Al igual que en ‘La Lista de Schindler’, esa obra magna de Spielberg, en ‘Aritmética emocional’ existe una lista realizada por su protagonista principal. Un libro escrito en un campo de concentración durante la Segunda Guerra Mundial, lleno de nombres de los hombres, mujeres y niños que entraron y salieron en el campo. Una lista realizada para que en años venideros la gente no olvide lo que pasó en la contienda, una lista que durante los años siguientes se convertirá en una losa de recuerdos que pesa sobre la vida de una mujer ya madura, la cual obsesionada por sus recuerdos de infancia, se olvida de vivir con plenitud su propia vida.

‘Aritmética emocional’ versa sobre el holocausto judío a través de la historia de varios personajes que se reúnen años después de aquellos años tan fatídicos. Melanie es una mujer adulta, casada desde hace años, y que junto a su marido, hijo y nieto, reciben la visita de dos hombres que coincidieron con ella en el campo de concentración: Jakob Bronski, a quien creía muerto, y Christopher Lewis, con quien mantuvo un fuerte vínculo de amistad.

‘Aritmética emocional’ es ante todo una película de actores luciéndose durante toda la proyección. Y realmente es lo único salvable de una película que descuida bastantes aspectos, sobre todo un guión que recurre a ciertos efectismos totalmente innecesarios. El espectador conoce de los horrores sufridos por los personajes por boca de los mismos, lo cual no supone ningún problema. Sin embargo éstos se comportan de una forma tan extraña y tan poco definida que a veces tenemos la sensación de que están locos. ¿La terrible experiencia sufrida les ha dejado tanta secuela? demasiado forzado. Y más aún cuando se insertan determinados flashbacks que nos llevan al campo de concentración, pero en los que no vemos nada especialmente dramático. Flashbacks que en vez de ayudar estorban.

Por otro lado, el personaje más interesante de todos es el marido de Melanie, alguien quien no ha vivido los horrores citados por su esposa, pero que llega a las conclusiones mejor pensadas y razonadas de todo el film a pesar de cierto aire egoísta. Christopher Plummer da vida al citado personaje, y lo hace con toda la elegancia y veteranía que los años le han dado, resultando a la par emotivo y divertido (es el único que parece desmarcarse para mejor de la trama) llenando de matices el personaje probablemente mejor dibujado de la película. Mucho más que el de su mujer, a la que da vida una espléndida, como siempre, Susan Sarandon, que además hace gala de una madura belleza muy apropiada para el papel. A su lado un expresivo Max von Sydow, alejado de sus hieráticas composiciones, y transmitiendo más con su sola presencia que con lo que el endeble guión pretende a través de él. Gabriel Byrne realiza una composición un tanto extraña, y su obsesión con Melanie parece más el querer echarle un polvo tantos años atrasado, que el reencontrarse con alguien con quien compartió momentos demasiado dramáticos. Cuatro actores que están muy por encima de la película.

‘Aritmética emocional’ es tan fría como su título indica, no emociona, no engancha y por momentos hasta resulta risible (la relación entre Melanie y Christopher). Mezcla con dudosa habilidad realismo con momentos oníricos (además de los flashbacks, lo concerniente al personaje de von Sydow y sus “acompañantes”). Parece no avanzar hacia ningún lado, y al final después de media hora de aburrimiento la perplejidad se apodera de uno. ¿Cuál ha sido la verdadera intención de esto? ¿no hay que olvidar para que ciertas cosas no vuelvan a repetirse? ¿olvidar para poder pasar página? ¿caer en la tentación para vencerla y poder vivir mejor? Todo ello está cogido con pinzas, y a pesar de que su director, Paolo Barzman, parece esmerarse en su puesta en escena, no puede evitar caer en el aburrimiento que proporciona todo lo que plantea la película.

‘Aritmética emocional’ es una película muy floja, en la que sólo merecen la pena las interpretaciones de su cuarteto protagonista, y también la banda sonora de Normand Corbeil, que al igual que los actores, transmite más de lo que el guión pretende. Algo tan terrible como el holocausto judío carece esta vez de interés, a no ser por las sinceros pensamientos del personaje de Plummer, y que más de uno cuestionaría equivocadamente.

En Blogdecine:

• ‘Aritmética emocional’, mantener el recuerdo, ¿a costa de qué?
• ‘Aritmética Emocional’, una ecuación a medias

El holocausto nazi es un tema que conecta emocionalmente con el espectador de forma casi automática, de ahí que el cine se haya aprovechado de esto, en concreto con buenos títulos como ‘La Lista de Schindler’, ‘La Vida es Bella’, ‘El Pianista’ o, a otro nivel, ‘Hijos de un mismo Dios’ o ‘Amén’. Ahora llega ‘Aritmética Emocional’, que explora sus consecuencias psicológicas. Los campos de concentración hacen acto de presencia en forma de pasado traumático, de punto de inflexión en sus vidas. Ahora no son el tema central, sino cómo repercutieron en la existencia de sus protagonistas.

‘Aritmética Emocional’ es una película del montón, y lo aviso desde ya porque con tamaño reparto, a veces puede ser difícil distinguir entre una buen trabajo en el conjunto actoral y que esto pueda hacer grande a una película, al resto del conjunto. Nada menos que Susan Sarandon, Max von Sydow, Christopher Plummer y Gabriel Byrne se complementan en una historia de tono puramente familiar, acompañados por un Roy Dupuis que pasaba por allí.

El principal problema de la película se hace notar al instante, y es que el director, el canadiense Paolo Barzman, sacrifica una mayor solidez y consistencia en el guión, una evolución mayor en el aspecto narrativo, con tal de dejar a los actores protagonistas que se luzcan, siendo generoso con todos y dedicándoles escenas enteras, planos favorables para que usen todos los recursos que les han hecho famosos, y maximizando la expresividad de sus personajes en el intento de darles definición y un perfil creíble y entrañable.

Estamos en 1985, y Melanie (Sarandon) es una madura ama de casa que vive tranquilamente en un pueblo canadiense junto a su marido David (Plummer), disfrutando cuando puede de la presencia de su hijo Benjamin (Dupuis) y su nieto Timmy. Desde la primera escena se nos muestra que aún no se ha recuperado del trauma de haber sido prisionera de un campo de concentración durante la II Guerra Mundial. Recibe la inminente visita de Jakob Bronski (von Sydow), un ruso que fue su mentor durante su cautiverio. Por sorpresa, Bronski trae consigo al irlandés Christopher Lewis (Byrne), que fue el amor de infancia de Melanie y que le trae inexorablemente recuerdos entre lo entrañable y lo amargo. Por supuesto, esto conlleva celos e inestabilidad en el comportamiento de David.

Basada en una novela homónima de Matt Cohen, escrita en 1990, ha sido adaptada sin mucho tesón por Jefferson Lewis. Los primeros veinte minutos presentan de una forma un poco plúmbea, pero efectiva, las motivaciones de los personajes y la propuesta concreta. Pero a partir de ahí todo es estancamiento y carencia de objetivos definidos. Las escenas son generalmente inconexas, y la evolución de los personajes es muy tenue, provocando sobretodo por una (frecuentemente) molesta alternancia entre el presente y flashbacks de la guerra y el campo de concentración. Esa “aritmética emocional” que da nombre al título sólo se refleja en la actuación de Susan Sarandon, a quien he visto mejor otras veces, pero de todas formas cumple con creces. Si algo merma el potencial de ‘Aritmética Emocional’ es su superficialidad. Se queda a medias en todo, ofreciendo un débil desarrollo y un tono meramente contemplativo que llega a aburrir en otras escenas. Desde luego, el reparto pone todo de su parte para aportar interés a una historia que no lo es tanto. El aburrimiento acecha en cada escena, en cada minuto, y se nota demasiado.

Se agradece, no obstante, una grandísima fotografía y una inspirada banda sonora de Normand Corbeil, que unido a la minuciosidad técnica del conjunto, da muestras de la pulcritud de Barzman, un director que me da la impresión que con un guión mejor, puede sacar a la luz una gran película. Consciente del prestigio y talento de sus actores, Barzman rueda muchos planos de mediana duración, de una forma casi teatral (la película se sustenta completamente en los cinco actores mencionados) y profundamente intimista. Al final SPOILER se echa de menos una mínima linealidad, ya que en la mayoría de aspectos en el aspecto narrativo no hay avance alguno. Parece que cada uno, gracias al reencuentro, ha superado el trauma, pero no se revela nada evidente y esto puede resultar insatisfactorio FIN SPOILER.

Una película floja que podría haber sido mucho mejor, con ráfagas de buen cine y excelentes interpretaciones, pero con una falta de profundidad que le influye demasiado, dado el tema que presenta.

En Blogdecine:

• ‘Aritmética Emocional’, mantener el recuerdo, ¿a costa de qué?

En una entrada anterior transmití los comentarios que había hecho Susan Sarandon en la rueda de prensa que siguió a la presentación de su última película ‘Aritmética emocional’. En aquella ocasión me limité a reproducir lo que opinaba sobre el cine, sobre esta película de Paolo Barzman y sobre otros de sus papeles. Pero, como sabréis, Sarandon es una mujer muy involucrada en política y una gran parte de la rueda de prensa versó sobre este tema. Aquí incluyo todo lo que se dijo acerca de la situación de Estados Unidos, de la del mundo en general y sobre Barak Obama y Hillary Clinton.

