Todos nos temíamos que la cuarta entrega de Indiana Jones no iba a ser más que una burda prostitución del personaje con el objetivo de conseguir un sonoro éxito económico. Eso es algo que uno podía esperarse de alguien como George Lucas, pero fue especialmente doloroso que Steven Spielberg aceptase hacerlo. Quizá para conseguir apaciguar un poco los ánimos, Spielberg ha tardado tres años en volver a estrenar una película, pero éste no se ha centrado en ser ‘el esperado regreso del director de (insertad aquí vuestro título favorito dirigido por él)’, sino que lo ha hecho un poco por la puerta de atrás en cuanto a notoriedad para sí mismo con dos cintas que además se han estrenado con pocos meses de diferencia.

La primera de las nuevas obras que nos llegó fue ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’, donde no tuvo reparos en adaptar un personaje prácticamente desconocido en USA, algo que condenó a la película a una tibia recepción en los cines de aquel país, donde encima se estrenó con un par de meses de retraso, algo un tanto inhabitual, pero con lo que confiaban impulsar sus posibilidades comerciales. Además, su comentada ausencia en la categoría de mejor película animada de los próximos Oscar no ha ayudado a revitalizar su carrera. Sin embargo, la que sí cuenta con una notable presencia entre las nominaciones es ‘War Horse (Caballo de batalla)’, la adaptación de una novela infantil con un argumento no muy prometedor a priori con la que Spielberg remata su regreso al cine. ¿Estamos ante otra propuesta que se queda a medias lo que pretendía como sucedió en su versión de Tintin o qué es exactamente lo que nos ofrece una película que, pese a sus nominaciones, está pasando algo desapercibida?

Lo primero que hay que delimitar es que en ‘War Horse (Caballo de batalla)’ cohabitan quizá las dos facetas más representativas de Spielberg: El narrador de historias infantiles y el cronista de los horrores de la guerra. Y es que estamos ante una película muy ambiciosa que se ha visto un tanto dañada por contar con una historia de una sencillez tal que podía acabar resultando especialmente estúpida. ¿Acaso la idea de un caballo que quiera tanto a su dueño que está dispuesto a soportar todas las adversidades para intentar reencontrarse con él es algo fascinante a priori? Y es por ahí donde surge la mayor debilidad de la cinta, ya que es un lastre que convierte a los primeros 45 minutos en lo peor de todo, pues Spielberg se ve obligado a confiar en una trama esquemática y sobrecargada de tópicos que dificultan la empatía con la relación de amistad entre el personaje interpretado por Jeremy Irvine y su caballo Joey. Es por ello que a uno le cuesta creer que la película pueda llegar a mejorar tanto como lo hace una vez que sus caminos se separan.

Y es que si el narrador infantil muestra síntomas de debilidad cuando ese es el epicentro de la historia, eso es algo que no pasa más adelante cuando uno de los, por llamarlos de alguna forma, episodios de la función se centra en la relación entre un abuelo y su nieta, siendo aquí donde la implicación emocional del espectador roza lo brillante. Y es que Spielberg, sin renunciar a la sencillez que caracteriza a todas las partes del relato, consigue que el espectador se encariñe con una niña vitalista pese a la ausencia de sus padres y a la evidencia de la inminente llegada de la guerra. Es en microhistorias como ésta donde el realizador de ‘Atrápame si puedes’ aprovecha las virtudes sentimentales (rozando lo sentimentaloide, pero sin caer en ello) del relato, dejando cierta sensación agridulce, ya que es incapaz de asentar unos cimientos fuertes, pero sí de crear un viaje tan fascinante para un caballo protagonista al que no deseamos tanto que se reencuentre con su amigo humano, sino que prosiga su camino lleno de emocionantes aventuras (impagable la escena en tierra de nadie) mostrando su carácter irreductible.

Además, Spielberg no desaprovecha la oportunidad para conseguir planos de gran belleza, incluso cuando nos presenta una escena poco esperanzadora como la que implica el movimiento de un molino y una acción que sucede de fondo. A ello ayuda el majestuoso trabajo en la fotografía de Janusz Kaminski, que se muestra capaz de mostrar la belleza de los paisajes que pueblan la función y al mismo tiempo resaltando las emociones necesarias según lo que Spielberg quiera transmitirnos. Algo similar sucede con la música de John Williams, la cual incide algo más en la faceta sentimental de la historia, pero no por ello dejando de subrayar (y mejorar) otras situaciones que van sucediéndose. Puede decirse que ‘War Horse (Caballo de batalla)’ es irreprochable a nivel técnico. Espero que se lleve varios Oscar en estas categorías, ya que es donde residen sus opciones reales de premio.

Lo cierto es que la interpretación del debutante (en la gran pantalla) Jeremy Irvine es otro de los puntos que dificultan que el espectador realmente se interese en su reencuentro con Joey. ¿Cuál es el motivo de ello? Pues a queda una cierta sensación de falsedad en lo que intenta transmitir, algo que resulta más evidente por los excesivos lugares comunes que visita la película durante sus primeros minutos. La poco verosímil forma que tienen de despedirse, momento en el que Tom Hiddleston tampoco es que precisamente lo borde, parecía que podía ser la estocada mortal, pero eso es algo que, como ya he comentado, no sucede. Luego la cosa mejora, pero sin ser nada particularmente reseñable.

Resulta evidente que la película se esfuerza sobremanera en su intento de humanizar al caballo protagonista, pero eso es algo que siempre resulta un tanto impostado. Todo gana enteros cuando la historia se centra en lo que sucede alrededor de Joey y no cuando él (o su dueño) es el protagonista indiscutible. Y es que no es tan inhabitual que el personaje protagonista sea el menos interesante de un relato (o incluso una saga), pero en este caso la desigualdad es tan notoria que llega a resultar molesta. El caballo se limita a ser un caballo capaz de transmitir algo en muy limitadas ocasiones, pero es lo que hay.

El resto del reparto cumple con creces su cometido, ya que incluso Emily Watson, Peter Mullan y David Thewlis realizan un buen trabajo con unos personajes cuya presencia se limita casi en exclusiva al comienzo de la función, es decir, la parte sobrecargada de tópicos. Posteriormente, se van sucediendo apariciones de rostros relativamente famosos (una pena que la aparición de Benedict Cumberbatch sea tan breve) con otros muy poco conocidos (gran trabajo de Celine Buckens como la joven francesa), siendo ellos los que consiguen elevar el interés de la función en sus pequeños dramas particulares, ya que puede que también hagan acto de presencia los peligrosos tópicos, pero su influencia real es mucho menor gracias a su buen hacer.

En definitiva, ‘War Horse (Caballo de batalla)’ es una fábula que sirve a Spielberg para mostrar en una misma película las dos caras que han marcado su carrera: El narrador infantil que se apoya en las emociones más básicas para intentar emocionar al espectador, pero también el cineasta trágico-bélico que mantiene el corazón de sus fans en un puño con situaciones de marcado carácter dramático. El problema es que la unión de ambos mundos no termina de cuajar bien, pero no porque uno de ellos sea un lastre que no ofrezca ningún momento de brillantez, sino porque se ve obligado a recurrir a una serie de tópicos que restan fuerza a varias situaciones (en especial durante su primera hora) y porque no todo lo que cuenta tiene un nivel homogéneo de interés y capacidad de implicar al espectador a lo que hay que sumar la errónea elección del desconocido Jeremy Irvine como amigo leal del caballo protagonista.

No estamos aquí ante otro ejemplo de quedarse a mitad de camino de lo que Spielberg querría, sino ante las limitaciones de una historia que impiden que ‘War Horse (Caballo de batalla)’ sea una película memorable. Y es que la genialidad sí que hace acto de presencia en varias de las microhistorias que se suceden alrededor de la separación del caballo y su dueño, pero no en lo que pretende funcionar a modo de gran hilo conductor de los acontecimientos. Parcialmente brillante y relativamente fallida, depende de que con que prefiramos quedarnos.

Separados por la guerra. Preparados para la batalla. Unidos por la amistad.

¿Se puede ser amigo de un caballo? Yo no lo sé, pero desde luego si hay algún cineasta que puede contestar a esa pregunta y hacer creíble la respuesta, es Steven Spielberg. Otra pregunta que no puedo evitar plantearme, y que espero que obtenga respuesta con el visionado de su nuevo film, es si el considerado “Rey Midas” de Hollywood sigue en forma o ha comenzado su declive artístico, tras la aparatosa y algo decepcionante adaptación cinematográfica de ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’. Por lo pronto, es imposible no tener en cuenta que ‘War Horse (Caballo de batalla)’ no logró ni un solo Globo de Oro y que aunque está nominada a seis Oscar (entre ellos, mejor película), Spielberg no aspira al premio como mejor director, lo que prácticamente asegura la derrota de esta producción de DreamWorks ante títulos como ‘The Artist’, ‘Los descendientes’ o ‘La invención de Hugo’. Un resultado decepcionante para lo que, hace meses, pintaba como la arrolladora obra maestra del veterano realizador estadounidense. Y en cuanto a la taquilla, la película ha funcionado bien, recaudando a día de hoy más de 100 millones de dólares en todo el mundo (costó en torno a 60 millones) pero tampoco ha sido el gran éxito que se esperaba. Veremos qué tal funciona en España, donde se estrena por fin este viernes día 10 de febrero distribuida por Disney.

