Menuda pareja. La impecable Helen Mirren y el alocado Russell Brand han provocado algunas risas al respetable antes de presentar el Oscar a la mejor película extranjera o de habla no inglesa. Ése que no le importa a nadie en Estados Unidos, al parecer… Y el premio no ha sido para ‘Biutiful’ de Iñárritu y Bardem, la representante de México (con participación española), como todos esperábamos.

La vencedora ha sido la danesa ‘En un mundo mejor’ (‘Hævnen’), de la directora Susanne Bier, que se ha mostrado muy emocionada al recoger el premio. Habrá que verla.

Como seguro que ya todo el mundo sabe, esta noche se entregan los grandes premios de la Academia de Hollywood, los Oscar, así que me dispongo a realizar unas minicríticas de las nominadas a Mejor Película de Habla no inglesa, categoría que se suele considerar menor, pero en la que no es difícil hallar estupendos films que quizá superen los que optan a los grandes galardones.

Uno de los motivos de que se le dé menos importancia de la merecida es el eterno absurdo de la distribución. Salvo las que de todas formas habían llegado ya el año pasado, como ‘Canino’ y ‘Biutiful’, el resto de las películas nominadas a los Oscar como mejor film extranjero se estrenan en España gracias a estas candidaturas, pero después de la ceremonia, lo cual, por un lado hace que estemos pendientes de un premio sobre el que es difícil opinar y, por otro, que, las que no ganen, ya no puedan aprovechar ese tirón. ¿Tan complicado sería estrenarlas justo cuando se proponen?

Ganadora: ‘En un mundo mejor’

‘En un mundo mejor’ (‘Hævnen’, 2010) realiza un estudio sobre la violencia en sus diferentes manifestaciones, al narrar en paralelo entre dos mundos casi opuestos: una aldea africana donde las enfermedades se cobran la vida de los ciudadanos y a eso se suma la crueldad de sus semejantes, y las plácidas viviendas junto a un lago danés.

Susanne Bier rueda un film de gran envergadura, un drama que encuentra el perfecto equilibro entre la contención y la capacidad para estremecer. Grandes intérpretes dan vida a los seres dañados que sufren, a pesar de vivir ‘En un mundo mejor’. Amplios planos compuestos casi siempre en exteriores o en interiores con grandes ventanales contrastan con la atmósfera opresiva que se cuece en el interior de las almas de los protagonistas.

El único reproche que podría dirigirle, y con dudas, es que la película no resulta del todo centrada, pues la relación entre sus dos mundos es solo conceptual y porque se les concede una presentación como de protagonistas a personajes que carecerán de peso en la narración. Dejando esto aparte, considero que ‘En un mundo mejor’ es una buena película.

‘En un mundo mejor’ se estrenará en España el 1 de abril. Los dos films anteriores de la directora danesa: ‘Después de la boda’ y ‘Cosas que perdimos en el fuego’ no me habían convencido. Sin embargo, en ‘En un mundo mejor’ no he hallado ninguno de los peros mencionados sobre los predecesores.

Crítica de Jesús León y tráiler: ‘En un mundo mejor’, intenso drama sobre la venganza y el perdón

‘Fuera de la ley’

‘Fuera de la ley’ (‘Hors-la-loi’, 2010) es un film de nacionalidad argelina, belga y francesa, dirigido por el parisino de origen argelino Rachid Bouchareb, autor de ‘Indigènes’ y ‘London River’.

Se trata de un fresco histórico que abarca cinco décadas y dura dos horas y dieciocho minutos. Con una impecable fotografía y una grandiosa dirección de producción, ‘Fuera de la ley’ supone la película más vistosa de las nominadas, y puede disfrutarse como un film de gángsters o una saga mafiosa, pero cuenta asimismo con el rico componente histórico. Bouchareb hace un gran trabajo en esta película que merece alabanzas, tanto por su guion, como por la forma en la que está dirigida e interpretada. Y personalmente la considero superior a, al menos, la mitad de las nominadas a mejor película.