Se le preguntó a Susan Sarandon si su activismo pacifista había repercutido en su carrera. Bromeó diciendo “todavía no me han metido en Guantánamo. Ha habido momentos dolorosos y solitarios. Lo peor fue cuando iba llegando la guerra con los chistes de odio que salían en la radio y los artículos falsos sobre mis hijos en los periódicos de derechas. Lo peor es el sentimiento de estar separada de los hijos y que pocos se interesen, la sensación de soledad. Se cancelaron eventos por mí, por haber cuestionado al presidente. Mi teléfono estaba pinchado… No sé si he llegado a perder trabajos, se supone que Hollywood no es político, pero somos pocos los que hicimos protestas y era fácil aislarnos. Para los políticos era importante castigar a los que hacían preguntas para que nadie hiciese más. Fue una época de miedo en Estados Unidos y querían mantener ese miedo para reducir los derechos civiles y la prensa cooperó con ese miedo.”

Nos contó que había conocido “a Obama hace poco y la forma en la que ha hecho campaña indica el tipo de presidente que será: escucha, ve a la gente como gente y no como amenazas, tiene curiosidad, ha viajado, sabe del mundo, está dispuesto a hablar… Esto cambiará mucho con respecto a lo que se venía haciendo en los últimos años. En ellos sólo se usaba la diplomacia como premio a quienes están de acuerdo. Con quien no lo está, no se habla porque se les consideran amenazas.”

Se le preguntó si Obama debía aceptar a Clinton como vicepresidenta. Sarandon respondió que “ella no ha propuesto eso. Si la idea de Obama es el cambio, no la debería aceptar porque ella no está por el cambio”. Clinton fue senadora de Nueva York, del Estado donde vive Sarandon. La actriz cuenta que allí “había muchas mujeres que la apoyaron, pero luego fue un desastre, no dijo nada en contra de la guerra, y perdió estos apoyos. Y lo peor es cómo ha llevado la campaña. No es cuestión de que elijamos a una mujer, sino de que sea la mujer adecuada. No me gustaría nada que Condoleezza Rice fuese presidenta y nunca me gustó Margaret Thatcher. Hay mujeres más válidas en el partido demócrata con las que Obama puede contar. Hay muchos países con mujeres increíbles a la cabeza. Por ejemplo, hay muchos en Latinoamérica”.

“Los políticos de Estados Unidos”, continuaba Sarandon, “y los ciudadanos del país deberían saber la influencia que tienen sobre el resto del mundo. Estaría bien que viajasen fuera del país. Es un país muy grande y ahora, con la subida de la gasolina, ya casi no viajan dentro del país, mucho menos a otros. Ellos creen que se está ayudando a los iraquíes y que éstos están contentos de tenernos allí. Salvo que busques una fuente alternativa de noticias, eso es lo que escuchas. Es más cómodo creer una mentira que saber la verdad. Las elecciones que se avecinan en Estados Unidos son muy importantes y tengo fe en mis compatriotas”.

Se habían tergiversado unas declaraciones de Sarandon en las que se publicó que había dicho que se marcharía de Estados Unidos si salía elegido John McCain. Lo que dijo fue que “la forma de ser y la política exterior de McCain son muy peligrosas y que si él salía electo, me plantearía si mi familia y yo vamos a estar seguros en Nueva York. Pero no me voy a ir por estar descontenta porque me habría tenido que ir hace ocho años. A mis hijos, además, les encanta Nueva York. Ellos no quieren vivir en Canadá”.

Cuando habló sobre su pequeño papel en el film ‘En el Valle de Elah’, de Paul Haggis, también hizo declaraciones que tienen que ver con la política, aunque éstas ya las incluí en la otra parte de la rueda de prensa. Sarandon dijo que la película “no era una crítica a Estados Unidos. Es una historia real. Lo triste es que envías a personas brillantes a la guerra y eso las cambia. La crítica era contra la guerra. En Estados Unidos hay una gran distancia entre los políticos que deciden hacer la guerra y el frente en sí. Había cuatro actores en el reparto de ‘En el Valle de Elah’ que habían estado en la guerra. Y lo bueno fue que en la promoción hablaban de ello. Como ahora no ha habido reclutamiento, que sí hubo cuando Viet-Nam, esto sólo afecta directamente a un 1% de la población. Y a los que vuelven no les dejan hablar en los medios. Seguimos mandando jóvenes y nadie habla de cómo les afecta. Hay un altísimo porcentaje de suicidio, de violencia contra quienes los rodean, etc… Quienes vuelven de la guerra llegan a un mundo en el que la guerra parece que no ha existido y tienen que vivir con los recuerdos de lo que les ha obligado a hacer: matar a niños, ancianos, mujeres embarazadas… Vuelven a Estados Unidos y nadie entiende lo que les pasa. ‘En el Valle de Elah’ quería decir que la gente no vuelve de la guerra igual de cómo se fue”.

Retomando otras cosas de la anterior entrada que están relacionadas con el tema político, podemos reiterar que cuando se le preguntó por su método para interpretar, Sarandon dijo: “soy buena escuchando, lo cual ayuda a desarrollar la empatía y a estar presente, lo que también es un paso hacia el activismo”. Hablando sobre sus hijos, comentó que “cuando empezaron a crecer, dejé de llevarlos a manifestaciones. Antes, les explicaba lo que me podría pasar. Por ejemplo, si me iban a detener. Ahora ellos tienen sus propias ideas y son muy pro-Obama”.

Más información en Blogdecine sobre Susan Sarandon.

Con motivo de la presentación de la película ‘Aritmética emocional’ (‘Emotional Arithmetic’), de Paolo Barzman, en la que Susan Sarandon comparte cartel con Gabriel Byrne, Christopher Plummer y Max Von Sydow, la actriz visitó nuestro país y concedió una rueda de prensa en la que habló tanto de cine como de política.

Os diré que encontré mucho más interesante la charla con esta enorme actriz, que demostró ser muy inteligente y tener muy claras sus ideas, que el visionado de ‘Aritmética emocional’ y el mensaje que la película pueda transmitir, pues incluso éste, matizado por Sarandon, cobraba más entidad.

En esta primera entrega, os transmito lo que opinó sobre el cine en general, sobre ‘Aritmética emocional’ en particular y sobre otras películas de su carrera, como ‘En el valle de Elah’, ‘The Rocky Horror Picture Show’, ‘Pena de muerte’, etc… En esta otra entrada se incluyen sus opiniones sobre la política estadounidense y en concreto sobre Barak Obama y Hillary Clinton. Si encontráis declaraciones en otros medios quizá sean algo diferentes, ya que la traductora que se encargó de trasladar lo que Sarandon decía al español es una mujer muy divertida y con enorme chispa, pero también un poco creativa.

Sobre la manera en la que elige sus papeles respondió que tienen que encajar con sus “necesidades familiares. No me siento a gusto si tengo que irme muy lejos, aunque ahora que mis hijos son mayores, seguro que se alegran de saber que me voy. Leo el guión y, si me emociona y es diferente a lo que he hecho antes, acepto. Espero que sea algo de lo que se pueda hablar durante cuatro días de “junket” (promoción), [ríe]. Pregunto al director por qué quiere hacer la película y sorprende ver que muchas veces no lo saben. Por eso es bueno hacer que se lo pregunten. Si le apasiona, le pregunto quién sería el reparto y así sé cómo la quiere enfocar. En este caso, el reparto era casi lo que más me motivó a hacerlo. No porque fuese famoso, sino porque muchas veces, si el reparto es equivocado, sabes que la película va a quedar de otra manera. En este caso, era un tema muy delicado y con otras personas habría resultado totalmente diferente”.

“Cuando se elige el reparto, a veces los productores piensan en lo que “vale” monetariamente un actor [lo que obtendrá en taquilla su presencia en el cartel]. Me parece una mala forma de elegir el reparto. Se dan papeles a gente errónea para el personaje”. Por ello, no es la fama de sus compañeros de elenco lo que hace que decida o no aceptar el papel, sino quizá todo lo contrario: “a lo mejor serían más famosos, pero poco adecuados”. El ver a quién han elegido le da la idea de lo que quiere el director o la directora hacer con la película.

Sarandon continuó contando el proceso por el que decidió apuntarse a ‘Aritmética emocional’: “cuando me reuní con el director y vi que estaba tan conectado con el guión, me gustó eso. A veces también está bien cobrar [ríe]. Aunque también trabajo sin cobrar, si me lleva poco tiempo y si el proyecto es interesante. Si fuesen tres meses, no”. Nos contó que va a rodar una película con Pierce Brosnan sin cobrar. Por último, lo importante a la hora de elegir hacer o no un papel es el personaje que le toca a ella. “Me tiene que gustar el personaje, incluso si es una persona horrible, lo cual es más divertido”.