Todo lo dicho se tiene en cuenta, que no está impactando como ‘Salvar al soldado Ryan’ ni cautivando como ‘E.T.’, pero es absurdo darle más importancia de la que tiene. ¿Acaso ‘War Horse’ es peor ahora que antes de su estreno en EE.UU. el pasado 25 de diciembre? ¿Recibir o perder un premio altera la calidad de una película? Hasta el lector más infantil del blog puede responder a eso (y sí, me refiero a uno que se graba a sí mismo recibiendo galardones invisibles). No nos dejemos llevar, no permitamos que nos invada el cinismo, vayamos al cine con ilusión a ver la nueva aventura de Spielberg, uno de los directores más importantes de la Historia del Cine, y si no nos convence, si nos parece cursi o aburrida, pues entonces digámoslo bien alto, pero no antes, no por una imagen, un cartel, un tráiler, una crítica, el comentario del cartero o un maldito prejuicio personal contra los caballos o los ingleses. Le decía hace unos minutos a la persona que más me importa en este mundo (lo siento, mamá y papá, sabéis que os quiero), que si ‘War Horse’ no me emociona, no es una película estupenda, me llevaré el chasco del año. Llevo esperando este cuento de lealtad, esperanza y tenacidad desde que se anunció el proyecto en mayo de 2010.

Sinopsis de la película ‘War Horse (Caballo de batalla)’

La película narra la extraordinaria historia de amistad que surge entre el joven Albert y un caballo llamado Joey, separándose sus caminos a causa de la Primera Guerra Mundial. El padre de Albert vende a Joey a la caballería del ejército británico para luchar en el frente. Joey será testigo de un extraordinario periodo de la Historia con la Gran Guerra como trasfondo. A pesar de los obstáculos que encuentra en su camino, su coraje será fuente de inspiración para todos los que se cruzan con el noble animal. Albert no puede olvidar a su caballo y abandona su hogar para luchar en los campos de batalla de Francia. Allí busca incansablemente a su amigo para traerlo sano y salvo a casa.

El director y los actores protagonistas:

El drama bélico ‘War Horse’ es el “último” largometraje del norteamericano Steven Allan Spielberg (1946, Cincinnati, Ohio), un profesional que lleva más de cuatro décadas en la industria del cine, célebre por haber dirigido títulos memorables como ‘Tiburón’ (1975), ‘En busca del arca perdida’ (1981), ‘E.T. El extraterrestre’ (1982), ‘La lista de Schindler’ (1993) o ‘Salvar al soldado Ryan’ (1998), entre otros. Ha ganado tres veces el Oscar, dos como realizador y una como productor. Es indudablemente uno de los cineastas más famosos, respetados y venerados del planeta. Y de los más activos. Tuvieron que pasar tres años desde el estreno de ‘Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal’ para que pudiéramos volver a ver una película dirigida por Spielberg, ‘Las aventuras de Tintín’ (su primer trabajo animado), pero antes de que llegara a los cines la que ahora nos ocupa, ‘War Horse’, el realizador ya estaba orquestando la puesta en escena de la siguiente, ‘Lincoln’, con Daniel Day-Lewis como protagonista (más Tommy Lee Jones, Sally Field, John Hawkes, Jared Harris, David Strathairn, Joseph Gordon-Levitt… ejem). Si todo marcha como está previsto, y Spielberg suele cumplir con los plazos, pronto podrá embarcarse en el rodaje de ‘Robopocalypse’, su nueva incursión en el cine de ciencia-ficción. Impaciente me hallo.

Llama la atención que no hay estrellas en el reparto de ‘War Horse (Caballo de batalla)’. La estrella es Spielberg, y la historia, basada en el libro de Michael Morpurgo y escrita para la gran pantalla por Lee Hall y Richard Curtis, llevada al teatro con mucho éxito. Pero el elenco de la película es sin duda uno de sus puntos fuertes. La gran incógnita es el debutante Jeremy Irvine, que encarna al protagonista (humano) del relato, pero es de suponer que Spielberg ha elegido bien y habrá realizado un excelente trabajo dirigiéndole. A los también jóvenes David Kross (‘El lector’, ‘Krabat y el molino del diablo’), Toby Kebbell (‘RocknRolla’, ‘Prince of Persia: las arenas del tiempo’) o Tom Hiddleston (‘Thor’, ‘Midnight in Paris’) hay que sumar la experiencia de actores como Peter Mullan (‘Mi nombre es Joe’, ‘NEDS’), Emily Watson (‘Rompiendo las olas’, ‘Punch-Drunk Love’), David Thewlis (‘Siete años en el Tíbet’, ‘Harry Potter y el prisionero de Azkaban’), Benedict Cumberbatch (la serie ‘Sherlock’, ‘El topo’), Eddie Marsan (‘Sherlock Holmes’, ‘London Boulevard’) o Niels Arestrup (‘La escafandra y la mariposa’, ‘Un profeta’) que suponen toda una garantía.

La música de ‘War Horse (Caballo de batalla)’, compuesta por John Williams:

Todos los carteles y vídeos de la película:

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

• Teaser tráiler (en versión original con subtítulos en castellano):

• Tráiler (v.o.s.):

• Making of (v.o.):

• Dos escenas de la película (con doblaje español):

Lo que ha dicho la crítica sobre ‘War Horse (Caballo de batalla)’:

Una historia elemental, elegante y un pelín cursi sobre un chico y su caballo, magnificada por su trasfondo bélico. ‘War Horse’ posee una sencillez que es, al mismo tiempo, su mayor fuerza y su máximo estorbo.

(Todd McCarthy: The Hollywood Reporter)

Spielberg intenta de modo ambicioso unir sus talentos como cineasta de entretenimiento para niños y como cronista de la devastación en ‘War Horse’ (...) Se queda corta en lo que se refiere a la parte narrativa.

(Justin Chang: Variety)

Atrevidamente emocional, con sentimientos desnudos, ‘War Horse’ tan sólo dejará intactos los corazones de piedra.

(Richard Corliss: Time)

El proyecto está hecho a medida para el Spielberg de ‘Salvar a soldado Ryan’, el especialista en historias bélicas, y también para el Spielberg de ‘E.T.’, el cronista de los deseos infantiles y de los anhelos familiares.

(Lisa Schwarzbaum: Entertainment Weekly)

Spielberg es el mejor realizador de películas infantiles de la historia. Su capacidad para evocar la sencillez, el asombro, la belleza y el amor incondicional son su fuerte y su visión de ‘War Horse’ es una fábula magnífica, majestuosa.

(Kyle Smith: New York Post)

Opiniones recogidas en Filmaffinity.

En ‘Gremlins’ (1984) confluyeron varios factores que permitieron que la película fuera un enorme éxito en un año en el que Hollywood reunió títulos tremendamente populares. ‘Gremlins’ consiguió conquistar al público más joven gracias a su humor negro, al inconfundible sello de Steven Spielberg, al buen hacer de Joe Dante, la inolvidable música de Goldsmith, y a Gizmo.

La película aparece en una época de gran inspiración y prolífica de Spielberg, que supo girar el guión inicial de Chris Columbus hacia algo más digerible y para un mayor espectro de público, prioritariamente juvenil. En principio, ‘Gremlins’ era mucho más negra, más violenta y sangrienta. Y quizás hubiera sido igualmente un éxito y aclamada, pero se hubiera limitado, en cierto modo, su explotación comercial. Al final quedó un cuento navideño macabro, irónico, no exento de crítica (aunque hay para todo tipo de interpretaciones), pero sobre todo, divertido.

‘Gremlins’, un film de culto

Hoy en día ‘Gemlins’ es considerada una película de culto, y mucho de ello tiene que ver el hecho de haberse convertido en un icono de referencia para una generación. Aquella que creció (crecimos) en los ochenta con la magia, la fantasía y películas que calaron hondo en la imaginación de muchos jóvenes. Y también no hay que restarle ni un ápice mérito del resultado final al buen hacer de Joe Dante en la dirección. Supo darle un sentido del humor inconfundible, con giros y gags de su propio sello (como memorable la confesión de Phoebe Cates y su aversión a la Navidad). A lo que habría sumar el universo multirreferencial que puebla el film y que ayuda a su disfrute.

Ya desde el arranque, la narración que imprime Dante es simple y directa (dentro de una línea muy convencional). Nos sumerge en un universo mágico (la tienda en Chinatown donde conocemos al entrañable Gizmo) como preparación a un desencadenante macabro, salvaje y gamberro. Paralelamente nos presente una idílica localidad donde todo se prepara para la llegada de la blanca Navidad, con unos pocos personajes pintorescos, que encajan muy bien en la historia y que sirven para dibujar el escenario donde los Gremlins harán sus diabluras.

Encontramos dos partes bien diferenciadas en el film, quizás en la primera sea donde más brille la narración, los guiños más sutiles, presentando personajes y escenarios, y donde consigue enganchar al espectador. Para luego, en la segunda mitad desbaratar todo, destrozar el idílico escenario con la Navidad como protagonista y acentuar, con cierta perversidad, la crítica del falso espíritu navideño (que puede ser una de las múltiples lecturas que se pueden extraer).

