Pedazo de reparto el que se ha convocado para ‘The Big Wedding’, la comedia que Justin Zackham (‘Ahora o nunca’) está rodando en Connecticut y que tiene una pinta bastante decente, a pesar de volver de nuevo sobre el extraexplotado tema de los casamientos. Pero, con estos actores, quién se resiste, sea cual sea el tema de fondo.

Más concretamente: Robert De Niro, Susan Sarandon, Diane Keaton, Katherine Heigl, Amanda Seyfried, Robin Williams, Ben Barnes y Topher Grace.

‘The Big Wedding’ mostrará a De Niro y Keaton como una pareja divorciada, que tiene que fingir que sigue felizmente casada en la boda de su hijo adoptivo para no hacer daño a su madre biológica, que suponemos que estará encarnada por Susan Sarandon. Robin Williams interpreta al cura.

Zackham, que había comenzado a dirigir la serie cancelada por FX, ‘Lights Out’, declaró a la prensa que estaba “emocionado de poder continuar lo que empecé con ‘Ahora o nunca’ (‘The Bucket List’, 2007): actores reconocidos en una historia adulta, divertida y centrada en los personajes, quizá con un poco más de sexo y comportamientos incorrectos por parte de todos”.

Lionsgate adquirió los derechos de distribución de Nu Image/Millennium films y planea estrenar ‘The Big Wedding’, que en EE. UU. lleva el título de ‘Gently Down The Stream’, el 19 de octubre de 2012.

Vía | Variety.

En la irregular e increiblemente sobrevalorada, al menos para quien esto suscribe, carrera de Ridley Scott, hay sitio para todo, o casi. En determinados cineastas, verdaderamente grandes, como Roman Polanski, esto me parece una virtud, porque se intuye que sus bandazos entre géneros tienen mucho de cinefilia, de amor por el cine. En casos como los de Scott, que alterna entre la acción, con ‘Black Rain’ (id, 1989), el histórico-épico, con ‘1492: La conquista del paraíso’ (‘1492: Conquest of the Paradise’), el bélico, con ‘Black Hawk derribado’ (‘Black Hawk Down’, 2001), o el de romanos, con ‘Gladiator’ (id, 2000), esto responde a un espíritu descaradamente comercial. No creo que se pueda ver de otra forma. Pero hasta directores que han echado a perder su carrera, como él, de vez en cuando sorprenden con elecciones que, si bien no son ninguna maravilla en su resultado final, sí que dan una idea del verdadero talento que se encuentra detrás de la cámara, más allá de poses y de egos. ‘Thelma & Louise’ (id, 1991), es una película extraña dentro de su filmografía, y quizás una de las más sólidas e interesantes.

Algunos dicen que yo odio a Ridley Scott. Odio es una palabra bastante fuerte, me parece. Yo no odio a Ridley Scott, pero no voy a dejar de decir lo que pienso sobre él, y lo alucinante que me parece la veneración que tantos aficionados al cine le profesan, y la violenta reacción del personal cuando se cuestiona gran parte de su obra, entre otras cosas porque es muy cuestionable. Pero hoy no voy a cuestionar una película suya desde el punto de vista de su trabajo en la puesta en escena, que en este caso me parece casi impecable. Se pueden achacar algunas cosas a la famosa ‘Thelma & Louise’, pero por una vez Scott se muestra humilde, preciso y sensato en su labor de dirección, además de emocionante y casi desconocido en su tratamiento de los personajes. Otro tema, muy distinto, es el guión de Callie Khouri, que se alzó con el Oscar a mejor guión original (el único que logró la película de seis nominaciones, entre ellas la primera como director para Scott). Si se lo dieron por afinar con mano maestra una serie interminable de trampas (muchas de las cuales, no hay duda, nos las tragamos no se sabe por qué milagro), desde luego, hay pocos guiones mejores que ese.

