar de que los dos atores, el propio Buscemi y la guapa Sienna Miller, están entregados a sus personajes (los típicos para que un actor de cualquier índole se desmelene), hay varias cosas que resultan forzadas, y que pueden verse incluso como un truco barato para que la película continúe. Me refiero al bochornoso momento en el que se produce la excusa para que los dos terminen en el impresionante loft en el que ella vive. Cuando después vemos cómo derivan las cosas, se llega a la conclusión de que era absolutamente imposible que ella supiera cómo se iba a desarrollar una entrevista de la que ella misma se marcha por considerar al entrevistador un imbécil de cuidado. Y ya entrados en materia, por así decirlo, el juego que antes mencionaba se muestra poco interesante y vemos venir los “trucos” de lejos. Evidentemente me refiero a las mentiras que hacen acto de presencia siempre en este tipo de juegos, y aquí resulta más que increíble que alguien tan experimentado como el periodista (harto de ver horrores por todo el mundo) caiga tan fácilmente en algunas cosas. Probablemente se quiso haber planteado como resultado de no estar acostumbrado a lidiar con cierto tipo de gente (actriz barata de películas baratas), pero aún así no es creíble, y mucho menos todo lo que él termina haciendo.

Sienna Miller está mejor que de costumbre, pero esta actriz sigue sin tener carisma, y sus jueguecitos terminan resultando de lo más artificiosos. Buscemi se compenetra bastante bien con ella, y también consigue uno de sus mejores trabajos, siendo los dos lo mejor de una cinta demasiado previsible y filmada muy anodinamente, y en un espacio bien amplio y sin estorbos, para que las cámaras utilizadas no tropiecen con nada. Incluso en ese aspecto el film es bastante decepcionante, ya que pone en tela de juicio las capacidades de Buscemi para rodar con mayor garra de la que aquí muestra.

Al final la película termina cansando, porque nos vemos su desenlace desde kilómetros de distancia, y el camino recorrido resulta de lo más tramposo. Floja y olvidable película.

En Blogdecine:

• ‘Interview’, un duelo interpretativo donde no deberían verse los hilos del guión