Todo el mundo tiene motivos para matar

-Mitsuko Souma

Suena el “Réquiem” de Giusseppe Verdi mientras una voz en off desgrana datos que nos describen una sociedad sumida en la violencia y la destrucción al comienzo del nuevo milenio. De ahí pasamos a lo que parecen ser imágenes de una especie de “reality” sangriento y brutal. En medio del caos, las cámaras enfocan a una niña empapada en sangre agarrada a un peluche que sonríe siniestramente a cámara: es la ganadora del programa. El nombre del mismo: ‘Battle Royale’.

El año 2000 amaneció con una furiosa película japonesa que bebe de la estética manga con avidez; no es difícil encontrar rastros en ella de ‘Aula a la deriva’, de Kazuo Umezu, o ‘20th Century boys’, de Naoki Urasawa, así como de sangrientos videojuegos de lucha como el mítico ‘Tekken’. La película hace del salvajismo su bandera y escandalizó a no pocos espectadores en su día. Sin ir más lejos, las deserciones en el cine en que la estrenaron fueron múltiples —recuerdo especialmente a un señor trajeado que abandonó la sala entre gritos de indignación—. Me pregunto yo qué esperaba la gente de un film en el que se anunciaba ya desde el cartel la lucha a muerte de 42 tiernos adolescentes en una isla desierta. ¿Una comedia romántica? La película favorita de Tarantino en los últimos 25 años creó un encendido debate sobre los límites de la representación cinematográfica. Pasada ya una década desde su estreno, veamos si había para tanto.

Lo primero que sorprende es encontrarnos al frente del film a un septuagenario Kinji Fukasaku, director, entre otras, del clásico de cine bélico ‘¡Tora, tora, tora!’ —eso sí, a medias con Richard Fleischer— en el ya lejano año de 1970. El bueno de Kinji dirigió posteriormente una extraña y ultraviolenta película a caballo entre el documental y la ficción, ‘Battle without honor and humanity’ y que daría lugar a una serie de películas sobre la Yakuza, la mafia japonesa. De ahí pasó a realizar diversos films enmarcados en la ciencia-ficción, por lo que su elección como director de ‘Battle Royale’ comienza a tener sentido. Aún así, maravilla el juvenil pulso narrativo demostrado por el anciano realizador. ¿Os imagináis a un, pongamos, Vicente Aranda realizando un film similar en nuestro país? Sí, Japón es diferente.

‘Battle Royale’ se basa en un best-seller escrito por Koushun Takami. El éxito del mismo daría lugar a la película homónima, una secuela, un manga y hasta un juego online. Su argumento nos sumerge en un futuro distópico en la línea pesimista de clásicos como ‘1984’ (George Orwell) o ‘Un mundo feliz’ (Aldous Huxley). La violencia en las escuelas, las agresiones sin fin al profesorado y la absoluta falta de respeto a los mayores —algo mucho más llamativo en una sociedad como la japonesa—, llevan a un gobierno desbordado a tomar una drástica y —por qué no decirlo— completamente lunática medida: la ley “Battle Royale”. Cada año, se elegirá por sorteo un aula de un instituto cualquiera del país —se da por sentado que todos los centros han llegado a un mismo grado de anarquía— que entrará a formar parte de un brutal juego de supervivencia. El elegido es el que tiene como tutor a un tal Kitano.

Una de las características que más llama la atención al público occidental a la hora de enfrentarse con cine asiático es la alegría con la que mezclan géneros dispares. Y ‘Battle Royale’ no es una excepción; a lo largo de su metraje pasaremos de una suerte de survival horror al melodrama más desatado, todo ello trufado, eso sí, de un humor negro que no abandonará a la película en ningún momento. El argumento del film le debe mucho a los videojuegos: tres días de juego, sólo puede haber un superviviente. El objetivo: matar a todos los demás. A cada jugador se le suministra un arma específica y debe acatar una serie de reglas, como la que les prohíbe permanecer demasiado tiempo en la misma zona, so pena de que haga explosión un collar que llevan todos los participantes al cuello, detalle éste que la emparenta con, entre otras, una joya de la psicotronía como es ‘Peligrosamente unidos’ (‘Wedlock’, Lewis Teague, 1991). Hay otros elementos, como los inenarrables vídeos de instrucción, que recuerdan poderosamente a los de cierta iniciativa Dharma, que se visionaban también en una isla. ¿Os suena?