Cuando se le preguntó cómo se sentía al haber trabajado con actores tan experimentados respondió que “cada vez que empiezas una película entras en un nuevo mundo, independientemente de que quien te acompañe tenga o no experiencia y tienes que hacer que ese mundo funcione. Cuanto más valiente, inteligente y apasionado sea el mundo en el que entras, mejor lo vas a hacer tú y mejor será el resultado, pero eso no tiene que ver con la experiencia. En este caso, todos dependíamos de los demás. No pensábamos en los orígenes, las edades de cada uno. Cada uno trae sus personalidades y esto lo hace más interesante. Cuando comienzas a contar una historia así, te das cuenta de lo grande que es la presencia de Max Von Sydow. No me sorprendió Gabriel Byrne porque ya lo conocía y había trabajado con él, pero sí Christopher Plummer porque su personaje podría haber resultado gruñón, pero quedó encantador y gracioso. Cuando lees el guión e incluso durante el rodaje no te imaginas qué química va a haber, como la que hubo entre Plummer y Sydow”.

Otra de las preguntas se refería a su preparación para hacer el papel de una persona que ha estado en un campo de concentración. Sarandon nos contó que “he leído libros sobre el holocausto, como todo el mundo, supongo. Pero para mí la película era sobre cómo la gente lidia con la pérdida y el dolor, no sobre ese hecho en concreto. Cómo te enfrentas a la vida y sigues adelante. Cuando alguien pierde a un hijo, por ejemplo, la madre quizá no quiere avanzar, pero el padre, sí. ¿Cómo mantienes vivo el recuerdo de esa persona y el respeto hacia ella, pero aún así sigues viviendo? Muy a menudo ves la energía que pone la gente para salvar al hijo de otra persona cuando pierde al suyo. Transforma su dolor en otra cosa. Eso es lo que hace mi personaje: quiere asegurarse de que no vuelva a ocurrir el holocausto, aunque sea a costa de su marido y de su hijo”.

Se inquirió sobre si Sarandon prefería el método o la intuición a la hora de interpretar. “Nunca estudié interpretación, así que todo lo que hago me lo invento. Eso indica que cualquiera puede interpretar [ríe]. Yo empiezo con intuición y luego, si me tengo que defender, uso el intelecto. Primero me lo tengo que creer yo, pero eso no indica que sea interesante. Soy buena escuchando, lo cual ayuda a desarrollar la empatía y a estar presente, lo que también es un paso hacia el activismo”.

Y ya dentro del rodaje de ‘Aritmética emocional’ en concreto, se preguntó si habían improvisado diálogos y también si el director les había dado información extra sobre los personajes para que pudiesen trabajar los papeles. Sarandon contestó que “toda la información sobre los personajes que necesitábamos estaba en el guión. Paolo estaba muy preparado y nos proporcionó un buen ambiente y mucha seguridad. Fue un rodaje corto. El director tenía la suficiente confianza como para cambiar cosas sobre la marcha. Por ejemplo, llovió de verdad durante la secuencia de la cena y las cosas se hicieron de otra manera, pero no se cambiaron los diálogos, sólo la situación. Se rodaron en interiores muchas cosas que se iban a rodar en exteriores. Y Paolo fue muy flexible para estos cambios, otros directores no lo son tanto. Me cayó muy bien y el equipo franco-canadiense fue estupendo y estuvo muy a gusto con él, a pesar de los contratiempos”. Como curiosidad nos contó que “Paolo se sienta en un cajón en lugar de en una silla de director y le construimos una caja con un tambor y baquetas y pusimos una foto que firmamos todos”.

Había quien no podía comprender al personaje de Sarandon en ‘Aritmética emocional’, Melanie, ya que vive en una hermosa casa y tiene a tres hombres “maravillosos que la quieren”. La actriz respondió: “yo también me deprimo. Es muy difícil vivir con alguien. Yo llevo veinte años con Tim [Robbins] Cuando das a alguien por sentado, tus sentimientos y tu comportamiento cambian. Mis hijos son muy divertidos. Ahora están creciendo y las cosas que hacemos juntos y los problemas que tienen son otros. Mi hija ha terminado la facultad y quiere ser actriz y por fin se ha dado cuenta d que sé algo sobre interpretación. Ahora ves a tus hijos como gente adulta, no como niños. Cuando empezaron a crecer, dejé de llevarlos a manifestaciones. Antes, les explicaba lo que me podría pasar. Por ejemplo, si me iban a detener. Ahora ellos tienen sus propias ideas y son muy pro-Obama”.

Sobre la situación actual de Hollywood, Susan Sarandon dijo “yo no estoy en Hollywood, vivo en Nueva York. Pero si todos los que tiene la capacidad de dar luz verde a proyectos eligiesen historias que les interesan en lugar de pensar en el dinero, se haría mejor cine. Hay muchas películas buenas, pero es muy difícil encontrar distribución. Ahora los cines son todos de grandes empresas. Antes sí había salas independientes. Aunque se haga una película barata que vaya a festivales, gane premios y guste, no se distribuye”. Esta descripción de la situación del cine independiente norteamericano recuerda mucho a la situación del cine español: el problema está en la falta de promoción y la mala distribución, entre otras cosas.

Susan Sarandon explicó cuál era el mensaje que quería transmitir ‘En el Valle de Elah’, de Paul Haggis. “No era una crítica a Estados Unidos. Es una historia real. Lo triste es que envías a personas brillantes a la guerra y eso las cambia. La crítica era contra la guerra. En Estados Unidos hay una gran distancia entre los políticos que deciden hacer la guerra y el frente en sí. Había cuatro actores en el reparto de ‘En el Valle de Elah’ que habían estado en la guerra. Y lo bueno fue que en la promoción hablaban de ello. Como ahora no ha habido reclutamiento, que sí hubo cuando Viet-Nam, esto sólo afecta directamente a un 1% de la población. Y a los que vuelven no les dejan hablar en los medios. Seguimos mandando jóvenes y nadie habla de cómo les afecta. Hay un altísimo porcentaje de suicidio, de violencia contra quienes los rodean, etc… Quienes vuelven de la guerra llegan a un mundo en el que la guerra parece que no ha existido y tienen que vivir con los recuerdos de lo que les ha obligado a hacer: matar a niños, ancianos, mujeres embarazadas… Vuelven a Estados Unidos y nadie entiende lo que les pasa. ‘En el Valle de Elah’ quería decir que la gente no vuelve de la guerra igual”.

Para finalizar, quisimos saber cuáles eran sus películas favoritas de entre las que había interpretado. “No puedo elegir una y dejar a las demás fuera, sería lcomo la decisión de Sofía”, respondió Sarandon. Y luego decidió destacar los films que más habían repercutido en su vida personal: ‘Los búfalos de Durham’ porque en ella conoció a su marido, Tim Robbins, y luego tuvo a sus hijos. Y porque también la hizo con él, ‘Pena de muerte’. Pero con lo que se quedó fue con que “siempre son buenas experiencias, me divierto haciendo todas mis películas, aunque luego unas tengan mejores resultados que otras”.

Se le preguntó si era consciente de la repercusión de ‘The Rocky Horror Picture Show’, que aún se sigue proyectando y los fans siguen interpretándola. Su respuesta rápida fue una frase del film: “No sueñes con serlo, selo”. Intentó reflexionar sobre por qué sería tan importante: “habla a un tipo de público. Pusimos mucha energía en ella y me alegro de haberla hecho. Algo tendrá si lleva tanto tiempo por ahí. Acabará siendo mi legado, ¿no sería extraño?”

Más información en Blogdecine sobre Susan Sarandon y sobre ‘Aritmética emocional’.

Susan Sarandon interpreta a Melanie, una mujer que durante su infancia estuvo en Drancy, un campo de concentración de paso, a las afueras de París, del que los prisioneros eran trasladados a otros lugares de los que probablemente, ya no saldrían. Allí conoció a Jakob, un chico ruso que le dijo que tendría que apuntar y recordar todo lo que viese, y a Christopher, un niño irlandés de su edad, con el que entabló una amistad. Cuarenta y tantos años después, Susan está casada con un profesor universitario de historia retirado, Christopher Plummer, con el que tiene un hijo y un nieto. La familia recibe la visita del Jakob, Max Von Sydow, y de Christopher, Gabriel Byrne, y esto desata recuerdos y destapa secretos.

El director, Paolo Barzman, es hijo de dos famosos guionistas y su carrera ha transcurrido principalmente en televisión. ‘Cazatesoros’, ‘La zona muerta’, ‘Los inmortales’… son algunas de las series que ha dirigido. ‘Aritmética emocional’ (‘Emotional Arithmetic’, 2007), que se estrena mañana, 6 de junio, está basada en la novela de Matt Cohen, que tiene el mismo título.

A pesar de que es una elección deliberada, en mi opinión, la falta de naturalidad de estos flashbacks es lo que peor funciona dentro de la película. No encuentro que se asemejen a recuerdos y mucho menos que reflejen el espanto que supuso para los tres personajes encontrarse en aquella situación. Si se supone que no es un narrador omnisciente quien nos está devolviendo a esa época, sino que nos estamos colando en las mentes de quienes estuvieron allí, lo que habría que ver es un horror aumentado por el paso del tiempo. Esto, además de resultar poco agradecido cinematográficamente, le quita hierro a los momentos que deberían tenerlo y son sólo los diálogos los que nos dicen que fue un tiempo traumático, no los hechos.