Tampoco es para escandalizarse ni nada por el estilo: todas las películas de la historia del cine son tramposas. Entre otras cosas porque toda ficción lo es. La maestría viene del milagro de que no se vean las trampas, por mucho que uno se ponga a mirar con lupa. Aquí Scott despliega el suficiente talento y pericia como para que las trampas, las costuras, que se ven a diez leguas, nos las traguemos con patatas, eso es lo interesante. Como también es interesante que, ya que las únicas posibilidades de lucimiento “visual”, entendiendo “visual” en su acepción más epidérmica, derivan del paisaje natural (las inmensas planicies del sur de Estados Unidos, sesgadas por miles de kilómetros de carretera), Scott se olvida de su habitual retórica de videoclip y, por fin, filma con una serenidad y una profundidad (de campo, psicológica, conceptual) muy de agradecer. Es muy difícil sustraerse de la mítica de una “road movie” tan bien narrada, extrayendo el máximo de llanuras y montañas. Pero esto me lleva a una reflexión que me divierte aplicar a ciertas películas: ¿no será que nos creemos lo que nos cuenta por tratarse del país en que se sitúa la historia, y por heredar la mística de los grandes géneros norteamericanos?

¿Relato feminista?

Porque si en lugar de llamarse Thelma o Louise, se llamaran Angelines o Marguerite…¿nos lo creeríamos igual? Yo creo que no. Esa es la (gran) ventaja de cierto cine norteamericano: asumimos en sus ficciones cosas que jamás asumiríamos en el cine italiano, polaco o peruano. Thelma es un ama de casa, casada con un imbécil que la trata como si fuera basura, y Louise es una mujer algo menos ortodoxa, que pasa bastante de su novio y que, sospechamos, fue violada en Texas, aunque eso lo averiguaremos bastante avanzada la historia. Ambas amigas salen un fin de semana a divertirse, con tan mala suerte que la ingenua Thelma resulta violada por un animal en un aparcamiento. Louise, que lleva un arma (otra ventaja del cine norteamericano, allí llevan armas como el que lleva un paquete de cigarrillos…), se vale de ella para salvar a Thelma de una buena paliza, pero pierde los nervios ante la chulería del sujeto y le mata de un tiro. De pronto, el viaje de placer se convierte en una huida, y poco a poco las dos amigas de acomodada vida burguesa se transforman en dos peligrosas fugitivas. Si el lector no ha detectado ya la media docena de trampas que plantea el relato, será incapaz de detectar las muy numerosas que vienen después.

A pesar de su crimen, precisamente por la extrema abyección del violador, justificamos moralmente, como espectadores, el asesinato de Louise. Nos ponemos del lado de Thelma porque, seguramente, también fue obligada a casarse con el mentecato de su marido a punta de pistola. A partir de ahí, la manipulación moral de la historia es incontestable. Ambas fugitivas lucharán por llegar a México, mientras los hombres, esos hijos de puta, luchan por impedírselo. Eso sí, para que no acusen a la guionista Khouri de tendenciosa o sectaria, se saca a dos hombres “buenos”, aunque incapaces, de la manga. Se trata del policía que las persigue, el compasivo pero cínico Hal (Harvey Keitel), y del novio ya mencionado de Louise, el primario pero encantador Jimmy (Michael Madsen). Ese policía será el único que, de alguna forma, entiende la lucha moral (moralismo por todos lados, sin duda) de Louise, mientras que el novio será el único que les ayude económicamente. De poco servirá, porque el policía, a la hora de verdad, se verá atado de pies y manos, y Thelma se acostará con un irresistible ladrón (un flojo Brad Pitt), un tío bueno (casualidades de la vida) con el que se volverá a sentir mujer, pero que pondrá a las fugitivas en un serio aprieto.

