Se ha reabierto la investigación sobre la muerte de Natalie Wood en un supuesto accidente náutico en 1981, por lo que resulta pertinente hablar de ‘Propiedad condenada’ (‘This Property Is Condemned’, 1966), en la que la actriz compartía cartel con Robert Redford, Charles Bronson, Mary Badham, Dabney Coleman y Kate Reid. Se trata de un film de Sydney Pollack, inspirado en la obra teatral homónima de Tennessee Williams, de quien ya se habían llevado al cine, entre muchas otras, ‘El zoo de cristal’, ‘Un tranvía llamado Deseo’, ‘De repente, el último verano’, ‘La gata sobre el tejado de zinc’, ‘Dulce pájaro de juventud’ o ‘La noche de la iguana’.

El film comienza con el personaje de Mary Badham, quien encarna a Willie, la hermana pequeña de Alva, la protagonista, a quien da vida Wood. A modo de flashback se conoce la historia de cómo estas dos jóvenes habitan un pequeño pueblo sureño alimentado por los trabajos del ferrocarril. La madre de ambas, que regenta una pensión de dudosa reputación y que fue abandonada años atrás por el padre de las chicas, no tiene reparo en utilizar a sus hijas para animar el negocio o conseguir favores de los hombres importantes del lugar. Alva parece resignada a este tipo de vida, hasta que llega un forastero, guapo y cultivado, que le hace ver que existen alternativas.

La obra teatral, escrita por Williams en 1946, que únicamente constaba de un acto, no mostraba a Alva, sino que transcurría por entero entre el personaje de Willie, la hermana pequeña, y su interlocutor. El flashback fue introducido por Francis Ford Coppola y el resto de los guionistas, Edith R. Sommer y Fred Coe, en su adaptación libre.

La riqueza del texto

Aun estando solo inspirada en el texto teatral, la película no escapa esta herencia, ya que transcurre en un escenario casi único, cuenta con secuencias muy extensas y da gran preponderancia a la palabra. Los diálogos son muy intensos, están escritos con enorme sabiduría y cuelan entre las aparentes confesiones cotidianas, grandes verdades dichas con inocencia. Son ese tipo de diálogo que da gusto escuchar, pero sin que su estilo literario les haga parecer irreales o ajenos al personaje que los pronuncia.

La película está construida sobre varias metáforas que convierten el drama, ya por sí solo apasionado y conmovedor, en una narración de más profundo calad. Los personajes ya funcionan con esta doble lectura, sobre todo el de él, que personifica el cambio y las opciones de emancipación. La casa inhabitable, es decir, la “propiedad condenada” o mercancía dañada del título, representa a la protagonista, que ha quedado mancillada y no podrá cambiar de dueño. Los trenes funcionan como metáfora de la libertad, como oposición a ese encierro en el que viven las jóvenes –en los diálogos siempre se habla o se miente sobre viajar, sobre escapar de allí–. La luciérnaga también funciona como símbolo de ese rayo de esperanza que Willie aún mantiene y que el personaje de él le aviva.

Actores y personajes

Los actores están inmensos, en especial Wood, que cuenta con un papel harto difícil. De algún modo, me recuerda a la Holly Golightly de ‘Desayuno con diamantes’ (1961) porque es una soñadora que se mantiene risueña y positiva, a pesar de las condiciones deplorables en las que vive y ve crecer a su hermana.

Robert Redford incorpora a un hombre con una actitud contraria, ya que es sumamente realista. Su personaje, Owen Legate, como ya he indicado, representa al mundo urbano y moderno y no tiene nada que ver con los habitantes del pueblucho. Sin embargo, él no es la encarnación de todo lo bueno, ya que llega allí con una misión destructora de la que él solo es el emisario. Por culpa de la crisis, debe comunicar a la mayoría de los trabajadores del ferrocarril, es decir, la mayoría de los habitantes de esa aldea, que están despedidos. Este papel empresarial lo hemos vuelto a ver en películas como ‘Up in the Air’ o ‘Margin Call’, que también hablan de una crisis. Este hombre, que no es lo bastante frío como para ejercer su profesión sin escrúpulos y sin dejarse afectar por sus consecuencias, se contagia de la capacidad de soñar de la protagonista.

El mejor retrato de personaje puede ser el de la madre, interpretada por Kate Reid, una mujer amargada y abandonada, que paga sus envidias y frustraciones con sus hijas. Ejerce sobre ellas, más en concreto sobre la mayor, un fuerte chantaje emocional, que casi la obliga a prostituirse, sin ser consciente de lo que hace a su hija, pero sin mostrar tampoco ningún atisbo de conmiseración. En su descargo queda que habría sabido o podido darles otra vida, aunque hubiese querido.

El final (spoilers)

En el último tercio, ‘Propiedad condenada’ sufre un brusco cambio, se abandona esa localización que parecía que iba a ser la única y la acción se traslada a Nueva Orleáns, ciudad que representaba para Alva la materialización de todos sus sueños. Dado el estatismo que venía habiendo hasta ahí, este cambio de lugar se percibe con extrañeza y hace pensar en que la película va a acabar. Sin embargo, todavía tiene mucho que contar.

Lo que llega más tarde, redondeado con la vuelta a las vías del tren de la obra teatral, en las que Willie le cuenta a su nuevo amigo la vida de su hermana, se me antoja tremendo. De nuevo se encuentra otra metáfora, pues los personajes de Redford y Wood, en una escena previa, salían del cine comentando ella que ojalá hubiese acabado bien: ojalá a la joven la quisiera su familia y no hubiese caído enferma. La niña, Willie, sobre las vías del tren, con el vestido que tantas veces le vimos a su hermana, te hace estremecer, por pensar que todo es cíclico y que nada se ha resuelto. Esa canción de los labios de ella, que demuestra que aún tiene esperanzas, pone la piel de gallina.

Leyendo ahora cómo se supone que transcurrió la muerte real de Wood, se encuentran más similitudes entre los dos trágicos finales de las que cabría desear. La actriz discutía con su marido, el también actor Robert Wagner, porque él estaba celoso de la relación entre ella y Christopher Walken, también presente, con el que Wood acababa de rodar ‘Proyecto Brainstorm’ (‘Brainstorm’, 1983). Se encontraban en un yate y ella apareció ahogada. Aunque se cuenta que salió voluntariamente al agua porque quería dar una vuelta en una lancha, muchas voces, como el capitán del barco y la hermana de Wood niegan esa posibilidad, pero sí admiten que ella estaba muy borracha en el fatídico momento de los hechos (fin de los spoilers).

Conclusión

‘Propiedad condenada’ es una película bella, profunda e inteligente, pero devastadora, más aún si se extrapolan sus sucesos a la realidad, que no siempre es menos cruel que la ficción. En sus excelentes diálogos y su gran retrato de personajes se aprecia el origen en la pluma de Tennessee Williams, una de las fuentes en las que más ha bebido el cine para crear dramas de gran intensidad.