‘Fuera de la ley’ no ha estado presente en los César 2011, ni siquiera nominada, debido a que saca a la luz una parte de la historia de Francia que se lleva cuarenta años ocultando y que supone la mayor vergüenza que hoy en día persiste para el pueblo francés. Ya en Cannes fue recibida en medio de una gran polémica.

‘Canino’

La película griega ‘Canino’ (‘Kynodontas’, 2009), de Yorgos Lanthimos, comienza presentando un mundo fascinante por su ensimismamiento, su depravación y su alejamiento de la realidad cotidiana de cualquier ser humano. Se ha comparado con ‘El ángel exterminador’, de Buñuel y también con obras de otros cineastas que reflejan realidades impensables y comportamientos inexplicables.

La fotografía lavada y los planos casi desnudos o demasiado limpios podrían entrar dentro de una corriente muy actual, empleada más que nada en publicidad, que precisamente por ser un look opuesto a la oscuridad que pediría el reflejo de esa locura, puede funcionar como interesante contrapunto.

La irrealidad presentada — no solo el padre obliga a los hijos y esposa a permanecer encerrados en su lujoso chalet, sino que ellos mismos parecen vivir de acuerdo con estas normas sin cuestionárselas ni tratar de rebelarse o escapar— puede aceptarse al saber que la película no busca la verosimilitud y que debe observarse como quien ve animales en un zoo. Pero elimina una de las posibilidades de la cinta que sí habrían explotado esos directores con los que se ha comparado ‘Canino’, que es el estudio psicológico.

Hasta ahí, ‘Canino’ contiene momentos curiosos y ocurrencias válidas. Sin embargo, todo se queda en esa presentación, en ese planteamiento, cuando la capacidad de sentirse sorprendido del ser humano es limitada y esta fascinación se agota al cabo de un rato.

Lanthimos podría presentarnos esta situación para o bien contar una historia y mostrarnos alguna otra cuestión —(spoiler) ese plano final en el que la chica está encerrada en el maletero podría estar en el minuto quince de película y se podría contar lo que viene a partir de ahí. (fin del spoiler)—, o bien desarrollar lo planteado. Algunos comportamientos aumentan en cuanto a su depravación, pero este cambio no me parece suficiente como para considerarlo un profundo desarrollo de la situación enfermiza.

Crítica de Jesús León sobre ‘Canino’, original fábula sobre el aislamiento que no deja indiferente

‘Biutiful’

No voy a negar que Alejandro González Iñárritu ruede de maravilla y logre preciosos planos con una grandiosa luz.

Sin embargo, lo que no me gustó de ‘Biutiful’, cosa que entiendo que es principalmente personal, es su tono grandilocuente, exageradamente dramático y desbordado en todos los sentidos. Desde el guion, en el que se concatenan las desgracias, hasta los toques que se aportan al final, como la música; la película está concebida para resultar importante, dura y eso se hace tan obvio que da en la cara sin dejar la opción a que sea el propio espectador quien perciba los mensajes. La imagen que se da de Barcelona está trastocada y parecería, más bien, que nos encontramos en la patria del director.

La interpretación de Javier Bardem me parece buena, pero va muy en consonancia con este dramatismo exagerado y por ello prefiero las intervenciones de este actor en otros films.

Crítica de Juan Luis Caviaro de ‘Biutiful’, infierno terrenal.

‘Incendies’

‘Incendies’ («incendios»), que se estrena el día 11 de marzo en pantallas españolas, es una película canadiense, que está dirigida por Denis Villeneuve y protagonizada por Mélissa Désormeaux-Poulin, Lubna Azabal y Maxim Gaudette.