De hecho, cada acto de delincuencia de la pareja (el robo, el destrozo del camión cisterna, el ataque contra el policía…) será consecuencia de un acto de machismo, de desconsideración, de ataque verbal o de abuso por parte de los hombres, esa panda de cerdos. Jamás dos mártires fueron tan justificadas. Más que un relato feminista, asemeja un martirologio. No creo que fuera necesaria tanta justificación, tanto moralismo y tanta manipulación. Ese mismo año, Clarice Starling sí protagonizaba, bajo mi punto de vista, un auténtico relato feminista, preservando su condición de mujer, sin hacer tan evidente una venganza contra los hombres. Lo bueno es que Scott filma con la lección de ‘Bonnie & Clyde’ (id, Arthur Penn, 1967), de ‘Easy Rider’ (id., Dennis Hopper, 1969) o de ‘Malas tierras’ (‘Badlands’, Terrence Malick, 1973) bien aprendida. Es decir primando la emoción y la sensación de libertad y de viaje en su puesta en escena, casi de western, encuadrando el coche de Louise (un precioso Thunderbird del 66) como si de un mágico corcel de cuento se tratase, deteniéndose en la amplitud y en la luz del paraje, otorgando todo protagonismo a sus dos actrices.

Y es que Susan Sarandon y Geena Davis están formidables, las dos en sus respectivos, y casi antagónicos, roles, dirigidas con mano maestra por Scott. Sarandon es una de las mejores actrices de su generación, y Davis creo que nunca estuvo mejor que aquí. Ambas sostienen la película, le dan emoción y verdad, sin la menor caída de tensión, con una convicción absoluta. Hasta el improbable y muy poco creíble final, que a punto está ya de erigirse en trampa suprema y de hacer desmoronarse el relato de manera definitiva, se sostiene por ellas dos (y por Keitel, en contrapunto) y sólo por ellas dos, que llenan cada resquicio de la pantalla con una energía casi luminosa. El fallecido director de fotografía (a la temprana edad de 53 años) Adrian Biddle se centra en sus rostros, sin idealizarlos, y perdonamos las habituales (y ya un tanto desfasadas) decisiones de Scott de abusar de los filtros, de los humos y de toda la parafernalia técnica heredada de la publicidad. Entre Biddle y Scott componen una secuencia limpia, directa, sobria, verosímil, para una historia que no lo es en absoluto.

Conclusión e imagen favorita

Estiimable película, con un guión muy inteligente (pese a su tono tendencioso) y una dirección de Scott emocionante y exacta. Lástima que este camino no lo siguiera Scott por más películas, reincidiendo luego en su pomposo estilo, consistente en exagerar los elementos del relato para darles la apariencia de categoría (algo que hacen otros cineastas, desde Kubrick hasta Nolan, como si de una escuela se tratase). Pero por una vez realizó un trabajo intachable. Mi imagen favorita es la de Jimmy, un gran Michael Madsen, charlando con su novia en el motel, intentando comprenderla, sabiendo que quizá no vuelva a verla nunca más. Scott muy afinado en su dirección de actores.

Visionar una película como ‘El ansia’ (‘The Hunger’, Tony Scott, 1983) es como contemplar uno de esos aburridos cuadros en los que la perfección plástica ahoga el alma de la obra, sin que ésta llegue a transmitir absolutamente nada. Creo que un artista, pertenezca a la rama que pertenezca debe dejar algo de sí mismo en su trabajo, dejarse un trozo de corazón, demostrar que por sus venas corre sangre insuflada de pasión, de vida. Que su arte no sea una mera utilización de medios —la cámara, el pincel, la voz, un instrumento, etc.—, porque entonces nunca pasará de ser un simple reproductor formal, con una técnica impecable, pero muerto por dentro. En esos casos —más de los que creemos—, han perdido su valioso tiempo, y lo que es peor, nos han hecho perder el nuestro.