Por este motivo, como si de una obra de teatro rodada se tratase, lo que sienten los personajes y lo que les ocurrió en el pasado, se transmite siempre a través de diálogos, de forma directa. Esto nos impide implicarnos completamente. Y, por otro lado, convierte a los flashbacks en narrativamente innecesarios, ya que no hay nada en ellos que no sepamos por otros medios.

A la sensación de falta de implicación inicial –porque más adelante sí se logra— contribuye que todo esté guardado tan en secreto. Comienza la película sin que sepamos qué ocurrió exactamente o qué malos tragos ha pasado Melanie recientemente. Y el hecho de que todo tenga que guardarse dentro impide que veamos cómo son los personajes, que adivinemos sus caracteres. Tendría que poder verse, incluso aunque sus emociones estuviesen contenidas y sus secretos ocultos, pero no ocurre así. Por ello, casi todos los personajes se muestran planos o vacíos durante la primera mitad de la película.

Al final, cuando se produce el mejor momento con diferencia de ‘Aritmética emocional’: la escena de la cena en el jardín, algunos de los sentimientos salen a la luz y comprendemos mejor a los personajes. El más interesante de todos ellos es David, el marido de Melanie, a quien da vida Christopher Plummer. Los demás son seres dañados, defectuosos, estropeados por una experiencia devastadora, pero es precisamente quien no estuvo en un campo de concentración, quien más cerca nos llega. Es quien mejor está retratado de guión porque es el que hace la reflexión más sabia de la película y porque no sólo tiene virtudes con las que contrastar con su mujer, sino que sus deslices lo hacen imperfecto. El actor aporta una gran elegancia y hace que un ser que podría haber sido pesado y gruñón, resulte irónico, simpático e inteligente. A pesar de que el retrato de personajes con el que se han encontrado no fuese tan rico como el que halló Plummer en el guión, los demás actores también están magníficos y siempre es un lujo contemplar a Max Von Sydow, a Gabriel Byrne y, por supuesto, a Susan Sarandon.

‘Aritmética emocional’ hace una interesante reflexión sobre esa idea que se nos ha inculcado siempre de que es necesario no olvidar para que las atrocidades no se repitan. El personaje de Sarandon se ha aferrado a esa noción y está convencida de que sus recuerdos salvan vidas en el tiempo presente y de que su superviviencia se produjo únicamente para que sirviese de testigo para los que no estuvieron allí o no salieron de aquella. SPOILER Pero para no dejar nunca de recordar, ella ha sacrificado su propia vida y, lo que es peor, la de su marido y la de su hijo. Quizá esté a tiempo de no estropear la de su nieto. Esta reflexión se ve en la conversación que ya he citado de la cena en el jardín y en alguna otra que ella tiene con el hijo. Por ello, la aparición de dos seres del pasado, lejos de provocarle recuerdos a Melanie, lo que hará es conseguir que por primera vez se dé cuenta de que quizá no sea tan bueno seguir recordando. Y este paso adelante que aún no había dado se refleja en una metáfora hecha con gotas de lluvia y tinta sobre un cuaderno viejo. FIN DEL SPOILER

Por lo tanto, considero que, aunque tenga un arranque algo torpe, este final de ‘Aritmética emocional’ vale la pena. Magníficos actores y una historia con un mensaje que hace pensar son suficientes factores para que esta ecuación dé un resultado positivo.

Más información en Blogdecine sobre ‘Aritmética emocional’.

Tráiler de ‘Aritmética emocional’.

Se trata de películas que para el común de los mortales no llaman la atención, pero en base a una gran interpretación como la de ese monstruo que terminó siendo Burt Lancaster con los años, y a un director como Louis Malle, que pese a sus altibajos en su época americana, nos regaló una joyita como ‘Atlantic City’.

La escena en cuestión es aquella en la que Susan Sarandon, joven, atractiva, deseable, se lava con un limón el cuerpo, ante la atenta mirada de ese gánster en decadencia que interpreta Burt Lancaster, y que gracias al deseo que despierta en él Susan Sarandon y su personaje, recupera las ganas de vivir. Lo importante de la secuencia, no es lo que se ve sino lo que se intuye. A la Sarandon al principio no la vemos de frente, y luego la miramos a través de los ojos de Lancaster, el pasado mirando al futuro, al deseo delante de nosotros, a la fruta prohibida aunque cercana. Para al final sí observar, con una elevada carga de erotismo, como se seca y se viste, y como uno es capaz de aguantarse.

La escena me parece rodada magistralmente, en algo supongo que tuvo que ver que Louis Malle y Susan Sarandon eran pareja en la vida real, y que el maduro director era quien observaba a su amada a través de los ojos del actor. Recuerdo que la escena me impresionó, como a mucha otra gente y críticos que han visto la película, porque cumple con una regla importante, enseña sin mostrar, y es nuestra imaginación la que engrandece lo que vemos. Lo dicho, si la secuencia y esta entrada sirve para que os acerquéis a ver ‘Atlantic City’, adeptos habré logrado. Eso, y que ver actuar a Burt Lancaster en estado de gracia, es un caramelo que merece la pena llevarse a la boca. Está soberbio.

Otras de mis secuencias mágicas en blogdecine:

• Final de ‘E.T. el extraterrestre’
• El cuento de Navidad de Auggie Wren en ‘Smoke’
• La colección de fotos de Auggie en ‘Smoke’
• La canción Dreams en ‘Chungking Express’
• Magnolia
• La fábula de la cigarra y la hormiga de ‘Los lunes al sol’
• ‘Paris, Texas’, el diálogo en el Peep Show
• Richard Widmark será siempre Tommy Udo
• ‘Julio César’ y el arte de manipular a la plebe
• Sally fingiendo el orgasmo

Ya os hemos hablado anteriormente de ‘Peacock’, una película catalogada de thriller psicológico, de curioso argumento, que contaba con los jóvenes y respetados Cillian Murphy y Ellen Page al frente del reparto. Ahora sabemos que Susan Sarandon, Bill Pullman y Josh Lucas (en la imagen, pasándolo mal dentro del ‘Poseidón’) se han incorporado al proyecto para interpretar roles secundarios.

Cillian Murphy es el protagonista de la película, un tranquilo oficinista de un banco en un pequeño pueblo de Nebraska, cuya vida da un completo giro cuando su hogar sufre un accidente; tras el mismo, surge una mujer que nadie conoce y que nadie sabía que vivía con él. Lucas interpretará a su amigo, un policía local, Pullman encarnará a su supervisor, y Sarandon a la mujer del alcalde. Como ya dijimos, Page se encargará de poner rostro a una mujer que tiene la clave de lo que ocurre con el protagonista. Tras las cámaras, Michael Lander, que empieza a rodar ‘Peacock’ este mismo mes.

Vía | Cinematical

El pasado viernes 18 de enero se estrenó en nuestro país la nueva película de Paul Haggis, ‘En el Valle de Elah’. Su anterior film, ‘Crash’, le arrebató, de forma sorprendente, a ‘Brokeback Mountain’ el Oscar a la mejor película de 2006. Haggis se fue de la gala con dos estatuillas, tras ganar también el correspondiente a mejor guión original, premio al que ya había optado el año antes por su trabajo para ‘Million Dollar Baby’, de Clint Eastwood, con el que volvió a colaborar en ‘Banderas de Nuestros Padres’. No es de extrañar que Haggis buscase en Eastwood la vía para narrar la historia de ‘En el Valle de Elah’.

La película, básicamente, gira en torno a la desaparición de un joven soldado norteamericano y la posterior investigación de su muerte. Este esquema llega a provocar en ocasiones la sensación de estar ante un episodio alargado de la famosa serie ‘CSI’. Haggis lucha contra esto incluyendo subtramas donde vemos situaciones cotidianas de los personas y, ya hacia el final, un buen puñado de diálogos “profundos” sobre la guerra. Todo ello como si la cámara estuviese en manos de Eastwood. Y casi funciona a la perfección. Pero Haggis sigue siendo muy tramposo y se le vuelve a ver el plumero.

Paul Haggis no es Clint Eastwood, pero en esta película se le acerca mucho. La mano del clásico viviente parece ayudar a la de Haggis dirigiendo esta historia sobre un perro viejo cuyas habilidades y experiencia resultan ser cruciales para la trama central. La narración fluye elegantemente, sin pausa, a pesar de detenerse en muchas ocasiones para que no perdamos detalles de los gestos de los personajes; personajes vivos dentro de la historia, nada artificiales. Ojo al tono austero, desencantado, amargo; a esa crítica contra los valores actuales y las arrogantes juventudes de hoy, siempre veloces para jubilar a personas que aún tienen mucho que aportar. Haggis emula perfectamente a Eastwood; sin duda, ha mejorado como director.

Lo que sorprende es que su labor no sea tan brillante en lo que, supuestamente, es más habilidoso. Es evidente que Haggis conoce todos los trucos del guión, pero también que no se le da muy bien ocultarlos. No es casualidad que la mejor película con guión suyo sea de Eastwood, que seguro metió mano en el libreto para acercarlo totalmente a su estilo. En esa obra maestra, los recursos para presentarnos a los personajes, para profundizar sobre ellos, para contarnos la trama y para hacerla avanzar, son tan sutiles, están incluidos de forma tan elegante, tan natural, que no se notan. No ocurre lo mismo en ‘En el Valle de Elah’.