La juventud de los chicos y su conversión en psicópatas sedientos de sangre es el elemento más destacado de un film que trata de responder a la pregunta: ¿qué estarías dispuesto a hacer para seguir viviendo? La respuesta para la mayoría de ellos está clara: matar, matar y matar. Fukasaku disfruta jugando a la perversión de la inocencia y crea secuencias tan memorables como la del grupo de chicas que se refugia en un faro tras prometerse que no entrarán en el terrible juego. Minutos más tarde, la sangre cubre el suelo y las paredes. Por muy fuerte que pueda parecer el argumento, la violencia en el film está desacralizada: la repetición de la barbarie provoca insensibilidad y al imprimir a los asesinatos un mordaz humor, le resta dramatismo y es más asumible para el espectador las salvajadas del film, ejercicio del que tomará buena nota Matthew Vaughn para su Hit-girl en ‘Kick-Ass’. El tratamiento visual del film roza a veces el amateurismo —esas olas rompiendo contra las rocas, que parecen tomadas de la cabecera de Ízaro Films—, y por momentos parece que estemos viendo un paupérrimo film de acción de procedencia ignota. Por el contrario, otras escenas están rodadas con mano maestra —verbigracia, el enfrentamiento final con aires de spaguetti-western—.

Por otro lado, aunque el film peca en su desarrollo de cierto esquematismo y una repetición continuada de situaciones que no le hace ningún bien, el espíritu gamberro de una propuesta tan burra está realmente conseguido, las actuaciones de los jóvenes son más que convincentes y el humor sanguinario funciona como un mecanismo de relojería. Pero su capacidad para provocar, hoy en día, y con lo que ha llovido, ha caído en picado. Después de presenciar auténticos “realities” que superan en bajeza a la propuesta de Fukasaku o comprobar cómo el torture porn arrasa en las taquillas —éste, sin coartada humorística alguna—, la “rompedora” propuesta de ‘Battle Royale’ se queda en un buen divertimento de humor negro más convencional de lo que algunos quisieron ver. No hay que buscar sesudas parábolas sobre la violencia en nuestra sociedad, simplemente es una estupenda película de acción cafre. Lo que no es poco.

La sexta jornada de Sitges 2010 tenía una pinta inmejorable. Lo nuevo de Takashi Miike y de Takeshi Kitano. Cine de samuráis y yakuzas. Pero separados, cada uno en su terreno y en su salsa, no mezclados de mala manera como excusa para el gore, la acción barata, el abuso de los tópicos o las poses huecas. A las diez de la mañana se proyectó ‘13 Assassins’, sobre un grupo de guerreros que deben impartir justicia, y a las cuatro de la tarde se pudo ver ‘Outrage’ (a la misma hora que ‘Rare Exports’, a la postre la gran triunfadora del certamen), el esperado regreso de Kitano al cine de la mafia japonesa. Por desgracia, ninguno de los dos realizadores acudió a Sitges para presentar sus trabajos, y es que esta año la organización no ha estado muy afortunada con los invitados. Pero volvamos al cine…

‘13 asesinos’, justicia, deber y muerte

Hay algo fascinante en la figura del samurái. A pesar de todas las películas que se han hecho sobre ellos, muchas de ellas mediocres y con falsos retratos, sigue intacta la magia, el poder de seducción de estos antiguos guerreros japoneses. Si bien el título clave es (y será siempre) ‘Los siete samuráis’ de Kurosawa, hay otros de innegable talento que no conviene olvidar; uno de ellos es ‘Trece asesinos’ (‘Jusan Nin no Shikaku’, 1963) de Eiichi Kudo. Casi cincuenta años más tarde nos llega el remake firmado por Takashi Miike, el ejemplo más claro y rotundo de cineasta inclasificable. Miike le da a todo, juega con lo que sea, rueda sin descanso y es capaz de lo mejor y lo peor. Por fortuna, su última película es uno de los trabajos más inspirados, intensos y estimulantes de toda su extensa carrera.