Unas criaturas entrañables al más puro estilo serie B

No podemos olvidarnos del trabajo en el apartado de diseño y efectos especiales llevado a cabo con los Gremlins. Criaturas materializadas por el talento de Chris Walas que logró su doble cometido: las ganas de achuchar al adorable Gizmo y que todos los niños quisieran uno igual y la repulsión simpática pero peligrosa que general los Gremlins una vez transformados en mostruitos infernales (y que sacan a relucir la parte más negativa del humano, adoptando sus costumbres y aniquilando sus ¿falsas? creencias).

Hoy en día, el resultado de los muñecos queda desfasado pero siguen manteniendo ese entrañable aspecto de serie B que el film no esconde y que resulta vital para su buena acogida, décadas después. En este punto, es muy interesante como se incluyen (además de una clara referencia al cine de ciencia ficción de los 50) elementos como el padre de familia inventor y sus engendros mecánicos que unidos al efecto devastador de los Gremlins en las máquinas otorga un punto más que curioso (y que también se presta a interesantes reflexiones). Memorable es la escena de la cocina, donde la abnegada madre tiene que enfrentarse a los Gremlins con los electrodomésticos.

Resultando muy macabra y divertida, generó buena parte de la polémica por su violencia y mal ejemplo en un film para jóvenes (véase la receta gremlin al microondas), no deja de ser tremendamente divertida y pura esencia del humor negro que envuelve al film. Y eso que Spielberg desechó, como antes avanzaba, momentos más extremos en el primer guión de Columbus (donde aquí la madre acababa decapitada y su cabeza lanzada al protagonista de forma perversamente divertida).

Tampoco se puede olvidar el excelente trabajo de Jerry Goldsmith (que no hace mucho se reeditaba en un doble disco), esencial para el éxito del film y que constituye un trabajo de perfecta simbiosis, entre el terror y el humor, con un tema central pegadizo y plagado de sintetizadores y sonidos electrónicos.

Es vuestro turno, pueden votar por la película de la siguiente crítica a la carta.

Hola. El blockbuster ha muerto. O no. O quizás no ha muerto porque todo es retórica blockbuster: desde los esperados, aburridos pósters de una megaproducción destinada a los nerds que, como la clase media, somos todos, al parecer, porque eso es la cultura cinéfila actual: a bunch of geeks, true geek love y esas etiquetas que nos convierten a todos en fans ansiosos, felices, aplaudiendo en la comic-con o en nuestros ordenadores.

El caso es que yo, que soy un hombre mayor de unos 23 años y que ya no estoy para según qué trotes, fui a ver con mi mejor amigo, que es joven de alma y es mucho más alegre que yo, esta película última de Steven Spielberg, que al parecer es el Rey Midas del cine y todo lo que toca es magia o sea millones de dólares o sea hace soñar a la gente o sea enriquece las arcas de muchas corporaciones incluyendo DreamWorks SKG (y sus divisiones, Amblin Entertaiment ¡y su mítico logo! entre ellas), Universal Studios y Paramount Pictures, una compañía de Viacom, y alguna más. Jo, el mundo es feliz cuando los CEOs se van a casa habiendo hecho su trabajo y Steven Spielberg y su fábrica de sueños nos dan cosas con las que vivir y comer palomitas y comentar en nuestros foros de cine favoritos que el proyecto promete. Me encantan las promesas ¿promesas de qué? No sé, pues de ¡Tintín y Spielberg! Si no lo estabáis esperando, no tardaréis, es trending topic ahora mismo.

El caso es que, sí, Tintín. Empieza con unos títulos de créditos asombrosos. Y la banda sonora de John Williams. Lamentaré, lo lamentaré durante unos noventa minutos que pueden haber sido ciento cuarenta en mi vida, porque el tiempo es relativo y el sonido de John Williams irrelevante y tedioso, esta banda sonora a la que me siento con simpatía y perspicacia ¡y mira esos acordes! ¡y mira ese danzante y alegre trotar de la melodía de Williams! Luego la cámara se mueve. Dice Jordi Costa que la película tiene piezas de genio y no lo dudo, también que tiene una escritura visual distinta: es cierto. La cámara es una metáfora de todos sus defectos: no se detiene quieta, mira, Milú corre por ahí, mira, pasan dos coches pero la cámara se obsesiona con situarnos en medio de la acción.

La historia es sencilla: resulta que el Capitán Haddock tiene que recuperar algo de un tesoro. Y conocerá a Tintín por vez primera. Y vivirán ¿adivináis? mil aventuras en un furor colonial, algo que a Spielberg le gusta mucho, lo colonial digo, porque Indiana Jones mataba a nazis y árabes para nuestro regocijo y ahora Tintín es francés con lo cual Spielberg, esto es la magia del cine, ha resuelto cualquier embolado ideológico. Vamos, que no el toca hacer ‘La lista de Schindler’ (Schindler’s List, 1993) en la que el blanco y negro es un llanto por el cine de arte y ensayo perdido: uno pensaba que al final Oskar Schindler lloraba con Spielberg y luego, la magia del cine, recogía un Oscar, un premio de la Academia, un gran compromiso con el Holocausto. Todas esas cosas, ya sabéis, la cultura occidental y su indudable destino de labrar nuestras vidas interiores.

La historia está basada en los tebeos de Hergé, a quien se cita en los créditos con elegancia y para cuyos lectores se nos presta no solamente una versión sintetizada y ruidosa del álbum ‘El secreto del unicornio’ sino también a Bianca Castafiore, que protagonizaba mi tebeo favorito de Tintín, ‘Las joyas de la Castafiore’, una comedia de costumbres en la que el misterio daba igual, lo que importaba era la estupidez de todo. De las fiestas, de la ópera, de los grandes eventos y del crimen y los ricos. Era un tebeo magnífico, audaz y sutil. Tom McCarthy ha leído mejor que yo a Tintín y salió disgustado de la película, escribiendo que un comité de simios podría haberlo hecho mejor.

Mis compañeros, que son comité pero de reseñistas, han disfrutado de la película. Ahí está ese belicoso “arma de entretenimiento masivo“ de Caviaro hasta el “retorno a la aventura clásica“ de Abuín pasando por un “a mitad de camino“ de Zorrilla, más cerca del primero que del segundo.

Yo me reí bastante con el plano secuencia tan mentado, de Bagghar, una reescritura bufa de la gramática wellesiana, pensad en ‘Sed de Mal’ (Touch of Evil, 1958) e imaginad el plano de grúa reconstruyendo la persecución más excesiva imaginable. Pero después viene un duelo gigante de grúas y yo quería volver a casa y regresar, pero no a la aventura clásica, sino a los poemas de Nicanor Parra o a ver una película que supiera construir a los personajes, tomarse un respiro narrativo, generar conflictos que funcionen, no una versión de una historia de superación, ese Haddock luchando contra el destino, cuyo carácter anecdótico parece ser perfecto para Spielberg. Porque Tintín, snif, no parece estar muy interesado en las mujeres y todo queda entre chicos, como a Spielberg le gusta, niños, el espíritu de la aventura, etcétera. Pero Tintín, y esto lo ha dicho David Denby, no sabe cuándo parar y eso para mí es un problema, como ver una dinámica cartoon en el diseño de los personajes y en algunas notas de humor mezcladas con ese hiperrealismo del rostro de Tintín y esos tortazos sacados de tebeo pulp. Es otro problema. No encaja. Pero Spielberg y los sueños, el futuro del cine, la gran aventura, etcétera.

Circula desde hace un par de días esta foto de Daniel Day-Lewis preparándose para su inminente participación en ‘Lincoln’, la superproducción de Steven Spielberg, que tras muchos años anunciándola por fin dará comienzo su rodaje con vistas a su estreno en diciembre del 2012. Según parece, el actor ganador de dos Oscars —y atención, que este papel podría reportarle un tercero porque la nominación está más que cantada— se pasa el día caracterizado del famoso presidente de los Estados Unidos, practicando acento y todo. El Actor´s Studio al lado de este tipo es un juego de niños. Todo sea por ver otra gran interpretación de uno de los mejores actores vivos a las órdenes de uno de los mejores directores vivos y muertos.

Recordemos que ‘Lincoln’ es un biopic, pero que no narrará la vida entera del presidente, con un reparto espectacular en el que además de Day-Lewis encontramos a Tommy Lee Jones, Joseph Gordon-Levitt, James Spader, Sally Field, Jackie Earle Haley, Jared Harris, David Strathairn, Hal Holbrook y Tim Blake Nelson. En el apartado técnico están unos tal John Williams y Janusz Kaminski en la banda sonora y la fotografía respectivamente. Personalmente no soy muy amigo de los biopics, salvo que tengan un tratamiento adecuado. Quiero decir que el típico biopic al uso, correcto en todo, no suele interesarme, aunque con Spielberg detrás de las cámaras cualquier cosa es, a priori, interesante.