Mi puntuación:

La película es bastante simple, de hecho su argumento es de una delgadez conceptual encomiable: un hombre, cansado de la guerra, se refugia en las montañas para descubrir que una epopeya de supervivencia todavía peor le espera, incluyendo problemas con otros hombres y sobre todo con una naturaleza con la que cabe llevarse bien sin esperar antes un proceso de adaptación cuanto menos arduo. Ese hombre es un veterano de aquella guerra mejicana que ocurrió entre 1846 y 1848 y que enfrentó a América con su país vecino por aquella independencia tejana que tanto indigestó a los mexicanos. Las montañas, claro, son un contraste a ese pasado que el protagonista huye, pero también son un gran ejemplo de romanticismo.

Pero no hablo del romanticismo europeo, ni inglés ni francés, sino de un romanticismo americano, que viene a ser el enfrentarse a la naturaleza, es deicr, el ser violento contra los peligros de un mundo por colonizar. Me sorprende que la película no la dirigiera John Huston, pero el trabajo de Pollack es correcto y respetuoso con el pathos de su historia, acentuando en los paisajes y en esa fotografía impresionante, obra de Duck Callaghan, luego operador de ‘Conan el Bárbaro’ (Conan the Barbarian, 1981) dirigida por John Milius que, no es casualidad, es el guionista de esta película junto a Edward Anhalt. Aunque aquí el diálogo está de más, es una película de acción, en el sentido más literal de la palabra.

Desconozco si Milius escribió la escena final, pero me parece digna de su poética, él que tanto se ha definido como un anarquista zen. Una vez el guerrero encuentra la paz, ya no hay más antagonismos posibles: me parece un final interesante, nada grandilocuente, que convierte al viaje en una especie de oda zen al espíritu asilvestrado. Creo que esta película se ve agradablemente, se admira sin problemas y es un fiel ejemplo de un cine de aventuras que no temía entonces a ser más violento, más imprevisible. Tan solo Peter Weir, cineasta australiano que despuntó en los setenta, parece haber recogido ese testigo.

Regreso de mi necesario descanso —a veces las cosas hay que dejarlas un tiempo para volver a ellas si cabe con mayor dedicación y entrega— para comentar una de mis típicas noticias, un fallecimiento. El actor Michael Gough falleció el pasado jueves a la edad de 93 años tras unos meses enfermo. Tal y como informó su ex esposa, Anneke Wills, Gough quiso resistir hasta el entrañable día de San Patricio, y así fue.

Para muchos Gough era simplemente el mayordomo de Batman, pero su carrera está llena de películas por lo que se ve desconocidas para infinidad de aficionados. Natural de Malasia, el actor fue un rostro muy conocido en el cine británico de los años 50 y 60, destacando sus intervenciones en la mítica productora Hammer —de próximo análisis en estas páginas— donde a las órdenes del gran Terence Fisher interpretó ‘Drácula’ (‘Horror of Dracula’, 1958) y ‘El fantasma de la ópera’ (‘The Phantom of the Opera’, 1962).

También intervino en producciones de la Ealing, productora especializada en comedias, para la que Gough participó en títulos como ‘El hombre vestido de blanco’ (‘The Man in the White Suit’, Alexander Mackendrick, 1951) o ‘Un genio anda suelto’ (‘The Horse’s Mouth’, Ronald Neame, 1958). Otras películas famosas en las que intervino fueron ‘El mensajero’ (‘The Go-Between’, Joseph Losey, 1970) o ‘La leyenda de la mansión del infierno’ (‘The Legend of Hell House’, John Hough, 1972). Tim Burton, gran admirador de los films de la Hammer, le contrató para el personaje por el que Gough es conocido entre las nuevas generaciones de cinéfilos, el de mayordomo Alfred en los films de Batman, personaje que repitió en cuatro entregas. ‘Memorias de África’ (‘Out of Africa’, Sydney Pollack, 1985) y ‘La edad de la inocencia’ (‘The Age of Innocence’, Martin Scorsese, 1993) también forman parte de su larga y fructífera carrera.

Hasta siempre Michael.

Vía | ZonaFandom (gracias a todos los que nos habéis avisado)

‘Eyes Wide Shut’ (id, Stanley Kubrick, 1999) cierra, para bien o para mal, la filmografía de un director que ha levantado tantas pasiones como odios —uno de mis juegos de cabrón favoritos es oír argumentos de unos y de otros, y comprobar en ocasiones como los utilizados por sus detractores tienen mucho más peso que los usados por sus defensores—, pero que tiene su lugar en la historia del Cine, le guste o no a esos exquisitos cinéfilos que no comulgan con uno de los cineastas más importantes que ha habido. Aún recuerdo el revuelo que se montó cuando nos enteramos de que Kubrick estaba metido de lleno en la adaptación del libro de Arthur Schnitzler ‘Relato soñado’, en el que se hablaba de las relaciones maritales a través del miedo de los celos, las fantasías sexuales y la infidelidad.

Kubrick quiso actualizar la historia, situándola en el Nueva York actual, con los muy de moda Tom Cruise y Nicole Kidman —matrimonio en aquellos años— como protagonistas principales, luciendo algo más que sus cualidades interpretativas, sobre todo Kidman. Así resultó que muchos esperaban a un Kubrick cuasi pornográfico —el teaser con los dos actores frente al espejo mientras suena la caliente ‘Baby Did a Bad Bad Thing’ de Chris Isaak invitaba a pensar en ello—, cuando precisamente la intención del director era no banalizar temas tan importantes en las relaciones como el sexo, la confianza y sobre todo las fantasías sexuales. A pesar de que creo que se quedó corto en algunas cuestiones, el resultado es una estimable película, que posee además, casi irónicamente, uno de los finales más certeros y coherentes de su filmografía.

La historia de ‘Eyes Wide Shut’ da comienzo con el matrimonio formado por el doctor Bill Harford (Tom Cruise) y su esposa Alice (Nicole Kidman), cuando acuden a la suntuosa fiesta organizada por un amigo de Bill, Victor Ziegler (Sydney Pollack). Mientras Bill conversa con dos atractivas mujeres que se le insinúan y más tarde atiende una urgencia de Victor, Alice baila con un desconocido que intenta seducirla hablándole sobre el aburrimiento en el matrimonio, el deseo y demás temas de índole sexual. Esa peculiar noche se convertirá en todo un descubrimiento para la pareja, sobre todo para Bill, cuando una vez en casa y bajo el humo de un porro de marihuana —excelente desinhibidor sexual y también oral— éste escucha atento una sorprendente confesión de su mujer. Un tiempo atrás Alice deseó tanto a un hombre que si éste se lo hubiera pedido lo habría abandonado todo por él.