‘13 asesinos’ (vendida internacionalmente como ‘Thirteen Assassins’) nos traslada al Japón feudal de mediados del XVIII. Es una época de paz, una mala época para el samurái. Sin embargo, una serie de despiadados crímenes cometidos por el señor Naritsugu Matsudaira, hermano del Shogun, cambiará el panorama. Un oficial encarga a Shinzaemon Shimada (Koji Yakusho) la misión de asesinar al cruel Naritsugu, y aunque es poco menos que un suicidio, el hombre acepta el encargo con felicidad. Forma un pequeño grupo de samuráis bien entrenados, valientes y fieles, y prepara el plan para acabar con el hermano del Shogun… un objetivo protegido por cientos de hombres que darán su vida por proteger a su señor.

La película tiene dos partes muy diferentes. La primera es muy sobria, realista, elegante, y también algo aburrida (entre otras cosas, al principio cuesta seguir las conversaciones, con tantos nombres nada más empezar); se centra en la presentación de los escenarios, las costumbres y la gente del momento, el planteamiento de la misión, la revelación de los hechos que la provocan (escenas sangrientas que adelantan lo que vendrá más adelante) y el reclutamiento del grupo que lleva a cabo el protagonista. Se hace algo lenta la primera hora, y es que está filmada con menos energía, pero parece algo realizado a propósito para preparar adecuadamente al espectador y provocar un mayor contraste con la segunda parte del film.

Un segundo bloque que es una auténtica gozada, un emocionante y salvaje espectáculo de acción. Cuando hablé de ‘Secuestrados’, dije que se trataba de una violencia sádica y enfermiza; uno de esos relatos en los que tipos brutales someten con crueldad a individuos débiles (mujeres casi siempre) mientras la cámara lo capta de manera realista. A diferencia de esta forma de violencia, que tiene sus seguidores, ‘13 asesinos’ apuesta por la violencia como un recurso dramático, como algo inhumano que explota cuando ya no puede contenerse, y cuyas consecuencias son indeseables y fatales. Es una salida brutal, pero se muestra de manera noble y bella (como un deporte mortal); son luchadores, asesinos, en un escenario sin inocentes. En nombre de la justicia o del deber, por dinero o por placer, ninguno de estos hombres se engaña y ninguno espera clemencia. Sólo una muerte digna.

‘Outrage’, un Kitano sin fuerza

Menos afortunado ha estado Takeshi Kitano con su esperada vuelta al cine negro. Diez años después de ‘Brother’, el japonés recupera su lado más violento y nos narra otro de esos relatos sobre la mafia con los que empezó a convertirse en un cineasta respetado internacionalmente (siendo comparado con Eastwood o Tarantino). Escrita, dirigida y protagonizada por Kitano, ‘Outrage’ (‘Autoreiji’, 2010) gira en torno a un poderoso clan mafioso, cuyo orden parece en peligro; el “padre” teme que una unión entre dos de sus “hijos” puede desestabilizar la “familia”, así que convence a uno de ellos para que rompa el vínculo con su “hermano”, si quiere seguir conservando sus privilegios. Otomo, al que da vida Kitano, será el principal encargado de solucionar el asunto.

Básicamente, el film consiste en una sucesión de conspiraciones, discusiones, gritos e insultos, aliñada con disparos, golpes y asesinatos, que dura casi dos horas. Todos los personajes son piezas sin valor en un tablero dispuesto por el jefe del clan, que se enfrentan entre sí con su aprobación, en una desesperada lucha de poder. Una lucha absurda, sin sentido, pues todo lo que sucede forma parte de un siniestro plan cuya única solución es el mantenimiento del más poderoso; el padre se erige como una figura divina y caprichosa que se divierte viendo pelear a sus hijos por unas pequeñas porciones del gran pastel.

El principal problema de ‘Outrage’ es que ya la hemos visto antes, Kitano ya ha rodado esto en otras ocasiones. No está inspirado con la puesta en escena, su guión es demasiado simple, centrado sólo en los enfrentamientos, sin ofrecer un retrato de las intimidades de los personajes (apenas hay un par de trazos sobre la vida personal de Otomo), y la narración se vuelve repetitiva, sin margen para la emoción ni la sorpresa (el desenlace es de lo más previsible), sólo hay destellos en algunas situaciones violentas, como la del cúter o la lengua (Kitano argumenta que busca lo inesperado en esos momentos donde parece que va a ocurrir lo de siempre). Tras sus reflexiones sobre el arte y su propia obra (entre las que destaca la estupenda ‘Achilles and the Tortoise’), parecía una buena idea que el cineasta recuperara su versión yakuza, pero ha entregado un relato sin energía, rutinario, apoyado en el pasado, en los aciertos de sus trabajos anteriores.