Los gemelos Jeanne y Simon Marwan se quedan atónitos cuando el notario les hace entrega de dos sobres que ha dejado su madre, uno destinado a un padre que ellos creían muerto y el otro a un hermano cuya existencia ignoraban. Juntos, recorren el país de sus antepasados siguiendo la pista de una figura muy diferente a la madre que han conocido y descubren un destino trágico marcado a fuego por la guerra y el odio… y el valor de una mujer muy especial.

La crítica internacional la ha puesto muy bien con una unanimidad inaudita y ha obtenido el premio Miguel Delibes al mejor guión para Denis Villeneuve, Valérie Beaugrand-Champagne y Wajdi Mouawad, el premio del público, el premio del jurado joven de la sección oficial de la Seminci 2010. Ha sido elegida como la mejor película canadiense en festival de cine de Toronto.

Una película intensa, que además de contener una fuerte crítica social, narra una trama, dosifica la información y da sorpresas. Bien interpretada y rodada con gran habilidad. Le echaría únicamente en cara que hay momentos en los que se recrea demasiado perdiendo el ritmo y el interés que sí logra en otros fragmentos y que (spoiler) la sorpresa final es demasiado rocambolesca y culebrónica (fin del spoiler), pero en conjunto, se trata de un gran film.

Una edición más cada jornada del festival uno espera encontrar esa luz que ilumine la ganas de buen cine que uno intenta encontrar y descubrir en un certamen de estas características. Y mira que se pone difícil, pero al menos ya nos hemos topado con una película “en condiciones”, firmada por la danesa Sussane Bier, aunque antes no detenemos en el repaso con un título griego de época. Que ya es extraño.

Dos películas cuyos responsables en la dirección se sitúan en un marco bien distinto. El del joven griego Vardis Marinakis que debuta con enormes ganas de hacerse un hueco con cine que invita a la reflexión a través de imágenes y una directora danesa reputada que nos hace reflexionar con una historia bien construida y mejor narrada.

‘Black Field’, drama excesivamente preciosista

Este es un cuento de hadas ambientado en un convento griego del siglo XV en el que un jenízaro (soldado otomano) llega herido gravemente y será curado por las monjas recluidas. Allí, se produce un acercamiento entre el joven soldado y una de las monjas que oculta un secreto pecaminoso. Es la historia de dos personajes aparentemente distintos pero que acaban fundiéndose con la naturaleza en una búsqueda de la propia identidad.

Básicamente el griego Vardis Marinakis busca conmover con una historia donde pone de manifiesto la imposibilidad de mostrar abiertamente la propia individualidad y, por supuesto, sin libertad para definir la identidad sexual, los sentimientos y las relaciones entre hombres y mujeres.

Es una película de tono recogido, que extrae el misticismo, el recogimiento de un lugar y una época para narrar un sentimiento humano, profundo, pero donde se utiliza la ambigüedad como vehículo. Marinakis retrata con fidelidad, con una fotografía oscura, repleta de momentos que reposa en los detalles visuales para remarcar su intención reflexiva. Y en el fondo, el relato, ese cuento de hadas oscuro, como él mismo lo define, posee un buena intención, aunque lamentablemente su trazo narrativo subraye en exceso su mano como realizador.

Una búsqueda del preciosismo, con estampas vibrantes, con una fotografía que resalta los detalles, la belleza intramuros y de la naturaleza en su sentido más específico. Casi se puede respirar el aire del bosque, sentir la humedad de un río, al tiempo que sentirse oprimido por los gruesos muros del convento y silenciado por el murmullo de sus monjas. Estos elementos, sin duda, están perfectamente retratados. Pero, ¿y el ritmo?

No importa. La película se detiene, reitera, se salta momentos clave y otros los resuelve de un plumazo. Todo en pos de una búsqueda de belleza visual que quiere invitar a la reflexión del tema tratado, de esa búsqueda de identidad. Aunque lamentablemente la excesiva mano del autor quede muy patente y las carencias de un debutante afloren tanto como la machacón leitmotiv de la banda sonora.

