Como ya imaginaréis, la lista siguiente no intenta ser un canon oficial ni una afirmación rotunda del lo que ha sido el mejor cine de 2010. Se trata nada más que de lo que más me ha gustado a mí particularmente, según mis criterios, gustos y opiniones personales. Cada uno/a de vosotros tendrá sus preferencias y las ordenará de una forma. Éstas son simplemente las mías. Las palabras con las que acompaño cada título no intentan ser una visión completa de la película, sino una mera justificación de por qué ocupan ese específico lugar y no otro —con la misma intención incluyo los enlaces a mis críticas—.

1. ‘Toy Story 3’

La consabida frase «me he reído, he llorado…» se suele utilizar para describir obras completas a las que no se les puede pedir más. Así ocurre con esta ‘Toy Story 3’, que emociona y divierte a partes iguales. Emociona tanto como la segunda, divierte como la primera y con ello se convierte en el colofón perfecto de la trilogía de Pixar. Si bien abandoné la sala con la certeza de haber pasado un rato a lo grande, no consideré entonces que la cinta se erigiría en lo mejor del año, sin embargo, no ha habido quien supiese arrebatarle la medalla.

2. ‘La cinta blanca’

Michael Haneke demuestra en este film una impresionante capacidad para transmitir sin decir nada claramente. En mi crítica destacaba el reflejo de la austeridad, que está presente no solo en las vidas reprimidas de los aldeanos, sino también en la ausencia de sentimientos en contra de la violencia y de la crueldad. Como estudio de los mecanismos que llevan a perpetrar tales actos, encontré ‘La cinta blanca’ (‘Das Weiße Band’) muy interesante.

3. ‘The Road (la carretera)’

Sé que a muchos espectadores les decepcionó ‘The Road (la carretera)’, pero probablemente sería porque no sabían qué debían esperar de él. Habiendo leído el libro, tenía claro qué me depararía el visionado y no hubo chascos ni sorpresas. Una adaptación muy fiel que funciona, a pesar de que por escrito parecía difícil trasladar a imágenes una historia carente casi por completo de acción. Pero ya se ha demostrado en otras ocasiones —‘No es país para viejos’— que el austero Cormac McCarthy y su lenguaje depurado valían muy bien para el cine, como señalaba en mi reseña.

4. ‘Un tipo serio’

El protagonista de ‘Un tipo serio’ (‘A Serious Man’) no pone nada de su parte para que las desgracias cesen —lo máximo que llega a hacer es visitar a los rabinos de su comunidad—. Este tipo de personaje pasivo, en principio, podría imposibilitar mi cercanía hacia los sucesos. Sin embargo, en este caso, la película consiste en observar la vida de alguien que permite que todo le ocurra. Hablamos del absurdo, difícil de reflejar y de denunciar, quizá dependiente de meros matices, pero conseguido aquí. Un gran film en el que los hermanos Coen transmiten de forma única la presión a la que vive sometido el protagonista al no poder huir de sus circunstancias.

5. ‘En tierra hostil’

Considero que Kathryn Bigelow consigue crear tensión de forma magistral con ‘En tierra hostil’ (‘The Hurt Locker’), como ya indiqué en mi reseña. La película puede disfrutarse por escenas, como si fuesen episodios sueltos que funcionan individualmente o que se van sumando para crear un efecto acumulativo. Su casi nula presencia de historia y de hilo argumental que una esas secuencias podría parecer un punto en contra de que se considere una de las mejores cintas del año. Sin embargo, esa ausencia de trama me pareció una forma de recalcar, de nuevo, el absurdo del conflicto bélico, una lectura que quizá no estaba en las intenciones de los autores, pero que para mí es lo que le permite entrar en este top.

6. ‘An Education’

El retocadísimo cartel de ‘An Education’ me había echado atrás, haciéndome creer que me esperaba un film cursi sobre un amor imposible. No obstante, descubrí que se trataba de algo mucho más profundo. Si nos atenemos a lo que va ocurriendo, está claro que no hay mucho contenido y que es fácil ir imaginándose los sucesos subsiguientes. Sin embargo, si analizamos el significado que tienen las decisiones de los protagonistas, sí resulta interesante como estudio de unas mentalidades y de la sociedad de una época. En cierto modo, se podría considerar una película muy feminista, por la forma que tiene de mostrar las dos opciones de las que dispone, a partir de un momento, la joven, y de hacernos ver que ninguna de ellas es ideal. Los intérpretes están todos impresionantes, desde Carey Mulligan, la protagonista, a la amiguita que responde al tópico de las rubias.

7. ‘Origen (Inception)’

A partir del momento en el que los protagonistas se introducen en el sueño y dentro de éste surgen otros dos, ‘Origen’ (‘Inception’) me parece una gozada trepidante, tan disfrutable como una atracción de parque que no marea. Ese paralelo entre las diferentes ensoñaciones, cada una proyectada a su velocidad, se me antoja magistral. Antes de llegar hasta ahí, no obstante, el arranque me parece lento y me interesa poco —reclutamiento de miembros para ejecutar un plan, que hemos visto tantas veces—, por lo que creo que la duración podría haber sido menor. Encuentro impresionantes los planos de París formando un cubo —fotografía siguiente— y otros trucos que aparecían en un tráiler que me deslumbró, pero me habría gustado que estas impactantes imágenes formasen parte de la historia y que no fuesen una simple demostración. Una película muy interesante, con tremendos hallazgos de Christopher Nolan y que puede ser lo más sorprendente del año.