Vía | Las horas perdidas

‘Las aventuras de tintín: El secreto del unicornio’ (‘The Adventures of Tintim’, Steven Spielberg, 2011) ha sido un estruendoso éxito en Europa, donde se ha estrenado dos meses antes que en su país de origen, al que llegará todavía dentro de un mes. Es evidente que Steven Spielberg y Peter Jackson han querido comprobar los resultados taquilleros en el continente donde el personaje de Tintín, creado por Hergé, tiene una mayor popularidad. El éxito era lógico, si tenemos en cuenta que el famoso personaje llevaba esperando una adaptación cinematográfica desde que Spielberg hizo ‘En busca del arca perdida’ (‘Raiders of the Lost Ark’, 1981), que fue comparada con las aventuras del joven reportero metido a detective aventurero. A ello hay que sumar que la película la dirige el director más popular de todos los tiempos, y también que es un film de animación, género de gran aceptación en los últimos años.

El resultado está a la altura de las expectativas, tratándose de un cineasta como el director de ‘Tiburón’ (‘Jaws’, 1975), ya no sólo porque demuestra una vez más que sigue siendo uno de los mejores narradores que ha dado el séptimo arte, sino porque su primera incursión en este tipo de cine ha resultado mejor de lo que muchos esperábamos. Debo reconocer que de todos los proyectos en los que se ha metido Spielberg, éste era el que menos me ha interesado a priori, pero una vez metido en materia, la magia se ha apoderado de la función. Y por magia me refiero a esa señal perfectamente identificable, pero prácticamente indefinible, que viste a las grandes películas, aquellas capaces de transportarnos a otro mundo, tal y como ocurre con el presente film, que sin ser una obra maestra —tampoco lo necesita— supone uno de los mejores entretenimientos del año.

Spielberg ha sabido cómo enfrentarse a la ardua tarea de adaptar un personaje como Tintín. Aunque durante mucho tiempo se especuló con la posibilidad de una película en imagen real, no hay duda de que la opción finalmente elegida ha sido la mejor. La captura de movimiento como técnica, y una animación que recuerda a los originales de Hergé con la salvedad de que ahora estamos en el demandado mundo de la 3D y hay que adaptarse a ello. Una adaptación en la que evidentemente se apartan de la llamada línea clara que caracteriza las novelas gráficas de Tintín, y Spielberg se la juega tomando fragmentos de distintas aventuras unificándolos en uno solo, con lo que lleva al personaje a su terreno. Esto sin duda es lo que más habrá cabreado a los expertos o fans en Tintín, entre los que no me encuentro.

Pero como el arte siempre es cuestión de perspectiva, lo que sí soy es un fan del señor Spielberg —a Peter Jackson le tengo el justo aprecio por haber realizado una maravillosa trilogía—, y como tal debo considerarme más que satisfecho con ‘Las aventures de Tintín: El secreto del unicornio’, que nos devuelve a un Spielberg lleno de energía. La aventura, en el sentido más clásico del término, vuelve a apoderarse de la platea en pleno 2011. El director de ‘A.I.’ plantea su film como si de una nueva aventura de Indiana Jones se tratase, algo muy lógico dadas las comparaciones que el mismo Hergé hizo entre el arqueólogo y el reportero. Así, Spielberg maneja muy bien el tempo y el ritmo, y con una justa y concisa presentación de personajes y situaciones va directo al grano como nunca.

Tanto Juan Luis como Mikel, mis compañeros en estas páginas, consideran que el trabajo de Spielberg se ha quedado a medias, que podría haber dado más de sí. No estoy del todo de acuerdo, si acaso hay cierto distanciamiento con los personajes por aquello de querer aspirar al realismo, algo que considero un error —Pixar y Ghibli son las pruebas palpables de que tal cosa no es necesaria, de que se puede empatar con personajes animados—, pero la película es un completo torrente de emoción, una montaña rusa de lo más efectiva, que no ofrece ni el más mínimo respiro al espectador, exactamente igual que en las cuatro películas sobre Indiana Jones. Y al igual que en ellas, Spielberg da una verdadera lección de lo que significa espectáculo, y no aparatosidad, y de cómo enlazar set piece tras set piece sin atropellamiento alguno. Si hay alguna que destaca sobre las demás es la ya famosa persecución en plano secuencia, con una planificación prodigiosa, y que muestra claramente lo que puede hacerse en el cine de animación.

Si bien Tintín no posee un carisma arrebatador —la misma impresión que me he llevado en los cómics— sí lo poseen dos personajes secundarios. Me refiero a Milú y a Haddock, quien revela una vez más a Andy Serkis como un genio en lo que hace. Con ambos personajes Spielberg demuestra su talento para la comedia, convirtiéndolos en las verdaderas estrellas de la función, por encima de Tintín, en cuyos rasgos además podemos reconocer a Jamie Bell en el que probablemente sea el mejor trabajo de su carrera. El resto de personajes no desmerecen, aunque no gozan de tanto lucimiento como los centrales, un precio a pagar en una película tan llena de acción. Porque si Spielberg se apodera con todo respeto del personaje de Hergé, también es capaz de moverse en otros terrenos de la aventura como ese flashback sobre el antepasado de Haddock, y que deja en evidencia —y en bragas, valga la vulgaridad— a la saga de ‘Piratas del caribe’. Otra lección de este hombre, que aún diciendo todo lo que ha dicho en el séptimo arte a través de sus películas, aún le queda mucho por decir. Ahora a esperar para ver si Peter Jackson es capaz de superar lo visto, y no me refiero a la técnica.

Después de una entrega especial centrada en Spielberg y ‘Capitán Trueno’, esta semana volvemos al formato tradicional de “frases de cine”. Ya sabéis, declaraciones curiosas, divertidas, polémicas… de profesionales del cine. Empezamos con David Cronenberg, que visitó España recientemente y se ofreció a contestar algunas preguntas a través del Twitter de la distribuidora de su último film, ‘Un método peligroso’ (estreno el 25 de noviembre); sí, contestó una mía, pero la respuesta más llamativa fue la que os dejo a continuación:

Creo que todas mis películas son divertidas, en un cierto nivel. No me imagino haciendo una película sin humor de ningún tipo.

Hablando de Twitter. Muchos famosos lo usan, cada vez más, pero a Ralph Fiennes no le gusta nada. Cree que está ejerciendo una mala influencia en el lenguaje.

Nuestra expresividad y el uso que le damos a algunas palabras se está diluyendo hasta el punto de que un párrafo con más de una oración se ha convertido en un problema. Y para qué decir de una palabra con más de dos sílabas.

En la página de Respuestas, Jemoen colgó una recopilación de incendiarias declaraciones de actores y cineastas. Aparte de los severos ataques lanzados a las películas de Godard por parte de directores como Bergman o Welles, me llamaron mucho la atención las perlas de Vincent Gallo. Ojo a esto:

A Sofia Coppola le gusta cualquier tío que tenga lo que ella quiere. Si quiere ser fotógrafa, se folla a un fotógrafo. Se quiere ser directora de cine, se folla a un director de cine. Es un parásito, igual que el cerdo de su gordo padre lo fue.

Gallo también tuvo palabras de afecto hacia Martin Scorsese, diciendo que lleva 25 años sin hacer una buena película. Como sabréis, el director de ‘Taxi Driver’ ha estado ocupado con su primera película filmada en 3D, ‘La invención de Hugo’ (‘Hugo’). Sobre su experiencia con el formato:

Es excitante pero requiere respeto. Realmente es como volver a empezar… Seguimos experimentando para ver hasta dónde podemos llegar. Miraremos un plano y diremos “¿qué podríamos hacer para usar la profundidad?”. Verdaderamente, fue un divertido dolor de cabeza.

Quien ya puede presumir de haber dirigido y estrenado una película en 3D es Steven Spielberg. No es uno de sus mejores trabajos, pero ‘Las aventuras de Tintín y el secreto del Unicornio’ tiene secuencias espectaculares y por el momento está siendo un éxito de taquilla (todavía no se ha estrenado en EE.UU.). En una de las muchas entrevistas que ha concedido Spielberg, le preguntaron en qué se parecían Tintín e Indiana Jones y por qué ambos personajes eran tan populares; su respuesta:

Porque ni Tintín ni Indiana Jones son superhéroes, son personas reales.

Tan reales como James Bond. Con la nueva entrega (‘Skyfall’) ya filmándose, Roger Moore, uno de los rostros del famoso 007, quiso dedicar unas palabras a otro de los actores que han encarnado al agente secreto:

Sean Connery es un buen actor; es una pena que no pueda entender nada de lo que dice.

Se vuelve a hablar de ‘Sin City 2’ y se baraja la posibilidad de que Mickey Rourke vuelva a estar en el reparto. De cómic en cómic, el actor acabó hablando de ‘Iron Man 2’:

Intento encontrar los momentos en los que el villano no es un cliché, un malvado tío diabólico, y es una gran lucha. La tuve con ‘Iron Man 2’ y perdí. Marvel cortó las pelotas a Jon Favreau y quiso un villano unidimensional. La interpretación y todas las cosas que intenté aportar acabaron por los putos suelos. Eso puede llevar a que dejes de preocuparte. A no querer hacer el esfuerzo de intentar hacer un villano inteligente o un villano que tiene razones para justificarse.

Sigamos con el buen rollo. Recordaréis que ‘Los pasos dobles’, de Isaki Lacuesta, fue la ganadora de la Concha de Oro en la última edición del festival de San Sebastián, una decisión que no sentó muy bien a algunos, como el director Arturo Ripstein (muy molesto) o el crítico Carlos Boyero. Lacuesta se ha referido a este asunto (lo de siempre, “Boyero caca”) y a otros, como el escaso apoyo de los medios a la cultura, o eso que decimos a menudo cuando una película española sale bien: “es tan buena que no parece española”.