‘En un mundo mejor’, intenso drama sobre la venganza y el perdón

Como señalábamos parece que ha tenido que llegar Susanne Bier para darle cierto esplendor a la sección oficial y lo ha hecho con sólidos y contundentes argumentos. Como debe ser. Con una película redonda, profunda, intensa, con enorme capacidad de reflexión pero apoyada en un guión sin fisuras, unos actores entregados y certeros y una narración experimentada que guía al espectador de la mano con respeto.

‘En un mundo mejor’ (‘Hævnen’) es un drama de nuestro tiempo en toda regla. Una historia de venganza y traición, de amistad y desconfianza, pero sobre todo de heridas abiertas que intenta mostrar si realmente vivimos en un mundo mejor. Creemos que hemos construido una sociedad complaciente y avanzada pero, en el fondo, subyacen los mismo instintos y sentimientos que en cualquier época y lugar donde el ser humano habite. Como buen ejemplo comparativo se hace en un campo de refugiados africanos, donde todo ésto queda bien patente.

La película, seleccionada para representar a Dinamarca en los Oscars, cuenta la historia de la relación entre dos niños cuyas familias viven dramas personales y poseen heridas sin curar. Ambas familias quedarán unidas gracias a la amistad entre ellos y pondrán en evidencia el difícil papel de las figuras paternas para transmitir y educar a sus hijos los (supuestamente) buenos valores que deben imponerse, entre ellos el perdón. Y rechazar en todo momento cualquier acto visceral y vengativo.

Y como no consiguen respectivamente transmitir este difícil mensaje para niños en los que queda demasiado evidente que existen otras formas –según entienden– de resolver las cosas, toman un camino erróneo y autoconsciente pero que les lleva al final del camino. Allí donde sus padres no han sabido llevarles y terminan por llegar ellos sólos. No sin antes causar situaciones especialmente graves y traumáticas para todos.

¿Ha avanzado la sociedad? ¿Vivimos en un mundo mejor? estas son las principales preguntas que se quedan impregnadas en el espectador gracias al buen hacer en la realización de Sussane Bier. Que maneja la narración en todo momento con firmeza, dejando que sus actores hagan sentir, transmitan y muestren su interior. Excelente dirección de actores, no peor casting y un buen ejemplo de lo que es una película sólida y bien construida. Podrá convencer más o menos, depende del nivel de implicación que el espectador le imponga a su visionado, pero no se puede negar que se trata de un film con una historia interesante y bien contada que alcanza con creces sus intenciones. Y se pone en las quinielas como clara favorita (a demasiada distancia del resto).

Sevilla Festival de Cine Europeo 2010 en Blogdecine:

• ‘El regreso’ y ‘Tender Son – The Frankenstein Project’
• ‘Mr. Nice’ y ‘La mujer con la nariz rota’
• Stephen Frears galardonado y Luis Tosar nominado al mejor actor europeo

• Arranca con ‘Tamara Drewe’, un Stephen Frears irregular

Me parece una pena porque soy fan absoluta de Hugh Grant y sin embargo, Susanne Bier, como directora, no me termina de convencer por el grado de culebronismo de sus películas. A pesar de todo, siempre es una buena noticia que el británico esté negociando embarcarse en el reparto de una nueva producción y más si, como parece que va a ser el caso, se trata de una comedia: ‘Lost for Words’.

El film retratará el choque cultural y lingüístico, como ya hizo ‘Lost in translation’, pero esta vez entre un actor inglés famoso y la directora china para la que tendrá que trabajar. El papel de la cineasta lo hará Zhang Ziyi. La estrella prefiere en un principio a la traductora, lo que me recuerda ‘Un final made in Hollywood’, de Woody Allen, pero luego se dará cuenta de que la directora es quien de verdad le interesa. El problema entre ellos será la barrera lingüística, pues la traductora no se atendrá exactamente a lo que él está expresando cuando quiere comunicarle sus sentimientos a la directora.