8. ‘Kick-ass’

También diría que ‘Kick-ass’ tarda en arrancar, aunque en este caso por un motivo necesario, así que el metraje difícilmente se podría reducir, como ya comentaba en mi crítica. Cuando todas las historias se conjugan y conocemos la relación entre ellas, sube la temperatura de esta adaptación del cómic de Mark Millar y los planos de la niña dando palizas —kicking ass— que nos ofrece Matthew Vaughan se convierten en gozosos.

9. ‘El escritor’

Aunque la trama policial no me interesó en absoluto, como ya confesé en mi reseña, reconozco que no se trata más que de un McGuffin con el que impulsar al protagonista a atravesar unas arenas movedizas de las que no es fácil salir. Todo lo que no se refiere a esta cuestión, es decir, lo más polanskiano, sí me pareció muy logrado en ‘El escritor’ (‘The Ghost Writer’) : la atmósfera opresiva, el avance de los personajes, etc… Si el trasfondo de thriller hubiese sido ligeramente más interesante, este trabajo de Roman Polanski se podría haber convertido en el film del año.

10. ‘Louise-Michel’

No voy a negar que se trata de una película peculiar, cuando menos, pero en momentos en los que el cine aporta tan pocas satisfacciones, una se aferra con fuerza a que algo simplemente sea diferente a lo que ofrecen los demás. Además, como dije en mi crítica, la película es muy catártica y perfecta para estos momentos de crisis. De visionado obligatorio para todas aquellas personas que hayan sido víctimas de un ERE. Eso sí: si alguien se anima a ver ‘Louise-Michel’, que no lea las sinopsis que circulan por ahí, que lo desvelan todo.

Otras buenas películas

Incluiría, antes de la segunda película, cualquiera de estos tres títulos orientales, pero uno es un reestreno, otro fue directo al DVD y otra llegará en 2011: ‘Nausicaa del valle del viento’, de Hayao Miyazaki; ‘Dream (Bi-mong)’, de Kim Ki-duk, y ‘Mother’, de Bong Joo Ho.

A partir del puesto decimoprimero, cabrían en la lista ‘Un profeta’, ‘Air Doll’, ‘La chica del tren’, ‘Buried (enterrado)’, ‘La red social’, ‘Sherlock Holmes’, ‘Madres e hijas’, ‘Dos hermanos’ — la argentina de Daniel Burman —, ‘Exit Through the Gift Shop’, ‘Anvil, el sueño de una banda de rock’, ‘Las vidas posibles de Mr. Nobody’ y varias otras.

Las que no me han convencido tanto

Este año han sido numerosas las películas de las que, debido a que sus directores en otras ocasiones han colmado mis expectativas de sobra, esperaba mucho. Antes de verlas tenía claro que habrían entrado en este ranking y, sin embargo, no encuentran lugar ni entre las veinte mejores: se trata de ‘La vida en tiempos de guerra’, de Todd Solondz; ‘Conocerás al hombre de tus sueños’, de Woody Allen; ‘Up in the Air’, de Jason Reitman; ‘Scott Pilgrim contra el mundo’, de Edgar Wright; ‘Shutter Island’, de Martin Scorsese; ‘The Lovely Bones’, de Peter Jackson; ‘El solista’, de Joe Wright, y ‘Mamut’, de Lukas Moodysoon.

Para evitar a los lectores preguntar por los títulos que han echado de menos en la lista, pensando que, si no se incluyen, será porque no las he visto, hago un pequeño repaso a films bien considerados que a mí no me llenaron: ‘Alicia en el país de las maravillas’, de Tim Burton, autor del que podría haber dicho lo mismo que en el párrafo anterior, pero que ya tiene otras películas que no me convencen; ‘El americano’, de Anton Corbijn; ‘Biutiful’, de Alejandro González Iñárritu; ‘Carancho’, ‘Phillip Morris, te quiero’, ‘Two Lovers’, etc…

Y ahora, vosotros, ¿con qué películas del año pasado os quedáis?

Existen novelas tan absolutamente únicas, que sólo se atreverían a adaptarlas para el cine quienes despreciaran por igual el cine y la literatura. ‘The Road’, publicada por Cormac McCarthy en 2006, es sin lugar a dudas una de esas novelas. Su autor, uno de los novelistas norteamericanos más importantes de la actualidad, ha forjado una pieza comparable al Herman Hesse más inspirado. Sin embargo, el premio Pulitzer, su éxito de ventas, su historia tan aparentemente visual, hacían inevitable la pronta traslación a un material audiovisual. La única forma de lograr un éxito en tal traslación hubiera consistido, a mi modo de ver, en una destrucción del espíritu de la novela, para crear algo nuevo.

Es decir, tomar la novela como excusa para una película que nada tuviera que ver con ella, en lugar de lo que han hecho el cineasta John Hillcoat y el guionista Joe Penhall, para los cuales el original de McCarthy ha sido un texto sagrado, una estructura inquebrantable (cuya construcción sí que han vulnerado con decisiones de montaje cuestionables), y que no les ha permitido despegar, crear algo propio, si no ejercer de simples ilustradores, incapaces de traspasar y dotar de vida un conjunto estimable que queda como un apocalipsis muy light, una aventura sin vuelo ni elementos destacables.