A partir de ese instante, absolutamente demoledor, y en el que queda clara la superioridad de Nicole Kidman sobre Tom Cruise a nivel interpretativo, ‘Eyes Wide Shut’ bucea a través de los miedos y temores de Bill, al que la idea de su mujer con otro hombre le obsesiona hasta límites que no puede controlar. Es precisamente el tramo más recordado en general del film, el bloque intermedio de los tres actos tan habituales en el cine de Kubrick. Pero para quien esto firma, el verdadero interés de la cinta radica curiosamente en el primer y tercer bloque. Está claro que a la mayoría de espectadores les llamó la atención la famosa secuencia de la orgía, que personalmente no veo tan fascinante como el resto del film. Además, en ese segundo tramo, esa especie de descenso a los infiernos de Bill, hay instantes —una sorprendente declaración de amor o el episodio con el vendedor de disfraces y su hija— que resultan interesantes por representar la oculta presencia en todos lados de secretos inconfesables, de fantasías tal vez reales, tal vez no. Pero dichos instantes afectan más de lo debido al ritmo del film, aunque Kubrick controle el tempo en cada uno de ellos.

Así pues el primer bloque que concluye con la mencionada confesión, marca ya el fuerte carácter onírico de la película, que alcanza su mayor exponente en la impresionante secuencia de la fiesta, con ecos del Ophüls más elegante, como el de ‘La ronda’ (La Ronde’, 1950) —también una adaptación de una obra de Schnitzler—, en la que Kubrick con sus espectaculares travellings y un uso inteligente de la iluminación —deslumbrante debut de Larry Smith en el cine—, muestra casi otro mundo lleno de figuras espectrales que se personifican en sedientas y coquetas top models o elegantes hombres maduros que acosan a su víctima con la delicadeza y estilo de un noble vampiro europeo. El carácter irreal de las acciones paralelas de Bill y Alice darán paso a la puerta que abrirá el descenso al infierno de los celos y las inseguridades de Bill, y más tarde un regreso a la normalidad, no sin fatales consecuencias.

Ese retorno a la normalidad por parte de Bill, y en el que Kubrick juega al suspense como si fuera Polanski —un hombre sigue a Bill por la calle ante la insistente presencia de un piano que forma parte de una banda sonora perfecta, quizá la más perfecta de toda la filmografía de su director—, mucho más interesante y revelador que la estancia en el infierno —la orgía—, y aunque la famosa secuencia alrededor de la mesa de billar entre Bill y Victor confunde más que aclara —ésa es la intención, tal vez—, esa parte tiene la suficiente fuerza dejando clara la salvación del matrimonio a través de la aceptación de las fantasías y lo peligrosas que pueden llegar a ser. El epílogo, esa inquietante secuencia en unos almacenes, no puede ser mejor broche de oro, con ese “follar” final que es toda una declaración de intenciones por parte de un director al que siempre se acusó de frío. Una de las necesidades básicas del ser humano como solución a los problemas creados por la mente. Y cuánta razón tiene Kubrick con su certero y sincero final. Las cosas irían mejor si folláramos más.

Como siempre Kubrick tardó bastante en filmar su película, repitiendo tomas una y otra vez debido a su tendencia al perfeccionismo. La sustitución de Harvey Keitel por Sydney Pollack, debida a que el primero abandonó el rodaje esperando demasiado tiempo que Kubrick le llamase para filmar su primera escena y no pudo eludir otros compromisos, es quizá la única inconveniencia que surgió en un rodaje laborioso y del que todos guardan un gran recuerdo. Stanley Kubrick murió antes de ver estrenada la que consideraba la mejor película de su filmografía, y Cruise se encargó personalmente de que el montaje del director no se alterase. La gran ironía del asunto fue que Kubrick, un director que casi nunca gozó de bombazos taquilleros —sus películas alcanzaron fama y prestigio con el paso del tiempo— obtuvo un fulgurante número uno de taquilla en muchos de los países en los que se estrenó, superando en algunos al gran hit de aquel año: ‘La amenaza fantasma’ (‘The Phanton Menace’, George Lucas’, 1999)

Dos años más tarde, uno de los máximos admiradores de Kubrick, por petición expresa de la familia del mismo, dejó todos los proyectos en los que estaba metido para dedicarse por completo a uno de los proyectos más acariciados por el realizador durante años: ‘A.I.’.

Especial Stanley Kubrick en Blogdecine:

• Una pretenciosa ópera prima
• ‘El beso del asesino’
• ‘Atraco perfecto’
• ‘Senderos de gloria’
• ‘Espartaco’
• ‘Lolita’

• ‘¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú’

• ‘2001: Una odisea del espacio’

• ‘La naranja mecánica’

• ‘Barry Lyndon’

• ‘El resplandor’

• ‘La chaqueta metálica’

Si antes de empezar a leer estas líneas, habéis escuchado la música del vídeo que he incluido sobre ellas, probablemente os importe un carajo lo que voy a decir sobre la película, y o bien queréis que hable sobre esta extraordinaria banda sonora, o bien os habéis ido corriendo a comprar el cd para dejarlo en un lugar de honor de vuestra colección. Para qué vamos a andarnos con rodeos: lo único realmente hermoso de la película número diecisiete de Pollack como director es su música, en sí misma una obra de arte, compuesta por el legendario Dave Grusin (un habitual de Pollack) y resuelta íntegramente a piano (con alguna percusión aislada), aunque se incluyeron algunas canciones en su bso. Escuchando esta música, sin haber visto la película, quizá se imagine el oyente una película asombrosa e inigualable. Qué va, nada de eso. Hay muchos ejemplos en la historia del cine de partituras formidables para imágenes mediocres. El cine, en su mayor parte, es muy poca cosa en comparación con la música. Salvo honrosas excepciones, que comprenden que el cine ha de ser tan específico en su forma como lo es una melodía o una sinfonía.

Sydney Pollack, quien murió un tanto prematuramente hace dos años y medio, era capaz, dentro de su condición de artesano y de gran profesional, de películas muy hermosas y de otras no tanto. Algunas le quedaban increíblemente impersonales, frías, vacías. ‘La tapadera’ (‘The Firm’, 1993) es una de esas películas. Estrenada en 1993 como una de las grandes apuestas del año, significó un éxito asombroso en taquilla, gracias a una muy inteligente campaña de promoción, y confirmó a Tom Cruise como la más grande estrella de Hollywood de los años noventa, que todavía encadenaría un par de grandes triunfos comerciales, y que ya empezaba a obesionarse con un premio, en forma de calvo dorado, que aún se le resiste, y que parece muy dudoso que pueda obtener algún día. Era la punta de lanza de un reparto primoroso, una producción con mucho empaque, y un rosario de talentos que no brilló como debería, salvo en un caso.