Pero en el caso que hoy nos ocupa, el del director del film, no el del anodino cuadro, sabemos que no siempre ha sido así. Tony Scott —actualmente podemos ver en cartelera ‘Imparable’ (‘Unstoppable’, 2010)— ha demostrado alguna que otra vez que puede ser algo más que mediocre. Sin embargo, sus inicios no pueden compararse a los de su hermano, pues se encuentra totalmente en las antípodas. La ópera prima de Tony Scott es un despropósito visual de una envergadura tal, que se hace insufrible por momentos. ¿Por qué entonces su inclusión en este especial sobre vampirismo? Muy sencillo, además de pensar en el hecho de que determinada cinta sea buena o mala, tengo en cuenta sobre todo la figura vampírica que sale en ella. Y el vampiro de ‘El ansia’ merece estar en esta selección.

El argumento de la película es mínimo. Miriam Blaylock y John (Catherine Deneuve y David Bowie) son una pareja de amantes vampiros que viven en la ciudad de New York, alimentándose de jóvenes y lozanas víctimas. Un día y sin aparente explicación, John empezará a envejecer rápidamente, y antes de rendirse a su destino, intentará contactar con una importante doctora, Sarah Roberts (Susan Sarandon) que está investigando sobre el envejecimiento. Lo que ocurre a partir de ese instante parece una mera excusa para llegar hasta la escena más famosa de la película, aquella en la que las dos pedazo de actrices —en todos los sentidos— que son Catherine Deneuve y Susan Sarandon tienen una relación lésbica, y que elevó la temperatura de los espectadores de la época. Además, ambas actrices estaban muy cerca de los 40, que lucen en pantalla de maravilla, demostrando la verdad del famoso dicho “quien tuvo, retuvo”.

De esta forma, Scott retoma el carácter lésbico de las mujeres vampiro, ya ahondado en míticas cintas de la Hammer. Pero se queda en un mero apunte, adornado con el a ratos insoportable estilo visual de Tony Scott, quien parece haber sacado los descartes malos de ‘Blade Runner’ (id, Ridley Scott, 1982) para incluirlos aquí. La primera opción para dirigir la adaptación de la novela de Whitley Strieber por parte del productor Richard Shepherd —productor de film imprescindibles como ‘El árbol del ahorcado’ (‘The Hanging Tree’, Delmer Daves, 1959) o ‘Desayuno con diamantes’ (‘Breakfast at Tiffany´s’, Blake Edwards, 1961)— fue el realizador Alan Parker, por éste recomendó a Scott tras ver varios de sus spots publicitarios. Nunca sabremos si fue para evitar dirigir una película del género de terror, o una broma de la que aún debe estar riéndose.

Porque si hay una película que deja en evidencia a un realizador como Tony Scott, preocupado únicamente por los filtros y la iluminación, olvidándose de que puesta en escena no significa eso, es precisamente ésta. Ya sé que posteriormente ha hecho algún que otro film de interés aun más nulo que el que nos ocupa —‘Top Gun’ (id, 1986) o Días de trueno’ (‘Days of Thunder, 1990), curiosamente los dos con Tom Cruise—, pero si atendemos a la relación intenciones/resultados, ‘El ansia’ es aquella en la que ambos puntos quedan muy lejanos el uno del otro. Lo que prometía ser una nueva mirada sobre el vampirismo —el inicio en la discoteca donde se interpreta el tema ‘Bela Lugosi is dead’ es toda una declaración de que los tiros irán por un camino muy distinto al de las clásicas historia de vampiros— se queda en un anuncio de cortinas, sábanas y demás utensilios de decoración, con no pocos golpes de efecto, donde destaca el soberbio, aunque desaprovechado, trabajo de maquillaje de Dick Smith, entre otros.