Absolutamente nada

Por tanto, resulta inevitable acudir una y otra vez a la novela en este análisis, y establecer comparaciones, ya que el guión de la película, salvo detalles esporádicos, la sigue punto por punto, y resulta un ejercicio muy aleccionador observar así de qué forma un director con conocimientos del medio, y con un equipo de profesionales solventes y muy preparados, no logra acceder a ninguna verdad, a absolutamente nada. De vez en cuando viene bien, es cierto, ver una de estas películas para darnos cuenta de cuándo, verdaderamente, un director de fuste es capaz de llegar a conclusiones estéticas y morales propias, más que aprovechar un éxito literario para intentar obtener una película de supuesto prestigio.

La novela, en sí, no va de absolutamente nada tampoco. Al menos, de modo aparente. Mientras la leía, una y otra vez llegaba a la conclusión de que era imposible traducir aquello en una película de aventuras, por muy valiente que fuera. El hombre y su hijo viajan por una carretera interminable en busca del mar, de una posible salida no ya a un mundo mejor, si no a algo, lo que sea, en un mundo en el que no queda nada con vida, donde conseguir alimentos es una hazaña diaria, y donde carecer de calzado apropiado es una tortura insufrible. McCarthy da la impresión de que va a ofrecernos algo más, pero con gran coraje y astucia, traiciona nuestras expectativas para ofrecernos otra cosa, mucho más valiosa: la constatación de que hay que tener esperanza cuando nada, absolutamente nada, te induce a pensar que debas conservarla.

Hillcoat, que no es un mal cineasta ni mucho menos, ha creado un mundo que se ajusta bastante al descrito en la novela. Y con ayuda del excelente operador español Javier Aguirresarobe, arma una atmósfera muy interesante, con una luz grisácea y una paleta de colores apagados, casi monocromática, realmente conseguida. Y filma bien, y con bastante buen gusto, pues sus planos son precisos, y su puesta en escena elegante y sobria. Es decir, sabe bien lo que hace desde un punto de vista técnico. Ahora bien, en lo referente al material esencial de su película, a extraer de ahí algo más que imágenes bien diseñadas, no llega a comprender qué historia está contando.

Todo queda demasiado aséptico, desangelado, cuando lo que se echa en falta, precisamente, es suciedad, roña, una realidad más veraz. Una atmósfera opresiva es mucho más que una colorimetría determinada o un atrezzo de escombros exquisitamente dispuestos. Esto lo sabía muy bien Andrei Tarkovski en ‘Stalker’ (que es un ‘The Road’ como debería haber sido este), quién creó un Moscú en verdad destruido y opresivo, pues con su imaginación podía moldear una verdad, más que diseñarla. Aquí, Hillcoat se queda en lo superficial, en las luces, en la escenografía, sin un ritmo interno que seguir hasta el final.

Se echa en falta, sobre todo, un punto de vista no sólo del director sobre lo narrado, si no de los dos protagonistas, mucho más incisivo. El cine ya ha evolucionado lo suficiente, los espectadores necesitamos más que un plano general. ¿Por qué no hay ni un sólo plano realmente subjetivo del Hombre, o de su hijo, en el que miremos lo que ellos miran, y podamos sentir la opresión de una inmensidad vacía, de una ciudad en ruinas, de una autopista amenazadora? ¿Por qué da la impresión de que Hillcoat no tiene ideas claras acerca del fin del mundo, o no le importa demasiado, más que filmar una historia que le de prestigio? ¿Por qué este mundo devastado parece tan extrañamente limpio?

Tampoco ayuda la dirección de actores. No comparto la opinión general que dicta que Viggo Mortensen es un gran actor. Me parece un intérprete con talento, pero que a menudo interpreta de manera demasiado evidente sus papeles. Su Hombre sin nombre no tiene nada de especial, si bien Mortensen siempre está correcto, sin alardes. No era un papel fácil, y él sale con vida del aprieto, pero una vez más me parece que intenta explicarle su texto al espectador, cuando todos hemos comprendido hace mucho cómo se siente. Charlize Theron, que aparece en los flash-backs (los cuáles rompen de manera molesta la unidad del viaje, aunque en el caso del despertar brusco del Hombre en el búnker es apropiado, por devolvernos al crudo presente), está mucho más ajustada que él, pues con menos hace más.

En cuanto al chaval, me parece que no vive de manera apropiada sus secuencias. Parece que el director no ha querido introducir mucho dolor en esta historia, y menos aún en el hijo. Las peripecias le afectan, pero de un modo muy lejano, sin llegar a dolerle de verdad, como de pasada. Pero todo es muy light en una película correcta que podía haber llegado a ser mucho más de lo que es.

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El ahora muy de moda Cormac McCarthy ha logrado tener la mejor de las adaptaciones de una de sus novelas con ‘The Road’, plasmación cinematográfica del libro de idéntico título —en nuestro país ‘La carretera‘— que narra la desesperada lucha por sobrevivir de un padre y su hijo de corta edad en un mundo post apocalíptico sin futuro alguno. El que haya leído la novela se encontrará con un tratamiento muy fiel de la misma, y el que no pensará que estamos ante una nueva ‘Soy leyenda’ (‘I Am Legend’, Francis Lawrence, 2007) que a tenor de los tráileres vistos es como parece que intentan venderla. Pero ‘The Road’ va mucho más allá que las versiones realizadas sobre el popular relato de Richard Matheson con el que de McCarthy puede guardar no pocos parecidos.