Curiosamente, Cruise venía de interpretar el año anterior a otro abogado, en una película muy superior, titulada ‘Algunos hombres buenos’ (‘A Few Good Men’, Rob Reiner, 1992), quizá su mejor interpretación junto a ‘Entrevista con el vampiro’ (‘Interview with the Vampire’, Neil Jordan, 1994) y ‘Magnolia’ (id, Paul Thomas Anderson, 1999). Aquí está bastante bien, pero te importa más bien poco su supuesta tragedia, es imposible identificarse con él. Es más, todo queda bastante poco creíble, y predecible. Adaptación homónima de la novela del mediocre John Grisham (otro fabricante de “best-sellers”), ‘La tapadera’ confunde complejidad con complicación, y ni siquiera es complicada. Más de dos horas y media se antojan innecesarias para tanta superficialidad, y para un suspense tan mal armado. ¿Este es el director de ‘Los tres días del cóndor’ (‘Three Days of the Condor’, 1975)? Me lo han cambiado…pero vamos…que deis al play en el siguiente vídeo, no sé a qué esperáis:

En pocas palabras: obra maestra. Me refiero al tema musical, claro. No se le puede pedir mayor elegancia, sabiduría y expresividad al genio Grusin. Pero la imagen va por otros derroteros. Pollack filma desganado, como aburrido, sin chispa. Parece que estamos viendo un telefilme mientras escuchamos una música subyugante, cautivadora. Esta música estaba destinada para una gran película a lo Hawks, a lo Lang, pero se tuvo que conformar con una trama tan sosa y tan facilona. Música nominada al Oscar, como no podía ser de otra manera, perdió contra el John Williams más inspirado y más doloroso, el de ‘La lista de Schindler’ (‘Schindler’s List’, Steven Spielberg, 1993), pero si hubiera ganado no creo que nadie hubiera podido protestar. Pero centrémonos un poco en otros aspectos, a base de preguntas: ¿Cómo un actorazo como Gene Hackman, en un papel que en un principio era ideal para él, acaba siendo una caricatura, con una tranformación final inverosímil? ¿Cómo una actriz tan solvente y sensual como Jeanne Tripplehorn goza de tan poca química con Cruise y sale tan poco interesante?

¿Cómo Paul Sorvino y Joe Viterelli, que habían interpretado ya a unos cuantos mafiosos de antología, dan la impresión de estar perdidos, grotescos, como en otra película, casi cómicos? ¿Por qué la fotografía de John Seale, uno de los operadores más autoexigentes de Hollywood, es tan apagada y carente de todo interés? ¿Por qué el diseño de producción de Richard Macdonald, que murió poco después, es tan trivial y tan olvidable, indigno de una supuesta gran película de suspense? Seguimos las desventuras de un abogado que se traslada a Memphis, para trabajar en una oscura firma de abogados, y la ilusión pronto se transforma en aburrimiento, y somos testigos de que los guionistas (entre ellos, nada menos que Robert Towne) nos toman por idiotas, y que donde debería haber angustia, o incertidumbre, sólo hay impacto hueco y de poco vuelo. Menos mal que secundarios maravillosos como Ed Harris, Gary Busey o Holly Hunter salvan un poco la función.

Al final, con su absurda conclusión, uno se pregunta dónde está el gran cine prometido, y es fácil imaginarse a Pollack filmando un suspense facilón y comercial que le diera algo de margen para su recta final como director. Desgraciadamente, el increíble (en doble sentido) éxito de esta película, no se tradujo en grandes filmes posteriores, y el director cerraría su carrera de una manera bastante convencional y gris, haciendo añorar su riesgo y su talento de antaño. Por suerte, nos queda su fabulosa banda sonora, y no me importa dar bien la brasa con ella. Grusin tiene el gran mérito de expresar toda una gama de emociones (soledad, vitalidad, desesperación, tensión, romanticismo…) valiéndose únicamente de sus manos y de un piano, y elevando las imágenes de esta película muy por encima de donde se merecen realmente. Ni siquiera he podido incluir aquí algunos cortes sensacionales: el melancólico y compasivo ‘Ray’s Blues’ o el diáfano y delicado ‘How Could you Lose Me?’.

Personalmente lo que hago es, y casi aconsejo hacerlo, es poner la música e imaginarme una película muy distinta a la de Pollack, porque el colorido y las sensaciones que transmite la música de Grusin lo permiten. Basta escuchar ‘Mud Island Chase’ y uno ya está en una gran película:

Cuando estuve preparando el artículo de los diez mejores remakes, con la idea de destacar, de reivindicar, una serie de títulos que rompieron la tendencia a estropear producciones originales, simplemente por sacar más dinero al público (o por falta de ideas), no pude evitar ponerme a pensar en los casos contrarios, en películas que han contribuido a menospreciar la fórmula, a considerarla una mala opción antes siquiera de ver el resultado. Claro que como lo natural (o lo más corriente) es empeorar lo ya hecho, y de un tiempo a esta parte se han lanzando tantísimos remakes, la lista de nuevas versiones lamentables es mucho más amplia.

Pero se trata de seleccionar, de decidirse, de mojarse, y de dar razones, no simplemente de enumerar títulos de remakes que no aprovecharon las historias y los aciertos de las películas originales, o que directamente las destrozaron; eso es demasiado fácil. De hecho, si os vais a la popular y útil IMDb, podéis dar rápidamente con una lista, con los inconvenientes de que, por un lado, las películas parecen a menudo puntuadas arbitrariamente (o dicho de otro modo, por gente que ni siquiera las ha visto), y, por otro, que ahí se consideran como remakes las nuevas adaptaciones de novelas o series. Ya dijimos que esto no es correcto, sólo lo son los que parten de otra película.

Sin más, aquí os dejo mi top ten de los diez peores remakes, diez películas que nunca debieron rodarse:

‘Sabrina (y sus amores)’ (‘Sabrina’, 1995)

Volver a filmar una historia que ya ha sido trasladado al cine por Billy Wilder es una tarea prácticamente destinada al fracaso. Sydney Pollack tampoco era el más indicado, pero se atrevió y le quedó un producto de factura elegante, claro que sin la chispa, la vida y el encanto del original. Debió haberlo previsto cuando le plantearon sustituir a Humphrey Bogart, Audrey Hepburn y William Holden por Harrison Ford, Julia Ormond y Greg Kinnear. Sencillamente, una pérdida de esfuerzo, dinero y tiempo.

‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1998)

Posiblemente, el remake más absurdo de la historia. La joya de Alfred Hitchcock no merecía ninguna actualización, pero menos aún que se volviese a filmar prácticamente igual, como si de esa forma se pudiera capturar la magia y la esencia de la obra original, y que se pensara que Anne Heche y Vince Vaughn podían hacer olvidar a Janet Leigh y Anthony Perkins. El imprevisible Gus Van Sant se pasó de listo (incorporó su peculiar guinda, Norman Bates masturbándose) y firmó una de las mayores estupideces de su carrera.

‘El planeta de los simios’ (‘Planet of the Apes’, 2001)

El primer gran error de Tim Burton. Venía de filmar la estupenda ‘Sleepy Hollow’ y se metió a dirigir este encargo puramente comercial. Gran presupuesto, estrellas y muy poca imaginación dieron como resultado un vacío espectáculo desprovisto de la energía y la contundencia del original. Cambiaron el mítico final para vender que se estaba siendo fiel a la novela de Pierre Boulle (sin embargo hay cameos de Charlton Heston y Linda Harrison, así como frases de la película de 1968), pero les quedó un cierre ridículo para un film que no debió hacerse.