Todas las obsesiones visuales del señor Scott ahogan en gran medida lo más atractivo de la cinta: la figura vampírica representada en Miriam, una mujer milenaria de procedencia egipcia, que vive de la sangre de sus amantes —la clásica relación entre maestro y alumno, creador y creado, sigue manteniéndose—, con los cuales vive tiempos indeterminados hasta que, sin saber la razón, el alumno empieza a envejecer rápidamente cayendo en el lado más temible de la maldición: ser viejo eternamente, un ser decrépito que sufre una larga agonía dentro de uno de los muchos ataúdes que Miriam guarda en su ático. Y en lugar de colmillos, el acierto de utilizar un Ankh, una afilada cruz egipcia con la que herir a su víctimas para beber la sangre que le dará el poder de la ansiada juventud.

Al menos podemos disfrutar de la labor de sus tres intérpretes centrales, desde un acertado David Bowie, entre atractivo e inquietante, hasta la siempre profesional Susan Sarandon, pasando, cómo no por una brillante Catherine Deneuve, que realiza una de las composiciones más elegantes, sensuales, atrayentes y fascinantes figuras vampíricas que el cine ha dado. Algo es algo.

Vampiros de verdad en Blogdecine:

• ‘Nosferatu’
• ‘Dracula’ de Tod Browning
• ‘Sombras trágicas, ¿vampiros?’
• ‘Drácula’, de George Melford
• ‘Vampyr’ de Carl Theodor Dreyer
• ‘La marca del vampiro’ de Tod Browning
• ‘El regreso del vampiro’ de Lew Landers
• ‘Drácula’ de Terence Fisher
• ‘Las novias de Drácula’ de Terence Fisher
• ‘Planeta sangriento’ de Curtis Harrington
• ‘I Vampiri’ de Riccardo Freda
• ‘La sangre del vampiro’ de Henry Cass
• ‘El beso del vampiro’ de Don Sharp
• ‘Drácula, príncipe de las tinieblas’ de Terence Fisher
• ‘Drácula vuelve de la tumba’ de Freddie Francis
• ‘El baile de los vampiros’ de Roman Polanski
• ‘Las amantes del vampiro’ de Roy Ward Baker
• ‘Lust for a Vampire’ de Jimmy Sangster

• ‘Drácula y las mellizas’ de John Hough

• ‘La mansión de los crímenes’ de Peter Duffell

• ‘El vampiro sangriento’ de Miguel Morayta

• ‘Drácula’ de John Badham

• ‘The Night Stalker’ de John Llewellyn Moxey

No ha pasado ni un mes desde que sacaron el teaser y ya tenemos disponible el tráiler completo de ‘Wall Street: Money Never Sleeps’ (‘Wall Street: El dinero nunca duerme’), como bien sabéis, la secuela de ‘Wall Street’. Veintitrés años después de la original, el polémico director Oliver Stone recupera a Gordon Gekko, el personaje que le dio un Oscar a Michael Douglas, para narrarnos otra historia de ambición sin límites. O eso es lo que pensábamos, la verdad es que tras ver este nuevo avance no sé muy bien qué pensar. Ya me diréis, a mí me parece un vídeo caótico, como si no supieran cómo vender la película. Sinceramente, me gustaba más el teaser.

Gekko (Douglas) ha salido en libertad tras catorce años en prisión y aprovecha su experiencia para volver a enriquecerse. Un día se cruza por su camino un joven inversor llamado Jacob Moore (Shia LaBeouf), el prometido de su hija (Carey Mulligan), que no quiere saber nada de su padre. Con la intención de acercarse a ella, Gekko ayudará a Moore, cuya firma está a punto de quebrar, lo que le enfrentará al despiadado Bretton James (Josh Brolin). Frank Langella, Susan Sarandon, Vanessa Ferlito, Jason Clarke, Charlie Sheen y Eli Wallach también intervienen en el film, que se estrena el próximo 23 de abril, al menos en Estados Unidos (en principio, aquí también).

PD: Brolin perdió más de 13 kilos para interpretar este papel (que recordemos lo iba a hacer Javier Bardem).