Dan Mazer, co-guionista de ‘Borat’, y Jamie Curtis, hermano de Richard, han escrito el guión. Richard Curtis será el productor ejecutivo para Working Title, productora para la que él mismo ha escrito y dirigido películas en las que también salía Hugh Grant. Universal Pictures será la productora principal.

Más información en Blogdecine sobre Ziyi Zhang y Hugh Grant.

Fuente Variety.

‘Cosas que perdimos en el fuego’ (‘Things We Lost In The Fire’) nos cuenta la historia de una mujer (Halle Berry) que pierde a su marido (David Duchovny) y recupera la amistad que éste tenía con un amigo de la infancia (Benicio del Toro) a quien ella odiaba porque era drogadicto.

‘Cosas que perdimos en el fuego’ está dirigida por Susanne Bier, que recientemente estrenó en nuestro país la película estilo dogma ‘Después de la boda’. Al igual que en aquella cinta, en la que nos ocupa Bier emplea la cámara en mano y el montaje discontinuo, pero de forma más comedida. La dirección de producción da como resultado un aspecto muy elegante y esta forma de realizar –aunque parezca más propia de un film danés semidocumental— no choca con la suntuosidad de los grandes dramas norteamericanos.

Un acierto del guión de ‘Cosas que perdimos en el fuego’, que corrió a cargo de Allan Loeb, es comenzar la historia con el funeral del marido, es decir, darnos antes de nada la información de que está muerto –salvo por una brevísima secuencia que se monta en paralelo—.

Más adelante, vemos a través de flashbacks muchas escenas de la vida cotidiana de la familia. Estas secuencias funcionan de forma mucho más efectiva al venir detrás de la información de que él ha fallecido que si se colocasen de forma lineal. Sabiendo que ese hombre va a morir a continuación, las situaciones cotidianas cobran una dimensión mucho más importante, pues son sus últimas acciones, sus últimos minutos con sus hijos y su mujer. El efecto es el mismo que el que comentaba sobre la película ‘Tres días’.

De todas maneras, aunque el flashback en principio sea un recurso que viene bien para lo que he mencionado, la autora abusa de él y, en mi opinión, llega a introducir más escenas de las necesarias de cuando el marido estaba vivo. Estos flashbacks no aportan ninguna información y las sensaciones que producen, ya las han producido los primeros. Ya que, en realidad, de lo que trata la película es de lo que le ocurre al personaje de Benicio del Toro después de la muerte de su amigo, todos estos recuerdos se hacen un tanto largos y pesados. Hemos podido entender de sobra que la viudedad es una tragedia y que los cónyuges se querían, así que no es necesario hacer todos esos viajes atrás, sólo alguno de ellos.

En este sentido, también se exagera mucho el retrato del personaje del muerto para aumentar el dramatismo llegando a caer en lo burdo y lo obvio, cosa que no habría sido necesaria. El personaje de Duchovny es una persona tan extraordinaria que es irreal: es buen marido, buen padre, buen amigo y, por si fuese poco, muere de forma heroica tratando de defender a una mujer que ni siquiera conoce. El maniqueísmo de este retrato de personaje se puede pasar por alto porque la historia no se centra en él, pero es un error del guión.

Bier abusa también del recurso cuando lo retuerce y nos introduce un flashback dentro del flashback: en concreto me refiero a la escena en la que le dan a ella la fatídica noticia. Y, además, sitúa alguno de esos destellos del pasado dentro del film de una forma un tanto extraña, pues salimos de él con un plano en el que vemos a la protagonista pensativa, lo cual parece indicar que hubiese estado recordando algo y, sin embargo, ella no había participado ni presenciado aquella escena. En ambos casos está rompiendo las reglas tácitas sobre la utilización de esta táctica. Habitualmente eso sería positivo, pero no sé si en un film tan clásico en cuanto a su argumento, resulta como ella lo pretende o le queda raro.