‘King Kong’ (2005)

Tras triunfar con la adaptación de ‘El señor de los anillos’, Peter Jackson quiso rendir homenaje a la película favorita de su infancia, montando una superproducción repleta de estrellas y efectos especiales. El gorila es más real, pero la magia y la fuerza del original se quedó por el camino. Torpe, hueca, aburrida (excesivo metraje, en torno a tres horas de duración) y bobalicona, la película mostró la peor versión de un realizador que parece haber perdido el rumbo, como demostró después con ‘The Lovely Bones’.

‘Halloween: El origen’ (‘Halloween’, 2007)

Quizá no sea el peor remake de un film de terror, ni de uno dirigido por John Carpenter, pero la diferencia con el original es abismal, y no debería. No parecía tan complicado recuperar al mejor Mike Myers, después de tantas secuelas infumables. Declarado admirador del film original, Rob Zombie quiso renovar al famoso asesino aportando mayor información sobre su pasado y unos crímenes más violentos. Pero lo que añadió era innecesario y descuidó tanto la puesta en escena como la atmósfera, resultando un film de lo más pobre y aburrido.

‘Invasión’ (‘The Invasion’, 2007)

Pintaba bien la nueva versión de ‘La invasión de los ladrones de cuerpos’, debut del alemán Olivier Hirschbiegel en Hollywood, con Nicole Kidman y Daniel Craig al frente del reparto, pero el resultado fue un completo desastre, un film absurdo donde nada parecía en su sitio. James McTeigue fue contratado para intentar arreglar el desaguisado, pero el resultado final no deja muy claro si logró mejorar algo o si por el contrario solo lo empeoró aún más (las escenas de acción son nefastas). Para olvidar.

‘Funny Games’ (‘Funny Games U.S.’, 2007)

Un remake similar al de ‘Psicosis’, pero partiendo de un material inferior, menos fascinante. Michael Haneke se copia a sí mismo, plano por plano, con la excusa de ofrecer a un público más amplio exactamente el mismo relato violento que filmó diez años antes. Los actores se prestaron con convicción a un juego innecesario, vago, indigno de uno de los cineastas más prestigiosos del planeta. No obstante, algunos aplaudieron la fotocopia, con argumentos que a mí me sonaron a pose elitista; si llega a venir de otro realizador, nadie habría tenido piedad.

‘Ultimátum a la Tierra’ (‘The Day the Earth Stood Still’, 2008)

Increíble que de una joya de la ciencia-ficción saliera una de las peores películas de 2008. Pero así es Hollywood. La mayor preocupación es vender el producto, y para eso parece bastar con rellenar el cartel con actores famosos (aquí, Keanu Reeves y Jennifer Connelly) y atiborrar al público con espectaculares efectos visuales. Lástima que les funcione, casi siempre. La nueva versión, dirigida por Scott Derrickson, destroza incluso el mensaje original. Un despropósito.

‘Más allá de la duda’ (‘Beyond a Reasonable Doubt’, 2009)

Tan innecesario como volver a filmar un material que ya hemos visto orquestado por Wilder, es actualizar un relato dirigido por Fritz Lang, situando a Peter Hyams en la silla de director y a Jesse Metcalfe en el papel protagonista (logrando que Dana Andrews parezca un mito de la interpretación). Pero de nuevo, Hollywood no conoce límites si huele algo de dinero. Bochornoso remake, incapaz de mantener la tensión y las armas del original (el giro final está mucho más expuesto), donde lo único rescatable es la presencia de Michael Douglas.

‘El hombre lobo’ (‘The Wolfman’, 2010)

El proyecto de recuperar al hombre lobo estuvo plagado de problemas desde el principio. Tras la marcha de Mark Romanek, se incorporó a Joe Johnston para tratar de salvar los muebles, pero era demasiado tarde. Un guión desastroso, posiblemente corregido demasiadas veces, una realización torpe, fallida en el intento de conjugar un tono clásico con recursos modernos, y unos actores muy poco conectados con el relato dieron como resultado una de las peores películas de este año.

En Blogdecine | Encuesta sobre los mejores y los peores remakes de la historia del cine

Esta semana, la cantidad de películas que salen a la venta, ya sea en DVD o en Blu-ray, es enorme. Comenzaré por comentar los lanzamientos de films recientes, para los que la aparición en formato doméstico supone un estreno. A continuación, pasaré a títulos anteriores, que ya han visto ediciones de consumo particular, pero que vuelven a estar disponibles para su adquisición.

‘Paranormal Activity’ (2009)

A pesar de que hubo quien la defendía e insistía en comentarios en que le diese una oportunidad, no quise ver ‘Paranormal Activity’ , de Oren Peli, en cines y no creo que me vaya a animar más a verla en casa, ahora que aparece a la venta en DVD y Blu-ray. Como ya comenté en su momento, no me convencieron con ‘El proyecto de la bruja de Blair’, así que ahora, con la lección ya aprendida, no caigo en este nuevo intento de venta de una película gracias a elementos ajenos a ella. Que puede ser que me esté perdiendo algo que podría disfrutar, por supuesto, pero correré el riesgo.

Críticas en Blogdecine:

• Sitges 09 | Desesperante ‘Paranormal Activity’.

• ‘Paranormal Activity’, el miedo cotidiano.

Características técnicas del DVD en la edición especial: Contenido: 2 Discos. Imagen: 1.85:1 16/9 anamórfica. Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Contenido Extra: Disco 1 Tráiler. Ficha artística. Ficha técnica. Ficha de doblaje. Filmografías. Disco 2: Reacciones de audiencia. Final alternativo.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Castellano. Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Contenido Extra:Tráiler. Reacciones de la audiencia.

‘Ejecutiva en Apuros’ (‘New In Town’, 2009)

Antes de ver la película, me temía que, hiciese o no demasiada gracia, sería una de estas cintas que defienden la vida tranquila de las pequeñas aldeas y zonas rurales y sostienen que las ciudades engendran malas personas. Por lo tanto, me sorprendió, como ya comenté en mi crítica, que la moraleja no fues tanto por ese lado, sino más bien por la defensa de la producción en cooperativa y la lucha contra las grandes empresas, lo que en esta época de crisis, supone una alternativa bastante interesante. El film tiene un final que en otra época más paranoica, los estadounidenses podrían haber tachado de comunista. Todo lo demás importa poco: la historia de amor es precedible y está mejor contada en ‘Baby, tú vales mucho’, los actores –Renée Zellweger, Harry Connick Jr. y J.K. Simmons— cumplen, pero no sorprenden y los retratos de personajes exageran los tópicos para poder sacarle punta a todo. No sé si vale la pena comprar una copia de esta película, pero al menos sí que merece que se le eche un ojo.

Otra crítica en Blogdecine | ‘Ejecutiva en apuros’, una pija en el pueblo.

Características del DVD: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 16/9 anamórfica. Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán.Contenido Extra:Tráiler. Ficha artística. Ficha técnica. Ficha de doblaje. Filmografías.

Características de de la edición especial de 2 discos en DVD: Contenido: 2 Discos.Imagen: 1.85:1 16/9 anamórfica. Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Contenido Extra: Disco 1Tráiler. Ficha artística. Ficha técnica. Ficha de doblaje. Filmografías. Disco 2Entrevistas. Making of. Imágenes de rodaje. Spot.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Castellano. Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Contenido Extra:Entrevistas. Making of. Imágenes de rodaje. Spot.