Al igual que hiciera en ‘Crash’, Haggis complica y resuelve algunos conflictos de forma un tanto artificial. La parte del maltrato, por ejemplo (no quiero desvelar nada), donde por cierto Haggis se deja llevar por la espectacularidad y se olvida que un fuera de campo bien usado resulta mucho más efectivo. Pero especialmente, prestad atención a las subtramas, puestas ahí para enriquecer a los personajes y soltar las típicas frases super profundas que aparecen luego en los trailers. En general, las subtramas están forzadas, están incrustadas con calzador, y no aportan prácticamente nada a la historia. El personaje de Susan Sarandon, por ejemplo; está ahí sólo para llorar en una escena, luego se olvidan de ella durante casi todo el metraje.

Pero lo más descarado de los trucos del guión de Haggis es todo lo que rodea al hijo del personaje de Charlize Theron. Que si la puerta medio abierta, que si su padre no es su verdadero padre o que si necesita un cuento para dormirse. Y vamos al cuento. Que sí, que queda muy bonita la historia de David y Goliat, queda también muy bien la comparación de la juventud de David con la de los jóvenes soldados, pero… ¿aporta algo sustancial? Al personaje protagonista no y a la historia tampoco. ¿Crítica? A ver, ¿me están diciendo que Goliat es Irak? Espero que no. En este sentido, hay que agradecer a Haggis que no trate a sus compatriotas como héroes, sino más bien como bobos que se han tragado una gran mentira sobre el ejército y la paz. Sobresaliente. Pero esto podría haber ido más allá. No se ataca al gobierno directamente, y clamaba al cielo un buen puñetazo discursivo.

Al margen de la magnífica dirección de Haggis, si algo destaca en es la portentosa interpretación de Tommy Lee Jones. Nominación merecidísima al Oscar para un señor de altísima reputación cuya sola presencia ya impone un gran respeto. Mención especial para una escena ya cercana al final, cuando se descubre todo, en la que Jones está sencillamente inmejorable; su rostro, encajando el golpe, nos quiebra el alma. Charlize Theron se encarga del otro personaje con más entidad en la trama, pero ni está tan bien escrito como el de Jones ni, sobre todo, la actriz se luce tanto. Theron tiene el papel típico de lo que he dicho antes, de las series televisivas como ‘CSI’. Es una investigadora lista, independiente, decidida, muy inteligente, pero también tiene ese punto de debilidad que la hace “humana”. De nuevo, la astuta y experta mano de Haggis con el bolígrafo, aportando dimensiones a sus personajes, para que no resulten meras marionetas.

El reparto de ‘En el Valle de Elah’ contiene más nombres famosos, pero realmente son sólo eso, nombres; no tienen apenas presencia en pantalla y se quedan en reclamos algo inútiles (porque quien conozca a esos actores, conoce a Haggis, a Jones y a Theron, y por tanto no necesita más razones para sentir interés por el film). James Franco sale brevemente en un par de ocasiones, siendo prescindible en ambas; Sarandon tiene un personaje útil que está para llorar y, de paso, para hacer llorar al espectador, no hace nada más; y en cuanto a Josh Brolin, que últimamente está en todas partes, y Jason Patric, que está perdido, tienen roles de típico macho policiaco que sigue órdenes y no quiere comprometerse demasiado (Brolin tirando más a policía pasota y Patric a militar serio).

‘En el Valle de Elah’ es una buena película, un drama perfectamente prefabricado que no aporta gran cosa, pero que funciona como un reloj y con el que es casi imposible aburrirse. El interés dramático está muy logrado, Tommy Lee Jones lo borda, y aunque la crítica sobre un poco, por ese tono profundo que se le quiere dar, tampoco molesta lo más mínimo. No sé si los Estados Unidos necesitan ayuda, lo que está claro es que el resto de países sí la necesitan. Precisamente, para defenderse de los Estados Unidos. Que pongan a alguien más inteligente y más pacífico al frente del gigante, por favor.

Otras críticas de la película en Blogdecine:

‘En el Valle de Elah’, Paul Haggis luchando contra gigantes (por Beatriz Maldivia)

‘En el valle de Elah’, la irak americana (por Antonio Toca)

‘En el Valle de Elah’, en la mente de Haggis (por Alberto Abuín)

A ‘En el Valle de Elah’ le ha pasado algo parecido que a ‘Banderas de Nuestros Padres’, por lo menos en nuestro país, en el que si ven una bandera americana a mucha gente le empieza a salir sarpullido, les dan mareos y vómitos, se dejan llevar por sus injustificables prejuicios antiamericanos, y ni siquiera acuden a ver la película, a la que ya tachan de “americanada” o algo parecido. Algunos que critican el póster español (en verdad horroroso) no se han fijado en que en el mismo la bandera de marras tiene una curiosa posición.

Un servidor, al que la ideología de una película le da exactamente igual, acudió al cine porque el film estaba firmado por Paul Haggis, excelente guionista en la grande ‘Million Dollar Baby’ y director de la magnífica ‘Crash’ (film también atacado por razones extraartísticas). No es que el tema en sí me atrajese mucho, pero con Tommy Lee Jones y Charlize Theron al frente, más un reparto de secundarios de campanillas, la cosa resultaba atractiva en un principio. Lo cierto es que ‘En el Valle de Ealh’ me ha parecido la mejor película en lo que llevamos de año (sí, ya sé que sólo llevamos 23 días de año, pero queda muy chulo decirlo).

‘En el Valle de Elah’ narra la historia, basada en un relato verídico aparecido en la revista Playboy, de un padre que investiga por su cuenta la muerte de su hijo, recién llegado del conflicto de Irak, contando para ello con la ayuda de una policía, la cual se encontrará con muchas trabas, sobre todo por parte del Ejército, para intentar averiguar que sucedió realmente.

Dice mi compañero Antonio Toca en su crítica del film que se nota mucho que el director es el guionista de la película, algo con lo que estoy de acuerdo. Haggis elabora un relato lleno de detalles minuciosos en los que no sobra ni falta nada. Cada cosa que vemos en pantalla está ahí por una razón, y no gratuitamente (un mal muy esparcido en el cine actual). En ese aspecto, recuerda bastante a su film anterior, donde también todas las piezas del puzzle, nunca mejor dicho, terminaban encajando al final. Sin embargo, hay algo que aparta a ‘En el Valle de Elah’ de ‘Crash’, y es su puesta en escena, su trabajo de dirección. Esta vez Paul Haggis ha optado por una mayor sobriedad y serenidad a la hora de narrar su film. Tanto que le acerca al cine de Eastwood, a quien por cierto Haggis le ofreció el papel principal, pues lo escribió pensando exclusivamente en él (Eastwood lo rechazó alegando que ‘Million Dollar Baby’ era su última aparición ante una cámara de cine).

Así pues nos encontramos con una película que avanza lentamente, pero con total seguridad, sin que nos aburramos lo más mínimo (en contra de lo que dice mi compañera Beatriz en su texto sobre la película), interesándonos continuamente por lo que sucede en pantalla, ya no sólo por la sugerente investigación policial, la cual acerca la película a los thrillers clásicos, sino también por los sutiles (ejem) detalles de denuncia. Una denuncia que se aparta de lo que normalmente vemos en películas preocupadas únicamente por criticar la Guerra de Irak siempre desde el mismo punto de vista. Aquí no sólo hay denuncia, sino que algunos detalles (como el final de la bandera) definen a la perfección a un personaje que se desmorona no sólo por la pérdida de un ser querido, sino porque todo en lo que cree le empieza a parecer de lo más falso. La razón del crimen en sí es una de las terribles revelaciones que se han visto en mucho tiempo, no por la identidad del asesino, que eso es lo de menos, sino por las motivaciones, las cuales resultan a todas luces tan terroríficas como una guerra.

En el lado interpretativo, la película contiene grandes trabajos, sobre todo de Tommy Lee Jones, que recientemente ha sido nominado justamente al Oscar por su papel en esta película. Jones consigue una de sus mejores interpretaciones, ese padre desolado y dolorido por la muerte de su hijo, incapaz de comprender que las cosas cambian, y con ellas los hombres que van a las guerras, y vuelven de ellas. A su lado, una Charlize Theron, a la que se han preocupado de afear un poco, sin conseguirlo, claro, que aguanta muy bien el estar al lado de Jones en muchas escenas, consiguiendo además una compenetración perfecta. Ambos están sensacionales.

Como también lo está el resto del reparto, aunque no era necesario llenar la película de tantas caras conocidas en personajes casi intrascendentes, y con esto no digo que sobren. Susan Sarandon, a la que se le achaca el hecho de no salir más, emociona como pocas en la escena del tanatorio, una escena idónea para ella. Y Josh Brolin (cada día que pasa se parece más a Nick Nolte), James Franco, Frances Fisher y Jason Patric cumplen muy bien con sus roles, pero no deja de sorprender que apenas salgan en un par de escenas. Incluso sus personajes hubieran dado para mucho más, aunque entonces me temo que nos encontraríamos con una película coral, al estilo de ‘Crash’. Aún así, Haggis sabe lo que hace y en el caso de Patric, viste a su personaje tan bien, que el espectador intuye la manipulación militar en el asunto sin que ningún temible superior haga acto de presencia. Para mí, una jugada muy inteligente por parte del director, ya que no resulta nada manipulador.