Coletilla que, durante décadas, ha servido para referirse a películas de Juan Carlos Fresnadillo, Enrique Urbizu, Álex de la Iglesia, Daniel Calparsoro, Isabel Coixet, Oscar Aibar, Alejandro Amenábar, Javier Rebollo, Chapero Jackson, José Luis Guerín, Marc Recha, Mariano Barroso, Javier Fesser, Gonzalo Suárez, Juanma Bajo Ulloa, Nacho Vigalondo, Jame Balagueró, Paco Plaza… y otros tantos que ahora me olvido. El cine español: todo aquel que parece extranjero. Viceversa: este periodista (este espectador) no parece español.

A todo esto, ¿alguien estuvo pendiente de la gala de entrega de premios de San Sebastián? Vale, allí veo una mano… dos… La que muchos no nos perderemos será la que tendrá lugar el 26 de febrero en el teatro Kodak de Los Angeles. Eddie Murphy será el próximo presentador de la ceremonia de los Oscars, y hace poco, mientras hacía promoción de su última película, ‘Un golpe de altura’ (‘Tower Heist’), dijo esto:

No siento la presión, solo tengo que presentar a la gente y mantenerme en pie. Y tal vez haga un par de sketches tontos o algo así.

Hablando de cosas que todos queremos ver. Scarlett Johansson confirmó, por si quedaba alguna duda, que las fotos que se filtraron hace un par de meses en las que aparecía desnuda, son auténticas.

Eran viejas, de hace tres años. Se las envié a mi marido [Ryan Reynolds]. No hay nada malo. No es como si estuviera rodando una porno… aunque tampoco habría nada de malo en eso.

Y para terminar, una bomba de sinceridad. Es lo único que, quizá, pueda apartar de nuestras mentes la idea sugerida por Scarlett. Ojo a lo que ha soltado Ron Meyer, jefe de Universal Studios:

Hacemos un montón de películas de mierda. Y cada una de ellas me parte el corazón. [...] Una de las peores películas que hemos hecho ha sido ‘El hombre lobo’ [‘The Wolfman’, 2011]. ‘El hombre lobo’ y ‘Babe 2’ son dos de las películas más penosas que hemos producido, pero también hemos hecho películas en las que hemos creído. Hicimos ‘United 93’, que es una de las películas de las que más orgulloso estoy. ‘Cowboys & Aliens’ no fue suficientemente buena. Fue una película mediocre, y todos hicimos un trabajo mediocre con ella. [...] ‘El mundo de los perdidos’ [‘Land of the Lost’, 2010] fue directamente una mierda. No hay excusa para ello. Todo salió mal. [...] ‘Cowboys & Aliens’ no se merecía más de lo que sacó, tampoco ‘El mundo de los perdidos’, pero ‘Scott Pilgrim’ sí se merecía algo mejor, no llegó a calar hondo en la gente, aunque fue una de esas películas que no cuestan mucho, así que no fue un gran fracaso.

Vía | Respuestas, Hollywood Reporter, E! Online, Los tiempos, Las horas perdidas, Twitter Universal_Spain, El país, 20 minutos, Coming Soon, Varsity

Desde el pasado viernes está en nuestras carteleras ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’ (‘The Adventures of Tintin’), la esperada adaptación de la obra de Hergé llevada a cabo por Steven Spielberg. Cuenta el célebre realizador estadounidense que tras estrenar ‘En busca del arca perdida’ (‘Raiders and the Lost Ark’, 1981), la crítica francesa enlazaba su película con las aventuras de Tintín. Spielberg no había oído nunca ese nombre (a pesar de ser muy popular en Europa), se puso al día enseguida, quedó cautivado, y tuvo la intención de hacer una película basada en las aventuras creadas por el artista belga. Consiguió los derechos, pero no encontró la manera de trasladar con justicia la magia de las viñetas de Hergé al cine. Unas dos décadas después, Peter Jackson, también admirador del personaje, convence a Spielberg de que la mejor manera de trasladar el cómic a la gran pantalla es con la tecnología de la captura del movimiento (o de la interpretación, que suena mejor); tras una visita al set donde James Cameron planifica el rodaje en 3D de ‘Avatar’, los realizadores deciden que ha llegado la hora del nuevo Tintín. Diversos contratiempos y desacuerdos económicos (los directores exigieron el 30% de las ganancias) retrasaron la producción, pero por el momento la operación es un éxito y ya se habla de la segunda parte, a la espera de que llegue a los cines de EE.UU., donde el personaje no es tan conocido.

Yo he sido fan de Tintín. Lo heredé de mi padre, que me compró todos los volúmenes editados con la esperanza de que me engancharan tanto como a él; así fue, recuerdo que no me cansaba de leerlos, en especial las aventuras que se inician en ‘Los cigarros del faraón’ (cuyo desenlace se encuentra en ‘El loto azul’) y ‘Las siete bolas de cristal’ (concluye en ‘El templo del Sol’). Y en algún momento, creo que al llegar al instituto, dejé a un lado mi colección de Tintín, hoy un adorno en la estantería de mi dormitorio como tantos otros tebeos (‘Mortadelo y Filemón’, ‘Astérix’, ‘Spider-Man’...). Recuerdo más o menos algunas historias, situaciones sueltas, pero lo que no se me olvida es la emoción de abrir un cómic protagonizado por el intrépido reportero creado por Hergé, de adentrarme en un estimulante relato lleno de intriga, acción y humor. Los ingredientes están en la película que ha dirigido Spielberg. Solo que en lugar de realizar una travesía en un sencillo y elegante velero, uno sube a bordo de un gigantesco trasatlántico de última generación. Impresionante, a su manera. Es un lujoso blockbuster animado que pretende asombrar con cada plano, lo que puede provocar cansancio en el espectador, arrastrado a una aparatosa aventura que no da respiro, que no deja tiempo para disfrutar del viaje.

El guion de ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’, escrito por Steven Moffat, Edgar Wright y Joe Cornish, toma elementos de tres historias; la que se cita en el subtítulo, su continuación, ‘El tesoro de Rackham el Rojo’, y ‘El cangrejo de las pinzas de oro’ (asimismo hay guiños a otros volúmenes, supongo que con la esperanza de que serán adaptados al cine más adelante). Después de una excelente pieza de animación tradicional que acompaña a los créditos (que hará que más de uno se pregunte por qué no se hizo la película entera de esa forma, en lugar de optar por el “estilo Robert Zemeckis”), el relato nos sitúa en el mercadillo de una plaza pública, donde un artista (el propio Hergé) está haciendo un retrato a Tintin, dando lugar a una graciosa escena donde se compara un simple dibujo del popular personaje con la sofisticada creación “realista” de Weta Digital (de nuevo, más de un espectador se lamentará del camino elegido por el director). Cabe destacar que los personajes son una mezcla entre ambos mundos, intentan parecer verdaderos seres humanos sin despegarse por completo de los rasgos característicos que Hergé dio a cada uno de ellos. Lo mismo pasa con los decorados y los colores, más elaborados y auténticos, pero siempre con las viñetas como referencia.

Tintín (voz y movimientos de Jamie Bell) queda cautivado con la maqueta de un barco que nada más comprar, se la intentan quitar de las manos hasta en dos ocasiones. El muchacho se niega y cuando llega a casa intenta descubrir por qué es tan valioso el objeto que acaba de adquirir; tras una visita a la biblioteca, donde encuentra información sobre el navío, el Unicornio, descubre que alguien ha entrado en su apartamento y ha robado la maqueta. Sin embargo, no se han llevado lo que realmente buscaban, un pequeño pergamino escondido en el mástil, que cayó al suelo tras un incidente de su Fox Terrier, Milú, con un gato siamés (uno de los muchos guiños a otras historias de Hergé, el felino fue presentado en ‘Las siete bolas de cristal’). Con los ineptos detectives Hernández y Fernández (Simon Pegg y Nick Frost) ocupados en atrapar a un ladrón de carteras (Toby Jones), Tintín se enfrenta en solitario (bueno, con la inestimable ayuda de Milú) al misterio del barco, cruzándose con el malvado Sakharine (Daniel Craig). Escapando de sus esbirros, Tintín conoce al borrachín de Haddock (Andy Serkis), descendiente del capitán del Unicornio y clave fundamental para encontrar un formidable tesoro.

Se entiende lo que han querido hacer Spielberg y Jackson, y funciona en general, es un intenso entretenimiento palomitero, hay momentos extraordinarios (el plano secuencia en Marruecos) y visualmente es una delicia (ese aire a cine negro), pero no se puede evitar el desequilibro habitual de esta clase de mastodónticos proyectos, con un cuidado escrupuloso por detalles irrelevantes (las pecas en el rostro de Tintín) y un descuido incomprensible de la narración, de la coherencia de lo que se está contando. El mayor problema es su necesidad de lucimiento, de convertir cada minuto en algo espectacular (esa escena absurda de Tintín esquivando coches), supongo que por motivos comerciales, dando lugar a veces a situaciones excesivamente recargadas que terminan por resultar agotadoras. El humor facilón e infantil se acepta con resignación, parece inevitable en un producto destinado a todos los públicos, pero no veo necesario que haya tanto diálogo, se habla demasiado. Técnicamente, ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’ está un paso por delante de lo que se ha hecho hasta ahora en el terreno de la captura de movimiento, los personajes se mueven con más naturalidad y no resultan tan fríos, se atisba algo de la humanidad que intentan transmitir los actores. Pero sigue estando lejos de lo que se consigue con un (buen) film de carne y hueso, que es lo que se intenta suplantar.