Ya tenemos aquí el cartel y las primeras imágenes oficiales de la nueva película del director Oliver Stone, la (en principio) nada interesante secuela de ‘Wall Street’ (1987), uno de los títulos más populares de su filmografía. Y del actor Michael Douglas, pues por su trabajo en esa película se llevó un Oscar. A mí no me parece, ni de lejos, una de las mejores de Stone, aunque sí reconozco que es realmente entretenida.

Como ya sabéis, Douglas vuelve a interpretar a Gordon Gekko en esta segunda parte, cuyo título al parecer no será ‘Wall Street 2’ ni ‘Money Never Sleeps’ sino uno intermedio, ‘Wall Street: Money Never Sleeps’ (‘Wall Street: El dinero nunca duerme’). Tras 14 años en prisión por los delitos que vimos en la primera película, Gekko todavía intenta recomponer su vida, y en ella se cruzará Jacob Moore, un joven y ambicioso inversor cuya compañía está a punto de quebrar, y que resulta que es el novio de su hija (vaya, qué casualidad). Gekko ayudará al muchacho y esto le acabará enfrentando con Bretton James, el nuevo rey de Wall Street.

El protegido de Steven Spielberg, Shia LaBeouf, interpreta a Moore, y será el equivalente a Charlie Sheen en la primera ‘Wall Street’. Por otro lado, Josh Brolin da vida a James, el nuevo villano, un papel que Stone ofreció en un principio a Javier Bardem (el director tenía claro que quería a alguien de ‘No es país para viejos’); Frank Langella, Susan Sarandon, Carey Mulligan y Eli Wallach, entre otros, acompañan a las tres estrellas ocupando roles secundarios. Se agradece saber que Sheen interviene también en la película haciendo un cameo. En cuanto a fecha del estreno, está prevista para el próximo 23 de abril.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: ¿La mejor película de Oliver Stone? Vaya pregunta. ‘JFK’ (1991). Os dejo a vosotros elegir la siguiente.

Vía | Imdb

Dicen por ahí que ‘The Lovely Bones’, lo nuevo de Peter Jackson, huele a Oscar, a muchos Oscars. No sé, es posible, pero a mí no me da buena espina. No me ha gustado ni el primero ni el segundo tráiler que ha salido, y que os dejo en esta entrada (subtitulado en francés por el momento). Pero supongo que está relacionado con lo poco que me gustó el best-seller en el que se basa la película (‘Desde mi cielo’), que abandoné tras unas cien páginas, incapaz de creerme nada de lo que contaba Alice Sebold (que al parecer fue violada cuando tenía 18 años, de ahí el tema de éste y de su anterior libro).

Sinceramente, espero que Peter Jackson y sus mujeres, su esposa Fran Walsh y la guionista Philippa Boyens (los tres escribieron los guiones de ‘El señor de los anillos’), hayan arreglado el texto original y ofrezcan algo del estilo de ‘Criaturas celestiales’... aunque no hay que olvidar que lo último del realizador neozelandés fue el plomizo y hueco remake de ‘King Kong’. Cruzaré los dedos.

‘The Lovely Bones’ se centra en Susie Salmon, una adolescente que tras ser violada y asesinada observa a su familia desde el cielo; la joven se debate entre su sed de venganza y el deseo de que su familia se recupere. El reparto lo encabezan Saoirse Ronan, Mark Wahlberg, Rachel Weisz, Susan Sarandon y Stanley Tucci, entre otros. La fecha oficial del estreno es el 15 de enero, pero como quieren que aspire a los Oscars, se proyectará en diciembre en algunos cines de Estados Unidos. En España la veremos el 29 de enero.

PD: Aquí tenéis un pequeño “making of” que he encontrado en Youtube, con imágenes del rodaje y declaraciones de Jackson y los actores:

Vía | Youtube

‘The Lovely Bones’ es el nuevo trabajo de Peter Jackson tras ese chiste sin gracia que es ‘King Kong’, y aquí os presentamos su tráiler. No recomiendo ver el avance a todos aquellos que desean ir vírgenes al cine, porque lo cierto es que la cuenta enterita y es una pena. Como sabéis el film narra la historia de una adolescente que es violada y asesinada, siendo testigo de la vida terrenal desde el cielo. Y punto, no deberíamos saber absolutamente nada más, y eso ya me parece demasiado. Evidentemente, los que han leído la novela de Alice Sebold en la que se basa el film, ya conocen la historia de sobra.