Las jornadas se suceden frenéticas en el epicentro cinematográfico de la actualidad. Cannes recibe nuevas estrellas y las películas a concurso van situándose en las distintas quinielas. En la jornada de hoy, cabe destacar el desembarco del cineasta mexicano Alejandro González Iñárritu con ‘Biutiful’, muy esperada y que concursa en la Sección Oficial.

‘Biutiful’ ha suscitado opiniones encontradas, pero parece ser que todos han coincidido en una cosa: Javier Bardem es el favorito al mejor actor. La película descansa sobre su enorme trabajo interpretativo y ni siquiera los menos entusiastas con el resultado del film han dejado de elogiar su gran trabajo. Así que, todo hace indicar que Bardem volverá a demostrar su fuerza como actor y presenta su seria candidatura a triunfar en Cannes (e imaginamos que en el largo recorrido festivalero y de premios que le queda a ‘Biutiful’).

Por supuesto, Bardem atendió a la prensa y habló sobre su personaje, pero fue Iñárritu el que supo destacar el enorme esfuerzo realizado por el actor español afirmando incluso que:

Nunca vi a nadie invertir tanto de él mismo en un personaje.

Bardem, agradecido, no podía dejar escapar su elogio correspondiente:

Alejandro es uno de los más grandes directores de todos los tiempos

Godard ausente y Tavernier y Kitano decepcionantes

Pero hubo más presencias destacadas. Bueno, en realidad, ausencias. Porque el cineasta francés Jean-Luc Godard debía aparecer por Cannes ya que su film ‘Film Solialisme’ participaba en la sección Un certain regard, pero no acudió. Se le esperaba, y más cuando su cinta ha suscitado cierta polémica, pero dejó plantado a todos.

También se presentó el documental ‘Countdown to zero’, centrado en los peligros de armas nucleares que vino acompañada de ilustres celebridades para apoyarla, entre ellas la actriz en horas bajas Meg Ryan.

Asimismo, otro veterano del cine francés, Bertrand Tavernier presentaba película y sí estuvo presente. Pero a pesar de su expectación, la película ‘La princesa de Montpensier’ se presentaba fuera de concurso. Una cinta de capa y espadas que ha defraudado y mucho a los asistentes que la han calificado de sosa, decepcionante, tediosa y fría.

Por último, otra de las esperanzas en forma de autor de renombre que aterrizaban hoy por La Croissette es Takeshi Kitano. Llegaba con ‘Outrage’, una nueva historia yakuza llena de violencia que no ha gustado. Ha recordado a los momentos de sus trabajos más flojos y parece que su creatividad anda algo desgastada.

Pero no todo ha sido un bajón pesimista, ya que la cinta ‘Un hombre que grita’ de Mahamat-Saleh Haroun, y que representa a Chad, una cinematografía tan desconocida como escasa y pobre, pero que en un relato intimista y veraz ha logrado conmover, a pesar de sus precarios medios. Eficacia y dureza en una historia familiar en las que se denuncian las barbaridades cometidas por el gobierno.

Vía | Festival de Cannes
En Blogdecine | Cobertura diaria del Festival de Cannes 2010

Yakuzas gritando durante cincuenta segundos. Es uno de los comentarios que ha recibido en Youtube el vídeo que os he traído, y la verdad es que lo resume a la perfección. Pero claro, el tipo que hay detrás de todo este tinglado no es un cualquiera. En diciembre nos hacíamos eco del regreso de Takeshi Kitano al cine de yakuzas, y en apenas dos meses ya tenemos el primer tráiler de su nueva película. Ha debido ser un rodaje breve (lo cual no quiere decir nada sobre el resultado final, Clint Eastwood es famoso por quedarse con las primeras tomas).

‘Outrage’ (‘Autoreiji’) es el título del nuevo trabajo escrito, dirigido y protagonizado por Kitano, quien en los últimos años había dado un giro a su carrera de lo más desconcertante, rodando unos infumables experimentos donde “reflexionaba” sobre su vida y obra. Con ‘Aquiles y la tortuga’ (que aún no he visto) terminó ese ciclo y, seguramente para recuperar su popularidad, ha decidido volver (‘Brother’ tiene ya diez años) a filmar una historia centrada en la mafia japonesa.