Una película magnífica, que sin duda merecía más nominaciones que la de actor principal. Pero claro, en los USA no perdonan que les digan lo mal que están como país en algunas cosas, incluso la taquilla no le favoreció demasiado. En Europa parece que tendrá más suerte, y desde luego habrá que estar muy atentos al próximo trabajo de Haggis como director y guionista.

Tengo la certeza que con el tiempo cada uno va escogiendo el tipo de películas que quiere ver. Habrá gente que decida que el cine es un vehículo de entretenimiento. Otros, sin embargo, se embarcarán en el camino complicado, siempre desde el punto de vista del espectador que a la postre es quien decide qué película ver. Con el paso de los años y las cosas que me han ido sucediendo en la vida, yo he escogido el camino complicado, aquel que implica ver una película con el cerebro encendido. Necesito una exigencia, algo que me implique con la película y luego me haga reflexionar con lo que he visto. Todo eso me lo da ‘En el valle de Elah’, justo a los 15 meses de haber nacido mi hija. Sin este detalle, creo que nunca hubiera llegado a comprender la desesperación de un padre al no saber donde está su hijo, caminando junto a él en un viaje donde todo aquello que habíamos ido labrando se va desmoronando, incluidas las convicciones. Ahora lo entiendo y lo sufro. Y es francamente duro. Por eso el puñetazo en el estómago que ha supuesto para mí ‘En el valle de Elah’.

Otra certeza que tengo con respecto a esta película, es que sé que va a tener más éxito en Europa que en Estados Unidos. Que aquí al crítica la va a tratar como se merece, escuchando el mensaje, reflexionando con ella. Paul Haggis plantea su visión de Irak desde donde más duele. Desde dentro. Desde dos puntos de vistas, el que se ve, ese ejército americano antiguo representado en Tommy Lee Jones, que cree en la defensa de los viejos valores que han hecho grande a su ejército, y la que no se ve y vamos aprendiendo durante su viaje, la del hijo recién llegado de Irak, que no soporta lo que ha visto y no comprenden qué hacen allí, buscando una salida a su conflicto interior. Y por mucho que la película desemboque en una investigación policial, la misma donde entra en juego el personaje de Charlize Theron, que se une al viaje emprendido por Hank Deerfield (Tommy Lee Jones), el poso y la fuerza de la película se encuentra en demostrar la falsedad de una guerra enmascarada, y la pérdida no sólo de unos ideales, sino de algo tan duro como es un vástago (que es lo que suelen tener las desapariciones).

El Haggis director, deja al Haggis guionista que haga acto de presencia. Todos los personajes están bien dibujados (aquí pensaba que no se qué pintaba el personaje de la madre y esposa de Tommy Lee Jones, que muchas de sus escenas se podían haber hecho sin la necesidad de haber creado ese personaje, que bastaba con que se supiese que estaba ahí, pero la respuesta me la da la secuencia del tanatario, dura, por el dolor que transmite, porque es necesaria, porque sin ella no entenderíamos nunca la tragedia de esas familias que tienen a sus hijos metidos en un matadero). Tommy Lee Jones, lo borda, en todos los detalles con que la película lo retrata, religioso, detallista, militar y policía, en una primera hora colosal, que es la que paulatinamente me va golpeando en el hígado hasta el puñetazo final.

Y todos los datos y el transcurrir del viaje, fluye como la vida misma. Como esa bandera americana, icono sobre el que se construye la película, colgada al revés al principio de la película, que es una llamada de auxilio, metáfora de la búsqueda del hijo desaparecido, del hijo ahogado y perdido en la guerra, de la separación de un matrimonio por el dolor de los hijos muertos, de la mujer detective, incomprendida en un departamento de policía machista, y madre soltera, de socorro por ver que todo lo que vende la máquina informativa de Bush es una bola de nieve. Todo reflejado en la historia de el valle de elah, donde David ganó a Goliat, contada a un crío, a día de hoy la inocencia de un país, a rebelarse y luchar contra el miedo, a expresar el sentir de aquellos a los que no les dejan expresarse.

Todo en la película son detalles. Que vas meditando en tu cerebro, mientras disfrutas con las imágenes, y sufres con la historia. Paul Haggis regala una obra grandísima, que no tendrá repercusión de premios, y supongo de taquilla, pero por la que no pasará el tiempo (que es el juez que verdaderamente deja a cada película en el sitio que le corresponde). Es cine duradero, como lo es ‘Missing’, esa obra maestra que sobre la represión de la dictadura de Pinochet rodó Costa Gavras. El viaje que emprendió Jack Lemmon junto a su nuera, Sissy Spacek para encontrar a su hijo desaparecido. Parecido al emprendido por Tommy Lee Jones y Charlize Theron, en suelo americano. Con la crítica al gobierno americano de fondo. Cine comprometido y necesario del Irak americano. De reflexión para este padre, al que le han dado un sentido golpe en el estómago.

En blogdecine | ‘En el Valle de Elah’, Paul Haggis luchando contra gigantes

Un reparto encabezado por Susan Sarandon, Gabriel Byrne, Max Von Sydow y Christopher Plummer, convierten a ‘Aritmética Emocional’ (‘Emotional Arithmetic’) en un título, a priori, interesante. El film se proyectó en la pasada edición del festival de San Sebastián, donde, sin embargo, se llevó más palos que aplausos. La historia de la película se centra en la reunión de tres supervivientes de un campo de concentración instalado por los nazis en las afueras de París; una historia de amor del pasado volverá a surigir en el presente y cambiará las vidas de los personajes implicados.

‘Aritmética Emocional’ ha sida dirigido por Paolo Barzman y cuenta con un guión de Jefferson Lewis, a partir de la novela de Matt Cohen. Además de los actores ya mencionados, en la película participan Roy Dupuis, Dakota Goyo y Domini Blythe, entre otros. Aún no hay fecha de estreno para España.

Vía | Impawards

La película anterior de Paul Haggis, ‘Crash’, no me pareció tan mal como a nuestro compañero Carlanga porque me tomé los comentarios racistas como una broma –no digo que fuesen una broma, sino que yo preferí tomármelos así—, pero sí la encontré muy sobrevalorada. Retomando la estructura que había utilizado, años atrás, el fallecido Robert Altman en ‘Vidas cruzadas’ (‘Short Cuts’), Haggis introdujo la moda de las historias intercaladas que, por su culpa, ahora nos encontramos hasta en la sopa. Y dentro de que lo original de su acercamiento no era tal y su grandilocuencia minaba el posible efecto sobrio de argumentos escogidos con acierto, le encontré unos cuantos valores que merecían elogio.

Hoy en día nos ocupamos de ‘En el Valle de Elah’ (‘In The Valley of Elah’), que el director ha llevado a cabo tras ‘Crash’ y la intervención como guionista en numerosos proyectos. En ella, un padre (Tommy Lee Jones) que fue soldado y que ha perdido a su hijo mayor en la lucha armada, investiga la desaparición de su benjamín en la base militar a la que pertenece. Tras su regreso de la guerra de Irak, el joven no ha dado señales de vida. Junto a una carretera aparece un cadáver destrozado y quemado. La policía del condado, más preocupada en mofarse de una de las agentes que en resolver casos, se alegrará de que la zona no pertenezca a su jurisdicción, sino a la militar, porque eso supondrá ahorrarse trabajo. El ejército sólo tiene interés en echar tierra sobre el asunto. Pero el protagonista encontrará en la frustración de la agente que fue ascendida por su ex-novio (Charlize Theron), una aliada para descubrir la verdad.

A pesar de sonar tan contundente en el párrafo anterior, no quiero echar abajo la película y, aunque esos momentos de gravedad excesiva me produzcan aburrimiento, en el otro lado tenemos una serie de escenas magníficamente resueltas y que mantienen el interés o, como mínimo, la curiosidad hasta el final. Los actores se comportan de manera soberbia y la realización es muy elegante. El retrato de personajes es considerablemente bueno –salvo el de la madre del soldado que, pese a tener como rostro el de Susan Sarandon, es más bien un desperdicio ya que supone la inclusión de un personaje innecesario— y los diálogos, como siempre que se trata de este autor, son de una calidad excelente. Por eso considero que era innecesario recalcar tanto esos sentimientos con escenas introducidas únicamente a tal efecto, porque ya estaban transmitidos en las demás secuencias, es decir, Haggis había conseguido lo que sólo está en mano de los más habilidosos: transmitir sentimientos y retratar personajes mientras cuentas la historia. Pero no fue suficiente para él y lo tuvo que subrayar hasta cometer un exceso.