Spielberg ve a Tintín como un Indiana Jones para niños, sobredimensionado y acelerado gracias a la animación por ordenador (impecable trabajo de Weta), lo que permite crear secuencias que se burlan de las leyes de la física y que resultarían prácticamente imposibles en una película de acción real, al mismo tiempo que se facilita la puesta en escena y la creación de atmósferas; ya no importan las condiciones climáticas ni hay que desplazarse para filmar una ciudad, todo se crea de la nada (también es útil si se va a rodar una serie de películas, no es necesario reunir al mismo reparto). Ahora bien, hay más de Indiana Jones en la música compuesta por John Williams que en el protagonista de ‘El secreto del Unicornio’, eclipsado por cualquier otro personaje que aparezca a su lado, en especial cuando es el divertido Haddock (Serkis vuelve a demostrar su talento siendo el alma de otro ser digital). Tintín no tiene el carisma de Indy, es un individuo aséptico que dependiendo del momento puede ser un muchacho ingenuo y curioso o un James Bond asexuado, no es un personaje definido con una personalidad atractiva, importante error en una película que pretende ser el inicio de una franquicia (claro que es mejor que esa cosa de los años 60). No se siente pasión ni riesgo en el diseño de esta eficaz montaña rusa que quedará obsoleta en unos años. La buena noticia es que no queda mucho para poder ver otro trabajo de Spielberg, ‘War Horse’, quizá con ésa demuestre que aún sigue siendo uno de los más grandes.

• Otra crítica de la película en Blogdecine:

‘Las aventuras de Tintin: El secreto del Unicornio’, a mitad de camino

Tintín es un personaje con una gran cantidad de fieles admiradores que idolatran sus aventuras y seguramente estarían deseosos de ver lo que podía ofrecernos ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’, pero yo no soy uno de ellos. Ya desde pequeño mi interés por el personaje rozaba lo inexistente y, dejando a un lado mi total predilección por Mortadelo y Filemón, nunca conseguí entender a los que preferían los cómics de Hergé a lo que Uderzo y Goscinny lograron con Asterix. Los años pasaron y mi desinterés por el personaje se tornó en algo que rozaba el odio cuando durante una asignatura de mi licenciatura tuvimos que analizar concienzudamente el álbum ‘Tintín en el Tibet‘. Tampoco ayudó descubrir los cómics de Gil Pupila, los cuales me interesaron infinitas veces más que los de Hergé. Con todo esto quiero dejar claro que yo no era el espectador idóneo para poder disfrutar de lo que Spielberg pudiera ofrecernos, pero decidí darle una oportunidad tras leer varias críticas halagadoras.

A estos problemas hay que añadir que la película utiliza una tecnología que yo considero poco mejor que un timo: La motion capture. Si hay algo cuya utilidad nunca terminé de entender es ¿Para qué rodar una película con actores y luego convertirlo todo en una cinta de animación? La búsqueda del hiperrealismo no es algo que me convezca convenza, porque pudiendo tener lo real no veo la gracia a querer aparentarlo. No obstante, eso es algo que ha conseguido desmontar ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’ al obviar la mera búsqueda del verismo y combinarlo con acertados elementos cartoonescos a la hora de definir el look visual y las acciones de los personajes. Y eso es algo que sí que creo que haber utilizado la imagen real hubiese sido difícil de lograr sin caer en un absurdo que podría haber dañado seriamente la credibilidad de lo que estábamos viendo.

Otra tarea delicada con la que ha tenido que lidiar Spielberg es con la utilización del 3D, sacacuartos en muchas ocasiones, adición innecesaria en otras y muy pocas veces algo que haga el más mínimo bien a una película. Y podemos hablar de una nueva victoria en este campo, ya que uno realmente ve la utilidad del 3D en una gran número de escenas. Además, el frenesí visual de las múltiples escenas de acción da pie a una secuencia memorable (la persecución en motocicleta), en la cual uno puede llegar a creer estar ante un videojuego de última generación, es decir, una sensación total de inmersión. La pega es que eso no sucede en el resto de los excesivos momentos de acción de la función, ya que llega un punto en el que desconecté casi completamente de lo que se me estaba contando. ¿Qué más me da que pasen muchas cosas si no han logrado captar mi interés lo suficiente como para seguir pendiente? Sería de necios equipararlo a desastres como el de ‘Transformers: El lado oscuro de la luna’, donde sencillamente nada funcionaba, pero también exculparlo amparándome en mi desinterés inicial por los personajes.

‘Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio’: Llegan los problemas

Es en el guión donde aparecen los problemas más graves de la película, porque sencillamente es una historia que no daba de sí lo suficiente para rodar una cinta, por otro lado, corta para lo habitual en Spielberg. ¿Realmente se ve el talento de tres guionistas talentosos como es el caso? Lo cierto es que no, porque una vez pasada la muy efectiva presentación de personajes todo queda reducido a una especie de eterna persecución cuya base (un tesoro escondido) no es suficientemente fuerte. Se ha hablado de que ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’ recuerda a la saga de Indiana Jones, pero parecerse a algo no te convierte en algo al mismo nivel. Que se lo pregunten si no a ‘Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal’. Por último, el acto final está alargado hasta el delirio y cuando parece que ya va acabar sigue y sigue, siendo quizá ésta la gran aportación de Peter Jackson al proyecto.

También me empezó resultando un tanto decepcionante la música compuesta por John Williams, ya que el tema que aparece en los logrados créditos iniciales no tiene el suficiente gancho, y además no pude evitar las comparaciones con el utilizado en ‘Atrápame si puedes’, la, para mí, mejor película de Spielberg en lo que va de siglo. Afortunadamente, esa sensación inicial pronto se disipa y el score de Williams capta perfectamente el cruce de géneros de la película. Me gustaría hacer otro apunte sobre los créditos iniciales y es que, por mucho que los disfrutase, posiblemente sean peores que los que realizó un fan del personaje por amor al arte para ser posteriormente contratado por Spielberg y que lucen de maravilla.

Sobre el trabajo de los actores siempre surgen las dudas para juzgar su trabajo al estar sus rasgos físicos convenientemente enmascarados por la animación. Quizá por ello se contrató a Andy Serkis para dar vida a Haddock, ya que el pobre hombre parece encontrar sólo trabajo con personajes que hay que alterar digitalmente a posteriori de alguna forma. En mi opinión, el trabajo vocal de todos ellos es muy bueno y, según el caso, podemos disfrutar más o menos de sus reacciones físicas. Sí que falla el hecho de una clara tendencia a la unidimensionalidad de los mismos, algo especialmente obvio en el caso del villano. No obstante, eso no tiene que ser algo malo si se sabe utilizar, porque pasa algo parecido con Hernández y Fernández y sus breves apariciones son de lo más simpático que uno puede encontrar en la película, en especial con el careo en el domicilio de otro personaje. ¿Y Jamie Bell como Tintin? Pues bastante bien, primero de todo porque se ha conseguido que no odie al protagonista cuando era mi gran temor, pero sigo echando en falta algo más de desarrollo. Quizá lo suyo hubiese sido empezar por una historieta algo más introductoria tal y como está haciendo Marvel con sus adaptaciones superheroicas.

Un punto conflictivo, y con el que no me siento del todo cómodo hablando (hace años que no leo ninguno de los cómics), es la fidelidad en la adaptación. He leído y oído múltiples comentarios alabando este aspecto, pero me voy a atrever a llevar la contraria. Obviamente, los personajes se parecen tanto en diseño como en actitud a sus originales, pero considero que ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’ no es más que un gran borrador para enseñar todo lo que puede hacerse con el personaje sin marcar un camino a seguir y dosificándolo todo en función del momento. Aquí se presentan a los personajes rápidamente y ya hay que pasar a la acción para ver si así logra captar el interés del público americano, quizá el más difícil de atraer en un proyecto como éste. ¿Y qué pasa cuando acabas supeditando un proyecto presuntamente especial al frenesí visual? Que la identidad propia de la propuesta nunca llega a aparecer de forma dominante. Yo, con todas las reservas que he ido comentando, disfruté más de la película que de cualquiera de los cómics y realmente que fuesen los personajes de Tintín me acabó resultando algo accesorio. Aquí no importa la profundidad de los mismos ni el contar con una historia elaborada, y es que más previsible no podía ser pese a unir tres historias en una, sino lucir, y muy bien, la tecnología empleada para ofrecer algo que acaba siendo una versión descafeinada de Indiana Jones. Y quizá por eso me gustó más de lo que esperaba.