‘Arthur y la Venganza de Maltazard’ (‘Arthur et la vengeance de Maltazard’, 2009)

Aparece tanto en DVD como en Bluray el timo del siglo ‘Arthur y la Venganza de Maltazard’ algo que no supone más que el planteamiento de una película y que se detiene antes de que llegue a comenzar el argumento, como ya denuncié en esta crítica. Recomiendo que no se compre este film protagonizado por Freddie Highmore, Mia Farrow, Ronald Crawford y Robert Stanton, y dirigido por Luc Besson, en el que el niño amigo de los seres diminutos debe infiltrarse de nuevo en el mundo subterráneo donde viven éstos para detener al malvado Matazard.

Características del DVD: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 16/9 anamórfica. Audio: Dolby Digital 5.1 Castellano, Catalán, Francés. Subtítulos: Castellano, Catalán, Francés. PVP Recomendado: 17,95 €.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD 5.1 Castellano, Catalán, Francés. Subtítulos: Castellano, Catalán, Francés. PVP Recomendado: 25,95 €.

‘Bridget Jones: Sobreviviré’ (‘Bridget Jones: The Edge of Reason’, 2004)

A partir de esta semana se podría adquirir en Blu-ray ‘Bridget Jones: Sobreviviré‘, la segunda parte de ‘El diario de Bridget Jones‘, que también se basa en la novela homónima de Helen Fielding. Las adaptaciones de los libros no suelen estar a la altura del original y las segundas partes no suelen ser tan buenas como las primeras. Si, en este caso, partimos de que el libro ya de por sí no tenía una enorme calidad, concluiríamos que poco se puede hacer con esta película. Sin embargo, confieso que he leído ambas obras y las he disfrutado por una cuestión que puede sonar a menudencia o que puede considerarse casi incomprensible, pero que para mí fue decisiva en su momento: me refiero a que la protagonista femenina es la que hace gracia. Normalmente se acepta que los hombres sean graciosos, patosos y metepatas, pero las mujeres tienen que ser perfectos objetos a los que da gusto contemplar. Aquí, las tornas se cambian y eso se me antoja refrescante, a pesar de que no sea el personaje perfecto para mí ni tampoco su capacidad cómica sea exagerada –hablo de la descripción del personaje en el libro, no de la película—. Por otro lado, si bien los films no mejoraban las novelas, sí tenían el aliciente de incluir a Hugh Grant y a Colin Firth –que sale mencionado en la primera novela-. Y lo que no se puede negar es que, te guste o no el personaje, Renée Zellweger lo borda.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.40:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano.Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Holandés. Contenido Extra:La escapada a Austria. Escenas inéditas. Guía fácil de la exótica Tailandia. La gran pelea. Mark y Bridget: ¿para siempre? Bridget Jones entrevista a Colin Firth. El solitario Londres. Bridget Jones: ¿un icono cultural? La gran noche de Bridget. Gira mundial de los estrenos. Como se hizo Bridget Jones: Sobreviviré. Comentario de fondo con la directora Beeban Kidron.

‘Austin Powers en Miembro de Oro’ (‘Austin Powers in Goldmember’, 2002)

Sale, también en Blu-ray, ‘Austin Powers en Miembro de Oro’, la tercera parte de la saga del detective británico que parodia a James Bond, dirigida por Jay Roach. Es una película que, aunque decae con respecto a las primeras, vuelve a tener algunos puntos graciosos, entre los que destacaría los subtítulos que no se leen por completo, debido a los elementos blancos de la escena, y la concatenación de voces por megafonía que van componiendo palabras soeces. Pero lo que no puedo soportar es la visión de Gordo Cabrón, pues el maquillaje está demasiado conseguido. Mike Myers es protagonista interpretando varios papeles y colabora en el guión. Junto a él, completan el reparto Beyoncé Knowles, Michael Caine, Michael York, Robert Wagner, Seth Green, Verne Troyer y Masi Oka, entre otros. A su vez, cuenta con los cameos de Tom Cruise, Danny DeVito, Gwyneth Paltrow, Kevin Spacey, Steven Spielberg, Quincy Jones, John Travolta y muchos otros.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.40:1 1080p (Alta Definición). Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano. Subtítulos: Inglés, Castellano. Precio recomendado: 21,95 €.Contenido Extra:Más allá de la película. Comentarios de Jay Roach y Mike Myers. Escenas eliminadas con comentarios. Efectos visuales. El mundo de Austin Powers: Jay Roach y Mike Myers: Encuentro creativo Los personajes Las primeras escenas con especialistas Los coches de Austin Powers Análisis de tres escenas Vídeos musicales: Beyoncé “Work it Out” Britney Spears “Boys” Ming Tea “Daddy wasn’t There”.

‘Serpico’ (1973)

Sidney Lumet dirige a Al Pacino en una controvertida cinta que se basaba en el libro de Peter Maas, el cual, a su vez, partía de hechos reales. En ella, el agente de policía que da título al film destapaba una trama de corrupción dentro de su departamento, lo que le suponía enfrentarse a sus propios compañeros y jefes. Aunque hoy en día ya tenemos muy visto el tema de los policías corruptos, en su momento, fue una buena manera de darle un giro al hallazgo del culpable. Fue muy aclamada la interpretación de Pacino en el papel de un hombre que no agradaba a sus colegas por cumplir las reglas a raja tabla, y por asociarse a la contracultura izquierdista de los años ’60.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 2.0 Inglés, Castellano, Alemán, Francés. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés. Contenido Extra:Sidney Lumet, cineasta neoyorkino. Buscando a Al Pacino.

‘Memorias de África’ (‘Out of Africa’, 1985)

Basado en el libro homónimo autobiográfico de la escritora danesa Isak Dinesen y dirigido por Sydney Pollack, este drama romántico multioscarizado, nos presenta a Robert Redford y Meryl Streep viviendo una aventura desaforada y tortuosa sobre el paisaje que forma una plantación en Kenia. Sin entrar a calificarla de buena o mala, lo que sí puedo asegurar es que no es, ni mucho menos, el estilo de películas que me gustan ni el tipo de historias amorosas que me emocionan. Sin embargo, quien la considere una gran obra, tiene ahora la oportunidad de contemplar la fotografía de David Watkin en todo su esplendor gracias a esta edición en Blu-ray.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Japonés, Alemán, Francés, Italiano.Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano,Holandés, Japonés, Cantonés, Danés, Finlandés, Griego, Coreano, Noruego,Portugués, Sueco, Mandarín Tradicional.Contenido Extra:Escenas inéditas. Canción de África. Tráiler de cine. Comentarios de la película con el director, Sydney Pollack.