El título ‘En el Valle de Elah’ viene del momento en el que el protagonista le cuenta al hijo de la detective la historia de David y Goliat. Sin demasiado disimulo, Haggis nos introduce aquí la metáfora de que en todo momento de nuestra vida nos encontramos luchando contra gigantes, como seguramente hará el autor en la competición por los Oscar. Y que hace falta valor para vencerlos. El haber hecho que esto le cambiase la vida al chaval sería tan melodramático que podría romper con un devenir más bien nihilista de la historia, a la vez que parecería una crítica hacia el personaje de Charlize Theron en su faceta de madre. Probablemente consciente de ello, el autor rectifica al cabo de unos segundos, aunque no deja del todo cerrado ese camino.

Por tanto, con ‘En el Valle de Elah’ nos encontramos con un film lleno de altibajos que a menudo hace pasar del entretenimiento al sopor. Pero es una de esas películas que siempre se considerará grande, eso que se suele llamar un “peliculón”. Si es así, yo volveré a pensar que está sobrevalorada y, sin embargo, debe quedar claro que pensar que algo se ha valorado por encima de lo que en realidad vale no significa pensar que sea malo.

En Blogdecine | Pósters, tráilers y noticias sobre ‘En el Valle de Elah’.

Había una vez una chica de 31 años a la que, a pesar de intentar cultivar la madurez y el cinismo, todavía le apasionaban los cuentos de hadas.

Desde hacía décadas la pobre tenía que conformarse con revisionar de vez en cuando algunos clásicos de Disney como Cenicienta, La Sirenita o Blancanieves y a soñar, ajena a los tiempos que corren, con que en la actualidad alguien se atreviera a volver a hacer algo parecido, y que no fuera un bodrio.

Un día, de repente, oyó hablar de Encantada, un film de Disney que se definía como una comedia romántica moderna de acción real. Emocionada buscó en internet la sinopsis y pudo leer lo siguiente:

La película cuenta la historia de la bellísima princesa Giselle a la que una reina malvada expulsa de su mundo mágico y musical. Giselle se enfrentará a la cruda realidad de las calles del Manhattan actual. Inmersa en un entorno en el que el “fueron felices y comieron perdices” no funciona, Giselle deambula por un mundo caótico que necesita urgentemente unos cuantos hechizos. Pero Giselle se enamora de un abogado divorciado, encantador pero nada perfecto que decide ayudarla. A pesar de que en su mundo está prometida al príncipe de cuento de hadas, se hace la siguiente pregunta: ¿su visión del amor ideal tiene futuro en el mundo real?

La cosa no pintaba mal, además de que tras ver el trailer le pareció que el reparto compuesto por Amy Adams, James Marsden, Patrick Dempsey y Susan Sarandon resultaba de lo más adecuado.

Ya estaba casi decidida, pero la lectura de la crítica realizada por su compañero Antonio Toca se interpuso en su camino sembrando la duda. Aún así, varias semanas después de su estreno, dispuesta a enfrentarse a la mediocridad, se dirigió a un multicine de barrio con la intención de no perder la oportunidad, en el caso de que la hubiera, de disfrutar de un poco de magia.

Acomodada en la oscuridad del cine, cubo de palomitas en mano, y rodeada de menores de edad por todas partes se sintió al principio un poco estúpida, pero el arranque animado del film (toda una declaración de intenciones) consiguió atraparla al instante, haciéndole olvidar sus pequeños reparos.

Pronto se dio cuenta de que Encantada conseguía reírse de todos los elementos característicos de sus cuentos favoritos, pero desde dentro, sin dejar de ser uno más de ellos. Y eso fue lo que más le gustó, ya que el film presentaba un perfecto equilibrio entre huir del ridículo y el empalago aliviándolo con humor, pero sin necesidad de hacer escarnio de un mundo que, a pesar de sus inocentes y desfasados mensajes, había proporcionado momentos maravillosos.

Los homenajes a la filmografía Disney eran constantes, y la chica (que ya se había olvidado por completo de que tenía 31 años) disfrutó mucho reconociéndolos. Entre la carcajada y la nostalgia el tiempo transcurrió volando, y cuando se quiso dar cuenta, ya estaban acabando los títulos de crédito y habían encendido las luces de la sala.

Cuando salió del cine todavía se quedó un rato saboreando lo que había visto, pensando en lo bien que lo hacían Amy Adams y compañía, recordando los números musicales y algunos de los momentos más divertidos (el de los animales de ciudad ayudando a limpiar la casa es insuperable, o cualquiera de los protagonizados por la ardilla medio muda).

Al contrario que a su compañero Antonio Toca, a ella no le pareció que fuera una idea desaprovechada.

¡Cómo no iba a tener un final edulcorado y previsible! Se trataba de un auténtico cuento de hadas ¿Qué otro final podía tener?.

Le pareció que hubiera sido mucho más fácil no ceñirse a la estructura convencional del cuento Disney, en busca de una película más adaptada al cine actual. Por eso mantener el baile, el ataque de la bruja, y los besos de amor verdadero, eran realmente la opción más arriesgada, la más auténtica y a juzgar por los suspiros que le consiguió arrancar, la más acertada.

Pensó incluso que era una de esas películas que le gustaría adquirir, cuando tuviera la oportunidad, para volver a verla de vez en cuando como hacía con Blancanieves, Cenicienta y todas las demás. Aunque luego nunca se atreviera a contárselo a nadie.

Y como en los viejos tiempos esa noche cenó batido, se acostó temprano y soñó que ella también era una princesa.

No se ve con nitidez porque realmente se trata de una foto del póster, que los chicos de Worstpreviews se han apresurado a colgar. ‘Speed Racer’ viene firmada por los famosos hermanos Wachowski, y de momento este proyecto tiene a todo el mundo desconcertado, tanto que una de dos, o es un éxito taquillero de órdago, o un batacazo impresionante. Un servidor después de ver su penoso trailer ya no sabe qué pensar. Tendremos que esperar hasta el 9 de Mayo del 2008 para salir de dudas. Recordad que el reparto de la película está formado por el emergente Emile Hirsch, Susan Sarandon, John Goodman, Christina Ricci y Matthew Fox.

Aquí tenéis el trailer de ‘Speed Racer’ (gracias a todos los que nos habéis mandado una nota avisando del tema, veo que esta película interesa bastante), el nuevo trabajo tras las cámaras de los hermanos Wachowski, unos años después de terminar tan lamentablemente la trilogía ‘Matrix’, con lo bien que la habían iniciado. Este avance no me ha gustado absolutamente nada, con lo que empiezo a dudar de que estos tíos vuelvan a hacer las cosas tan bien como con el film protagonizado por Keanu Reeves, o con la casi olvidada ‘Lazos Ardientes’. La película llegará a nuestras pantallas el 9 de Mayo del 2008.

La Disney ha querido cubrir con la historia de Giselle, nuestra princesa de cuento de hadas, todo el ámbito de la familia, de tal forma que no solo los niños se entretengan durante su metraje, sino que también los padres pasen un buen rato. ¿Por qué? Porque Encantada destila un humor negro grandioso con chistes francamente excelentes (en cuanto a diálogos, Giselle – una Amy Adams que se mueve bien en su papel de princesa de cuento hadas -, se pone a cantar y el personaje de Patrick Dempsey, le espeta un “¿qué haces?, esto es Nueva York”, como a situaciones de los personajes de dibujos animados en el mundo real).

La trama de la película ya se ha encargado de darla a conocer la publicidad de la misma, donde se nos muestra el brillante punto de arranque de la película. Trasladar el imaginario de fantasía de las películas Disney de dibujos animados, donde hablan los animales, los personajes se pasan todo el día cantando, son felices y todo les va bien, al universo real de los humanos de carne y hueso, donde todos son problemas, la gente no canta, y no existen buenas intenciones, es como digo, una brillante idea que desconozco porqué la Disney no se atrevió con ella antes.

Lo usual era que los personajes de carne y hueso, por arte de la magia, terminaban apareciendo en un mundo imaginario habitado por dibujos animados, que en la mayoría de los casos les animaban a cantar y a ser felices. Ahora es justo lo contrario, y es en esos momentos en los que personajes animados descubren Nueva York, donde encontramos los mejores momentos de la película. Todo porque el guionista y el director ponen a los personajes como unos desconocidos en un nuevo mundo por descubrir, partiendo de la inocencia de un niño cuando quiere aprender y conocer. Desde esa tesitura le montan a James Mardsen (que sin duda tiene el mejor papel de la película, y sabe aprovecharlo, como ese príncipe de cuento de hadas, de noble corazón, pero que no ve más allá de su propio narcisismo), los mejores y más divertidos momentos de la película (como el de la televisión y el espejo mágico o su atropellado paseo por Central Park).

Pero es ahí, donde nos encontramos con el fallo de la película. Una vez que los personajes ya han descubierto el mundo en el que se mueven, ese Nueva York real, y entra en juego el romanticismo y la aparición de la bruja malvada (una Susan Sarandon, que se parece cada vez más fisícamente a Gloria Swason, y que se debió reir y pasárselo bien con este personaje pero sobreactuando, por ahí también lo de Gloria Swason), la película cae en picado, y la comedia de humor negro, con gotas lights, por la que se transitaba, se convierta en una comedia romántica y edulcorada de final previsible. ¿Por qué un brillante arranque es cerrado de la manera como deciden hacerlo? Imagino que es condescendencia a la taquilla, a realizar un final conforme a la época en la que se estrena esta película, de telefilme navideño del canal disney. Y es una pena, porque servidor se pasó una primera hora de película como un crío, por la idea planteada y como la desarrollan. Porque no me negaréis que los niños de ahora, por mucho que la Disney lo quiera endulzar, saben latín.