Estrenada entre nosotros a principios del presente mes, uno de sus aspectos más discutidos es su final, el cual para algunos no tiene demasiada coherencia con el resto de la película. Al igual que en el libro lo tachan de romper el tono pesimista del relato con una conclusión aparentemente feliz o de cierta mirada esperanzadora. Sin embargo el cierre del film creo que es muy coherente con el discurso de la película y no se trata de una concesión al espectador, si no que se disfraza de ello para plantearnos inquietantes interrogantes.

‘The Road’ está ambientada en un mundo post apocalíptico en el que el hombre se ha convertido en un lobo para sí mismo. Un hombre y su hijo vagan por una carretera en pos de un horizonte bañado por un mar que devuelva algo de sentido a sus vidas. No hay más, la película gira alrededor de esa premisa mostrándonos el día a día del hombre y su hijo. Muchos han acusado al film de que en éste no pasa absolutamente nada o prácticamente muy poco, y lo cierto es que pasan muchas cosas. No sólo asistimos al viaje de los dos protagonistas recorriendo paisajes desoladores que no cambian. También vemos, mediante un flashback, como el apocalipsis llega en un abrir y cerrar de ojos, los motivos no importan, sólo llega. Vemos la lucha incansable de un hombre por mantenerse con vida, teniendo que hacer todos los días un esfuerzo sobrehumano por no rendirse, al contrario de lo que hizo su mujer dejándolos solos. Y vemos sus encuentros con otros semejantes de los que no pueden fiarse, o con los que no pueden cargar. Las alegrías de un mundo que ya no existe vienen de refrescos burbujeantes probados por primera vez, o en forma de comida almacenada. El resto es el horror.

En todos y cada uno de los pasos que los personajes dan, es el personaje del hombre —impresionante Viggo Mortensen, en la que muy probablemente sea la mejor interpretación de su carrera— quien toma todas las decisiones rigiéndose por unas normas inquebrantables. El niño —un muy convincente Kodi Smit-McPhee— sólo observa y obedece a regañadientes, sus actos innatos de comportamiento con otros semejantes son rechazados por un padre que conoce el terror real, y no es hasta el final de la película cuando el niño se ve obligado a tomar una decisión por sí solo, sin ningún tipo de influencia paterna. Pero es que además ‘The Road’ ilustra el viaje de dos muertos, aunque éstos no lo sepan. El mundo tal y como lo conocemos es irrecuperable, la mayor parte de la humanidad ha sido extinguida y entre los que quedan la cosa se divide entre caníbales y muertos a corto o largo plazo.

La muerte del hombre dejando al niño solo frente a un mar de horizonte oculto, no es un desenlace, es una parada más en el camino, esta vez para soportar lo inevitable. El viaje del hombre ha terminado, el del niño comienza pero para ello deberá decidir. O se queda solo o se une a sus nuevos amigos, que no se han acercado a él hasta que el hombre ha muerto —signo del mismo miedo y cautela que sentía el personaje de Mortensen— e incluso cuando lo hacen es con un arma en la mano. Queda para la duda de si los nuevos amigos, esa extraña familia unida con perro y todo, tienen buenas intenciones o no, y aunque se sugiere que es lo primero, bien podría no serlo. Al niño le queda un camino tan incierto como el que ha recorrido hasta ese momento y ese final no hace más que reforzarlo. Dejarlo más claro sería rendirse ante aquellos que lo quieren todo masticado, o terminar con el niño solo frente al mar esperando la inevitable muerte sería por un lado, adelantar innecesariamente lo que sin duda ocurrirá, y por otro, molestar al espíritu de François Truffaut.

Parece mentira que ‘The Road’ no haya obtenido ni una sola nominación a los Oscars, pero podría haber aspirado tranquilamente a las de mejor película, mejores actores y unas cuantas a nivel técnico, como por ejemplo el soberbio trabajo de Javier Aguirresarobe, que fotografía un mundo árido, acabado y sin vida. Su trabajo está muy por encima del de John Hillcoat que confía demasiado en el excelente material del libro, un poco más de garra y personalidad por parte del director convertirían a ‘The Road’ en la obra maestra que pide a gritos ser.

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Un apocalipsis tan triste, gris y desesperanzador que suponía todo un desafío para el equipo técnico, resuelto con notable destreza, destacando el excelente trabajo del patrio Javier Aguirresarobe. Pero hubiese requerido, en este caso del australiano John Hillcoat, algo más de valentía y atrevimiento para trasladar el pesimista mensaje de McCarthy a una narración cinematográfica que entusiasmara más y no se quedase tan pegada y rígida al relato.

Con esto no estoy queriendo decir que debería haberse alejado la adaptación del original. Si no que se requiere algo más que un guión fiel para que una película consiga transmitir esos sentimientos contenidos en las líneas del literato.

Sin desmerecer en absoluto un resultado elogiable sobre esta visión de una hecatombe de la humanidad vestida de gris y agónica supervivencia, si sería más deseable que Hillcoat se hubiese mojado más. Que le le hubiera otorgado mayor sentido a un mensaje que se repite en exceso, en escenas con imágenes preciosas, pero reiterativas, que no ahonda más el sentimiento, ni muestra una evolución, sino que se queda a medio camino de intentar llevar esa emoción un poco más allá.

Brillante composición la de Viggo Mortensen, en un papel nada fácil que brinda muchas oportunidades al actor menos contenido a jugar con el histrionismo. Sin embargo, Mortensen demuestra su gran capacidad para dotar de verosimilitud a personajes tan complejos, como los que nos acostumbra. También le damos un voto de favor al niño, un actor algo soso, pero que refleja en su mirada una gran emoción en las escenas más sentimentales.