‘Danko: calor rojo’ (‘Red Heat’, 1988)

Salen a la venta tres títulos de Arnold Schwarzenegger: ‘Danko: calor rojo’, ‘El guerrero rojo’ y ‘Ejecutor‘, todos en Blu-ray. ‘Danko: calor rojo’ (‘Red Heat’, 1988), dirigida por Walter Hill, es una cinta de acción de lo más entretenida y espectacular (al menos, así la recuerdo) en la que Schwarzenegger interpreta a un detective ruso cuyas ideas probablemente no era muy acordes con las del actor. Jim Belushi le da la réplica en una de esas buddy movies de amor-odio, donde los contrastes tienen que ser tan fuertes como el cambio de temperatura que sufre el culturista en la pelea de la escena de inicio.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Ruso.Subtítulos: Castellano, Francés, Alemán, Italiano, Danés,Holandés, Finlandés, Noruego, Ruso, Sueco, Turco, Español. Contenido Extra:Arnold Schwarzenegger, el hombre que conquistó Hollywood. El contexto político de Danko: Calor Rojo. Tráiler.

‘El corazón del ángel’ (‘Angel Heart’, 1987)

Aparece a la venta en Blu-ray ‘El corazón del ángel’, de Alan Parker, una película que fue sonada en mi preadolescencia por la violencia de algunas de sus escenas y la teórica irreverencia de su contenido, lo cual le rindió una repercusión probablemente algo mayor que la que se merecía. La cinta, protagonizada por Robert de Niro, Mickey Rourke y Lisa Bonet, nos presenta a un detective privado de Nueva Orleans, que es contratado por un misterioso cliente en Harlem para que encuentre a un hombre desaparecido. Conforme avanza la investigación se suceden extrañas muertes, al parecer relacionadas con la magia negra y el vudú, y que implican a Harry de una manera cada vez más personal…

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano.Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Holandés, Turco.Contenido Extra:Tráiler. La verdad sobre el vudú. Imágenes del rodaje.

Otros lanzamientos

Se pueden comprar en Blu-ray varios títulos protagonizados por Clint Eastwood. Dos de ellos están dirigidos por Brian G. Hutton: ‘El desafío de las águilas’ (‘Where Eagles Dare’, 1968) y ‘Los violentos de Kelly’ (‘Kelly´s Heroes, 1970), mientras las demás son del propio Eastwood: ‘El sargento de hierro’ (‘Heartbreak Ridge’, 1986), ‘El principiante’ (‘The Rookie’, 1990) y ‘Poder absoluto’, (‘Absolute Power’, 1997).

También serían recomendables las películas: ‘Chuka’ (1967), de Gordon Douglas; ‘El Mercader de las Cuatro Estaciones’ (‘Händler der vier Jahreszeiten’, 1971), de Reiner Werner Fassbinder; ‘El Último Disparo’ (‘Railroaded!’, 1947) y ‘Las furias’ (‘The Furies’, 1950), ambas de Anthony Mann; ‘La Extraña Mujer’ (’ The Strange Woman’, 1949), de Edgar G. Ullmer, y ‘Intervista’ y ‘ El Jeque Blanco’ (‘Lo sceicco bianco’, 1952), las dos de Federico Fellini.

Por último, quedarían por mencionar títulos como ‘Combinación Ganadora’ (‘Lucky Numbers’, 2000), con John Travolta y Lisa Kudrow; ‘Bullying’, ‘Nico, El reno que quería volar’, ‘Eloïse’, ‘Freddy contra Jason’ (Blu-ray), ‘Recuento’ (‘Recount’, 2008)

Vía | Zona DVD.

Sydney Pollack nos dejó hace poco, y su marcha dejó al cine americano sin uno de los realizadores más estables de los últimos años, entendiendo por estabilidad el permanecer fiel a una forma de narración clásica que a cada año que pasa va desapareciendo, quedando pocos realizadores que huyen de los nerviosos tics actuales. Otra cosa es que Pollack dirigiese buenas películas durante toda su carrera, cosa que evidentemente no fue así. De hecho, ‘Un Instante, Una Vida’ se enmarca en una etapa en la que tuvo cierto bajón creativo, que comenzó precisamente con este film y continuó con ‘El Jinete Eléctrico’ y ‘Ausencia de Malicia’, que sin ser malas películas están muy lejos de lo que Pollack podía ofrecer como realizador. Un realizador que siempre tuvo a su disposición grandes estrellas para dar vida a los personajes de sus películas. Sin ir más lejos, en los tres films citados, los actores son Al Pacino, Robert Redford y Paul Newman. Casi nada. Poco directores pueden presumir de haber tenido siempre a actores de primera fila.

‘Un Instante, una Vida’ se encuentra editada en dvd en nuestro país por la Warner (sin duda alguna, los mejores en lo que respecta a ediciones de dvd), y es vendida como un film de deportes, única y exclusivamente por que el personaje central es un consumado piloto de carreras. Nada más lejos de la realidad, pues la película es ante todo una historia de amor, protagonizada por el mencionado piloto y una mujer enferma. Ni siquiera vemos, salvo en la parte final, carreras en circuitos automovilísticos o que la mayor parte de la acción transcurra en ambientes deportivos. Eso sí, nuestro protagonista aparece en un buen número de ocasiones acompañado o a bordo de un coche, como símbolo de identidad. Es más, desde cierto punto de vista hasta podríamos considerar que ‘Un Instante, una Vida’ es una road movie, una de esas películas de “viajes” que no llevan a ningún sitio en concreto, pero que en cierto modo representan un viaje emocional, el de dos seres condenados a quererse dentro de un marco dramático.

Y es ahí donde una de las constantes del cine de Pollack hace acto de presencia. El director parecía enamorado, nunca mejor dicho, de las historias de amor imposibles, protagonizadas siempre por dos seres completamente opuestos cuya unión representaba la pareja perfecta. Una unión, que como en todas las grandes historias de amor del séptimo arte, debía ser truncada por los caprichos del destino. Es en ese terreno donde el director se mueve como pez en el agua, haciendo gala de una sobriedad acorde con su historia. Una historia de amor adulto, en las vidas de dos seres que parecen haberlo vivido todo ya, pero que tienen mucho que aprender el uno del otro, aunque en este aspecto carga más las tintas en el personaje masculino, quien tarda en comprender los resortes de una relación amorosa como pocas se han visto (igualito que en la vida real), y ella le servirá de guía no sólo hacia la aceptación mutua, sino hacia un conocimiento interior, en relación con la vida, del que antes no hacía gala. Al caso viene la inteligente comparación de las carreras con la vida real, de los intrincados mecanismos de un bólido, los cuales siempre tienen arreglo porque son máquinas, con el complejo universo del ser humano, en el que no cabe cosas como la lógica o la razón, debido a la desatada fuerza de los sentimientos, algo de lo que carece completamente cualquier máquina por muy perfecta que sea.