En cuanto a la trama de esta ‘Outrage’, gira en torno a una banda rebelde que actúa sin control, al margen del clan más poderoso. Otomo (el personaje que interpreta Kitano) y su propia banda serán los encargados de arreglar la situación y mantener el orden. El 12 de junio se estrena en Japón. Podría ser una buena opción para la próxima edición de Sitges, porque no creo que la traigan antes.

PD: Si os gusta el cine de yakuzas, no podéis dejar pasar la pentalogía ‘The Yakuza Papers’ (o ‘Battles Without Honor and Humanity’) de Kinji Fukasaku; o al menos las tres primeras, que son las mejores.

Nueve años después de ‘Brother’, Takeshi Kitano ha decidido regresar al cine de yakuzas que le hizo famoso en todo el mundo. El cineasta, que desgraciadamente en España es más conocido por su labor en ‘Humor Amarillo’ (en realidad el show televisivo se titulaba ‘El castillo de Kitano’), debutó tras las cámaras dirigiendo una de sus películas más aplaudidas, ‘Violent Cop’, una especie de ‘Teniente corrupto’ en Japón, con más hostias y menos drogas.

A Kitano le fue bien y siguió por esa senda, creándose la fama de tipo duro, de hacer cine violento, de tiros y sangre. Y eso aun cuando el japonés siempre se ha caracterizado por incluir la comedia más alocada y el drama más intimista en casi todas sus películas. Seguramente cansado, deseoso de demostrarse a sí mismo que podía hacer cualquier cosa, decidió dar un giro a su carrera y centrarse en una trilogía sobre su propia figura y obra. No he visto aún ‘Achilles and the Tortoise’, pero sí puedo decir que las dos primeras, ‘Takeshis´’ y ‘Glory for the Filmmaker!’ son realmente infumables, delirios de un hombre que necesitaba un buen baño de humildad. Cuando se ha empapado, Kitano, posiblemente porque lo echa de menos, opta por volver al cine que le hizo más popular.

El director de ‘Zatoichi’ o ‘Dolls’ vuelve por tanto a escribir, dirigir e interpretar una de esas historias de yakuzas de traje oscuros y estrictos códigos, que siempre acaban en el suelo bañados en sangre. La película se va a titular ‘Outrage’, y se estrenará en 2010. Con suerte, la podremos ver antes del fin del mundo.

PD: Las tres de Kitano que debéis ver, si os queréis tirar a la piscina con flotador: ‘Violent Cop’, ‘El verano de Kikujiro’ y ‘Zatoichi’. Si os gusta, y me refiero a gustar de verdad, dad un paso adelante y buscad ‘Sonatine’, ‘Hana-Bi’ y ‘Dolls’.

Vía | Empire

Pero, el verdadero motivo, al margen del glamour, era para acompañar a la película ‘Burn After Reading’ (‘Quemar después de leer’), de gran expectación tras el enorme éxito del trabajo anterior de los Coen. El hecho de luchar por el premio les eximía de cierta responsabilidad, y menos mal. A tenor de los primeros comentarios, ha causado disparidad de opiniones, aunque más abundantes los tendentes a la decepción que los del elogio desorbitado. En cualquier caso es un buen primer plato para despertar interés hacia el festival. Particularmente no me suele gustar cuando los Coen dejan de ponerse serios y sacan su lado cómico, exceptuando ‘El gran Lebowski’, el resto me parece lo más flojo de los hermanos. Aunque, sin querer ser prejuicioso, esperaremos a su estreno para analizarla adecuadamente.

Tras las alargadas sombras de Clooney y Pitt (que además recogía el premio del año pasado, ya que no pudo asistir, lo cual es todo un detalle/oportunismo de la organización), llegaba el momento de los títulos a concurso. Antes, se realizó un emotivo homenaje al cineasta Pier Paolo Passolini. En cuanto a las películas presentadas, se han podido ver los nuevos trabajos de dos directores venerandos en los foros festivaleros y muy dados a la experimentación. Takeshi Kitano, el japonés que otros años cosechara buenas acogidas en Venecia, presentaba ‘Aquiles y la Tortuga’, una cinta que reflexiona sobre el arte, y cuyo protagonista, un artista incomprendido, lucha por su condición artística a costa de ser infeliz a lo largo de su vida. La acogida ha sido tibia, sin entusiasmar demasiado pero sin dejar caras de insatisfacción en los críticos, según se deduce de las primeras impresiones.