El retrato del amor entre el padre y el hijo, interpretado por Kodi Smith-McPhee, resulta otro gran acierto. Son dos almas en pena deambulando por un infierno postapocalíptico que sobreviven porque se tienen el uno al otro, se dan apoyo y la fuerza necesaria para continuar un camino con un destino incierto, a pesar de todo.

El resto de personajes, siendo tan anecdóticos, no aportan demasiado a la historia, en especial el papel de la madre que conocemos en los distintos flashbacks, que sólo consiguen incidir aún más el mensaje ya planteado desde el inicio. Una lástima desaprovechar las posibilidades que ofrece para aportar más matices a la idea.

Es ‘The Road’ un film notable, pero reiterativo, con imágenes fascinantes e interpretaciones brillantes, pero tengo que reconocer que en ocasiones no conseguía conectar. Quizás sea una apreciación aparentemente tomada a la ligera, pero lo cierto es que siendo una película loable y complicada de llevar a cabo, podía haber tenido más sentido sin el temor a apartarse del original. O quizás sea falta de personalidad en su realizador. Es una excelente adaptación, pero al cine le pido algo distinto que a una novela. Y de eso, ‘The Road’ carece.

Por último, hay que reconocer que las películas con una temática tan desoladora y asfixiante dejan mal el cuerpo tras su visionado, a pesar del tímido haz de luz positiva de su desenlace.

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• Sitges 09 | Excelente adaptación de ‘The Road’

Esta semana se estrenan algunas de las películas que cuentan con nominaciones a los Oscar 2010: ‘Precious’ y ‘Tiana y el sapo’ (‘The Princess And The Frog’). Como ya se sabe, aquí suelen llegar con algo de retraso, así que nos podemos dar con un canto en los dientes si, al menos, estamos a tiempo de verlas antes de la ceremonia. También aparece una que tiene nominaciones a los Razzies, ‘Loca obsesión’ (‘All About Steve’), lo cual es otra forma de despertar nuestra curiosidad. Por cierto, es la única que tiene un guión original, no sé qué habría que pensar al respecto. A pesar de todo, la película que más me interesa de los estrenos de hoy es una que no aparece preseleccionada en ninguna de las categorías: ‘The Road (La carretera)’. Con un par de salvedades, lo que llega hoy es elevado en cuanto a cantidad, pero no se puede decir lo mismo de su calidad, pues se incluye bastante morralla, de esa que no vale la pena ni considerar si iremos o no a ver.

‘The Road (La carretera)’

Dirigida por: John Hillcoat

Adaptación de: la novela ‘La carretera’, de Cormac McCarthy

Interpretada por: Viggo Mortensen, Charlize Theron,

Sinopsis: en un mundo asolado por un desastre natural o una hecatombe ecológica, un hombre y un muchacho recorren las carreteras del país intentando llegar al sur para pasar el siguiente invierno. La supervivencia se hace difícil, pues las cosechas están arrasadas y no quedan víveres en ninguna parte. Por los caminos acechan, también, otros peligros.

Qué podemos esperar: no se puede esperar una película de terror ni la clásica cinta post-apocalíptica, así que hay varias personas que la han encontrado aburrida. Sin embargo, en mi opinión, eso es precisamente de agradecer, ya que se trata de un film psicológico y reflexivo muy interesante, con grandes interpretaciones y que se queda marcado en la memoria. En mi crítica se puede leer más sobre ello y comprobar que le doy cuatro estrellas, las mismas que Juan Luis Caviaro, quien analiza la película en esta entrada.

‘Precious’ (‘Precious: Based on the novel ‘Push’ by Sapphire’)

Dirigida por: Lee Daniels.

Adaptación de: la novela ‘Push’, de Sapphire.

Interpretada por: Gabourey Sidibe, Mariah Carey, Lenny Kravitz, Paula Patton y Mo’Nique.

Sinopsis: Cuando Precious, de 16 años, aprende a leer y a escribir, descubre un nuevo mundo. Un mundo en el que puede al fin expresarse de una manera que nunca pudo imaginar. Un mundo donde cada chica puede ser hermosa, fuerte, independiente…

Qué podemos esperar: Nominada a los Oscar a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Adaptado, Mejor Montaje, Mejor Actriz Principal para Gabourey Sidibe y Mejor Actriz de Reparto para Mo’Nique. Jesús León, en su crítica, nos dice que se trata de un buen film, a pesar de que abusa del melodrama. A mí, particularmente, no me atrae nada. No quiero decir que crea que va a ser mala, pero es que este tipo de dramones tan típicos de los Oscar no son lo mío. Casi me decantaría antes por la que tiene nominación al Razzie.

‘Tiana y el sapo’ (‘The Princess And The Frog’)

Dirigida por: Ron Clements y John Musker.

Adaptación del cuento clásico de hadas ‘El príncipe rana’, de los Hermanos Grimm.

Interpretada por: Terrence Howard y Anika Noni Rose.

Sinopsis: una joven llamada Tiana, un príncipe convertido en sapo que quiere recuperar su forma humana y un beso que les lleva a una aventura a través de los paisajes de Luisiana.

Qué podemos esperar: Está nominada a mejor largometraje de animación y dos de sus canciones, ambas de Randy Newman, optan al Oscar a mejor canción original. Seguro que se trata de un buen film al que trataré de dar una oportunidad en cuanto tenga el momento, a pesar de que la cuestión musical me sobra.