Sin embargo, y a pesar de que Pollack parece encontrarse a gusto en su drama, no las tiene todas consigo. ‘Un Instante, una Vida’ por momento peca de alargar demasiado algunas situaciones, aunque a algunos espectadores nos guste regodearnos contemplativamente en las imágenes de una película reposada y tranquila, quizá demasiado. Por otro lado, las interpretaciones de sus dos estrellas principales, Marthe Keller y Al Pacino, están como sus personajes, en polos opuestos. Keller, por cuyo personaje suspiraron desesperadamente actrices como Catherine Deneuve, está prodigiosa, una mujer llena de vida a pesar de su enfermedad terminal, centro de los intereses de un descolocado Al Pacino, que por mucho que hubiera participado en dos de las obras maestras de Coppola, estaba lejos de ser un grandísimo actor, algo que demostró muchos años después. El Bobby Deerfield del título original es sin lugar a dudas una de sus peores interpretaciones. El mítico actor se pasa toda la película con una cara de palo que no se la cambia ni la más dramática de las situaciones, y si no, atención a cuando su personaje se entera de algo que el espectador ya sabe, o más bien intuye, desde hace tiempo. Ni se inmuta.

‘Un Instante, una Vida’ es una correcta película de un Pollack que cuando se volvía precisamente correcto, no arriesgaba en demasía, quedando algunos de sus films desnudos de la intensidad de otras obras de mayor envergadura. Hija directa de los 70, refleja muy bien aquellos años, quizá la época en la que el cine, y otras artes, estaba demasiado entrañado en los lindes de la década en sí.

La semana pasada en el programa de Cope Cataluña ‘La Alternativa’, nuestra queridísima Olga y un servidor hablamos de la triste desaparición de Sydney Pollack, algo que ha cogido de sorpresa a todos, un director actor que nos dejó películas tan conocidas como ‘Memorias de África’ o ‘Tootsie’, y clásicos tan indiscutibles como ‘Yakuza’ o ‘Los Tres Días del Cóndor’. Como actor pudimos verlo recientemente en ‘Michael Clayton’ o ‘La Boda de mi Novia’. Y después de hablar de algo que siempre produce tristeza, pasamos a comentar la que para un servidor es la mejor película estrenada este 2008 (aunque debería haberse estrenado a finales del 2007): ‘La Niebla’, toda una demostración de lo bueno que es Frank Darabont, capaz de utilizar un aparentemente simple relato de terror para adentrarse en lo más oscuro del ser humano.

‘De Cine’ (1-6-08, audio, mp3, 9´7 MB)

Hablando con mi buen amigo Jeremy Fox (el único y verdadero culpable de que yo escriba en Blogdecine), sobre la triste desaparición de Sydney Pollack, mientras repasábamos su filmografía coincidíamos en las que son sus cinco mejores películas (teniendo en cuenta, en mi caso, el no haber visto ni su ópera prima ni ‘Una Vida, un Instante’). Pollack fue uno de esos directores que un servidor, y muchos de los de mi generación, descubrió en la televisión, con los pases sobre todo de sus films de los años 70, los cuales dejaron una impronta huella en mí por varias y diversas razones.

Aunque como actor, su carrera fue incluso más prolífica, sobre todo en los últimos años de su vida, dando vida muchas veces a personajes ambiguos y de toques sombríos (‘Eyes Wide Shut’, sustituyendo al inicialmente previsto Harvey Keitel), fueron sus trabajos como director los que dejaron para la posteridad algunos muy buenos momentos, haciendo siempre gala de una sobriedad narrativa, tirando al clasicismo, que últimamente chocaba bastante con lo que se suele hacer en el Hollywood actual.

A continuación, en orden cronológico, las cinco mejores películas de Pollack:

• ‘Las Aventuras de Jeremiah Johnson’

La segunda de las siete colaboraciones con su buen amigo Robert Redford, y el primero de los que yo vi de Pollack. A pesar de cierta monotonía, todo un canto a la naturaleza, y una crítica hacia los peligros de la civilización. En su momento fue un éxito arrollador, y hoy día es vista como película de culto. Basada en polémicos y emotivos hechos reales, Redford contribuyó a la fama de la misma con su simple presencia, ya que por aquel entonces era uno de los actores más admirados y comprometidos del momento.

• ‘Yakuza’

Para un servidor el mejor film de su director, todo un prodigio de ritmo e historia. El guión, escrito a cuatro manos por Paul Scharder y Robert Towne, basándose en una historia de Leonard Shrader, fue el más caro de la historia en su momento. Al principio era un proyecto para Scorsese, y también para Robert Aldrich quien a punto estuvo de hacerla con Lee Marvin al frente. Cuando entró en escena Robert Mitchum (en la que es una de sus interpretaciones más celebradas) forzó la situación para echar a Aldrich, y entró en juego Pollack, quien quería a Robert Redford para el personaje central. Menos mal que las cosas quedaron así (aunque imaginar lo que podría haber hecho Scorsese con semejante material es uno de esos pensamientos que te hacen sentir a gusto), y dio como resultado un film sombrío, de extrema violencia, y con unas interpretaciones soberbias. Ken Takakura repetiría similar operación años más tarde en la sospechosamente parecida ‘Black Rain’ de Ridley Scott. Tarantino también se encargó de coger algo para su celebrada ‘Kill Bill’. Inolvidable lo del dedo meñique.

• ‘Los Tres Días del Cóndor’

Un clásico de los 70 del cine de espionaje. De nuevo Redford colaborando con su amigo Pollack, y encabezando un suculento reparto, es una trepidante historia sobre un hombre injustamente perseguido y metido en asuntos de la CIA y peligros varios. El extraordinario montaje, obra de Fredric Steinkamp y Don Guidice, fue nominado al Oscar (aunque se lo arrebató Verna Files por ‘Tiburón’) y es toda una lección de ritmo. El film, hoy algo olvidado por cierto sector, permanece como uno de los más influyentes en los cineastas que se lanzan a contar historia similares.

• ‘Tootsie’

Nominada a diez Oscars, consiguiendo la primera estatuilla para Jessica Lange, fue uno de los éxitos más abrumadores de su director. La historia de un hombre que para poder conseguir trabajo se disfraza de mujer, caló muy hondo en las audiencias de aquel año. Es probablemente la única comedia pura de Pollack, y aunque tal vez sea un pelín larga, está llena de situaciones muy divertidas, y sobre todo contiene una de las mejores interpretaciones de Dustin Hoffman, que por aquel entonces estaba en lo más alto de su carrera.

• ‘Memorias de África’

El reconocimiento de la Academia de Hollywood, aunque para ello tuvieran que ningunear la magistral ‘El Color Púrpura’, y otro de los grandes éxitos de Pollack (ya nunca volvería a alcanzar uno así). Una de esas historias de amor que tanto gustan en Hollywood, entre una mujer danesa y un cazador en la preciosa Kenia. El papel de Meryl Streep fue ofrecido a Audrey Hepburn (este tipo de cosas a veces creo que era mejor no saberlas), y como siempre la actriz ofrece una de sus entregadas interpretaciones dominando acentos, aunque también como siempre tirando hacia el histrionismo. De todos modos, la compenetración con Robert Redford es perfecta. Y John Barry musicándolo todo con uno de sus trabajos más recordados, aunque recuerde en demasía a su score para ‘Nacida Libre’ (algo que repitió descaradamente para su también oscarizada ‘Bailando con Lobos’). Inolvidable el momento en el que ella es invitada a tomar una copa en el club para caballeros en el que nunca dejaban entrar a mujeres.