El otro arriesgado realizador que ha tenido su momento de protagonismo ha sido el iraní Abbas Kiarostami, con la cinta ‘Shirin’, todo un experimento metacinematográfico y en el que recoge las emociones de 113 mujeres (todas actrices iraníes además de Juliette Binoche) en sus rostros mientras asisten a una película. Desde luego, se trata del cine diametralmente opuesto al que estamos acostumbrados en las salas de cine, y a pesar de su cierta reputación, Kiarostami es un auténtico peñazo, y sus películas soporíferas (alguno me acusará de que idiota por no comprenderlas, pero le he puesto empeño y tampoco soy el único al que no logra conectar con su praxis cinematográfica).

Por cierto, y para concluir, estuvo el longevo Manoel de Oliveira (próximo al centenario) presentando su último trabajo, un cortometraje titulado ‘Do Visivel ao Invisivel’. Un caso propio de expediente X lo del portugués, que encuentra en el cine la fuente de la vida (y se la mantiene). Seguiremos atentos a lo que nos depare la 65 Mostra de Venecia.

Más información | 65ª Mostra de Venecia

Como es habitual, la Mostra reúne títulos de autores destacados junto con algunas premieres de producciones que acapararán toda la atención mediática del mundo cinematográfico durante la celebración. Así, los hermanos Coen presentarán su nuevo trabajo, ‘Burn After Reading’, que tendrá el honor de inaugurar la Mostra, y que genera una enorme expectación después del éxito de su anterior cinta.

Otra película que despertará mucha atención será el esperado debut del guionista mexicano Guillermo Arriaga con ‘The Burning Plain’, con Charlize Theron, Kim Basinger y Joaquim de Almeida, que optará al León de Oro.

Además en la sección oficial, donde participarán veintiún largometrajes de doce países, estarán los trabajos de reputados directores como el japonés Takeshi Kitano (con ‘Achilles and the Tortoise’), el francés Barbet Schroeder (con ‘Inju, la Bete dans l’ombre’) o los americanos Jonathan Demme (con la comedia ‘Rachel Getting Married’), Darren Aronofsky (con ‘The Wrestler’) y la (estupenda) directora Kathryn Bigelow (con ‘Hurt Locker’), que supone toda una alegría volver a verla en acción y de la que espero recupere el buen hacer en títulos memorables como ‘Acero azul’ o ‘Días extraños’.

Pero también habrá una interesante presencia de cine asiático: tres títulos japoneses en la sección oficial, y dos cintas de animación, nada menos que el nuevo trabajo de Hayao Miyazaki (‘Ponyo on Cliff by the sea’) y la cinta ‘The sky Crawlers’ de Mamoru Oshii.

La única y escasa representación española estará, fuera de concurso, con el largometraje ‘35 Rhums’, dirigido por Claire Denis y que está coproducido con Francia, y con el cortometraje hispano-franco-chino ‘Cry me a river’, de Jia Zhangke. Sabe a poco, sobre todo porque no habrá ninguna figura española ni títulos destacados en los que fijarse.

La Mostra otorgará el León de Oro de forma honorífica a realizador italiano Ermanno Olmi y el Jurado está presidido por Win Wenders y cuenta con los directores John Landis, Johnnie To y la actriz Valeria Golino, entre otros.

A priori, y al margen de la presencia italiana, el Festival tiene títulos interesantes, algunos muy esperados como el estreno mundial de lo nuevo de los Coen y comprobar si Arriaga logra alcanzar como director, el prestigio y la calidad que como guionista ha obtenido hasta el momento.