En definitiva, ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’ es una muestra de todo lo que pueden ofrecernos en las otras dos entregas de la prometida trilogía, pero sin llegar a acotar lo suficiente el guión como para que todo funcione correctamente. El exceso de escenas de acción no sólo puede ser sinónimo de un ritmo que nunca decae, sino también de una historia que no da de sí lo suficiente para rodar un largometraje. Por el camino, tenemos varios elementos que permiten pasar un buen rato, pero los problemas de guión, una saturación de acción que llega a hacerte desconectar de la película a ratos y un desenlace demasiado alargado convierten a ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio’ en un lujoso pasatiempo, pero no la obra total del cine de aventuras que algunos quieren ver en ella.

‘Cars 2’

Título original, nacionalidad y año: ‘Cars 2’, EE. UU., 2011.

Dirigida por: John Lasseter, Brad Lewis.

Sinopsis: La estrella de los coches de carrera, “Rayo” McQueen, y la incomparable grúa Mate, llevan su amistad hacia emocionantes destinos en Cars 2, cuando cruzan el océano para participar en el primer “Grand Prix Mundial”, en el que se determinará cuál es el automóvil más veloz del mundo. Pero el camino hacia el campeonato se llena de baches, desvíos y desopilantes sorpresas cuando Mate se ve atrapado en una misteriosa aventura de espionaje internacional.

Crítica en Blogdecine:

‘Cars 2’, la peor película de Pixar, por Juan Luis Caviaro.

Características de las ediciones: Características del Blu-ray: Contenido: 1 Blu-ray + 1 DVD. Imagen: 2.39:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 7.1 Inglés. DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS-HD High Resolution 7.1 Castellano. DTS-ES 5.1 Castellano. Dolby Digital 5.1 EX Portugués. Subtítulos: Inglés, Castellano, Portugués, Inglés para sordos. Contenido Extra: Vacaciones en Hawai. Comentarios del director. Air Mate.

‘Parque Jurásico’

Título original, nacionalidad y año: ‘ Jurassic Park’, EE. UU., 1991.

Dirigida por: Steven Spielberg.

Intérpretes: Sam Neill, Laura Dern, Richard Attenborough y Jeff Goldblum.

Sinopsis: El multimillonario John Hammond tiene una idea para un espectacular parque temático: una isla retirada donde los visitantes puedan observar dinosaurios reales. Con la última tecnología en el desarrollo de DNA, los científicos pueden clonar braquiosaurios, triceratops, velociraptors y un tiranosaurio rex, utilizando para ello la sangre fosilizada en ámbar contenida en insectos que los mordieron hace millones de años. Los paleontólogos Alan Grant, Ellie Sattler y Ian Malcolm visitan el parque y quedan muy sorprendidos con los resultados obtenidos. Pero cuando un problemático empleado manipula el sofisticado sistema de seguridad los dinosaurios escapan, obligando a los visitantes a luchar por su supervivencia.

‘El mundo perdido’

Título original, nacionalidad y año: ‘The Lost World: Jurassic Park 2’, EE. UU., 1997.

Dirigida por: Steven Spielberg.

Intérpretes: Jeff Goldblum, Julianne Moore, Pete Postlethwaite y Vince Vaughn.

Sinopsis: Ingen se ve sumida en una profunda crisis, debido a los gastos y a un inesperado ataque de un grupo de Compsognathus a una niña en la Isla Sorna, criadero de dinosaurios de la compañía. El sobrino de John Hammond, Peter Ludlow, nuevo presidente de InGen, decide reflotar la economía de la empresa con el dinero que recaude exhibiendo a los animales en un zoológico de San Diego. Para ello contrata a Roland Tembo, un cazador experto, y a todo un pequeño ejército de mercenarios, con los que se embarca en un safari para capturar a las enormes bestias prehistóricas de Isla Sorna. John Hammond intenta convencer a Ian Malcolm de unirse a un equipo que recabe la información necesaria para elaborar un dossier para convencer a la opinión pública de que los dinosaurios deben permanecer ajenos al ser humano dentro de la isla.

‘Parque Jurásico III’

Título original, nacionalidad y año: ‘Jurassic Park III’, EE. UU., 2001.

Dirigida por: Joe Johnston

Intérpretes: William H. Macy, Sam Neill, Téa Leoni y Alessandro Nivola.

Sinopsis: Paul y Amanda Kirby contratan la ayuda del experto paleóntologo Alan Grant para recorrer la isla Sorna en avión, como celebración de su aniversario. Desoyendo la queja Grant, deciden aterrizar y sufren un accidente, por el que quedan atrapados en el interior de la isla. Grant descubre más adelante que, en realidad, los Kirby buscaban a su hijo desaparecido hace dos meses. La película abre paso a una nueva especie de carnívoro gigante, el Spinosaurus, que gana atención al derrotar a un Tyrannosaurus debido a su mayor tamaño. También existe la amenaza de una nueva especie de Velocirraptor, que persigue a los protagonistas durante todo el film. Además es destacable la aparición de los grandes reptiles voladores llamados Pteranodones, que habían escapado de la isla al quedar abierta por accidente su jaula en la escena final de la película anterior.

Opinión de las tres de ‘Parque Jurásico’: Desde antes de que apareciesen las películas, ya me encontraba a favor de ‘Parque Jurásico’ con la lectura del libro de Michael Crichton. Cuando vi la primera entrega de Spielberg, sufrí, como cualquier lector sufre, las decepciones clásicas de ver plasmado en imágenes lo que había imaginado en mi mente. Pero, pasado el tiempo, me queda la idea de una gran película, sumamente entretenida, que cuenta con algunas escenas memorables, que pueden haber pasado a la historia de la tensión creada por una amenaza monstruosa. Si bien las dos siguientes no estaban exactamente a la altura, no quedaban tan alejadas como muchas veces se comentó y podían disfrutarse casi con igual deleite, dentro de unas aspiraciones de entretenimiento sin más. La que no dirigió Spielberg está claro que aún baja más en calidad, pero no se podría considerar del todo prescindible. No soy muy partidaria de poseer películas en DVD o en Blu-ray, pero en el caso de este Jurassic “pack”, sí considero que tiene sentido su compra, no solo porque se cuentan entre esas películas que no importa cuántas veces se vean, sino también por lo que han significado para el divertimento de esta generación.

Características del Blu-ray de las tres de ‘Parque Jurásico’: Contenido: 3 Discos. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 7.1 Inglés.DTS 5.1 Castellano, Japonés, Alemán, Francés, Italiano. Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Holandés, Inglés para sordos. PVP Recomendado: 49,95 €. Contenido Extra: Todo el contenido extra de la anterior colección en DVD más: Exclusivo Blu-ray: El Regreso a Parque Jurásico: Documental en 6 partes jamás visto con nuevas entrevistas a los directores Steven Spielberg y Joe Johnston más entrevistas al equipo técnico y artístico.Tras las cámaras 13 reportajes de archivo.

‘El castillo en el cielo’

Título original, nacionalidad y año: ‘Tenkû no shiro Rapyuta’, Japón, 1986. Título de estreno español original: ‘La fortaleza celeste’.

Dirigida por: Hayao Miyazaki.

Sinopsis: Una aeronave se desliza sobre un mar de nubes, en una noche de luna llena. Muska, un agente secreto del gobierno, acompaña a una chica llamada Sheeta a la fortaleza de Tedis. Repentinamente la nave es atacada por los piratas que, al igual que el gobierno, buscan el secreto de la piedra mágica de levitación que Sheeta lleva alrededor del cuello. La piedra es la llave que abrirá las puertas de La Fortaleza celeste, una isla flotante en medio del cielo creada por una misteriosa raza que hace mucho tiempo desapareció del planeta. Pazu, un joven muchacho, se hace amigo de Sheeta, le ayuda a escapar de sus seguidores y juntos se disponen a resolver el misterio de la Fortaleza Celeste.

Opinión: Como todas las obras de Hayao Miyazaki, esta película está llena de poesía y de momentos mágicos e inolvidables. Sus personajes son tan arrebatadores como complejos y su historia está cargada de significado. La única pega que se podría poner es también común a otras obras del japonés y se ha convertido tan en marca de autor que podría considerarse, ya, no como un aspecto fallido, sino como una forma de narrar. Me refiero a su larga duración, dentro de la cual, la historia se va ligeramente de las manos de su creador, al que le cuesta trabajo encontrar el camino hasta un final con el que cerrar la película. No obstante, se trata de un cuento maravilloso que merece la pena poseer, tanto para ponérsela a los niños, como para verla los adultos.

Características del Blu-ray: Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD 2.0 Castellano, Japonés. Subtítulos: Castellano. Contenido Extra: La historia de “El Castillo en el Cielo”. Storyboard completo de la película con multiángulo. Animación de principio y fin. Promo Studio Ghibli. Tráilers originales. Tráiler subtitulado en castellano.

‘El cabo del terror’

Título original, nacionalidad y año: ‘Cape Fear’, EE. UU., 1962.

Dirigida por: J. Lee Thompson

Intérpretes: Gregory Peck, Robert Mitchum y Polly Bergen.

Sinopsis: Sam Bowden es un abogado de una pequeña ciudad cuya pero pesadilla se hace realidad cuando el criminal al que él ayudará a encarcelar, Max Cady vuelve para acechar a su mujer, y su hija adolescente. A pesar de la ayuda que le ofrecen el jefe de la policía local, Sam se encuentra legalmente impotente para evitar que Max se aleje de su familia.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 2.0 Inglés. DTS 2.0 Castellano, Japonés, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Español latino. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Holandés, Español latino, Inglés para sordos.