En blogdecine | Trailer de Enchanted (Encantada)
Más información | Página oficial de la película

Desde el guión, el personaje debe tener matices y aristas, estar bien compuesto, mostrar una personalidad diferenciada y que atraiga, ya sea de manera negativa o positiva. A eso además hay que sumarle un intérprete con suficiente carisma como para darle vida. Y una buena dirección de actores. Al parecer, todos estos factores flaquean a la hora de componer hoy en día tipos femeninos.

Existen actrices maravillosas en nuestro tiempo, claro que sí, pero quizá no existen intérpretes femeninas con el carisma que tenían algunas de las clásicas. Si tomamos el género de la comedia romántica —que analicé en otro post que también estaba de capa caída— nos encontramos maravillosas encarnaciones como las de Katharine Hepburn en ‘La fiera de mi niña’, Barbra Streisand en ‘¿Qué me pasa, doctor?’, Diane Keaton en ‘Annie Hall’… no digo que todas estas actrices hayan desaparecido, pero ya no están en edad para determinado tipo de papeles. También es cierto que de personas que no nos imaginaríamos en un papel de ese estilo se pueden sacar interpretaciones muy interesantes, como la de Kim Basinger en ‘Cita a ciegas’ o la de Meg Ryan en ‘Adictos al amor’. Así que la dirección de actores entraría aquí para darnos una visión diferente.

Dejando a un lado la fascinación por la belleza externa, ¿cuántas veces os habéis enamorado recientemente de un personaje de la pantalla por su forma de comportarse? Probablemente desde alguno de los ejemplos que he citado arriba no ha vuelto a ocurrir.

En los géneros que no son la comedia romántica tenemos un claro exponente que sigue actuando, pero que ya rara vez es protagonista: Sigourney Weaver. Tanto matando alienígenas como de ejecutiva agresiva, fue un modelo de comportamiento para las que éramos niñas en los años ochenta que hoy en día no ha tenido reemplazo. Susan Sarandon en ‘Thelma & Louise’ hizo tres cuartos de lo mismo, en la década siguiente.

Como estudiaba Karelia, abundan las heroínas en el cine de hoy. Y no por ello encontramos buenos personajes femeninos. Casi todos los ejemplos recientes son de films pésimos y que no han hecho taquilla. Me da la impresión de que esto se debe a que el introducir a una protagonista femenina que sea capaz de dar caña no está movido por una visión igualitaria entre los sexos, sino por algo tan casposo como lo que antes hacía que se quedase detrás del héroe machito gritando: porque al público de los cómics y de los videojuegos en los que se basan —público eminentemente masculino— les erotiza ver a estas mujeres ligeras de ropa dando patadas. Sólo en ‘Alien’ y sus secuelas y en ‘Terminator’ y sus secuelas, las heroínas lo eran de verdad, no eran modelos de ropa de sex-shop. No es de extrañar, por lo tanto, la decisión de no hacer más films con protagonistas femeninas de este tipo.

Hoy en día, ¿qué ocurre? ¿Por qué no encontramos ni las divertidas féminas que convertirán en felices a hombres grises ni tampoco las mujeres que tienen por completo las riendas de su vida? No es que no haya films o series protagonizadas por mujeres, pues probablemente hay muchas más que antes. No hablo de la cantidad, hablo de la calidad.

Además de la ausencia de actrices como las mencionadas, el motivo está en la creación de personajes desde el guión. Y quizá esto no se nada más que un reflejo de la realidad. No sólo las mujeres, el mundo entero vive una época en la que parece que se ha retrocedido en lugar de avanzar con respecto a una serie de valores: el aspecto externo importa más que nunca, la superficialidad se extiende en todas las edades, la profesionalidad no es que desaparezca, es que se considera un defecto; la adolescencia dura hasta los treinta y tantos, los desequilibrios mentales están de moda, y el no tener nada claro, sino más bien nadar entre empanadas mentales, está a la orden del día.

Todo esto se refleja en los guiones y la mujer alocada y animada se convierte en una neurótica adicta a la medicina alternativa o al consumismo desaforado. La ejecutiva agresiva es una zorra manipuladora que machacaría a cualquiera por un avance profesional. ¿Es así la realidad y las películas lo único que hacen es reflejarla? Quizá.

El caso es que no tenemos personajes femeninos interesantes. Se podría decir lo mismo de los masculinos, pero con los de mujeres pasa algo muchísimo más grave que lo dicho hasta ahora: a veces son inexistentes. Estoy hablando ahora de todas aquellas películas que nos narran los hechos desde el punto de vista del hombre protagonista. No pasa nada, hay que elegir una perspectiva y ésta es tan buena como cualquier otra. El problema llega cuando, debido a que la mujer no es la que nos da su visión de los hechos, ella ya ni siquiera es un personaje. Se convierte en una cosa, en un objetivo que el hombre aspira a alcanzar, pero que por sí misma no tiene ideas, no tiene sentimientos, opiniones, pensamiento… Se convierten en estereotipos que sirven para simbolizar valores tradicionales o para representar la pérdida de libertad y la opresión que siente el protagonista masculino. Los personajes descritos en el párrafo anterior, aunque sean negativos, son preferibles para un film, ya que al menos, tienen virtudes y defectos, que es lo que tiene que poseer todo tipo humano en un guión.

Esto último ya no es un reflejo de la sociedad, pues las mujeres pierden más libertad que los hombres cuando tienen hijos y también pueden sentir miedo al compromiso a una atadura de por vida. Esto es simplemente una mala escritura de guiones, ya que el convertir a alguien en un símbolo no tendría por qué significar despojarlo de toda identidad. Los personajes no se pueden dejar vacíos, definidos únicamente por los estereotipos de su género, orientación sexual, procedencia, clase social… Es uno de los defectos más habituales en el cine superficial que nos llega hoy en día y afecta también a los personajes masculinos, pero más a los de mujeres.

Entraría aquí también otro fenómeno muy reciente, que no sólo ha afectado al cine, sino también a la literatura, por lo menos en nuestro país: la idea de que las mujeres escriben o dirigen para mujeres, mientras que los hombres crean para cualquier tipo de público. De este ardid comercial han aparecido los booms de escritoras que mostraban personajes femeninos descerebrados, politoxicómanos y atolondrados y que, para más inri, nos hacían creer que, al estar creados por otra fémina, era más reales que los que habíamos conocido hasta la fecha. Personajes como aquellos, y hablo más de literatura que de cine, habrían puesto el grito en el cielo de cualquiera si hubiesen sido fabricados por hombres.

Quedan excepciones, por supuesto, como habrá que decir siempre que se haga un estudio de este tipo, pero en general, estamos ante una crisis de personajes y especialmente en lo que se refiere a los femeninos.

Recordemos que el resto del reparto está integrado por Rachel Weisz y Ryan Gosling como los padres de la chica, Stanley Tucci como el asesino, y Saoirse Ronan como la protagonista central. Jackson empezará el rodaje este Octubre con vistas a estrenarla en algún momento del próximo año. Y es que eso de filmar una película que carezca de una larga postproducción tiene sus ventajas.

Vía | Dark Horizons

Ya tenemos aquí el trailer de la nueva película de Paul Haggis, ‘In The Valley of Elah’, que versa sobre un hombre que investigará la desaparición de su hijo, en extrañas circunstancias, después de que éste regresara de Irak. A dicha investigación le ayudará una detective, y ambos empezarán a descubrir que ciertas personas no son trigo limpio. Ambos papeles están interpretados por Tommy Lee Jones y Charlize Theron, y por lo que se ve en el trailer, puede que nos ofrezcan interpetaciones inolvidables. Les acompañan Susan Sarandon, James Franco, Jason Patric y Frances Fisher, entre otros.

Un servidor espera con ansia esta película, después de disfrutar con el guión de ‘Million Dollar Baby’, de la reescritura de ‘Casino Royale’, y de la magnífica ‘Crash’, que sorprendentemente le robó el Oscar a la mejor película a la magistral ‘Brokeback Mountain’ hace un par de ceremonias. La película se estrena el 21 de Septiembre en los USA, y por aquí nada se sabe.

‘In the Valley of Elah’ (trailer)

Vía | The Movie Box

El pasado verano mi compañero Chico Viejo ya nos habló de “Speed Racer”, el próximo film de los hermanos Larry y Andy Wachowski, adaptación en acción real de la clásica serie de animación japonesa con el mismo nombre.

Recientemente comentó la participación de Emile Hirsch como protagonista, y a día de hoy podemos encontrar en el reparto de IMDb a John Goodman y Susan Sarandon.

Todavía falta por conocer quién dará vida al villano Racer X, pero ya tenemos también a la novia de Speed, que será la cada día más estupenda Christina Ricci. El fichaje está más que confirmado, ella misma nos lo cuenta en este vídeo en el que aparece entusiasmada con el proyecto.

Vía | /film