Hay un par de decisiones dentro del guión que no son nada creíbles. Por un lado está el momento en el que el personaje de Berry le ofrece al de Del Toro que viva en su casa. Sabemos que le mueve la culpabilidad, pero no termina de ser verosímil. Sería mucho más efectivo para crear drama que esta convivencia viniese impuesta y fuese algo que ella en un principio no desea. Así, la evolución que se supone que los autores han querido mostrar, daría un mejor resultado, pues pasaría por etapas más diferenciadas. Por otro, el momento en el que ella, por un arrebato de orgullo tonto, lo echa de la casa SPOILER mandándolo directamente a recaer FIN DEL SPOILER no se lo cree nadie. Alguien con dos dedos de frente que se comportase como una adulta, se lo pensaría antes de hacer algo así.

El personaje de Halle Berry, por lo tanto, debido a estas decisiones y a otros aspectos, se presenta como el de alguien muy necesitado y lleno de incapacidades. Parece mentira que una mujer haya dirigido una película con una protagonista femenina así. Es lógico que tras quedarse viuda sienta un hueco en su vida que necesita llenar y también que se sienta desorientada y sin rumbo. Además de que tampoco sería bueno que se presentase como alguien perfecto. Pero eso sería una cosa y otra que sea incapaz de tomar una sola decisión correcta o de llevar su vida y la de sus hijos. Sólo como ejemplo, se puede mencionar el detalle de que el vecino le ofrezca a él un trabajo, cuando sería más normal que se lo diese a ella, que ha estado en contacto con ese mundillo durante muchos años y por ello sabrá más de hipotecas. Probablemente muchos no saldréis con esta sensación y no estaréis de acuerdo con mi apreciación, son cosas que cada persona percibe de una forma y que cada uno es libre de interpretar como vea; pero a mí me daba la impresión de que la película muestra que ella necesita que haya un hombre en su vida para funcionar. Y también parece que se diese a entender que los hijos requieren una figura masculina para crecer de forma correcta. No estoy hablando de la tristeza de perder a un ser querido, sino de la necesidad de reemplazarlo.

El verdadero protagonista es el personaje de Benicio del Toro. Por él sí pasan las sensaciones encontradas, él sí sufre una evolución y se enfrenta a una situación que le supera, pero que tiene que lograr dominar. A pesar de eso, no encajan del todo bien las idas y venidas que tiene en el sentido de que durante mucho tiempo vemos cómo se recupera para más adelante SPOILER recaer. Es decir, todo el camino que había recorrido hasta entonces se echa a perder y volvemos a partir, digamos, de cero. FIN DEL SPOILER Esto seguro que no es ajeno a la realidad, pero hace que la estructura se resienta y no percibamos un avance hacia delante, sino un orden más bien errático.

Disquisiciones sobre el guión y los personajes aparte, hay que reconocer que ‘Cosas que perdimos en el fuego’ presenta un trabajo de actores impecable. Sé que los admiradores de películas de este estilo en muchas ocasiones buscan el deleite en presenciar a grandes intérpretes dar vida a personajes. En ese sentido, Benicio del Toro está inmenso y quizá eso sea suficiente para que el film merezca nuestra atención. Halle Berry y David Duchovny no lo hacen peor, pero sus personajes, mucho menos interesantes, les ofrecen menores oportunidades de crear interpretaciones que pudieran llevarse importantes premios.

Los diálogos también habría que incluirlos en el apartado de aspectos positivos, pues están bien escritos y depurados y en algunas ocasiones saben introducir un elemento cotidiano que les confiere naturalidad o incluso comentarios que alejan al film del drama a modo de alivios cómicos.