‘El cabo del miedo’

Título original, nacionalidad y año: ‘Cape Fear’, EE. UU., 1991.

Dirigida por: Martin Scorsese.

Intérpretes: Robert De Niro, Nick Nolte, Jessica Lange y Juliette Lewis.

Sinopsis: Los Bowden son una pareja feliz: Sam es un abogado de éxito y Leig diseñadora gráfica. Tienen una hija de 15 años, Danielle, y acaban de trasladarse a una preciosa casa en una tranquila ciudad. Max Cady acaba de salir de la cárcel, trás pasar en ella 14 años, acusado de violar y apalear a una adolescente. En prisión ha estudiado leyes, y ha llegado a la conclusión de que el responsable directo de su condena fue su abogado, Sam Bowden. Ahora va a dedicar cada minuto de su existencia a hacerle pagar su error. Candy ejecutará su terrible venganza, aterrorizando a la familia Bowden y convirtiendo su vida en una pesadilla.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Japonés, Alemán, Francés, Italiano. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Holandés. PVP Recomendado: 19,95 €. Contenido Extra: Escenas Eliminadas. El Rodaje de El Cabo del Miedo. Tras las Cámaras durante en Rodaje del desfile de julio. En el Plató de la Casa Flotante. Montaje Fotográfico. Pinturas Mate. Créditos iniciales. Tráiler de cine.

Opinión de ‘El cabo del miedo’ y ‘El cabo del terror’: Esta es una de las escasas ocasiones en las que encontramos que un remake o una reinterpretación de una obra ya llevada a la pantalla, tiene razón de ser sin que el original fuese una obra menor. Es decir, una de las pocas veces en las que encontramos dos excelentes películas, tanto la antigua como la moderna, en lugar de una explotación de algo que fue muy bueno o de una enmienda a una previa chapuza. Si bien la primera tiene algunos aspectos que no quedaron igual de logrados en la segunda, tenemos que admitir que, el hecho de estar rodada en los ’90, permite a la más reciente ahondar con mayor profundidad en cuestiones, como la sexual y la psicológica, que le aportan una mayor envergadura. El miedo en la primera puede ser menos palpable y el personaje del malo, aunque en ambas resulta igual de terrorífico, explota otros mecanismos. Nos encontramos con sendos duelos interpretativos, ya que los actores pelean casi como sus personajes y en ambas es difícil determinar cuál gana, como lo es escoger entre un dúo u otro. Sumamente recomendables, tanto para verse por separado, como para organizar una mini-maratón y observar las diferencias y similitudes.

‘Granujas a todo ritmo’

Título original, nacionalidad y año: ‘The Blues Brothers’, EE. UU., 1980.

Dirigida por: John Landis.

Intérpretes: John Belushi, Dan Aykroyd, James Brown, Cab Calloway, Ray Charles, Aretha Franklin, Steve Cropper, Donald Dunn y Murphy Dunne.

Sinopsis: Tras la liberación de Jake Blues (John Belushi) de prisión, él y su hermano Elwood (Dan Aykroyd) van a visitar el orfanato donde fueron criados por las monjas. Allí se enteran de que la Iglesia ha dejado de financiar el orfanato y va a venderlo a no ser que se pague el impuesto sobre la propiedad en el plazo de 11 días. Los hermanos deciden recaudar ese dinero reuniendo a su banda de blues para dar un gran concierto. Quizá tengan una misión divina, pero tienen enemigos por donde quiera que van…

Opinión: Para mí, se trata de una de esas películas que cada uno de nosotros atesoramos como recuerdo feliz de la infancia. Es una de las comedias con las que mejor me lo he pasado y que más veces he visto, sin que la cantidad de risas que me producía disminuyese. Las desmesuradas persecuciones y los desastres que acompañaban a los dos insólitos personajes que hacían el mal allá donde pisaban, pero por una buena causa, han provocado que me desternille todas y cada una de las veces. No podría determinar si el suyo es un humor demasiado infantil, pues yo disfrutaba el film cuando era niña y, por lo tanto, es posible que, si su primera oportunidad se la diera ahora, no la encontrase tan hilarante. Pero estoy segura de que muchos de sus momentos me seguirían encandilando.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Polaco. DTS 2.0 Ruso. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Holandés. PVP Recomendado: 19,95 €. Contenido Extra: Las historias detrás del Rodaje de Granujas a Todo Ritmo. Transponiendo la Música. Recordando a John.

‘Desmadre a la americana’

Título original, nacionalidad y año: ‘Animal House’, EE. UU., 1978.

Dirigida por: John Landis.

Intérpretes: John Belushi, Kevin Bacon, Tom Hulce, Stephen Furst, Mark Metcalf y Mary Louise Weller.

Sinopsis: Esta destartalada y estrafalaria parodia de la vida universitaria en los años sesenta, nos muestra a Bluto (John Belushi), Nutria (Tim Matheson), Pinto (Tom Hulce) y Rodaballo (Sthepen Furst) marcando, con su extravagante conducta, el rumbo de la definitiva comedia universitaria.

Opinión: Otra de John Landis que, a pesar de gozar de mayor fama y reconocimiento, para mí tiene un significado menor. Es más que lógico y casi diría que hasta necesario, reestrenar ahora esta película, aunque sea en formatos domésticos, ya que el género desmadre adolescente –y no tan adolescente, pero con un comportamiento similar– está muy de moda en las comedias descerebradas de hoy en día. La gente más joven así podrá comprobar de dónde viene esta corriente o, al menos, acceder a otra propuesta más de este tipo que quizá aún no había disfrutado. Yo misma podría utilizar esta ocasión para revisarla ya que, por mucho que hable de que servirá a generaciones siguiente para conocerla, cuando salió era muy pequeña y, aunque la viese algo más tarde, estoy segura de que no la entendí por completo.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. Dolby Digital Mono Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Español latino. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Español latino, Inglés para sordos .PVP Recomendado: 19,95 € Contenido Extra: ¿Dónde están ahora? El anuario.

‘Las Aventuras de Priscilla, reina del desierto’

Título original, nacionalidad y año: ‘The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert’, Australia y Reino Unido, 1994.

Dirigida por: Stephen Elliott

Intérpretes: Terence Stamp, Hugo Weaving, Guy Pearce y Bill Hunter.

Sinopsis: Tanto Bernadette como Tick y Adam tienen motivos personales para querer abandonar la seguridad de Sydney, cuando consiguen un contrato para actuar en un espectáculo de transformismo en un lugar remoto del desierto australiano. Tras bautizar el viejo autobús en el que realizan la gira con el nombre de Priscilla, estas divertidas y extravagantes drag queens se dirigen al desierto, donde sus insólitas aventuras serán tan espectaculares como su vestuario.

Opinión: No desprecio en absoluto el significado reivindicativo y normalizador que tuvo la película en su momento y el icono que aún hoy en día sigue siendo, pero la consideraría poco interesante si pensase que todo lo que tiene se queda ahí. Además de su capacidad posicionadora, ‘Las Aventuras de Priscilla, reina del desierto’, ofrece un contenido interesante para cualquier tipo de público, dado su humor, su entretenimiento y las insólitas imágenes que retrata. La banda sonora y unas interpretaciones magistrales completan esta road-movie diferente a todas las otras.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano. Dolby Digital 2.0 Portugués. Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Holandés, Inglés para sordos. PVP Recomendado: 17,95 €. Contenido Extra: Comentario del director Stephen Elliott. El nacimiento de una Reina. Escenas eliminadas. La llegada al Checkers Motel. Cómo Trumpet adquirió su apodo.

‘Candyman: el dominio de la mente’

Título original, nacionalidad y año: ‘Candyman’, EE. UU., 1992.

Dirigida por: Bernard Rose.

Intérpretes: Virginia Madsen, Tony Todd, Vanessa Williams y
Ted Raimi.

Sinopsis: La estudiante Helen Lyle (Virginia Madsen) queda atrapada por la leyenda local de Candyman. Un asesino en serie con un garfio que aparece cuando repites su nombre delante de un espejo cinco veces. Sus investigaciones sobre la leyenda le llevan hacia los orígenes de la historia, pero cuando ignora las advertencias locales, comienza una serie de sangrientos asesinatos.

Opinión: Una película que se convirtió en un icono al ser capaz de transmitir más allá de las pantallas el miedo a pronunciar cuatro veces, ante el espejo, el nombre del antagonista principal, Candyman, un malo de una pieza, cruel y despiadado, pero con una motivación. Rodada en unos espacios urbanos que producían casi más pavor que la propia historia, contaba con momentos de gran tensión. Con una narración muy clásica de superación del contrincante, no por ello carecía de fuerza dramática. Desconozco cuál sería mi opinión reciente en una revisión actual, pero basándome solo en mi recuerdo, la declararía como una película recomendable, más terrorífica que muchos de los estrenos de miedo del momento.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 2.0 Inglés. Dolby Surround Castellano, Japonés, Francés, Italiano, Español latino. Subtítulos: Inglés, Castellano, Francés, Italiano, Portugués, Holandés. PVP Recomendado: 19,95 €.

Vía | Zona DVD.