Saoirse Ronan encabeza un reparto en el que además nos encontramos con Mark Wahlberg, Susan Sarandon, Rachel Weisz y Stanley Tucci. ‘The Lovely Bones’ nos llegará el 29 de enero del 2010, un mes antes en los USA, por lo que entrará de lleno en el grupo de favoritas para ser nominadas a los Oscars. No me extrañaría que los efectos visuales tuvieran una nominación, aunque mucho me temo que ese premio ya tiene destinatario.

¿Película esperada como agua de mayo? Por mí no, desde luego. Jackson sólo ha alcanzado un gran nivel en cierta fantástica trilogía, y casi convierte ‘Agárrame esos fantasmas’ en algo bueno. El resto me aburre soberanamente.

Vía | Trailer Addict

Web oficial de la película | LovelyBones.com (tráiler en HD)

El mes pasado hablé de otra adaptación de una novela de Kurt Vonnegut Jr., ‘Matadero 5’, la que puede ser su obra más celebre. En esta ocasión, me quedo con una pieza corta del escritor, publicada en el tomo ‘Welcome to the Monkey House’, que fue llevada a la pequeña pantalla en una tv-movie de apenas una hora de duración: ‘Cambio de identidad’ (‘American Playhouse: Who Am I This Time?’, 1982). Los protagonistas de esta película son Susan Sarandon y Christopher Walken, y está dirigida por Jonathan Demme.

La historia que se nos cuenta nos sitúa en un pequeño teatro de barrio, donde actores y directores de escena aficionados representan obras con un espíritu amateur. Harry Nash (Christopher Walken) es un empleado de una ferretería, taciturno y tímido hasta lo patológico, que se transforma cuando sube al escenario y encarna uno de los papeles. Helene Shaw (Susan Sarandon) es una recién llegada: empleada en la oficina de correos, el encargado de la compañía teatral la descubre y le ofrece una prueba. Sin embargo, ella no es capaz de soltarse en el papel de Stella, de ‘Un tranvía llamado deseo’. Cuando Harry se mete en la piel de Stanley Kowalski y ensaya con ella, se desata la pasión y la interpretación resulta arrebatadora. La directora de la obra ya tiene a sus protagonistas. Sin embargo, Helene, que desconoce el problema de personalidad de Harry, se está empezando a enamorar de un hombre que no existe.

La premisa es interesantísima desde el punto de vista psicológico, como se puede adivinar por el mero hecho de leer la sinopsis. En pocos minutos y sin que parezca que ocurre nada, a ese punto de partida se le saca todo el partido y se desarrolla con profundidad y de manera muy satisfactoria. Es tan habitual encontrar buenas ideas que no se han explotado todo lo que se podría, que resulta muy agradable ver un buen análisis de las personalidades de los personajes donde de verdad encontremos conflictos y sintamos que nos creemos lo que presenciamos.

Los actores, además de ser grandes intérpretes, están muy bien elegidos para sus papeles. Walken tiene ese punto perfecto para encarnar a un psicópata, pero para darnos, al mismo tiempo, la mejor intepretación de Kowalski desde Brando. Sarandon, con una apariencia muy juvenil, interpreta a una mujer que se deja sorprender por todo, pero que no por ello muestra una débil personalidad ni una falta de recursos. Entre ellos hay una gran química, tanto cuando están metidos en los papeles de Tennessee Williams, como cuando son ellos mismos u otros personajes.