A continuación el listado completo de títulos que optarán al máximo galardón:

‘The Burning Plan’ de Guillermo Arriaga (EEUU), ‘Inju, la Bête dans l’ombre’ de Barbet Schroeder (Francia), ‘Il Papa di Giovanna’ de Pupi Avati (Italia), ‘The Wrestler’, de Darren Aronofsky (EEUU), ‘Birdwatchers’ de Marco Bechis (Italia/Brasil), ‘L’Autre’ de Patrick Mario Bernard y Pierre Trividic (Francia), ‘Nuit de Chien’ de Werner Schroeter (Francia/Alemania/Portugal), ‘Il Seme della discordia’ de Pappi Corsicato (Italia), ‘Inland’ de Tariq Teguia (Argelia/Francia), ‘Rachel Getting Married’ de Jonathan Demme (EEUU), ‘Teza’, de Haile Gerima (Etiopía/Alemania/Francia), ‘Paper Soldier’ de Aleksey German Jr. (Rusia), ‘Süt’ de Semih Kaplanoglu (Turquía/Francia/Alemania), ‘Vegas: Based on a True Story’ de Amir Naderi (EEUU), ‘Perfect Day’ de Ferzan Ozpetek (Italia), ‘Jerichow’ de Christian Petzold (Alemania), ‘Plastic City’ de Yu Lik-wai (Brasil/China/Hong Kong/Japón), ‘The Hurt Locker’ de Kathryn Bigelow (EEUU), ‘Akires to kame’ de Takeshi Kitano (Japón), ‘Ponyo on Cliff by the Sea’ de Hayao Miyazaki (Japón) y ‘The Sky Crawlers’ de Oshii Mamoru (Japón).

Vía | Abc y El País
Sitio oficial | 65 Mostra de Venecia

Tras sus dos últimas y desastrosas películas (‘Takeshis´’ y ‘Glory for the Filmmaker!’), somos muchos los que deseamos que Takeshi Kitano recupere el sentido común, o se deje de experimentos, con su siguiente proyecto. Hay que confiar en un señor que nos ha dado tantas alegrías; por el momento, superiores a los disgustos. A ver, a ver. ‘Achilles and the Tortoise’, antes conocida como ‘Achilles to Kame’, es su nueva película, de la que ya podemos ver un primer y prometedor trailer. Digo prometedor porque al menos parece que Kitano nos va a volver a contar una historia normal, no porque sea una pasada (que no lo es).

En ‘Aquiles y la tortuga’, título que hace referencia a la popular paradoja de Zenón, Kitano interpreta a un aspirante a pintor, sin talento pero con gran motivación, que cuenta siempre con la ayuda de su entregada esposa (interpretada por Kanako Higuchi). Recordemos que el cineasta japonés también se ha dedicado a este arte, por lo que es probable que las pinturas que salgan en la película sean suyas. En cuanto al estreno mundial, es posible que se produzca en septiembre, durante la Mostra de Venecia, donde Kitano ya fue premiado por la lentísima/interesantísima ‘Hana Bi’.

Vía | Séptimo Vicio

Takeshi Kitano, de cómico a autor de culto y ahora más perdido que Michael Bay en una biblioteca, está involucrado en un nuevo proyecto tras ‘Glory for the Filmmaker!’. Se trata de la comedia ‘Achilles to Kame’, que en español sería ‘Aquiles y la tortuga’; por supuesto, el título hace referencia a la famosa paradoja de Zenón.

Kitano protagoniza la película, encarnando a un artista, más concretamente un pintor, que se esfuerza por superar su falta de talento. A su lado, su fiel esposa, siempre dispuesta a ayudarle; este papel lo interpretará Kanako Higuchi. En su juventud, la pareja tendrá los rostros de Yurei Yanagi y Kumiko Aso.

El rodaje de ‘Achilles to Kame’ comenzó el pasado 10 de febrero y se espera que esté lista para este próximo otoño.

Vía | Dark Horizons

Aquí os traigo uno de los trailers de ‘Mongol’, aún inédita en España, para que le echéis un ojo, a ver qué os parece. La película, dirigida por el ruso Sergei Bodrov, fue candidata al Oscar, en la pasada edición, como mejor película extranjera, categoría en la que resultó ganadora la austera y sobria (e intrascendente) ‘Los Falsificadores’.

‘Mongol’ relata la juventud de uno de los personajes más conocidos de la Historia, Gengis Khan, que empezó siendo un esclavo antes de convertirse en esa figura de mítico conquistador por la que es recordado. A Khan le pone rostro el popular actor japonés Tadanobu Asano, a quien habéis podido ver en ‘Zatoichi’ o ‘Ichi the Killer’. La película, como digo, no ha llegado aún a nuestro país, y por el momento no hay fecha de estreno. A ver si se ponen las pilas.

Vía | Tierra de Cinéfagos