‘Luna caliente’

Dirigida por: Vicente Aranda

Adaptación de: la novela homónima del argentino Mempo Giardinelli.

Interpretada por: Eduard Fernández, Emilio Gutiérrez Caba y Thaïs Blume.

Sinopsis: Un hombre mayor se obsesiona por una joven y abusa de ella. Para que no alerte de su situación, le cubre la cara con una almohada, lo que le provoca la muerte.

Qué podemos esperar: Un intento, no muy afortunado, de Aranda de adaptar una novela trasladando los hechos argentinos a España. Podéis leer más en esta crítica, donde me centro en la falta de credibilidad del arrebato pasional que embriaga a Eduard Fernández haciendo que se transforme de Jeckyll en Hyde y es que Aranda retoma este mito para explorar la psique humana, pero sin profundizar lo suficiente como para que el estudio sea completo.

‘Loca obsesión’ (‘All About Steve’)

Dirigida por: Phil Traill.

Interpretada por: Sandra Bullock, Bradley Cooper, Thomas Haden Church y Ken Jeong.

Sinopsis: Para Mary, nada es normal, sobre todo su relación con los demás. Cuando le organizan una cita a ciegas con el apuesto operador de cámara Steve, Mary cree que la química entre ellos es evidente y que Steve es su media naranja. Steve, por otro lado, piensa que Mary está loca y que lo está acosando.

Qué podemos esperar: Como os decía, está entre las nominadas a los Razzie a Peor Película y también a Peor Actriz, para Sandra Bullock que es, encima, productora del film. Buena pinta no tiene, pero el actor oriental que salía en ‘Resacón en Las Vegas’, que era lo mejor de aquella película, repite aquí, así que a lo mejor da para algunas risas.

‘OSS 117: Perdido en Río’ (‘OSS 117: Rio ne répond plus’)

Dirigida por: Michel Hazanavicius

Adaptación de: los personajes creados por Jean Bruce.

Interpretada por: Jean Dujardin, Louise Monot, Alex Lutz y Rüdiger Vogler.

Sinopsis: Después de ‘OSS 117: El Cairo, nido de espías’, el agente vuelve para una nueva misión en la otra punta del mundo. Tras la pista de un microfilm comprometedor para el Estado Francés, el célebre agente debe formar equipo con la seductora teniente coronel del Mosad para capturar a un nazi chantajista.

Qué podemos esperar: A ver, si los franceses hacen muy buen cine, pero cuando se meten a producir lo que no es lo suyo, les quedan unos subproductos bastante cuestionables. Al menos, ellos mismos se lo toman como una comedia, pero lo de aspirar a parodiar a Bond ya me parece demasiado, sobre todo cuando algunas de las películas de 007 son puras autoparodias. Quizá para cuando salga en DVD.

‘El padrastro’ (‘The stepfather’)

Dirigida por: Nelson McCormick.

Adaptación de: el guión de Donald E. Westlake para la película ‘El padrastro’ (1987).

Interpretada por: Dylan Walsh, Sela Ward, Penn Badgley, Amber Heard y Jon Tenney.

Sinopsis: Cuando el problemático adolescente Michael vuelve a casa después de un año en una escuela militar, se encuentra a su madre, Susan, enamorada del que pronto será su padrastro, David, que se ha mudado a su casa. David dice que quiere formar la familia perfecta. Pero conforme empiezan a conocerse, Michael rápidamente se convence de que David está lejos de ser tan perfecto como aparenta…

Qué podemos esperar: Un remake y con una pinta no demasiado buena. Lo único que podría interesarme medianamente es el actor protagonista, Dylan Walsh, pues estoy acostumbrada a verlo en ‘Nip/Tuck: a golpe de bisturí’, pero ni siquiera dentro de la serie me parece el intérprete más interesante.

Vía | La butaca.

Viggo Mortensen, Kodi Smit-McPhee, Charlize Theron, Robert Duvall y Guy Pearce protagonizan ‘The Road (La carretera)’, adaptación de John Hillcoat de la novela ‘La carretera’, de Cormac McCarthy, en la que un hombre y su hijo recorren las desoladas rutas de un mundo en el que la civilización ha llegado a su fin y la naturaleza ha dejado de producir. Este film llegará a nuestros cines el viernes, 5 de febrero.

Consideré ‘No es país para viejos’ una gran película —salvo por el final—, entre otras cosas, porque los Coen habían superado la difícil prueba de reproducir el estilo literario de McCarthy sin hacer una película literaria en exceso, sino trasladándolo al terreno fílmico. En lugar de calcar párrafos en voz en off o de repetir los diálogos, la austeridad del tono del escritor la habían llevado los Coen a las imágenes. Esa me parece la manera de adaptar un libro: apoderarse de la esencia y transportarla al nuevo lenguaje, en lugar de dejar al espectador con la sensación de que está escuchando literatura leída e ilustrada. John Hillcoat, sin llegar a tal excelencia, va por el buen camino y se acerca a esa traslación absoluta del relato de un medio a otro.