Entre los compositores de los temas de la banda sonora se encuentra el argentino Gustavo Santaolalla, que ha participado, por ejemplo, en ‘Diarios de motocicleta’, ‘Brokeback Mountain’, ‘Collateral’… Además de la música compuesta para el film, en su BSO se incluyen canciones preexistentes, como el ‘Sweet Jane’ de Lou Reed para la Velvet Underground, que, debido al paralelismo con los componentes de esta banda, sirve para retratar el estilo de vida que lleva el personaje de Del Toro cuando aún está enganchado. Ya que hablamos de música y rehabilitaciones, la letra de Amy Winehouse, vendría que ni pintada: “they try to make Benicio go to rehab, but he says no, no, no”.

Resumiendo esta extensa crítica, ‘Cosas que perdimos en el fuego’ –que en realidad se debería haber titulado “cosas que perdimos en el incendio”, como explico aquí— es un film que se excede en metraje y en la utilización de algunos recursos y que, al mismo tiempo, cae en obviedades en ciertos aspectos. Pero es una película que también tiene sus características positivas y que destaca principalmente por el trabajo de los actores y la elegancia con la que está producida.

Más información en Blogdecine sobre ‘Cosas que perdimos en el fuego’, David Duchovny, Halle Berry y Benicio del Toro.

‘Brothers’ trata de dos hermanos (sorprendente), uno que es enviado a la guerra de Afganistán y otro que se queda en casa, al cargo de la esposa y el hijo del primero. Como suponéis, el drama surgirá cuando éste y la mujer comiencen a pasar mucho tiempo juntos. Maguire encarnaría al hermano que va a la guerra y Gyllenhaal al hermano listo. Es curiosa la elección de estos actores, ya que Gyllenhaal sonó para sustituir a Maguire en la segunda parte de ‘Spider-Man’; algo que, personalmente, me habría parecido estupendo. En todo caso, aún queda saber quién será la actriz que interprete a la esposa de la historia. ¿Alguna voluntaria entre el público? Humm… Ledger, tú no, he dicho voluntaria.

Con algo de retraso, aquí tenéis el estupendo trailer de una película que tiene muy buena pinta, que apunta a los Oscar, ‘Things We Lost in the Fire’, de la directora Susanne Bier. El film está protagonizado por Halle Berry y Benicio del Toro, ambos ganadores ya del premio más prestigioso del séptimo arte, a los que acompañan en papeles secundarios Alison Lohman y David Duchovny.

‘Things We Lost in the Fire’ narra cómo una joven viuda no puede superar la pérdida de su marido, y pide ayuda al que fuera el mejor amigo del difunto; éste, un hombre solitario, se trasladará a la casa de la familia y… hasta ahí creo que debo contar. El trailer va más allá, así que quizá te interese pararlo a la mitad. La película se estrena en Estados Unidos el próximo 26 de octubre, pero no llegará a nuestro país hasta el… ¡¡18 de enero!! Increíble.

‘Things We Lost in the Fire’ | Ver trailer

Susanne Bier, la directora de la correcta ‘Hermanos’, se estrena en el cine americano con ‘Things We Lost in the Fire’, de la que aquí os traemos su póster. El film reúne a Halle Berry y Benicio del Toro en los papeles de una viuda que invita al mejor y problemático amigo de su marido a vivir con ella y su hija; juntos intentarán superar problemas de toda índole. Por cierto, que la Berry debería ser considerada como veneno para la taquilla, porque ya hace tiempo que un film protagonizado por ella no es un éxito taquillero, y dejemos a un lado la tercera y fallida entrega de los X-Men, que ya sabemos que ella no tuvo nada que ver con su éxito.

En la película también se dejan ver David Duchovny y Alison Lohman, y caerá por nuestras tierras el próximo 30 de Noviembre. Por lo que se ve, nos espera un drama intimista de los gordos con el toque danés que su directora puede darle.