El título original del relato, “¿Quién soy esta vez?” –que es una frase que pronuncia el protagonista— habla de los cambios de papeles en las obras, pero, obviamente, se refiere también a la transformación completa que sufre Harry cuando se introduce en la cáscara de alguno de los más famosos personajes teatrales de la historia. De esta forma, al mismo tiempo que nos ofrece ese análisis de la psique, Vonnegut Jr. realiza un homenaje al teatro y a determinadas obras llenas de fuerza y de intensidad dramática.

(SPOILER) En un final delirante, optimista y sencillo, en apariencia, llega una solución que, lejos de confiar en curaciones que se eternizarían sin dar resultado, nos enseña a vivir con la locura, dando así un mensaje de aceptación de lo diferente, que cierra a la perfección el resto del discurso. Con la solución que encuentra Helene al problema, no sólo parece que puedan soportar el probelma de Harry, sino que incluso pueden tener una relación más intensa e interesante que la de otras parejas, ya que sentirán constantemente el fuego del comienzo de un romance y ya que nunca podrán aburrirse de la rutina (FIN DEL SPOILER). De alguna forma, ‘Cambio de identidad’, podría ser considerada como una comedia romántica.

‘Who Am I This Time?’ es una delicia que se disfruta en un momento, pero que no se olvida. Un film cargado de material para reflexionar sobre lo que somos y lo que hacemos en la vida, sobre las convenciones y lo que se espera de nosotros. Y también, por qué no, sobre si vale la pena luchar por el amor y romper barreras impuestas por una teórica cordura.

Más información en Blogdecine sobre Kurt Vonnegut Jr.

‘Cambio de identidad’ fue editada en DVD en España el 28 de febrero de 2005.

Mi puntuación:

‘Leaves of Grass’ es una película en fase de preproducción, y ya tenemos aquí un primer póster de la misma. En ella se narra la historia de dos hermanos gemelos, uno un profesor de universidad y el otro un cultivador de marihuana, algo realmente mucho más interesante, que unen sus fuerzas para acabar con el jefe de los camellos. Por la historia también pululan la madre de ambos hermanos, el mejor amigo de ellos, y una chica enamorada, supongo que uno de ellos, o de los dos, nunca se sabe.

Tim Blake Nelson dirige la película, y da vida al migo. Edward Norton interpreta a los dos hermanos (la palabra Oscar empieza a rondar en mi cabeza), Susan Sarandon es la madre, Richard Dreyfuss el jefe de los camellos, y la preciosa Keri Russell la chica enamorada. ‘Leaves of Grass’ se estrenará en algún momento del 2009.

Vía | Impawards

No nos extraña leer que Michael Douglas tendrá un papel de sexoadicto en un film, pues en su vida real parece ser que fue tratado por ese problema en concreto. Y, si no, nos podemos quedar con la frase que pronunciaba en ‘Instinto básico’: “Follaremos como leones”.

‘Solitary’ será una comedia negra dirigida por Brian Koppelman y David Levien, con guión del primero, en la que Douglas dará vida a un antiguo propietario de una cadena de concesionarios de coches cuyo matrimonio y cuya carrera profesional se vieron estropeadas por su frecuentes indiscreciones, cometidas tanto en horizontal como en vertical… vale, seré más explícita: tanto en la cama como en los negocios.

Podrían acompañar a Michael Douglas en el reparto Susan Sarandon, Danny DeVito y Jenna Fischer, que aún están negociando si formarán parte de ‘Solitary’.

La producción comenzará en noviembre en Nueva York. Paul Schiff y Steven Soderbergh, con quien Douglas acaba de firmar un contrato para rodar un biopic sobre Liberace, son los productores, y Avi Lerner, Danny Dimbort, Trevor Short, Moshe Diamant y Joe Gatta, los productores ejecutivos.

Koppelman y Levien habían dirigido ‘Knockaround Guys’ y la serie de TV de 2005 ‘Tilt’. Ambos escribieron el guión de lo próximo de Soderbergh: ‘The Girlfriend Experience’.

Fuente | Variety.