En la fotografía de Javier Aguirresarobe predominan los tonos ocres, a pesar de que la novela te lo hace ver todo gris —de hecho, en el arranque de la cinta, la voz en off nos lo indica—. Pero es un ocre tan sucio que no se aleja de lo que podría haber imaginado el lector. La aridez y la carestía están tan bien reflejadas que se respiran desde la butaca y contagian sin tardanza el sentimiento de urgencia y precariedad que invade a los personajes. No obstante, nos encontramos ante un film de gran belleza plástica, en el que los cuadros, que se componen por los desperdicios y los lugares abandonados, quedan iluminados por la luz de un sol incapaz de calentar o de dar la vida. La música de Nick Cave contribuye con el minimalismo de la puesta en escena.

Se podrían señalar grandes hallazgos, pero sería injusto achacárselos a Hillcoat o al guionista, Joe Penhall, pues estaban ya presentes en el libro. Uno de ellos reside en no dar a conocer la razón de que los personajes se encuentren en un mundo postapocalíptico. Podría haber una serie de motivos: la erupción de Yellowstone o de cualquier otro volcán de cercana magnitud, un desastre ecológico creado por los seres humanos… da igual. Si se incluyese, la obra se teñiría por un mensaje que no es lo que McCarthy quiere dar. La reflexión que sí quiere hacer el autor es otro de esos hallazgos que quería mencionar: ¿a qué precio deseamos la supervivencia? Queda claro que podrían seguir adelante cometiendo determinado acto, pero ¿valdría la pena? Esa noción es tan poderosa que sostiene la historia a lo largo de toda su extensión.

La interpretación de Viggo Mortensen es sublime. Se aprecia que es un actor que lo da todo por los personajes que encarna y por las películas en las que se involucra. Su implicación es tal que, con pocas palabras y sin apenas expresar lo que siente, podemos verlo en su papel sin dejar de creernos ni por un instante que esté pasando por esa experiencia y sufriendo como sufre su personaje. Kodi Smit-McPhee, que interpreta al chico, tiene en sus manos a un ser todavía más interesante. Podría parece que el niño no se ha curtido lo suficiente, dadas las circunstancias en las que le ha tocado vivir desde su nacimiento. Sin embargo, es necesario que conserve la inocencia infantil, ya que él será, no sólo el motivo por el que el hombre quiera seguir viviendo, sino también lo que le mantiene cuerdo e, incluso, su conciencia: lo único que le impide caer en la crueldad salvaje. Charlize Theron no tiene mejor papeleta: ella es la que lleva el peso del dramatismo de la película, la única que hace explícito el conflicto y demuestra abiertamente sus sentimientos. Sin sobreactuaciones, logra transmitir congoja. El pobre Guy Pearce últimamente sólo hace cameos, pero está igualmente genial en su breve intervención.

No se puede decir que sea una película en la que ocurran muchas cosas. Quienes esperen una entrega de terror no van a salir satisfechos tras ver ‘La carretera (The Road)’. Existen escenas que causan sustos momentáneos o que muestran acción y en ellas la tensión está muy bien llevada. Los “malos”, como el propio niño los llama, no son zombies o infectados, pero no es necesario que lo sean para que se conviertan en monstruos. Lo único que les separa a ellos, los “buenos”, de estos seres peligrosos que pueden atacarlos es una decisión y esa línea es tan fina que poco a poco se va desdibujando. Se podría relacionar con otro libro: ‘Soy leyenda’, de Richard Matheson, uno de cuyos aspectos está reflejado casi con mayor fidelidad en esta película que en su propia adaptación, por la elección mantener el realismo en estos personajes antagonistas.

Sin embargo, estas secuencias de acción o miedo son las menos. Entre una y otra, los momentos están detenidos y se podrían considerar cotidianos, dentro de que la vida que llevan los protagonistas es todo, menos habitual. El film supone, ante todo, una narración psicológica y reflexiva que, va creando su efecto de manera acumulativa, como la gota que erosiona tras caer innúmeras veces sobre un mismo punto. ‘La carretera (The Road)’ marca, se queda incrustada en la memoria y contagia un malestar que se sigue sintiendo tiempo después.

Otra crítica en Blogdecine | Sitges 09 | Excelente adaptación de ‘The Road’

Mi puntuación:

Once crónicas después (incluyendo lo que llamé “asuntos pendientes”), llego por fin a un artículo que, posiblemente, era el que verdaderamente muchos estabais esperando, desde el día 11 que se dio el palmarés. Bueno, comprenderéis que tras dejarme la piel durante once días en Sitges, quiera tomarme un poco de tiempo para contaros todo lo que dio de sí el Festival, ¿no?

Todavía me quedan varias entrevistas por transcribir, y tengo intención de redactar críticas de las películas que más os pueden interesar (como ya he hecho con ‘Moon’, ‘La huérfana’ e ‘Infectados’), pero al margen de eso, con este texto concluyo mi repaso a la 42ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya. He hecho una división en “lo mejor” y “lo peor” para incluir lo que ha sido el cine, la programación, y por otro lado la organización o el día a día del Festival. Espero que sea lo que queríais leer.

• Lo mejor:

Cine: De las 37 películas que pude ver en Sitges (evidentemente, no cuento una de la que sólo aguanté quince minutos), si me preguntáis cuáles fueron las diez mejores, mis diez favoritas, serían las siguientes: ‘Mr. Nobody’ de Jaco Van Dormael, ‘Thirst’ de Park Chan-wook (las mejores, sin duda, pero no sabría cuál situar primero), ‘The Road’ de John Hillcoat, ‘Moon’ de Duncan Jones (igualadas en el tercer y cuarto puesto), ‘Haeundae’ de Yun Je-gyun, ‘Bienvenidos a Zombieland’ de Ruben Fleischer, ‘Heartless’ de Philip Ridley, ‘Valhalla Rising’ de Nicolas Winding Refn, ‘Cold Souls’ de Sophia Bartes y ‘Pandorum’ de Christian Alvart.