Vía | Impawards

Jacob trabaja en la India ayudando y enseñando a niños pobres y huérfanos. A su pesar, debe viajar a Copenhague para solicitar a un millonario una ayuda con la que continuar su labor humanitaria. El adinerado filántropo lo invita a la boda de su hija, donde Jacob encuentra a un antiguo amor, que resulta ser la madre de la joven casadera. Cuando la novia declara en su discurso que el hombre que la ha criado no es su padre, Jacob adivina que esta chica es hija suya. A partir de aquí se desencadena el drama desatado, los gritos, los reproches y los llantos.

Hay que admitir que la ya mencionada ‘Celebración’ (‘Festen’, 1998) tenía un argumento muy de telefilm de las tres y media, pero que resultaba una película bastante interesante, debido a su propuesta estética y a las interpretaciones de los actores. Nos encontrábamos en pleno auge del movimiento Dogma y, en mi opinión, la de Vinterberg fue la mejor obra que surgió de este postulado.

Ahora, en lugar de padres que abusan de sus hijos, los secretos destapados al cabo de decenas de años, nos descubren paternidades ignoradas y traiciones antiguas. El parecido con ‘Festen’ no va solo por ahí, pues hay escenas casi clavadas, como la celebración de un cumpleaños, con brindis dedicados al homenajeado, y las varias confesiones hechas durante festejos, ante familiares y amigos, de verdades embarazosas.

En esta ocasión, por desgracia, el estilo de cámara en mano y montaje discontinuo no consigue ya alejarnos de la idea de que estamos presenciando desgracias propias de la tv-movie para la sobremesa. Además, ‘Después de la boda’ se excede en metraje y en dramatismos exagerados y lecciones sobre el amor y las relaciones humanas.

La segunda gran revelación que se hacen los personajes y que se guarda como misterio durante un espacio prolongado de película, es muy fácil de adivinar. Desde que vemos lo que planea el millonario y tratamos de entender sus motivaciones, podemos sospechar qué es lo que ocurre.

Se podrían destacar, en la faceta positiva de la película, las interpretaciones de los actores, que resultan muy humanos y reales, a la vez que ayudan en gran medida a dar cuerpo y definición a los personajes, quizá también punto fuerte del film.

Mads Mikkelsen interpreta a Jacob, el protagonista. Este actor se dio a conocer en Dinamarca gracias a su papel en la película ‘Pusher/Un paseo por el abismo’ (1996). Desde entonces ha trabajado en ‘Blinkende Lygter’ (‘Luces parpadeantes’) (2000), ‘Monas verden’ (2001), ‘Te quiero para siempr’e (2002); en la aburrida ‘Wilbur se quiere suicidar’; en la muy recomendable ‘Torremolinos ‘73’ (2003), en ‘El rey Arturo’ (2004), y en la última entrega de James Bond, ‘Casino Royale’ (2006).

La mujer que se debate entre su marido y su antiguo amor es Sidse Babett Knudsen. Entre sus intervenciones se encuentran ‘Let’s Get Lost’ (1997), ‘Mifune’ (1999), un film Dogma bastante insulso; ‘El amor de mi vida’ (1999); ‘Monas verden’ (2001); ‘Villa Paranoia’ (2004), y ‘Fakiren fra Bilbao’ (2004).

Rolf Lassgard, que encarna al millonario, apareció en ‘Jagarna’ (1996), ‘Sant ar livet’ (1996), ‘Under the Sun’ (1998), y ‘Magnetisorens femte vinter’ (1999).

Susanne Bier desarrolló el guión con el guionista y realizador Anders Thomas Jensen como una extensión natural de sus dos aclamadas y premiadas películas anteriores, Te quiero para siempre y Brodre/Hermanos. La película se rodó en Dinamarca y en Bombay. En el Festival de Cine Solidario, Susanne Bier obtuvo el Premio Gato a la Mejor Directora por ‘Después de la Boda’.

En su página web oficial se puede ver un trailer, así como varios clips de ‘Después de la boda’.