Las últimas seis son las que incluyo con menos seguridad, pues hay varias más a las que les daría más o menos la misma valoración (en torno a un 7 sobre 10), pero he preferido éstas por los grandes momentos que encontré en ellas, detalles memorables con los que me quedo, que merecieron la pena, más que por el conjunto. Seguro que lo entendéis.

Festival: Las cinco razones por las que volvería a cubrirlo el año que viene: el pueblo donde se sitúa, pequeño, encantador y con gaticos paseando por las calles; la posibilidad de escuchar y entrevistar a directores y actores de interesantes películas, invitados por el Festival; las proyecciones en el Auditori, una sala realmente fantástica; ver películas que de otro modo quizá no vería nunca, o muy tarde (y ya no en un cine); y por último, la organización de la sala de prensa, donde te atienden enseguida, y en la que puedes quedarte un rato, sin agobios, usando uno de los portátiles que ponen a tu disposición (la conexión sólo falló un día de los once que estuve).

• Lo peor:

Cine: Dejando a un lado los diez minutos que vi de ‘Ingrid’ de Eduard Cortés, las diez peores películas que pasaron por mis castigadas retinas fueron: ‘The Countess’ de Julie Delpy, ‘Teniente corrupto’ de Werner Herzog, ‘Solomon Kane’ de Michael J. Bassett, ‘Grace’ de Paul Solet, ‘Colin’ de Marc Price, ‘Hierro’ de Gabe Ibáñez, (y las cuatro peores son) ‘Paranormal Activity’ de Oren Peli, ‘George A. Romero´s Survival of the Dead’ de Jorge Antonio Romerico, ‘Kinatay’, de Brillante Mendoza (increíble que se llevara el premio al mejor director y la mejor banda sonora) y ‘Nymph’ de Pen-Ek Ratanaruang, que me pareció la más insufrible de todas (la de Mendoza sólo está medio punto por delante, no os creáis).

En este apartado, a diferencia de con las mejores, no he tenido tantas dudas, así que supongo que, haciendo balance, o he seleccionado muy bien lo que he visto (desde luego, cada día repasaba concienzudamente lo que debía ver y lo que podía ahorrarme), o la programación de este año en Sitges ha sido bastante buena, positiva en general. Si habéis pasado por el Festival, espero que aportéis vuestras opiniones al respecto.

Festival: Las cinco razones por las que no volvería a pedir la acreditación para cubrirlo: los horarios de la programación, que hay días que parece que estén organizados a mala leche, y teniendo en cuenta que el Auditori está a veinte minutos de los otros dos cines, o te pierdes películas (a priori importantes) o te preparas para las olimpiadas; que haya películas que sólo tienen programadas una sesión o dos sesiones pero en el mismo día (qué menos que las proyecten dos días); algunos sinvergüenzas, con acreditación y edad para haber parido varios hijos, que se cuelan para conseguir tickets (que son limitados) con la excusa torera de que conocen a alguien que llegó mucho antes que ellos; los subtítulos de los cines del Prado y el Retiro, si no llegas pronto y eliges una buena butaca, bien situada, es muy posible que no puedas leerlos; y por último, que por favor, habiliten un servicio de cafetería (modesto, donde puedas tomarte un café y un donut o un sándwich) para los que estamos trabajando allí, que entre película y película no da tiempo a ir a ninguna parte, ni esperar grandes colas.

Me dejo otras cuestiones, como que el tema de las entrevistas no está muy bien llevado (hubo un par de ocasiones en que si no llamo yo, insistiendo, no me las daban), pero se trata de destacar lo peor, y ahí no lo incluiría; un asunto a mejorar, en todo caso.

PD: ¿Si volveré el año que viene? Bueno, en primer lugar no sé dónde estaré en octubre de 2010, o si alguno de mis compañeros tomará el relevo, pero lo que sí tengo claro es que no volvería a ver tres o más películas seguidas. Como dijo el Sr. Bush, si te engañan una vez es culpa tuya, pero si te engañan dos… eh… esto… si te engañan dos… ¡no te volverán a engañar! O algo así. Con la lección aprendida, volvería, claro que sí.

Decir que tras nueve días, estaba cansado, es quedarme muy corto. Pero lo cierto es que la última jornada del Festival se presentaba muy atractiva (no sólo por ser la última), y de hecho, cuando me levanté a las siete y media de la mañana, me sentía con energía, deseando llegar al Meliá y ver una de esas películas por las que había decidido ir a Sitges, la adaptación de ‘The Road (La carretera)’. Como ya os conté, a media mañana tendría lugar la rueda de prensa con Viggo Mortensen y John Hillcoat, algo que me apetecía mucho presenciar (creo que mereció la pena, aunque no creo que las preguntas que se hicieron fueran las más acertadas).

Estaba más despierto de lo habitual, viendo ya el final del túnel, y me permití el lujo de desayunar antes de entrar a la sala, en una de las numerosas cafeterías que riegan el centro del pueblo. Un zumo, un sándwich vegetal y un café después, volvía a encontrarme en una de esas situaciones que me caracterizan: con prisas, mirando la hora y maldiciendo mis grandes ideas. Al final tuve que subirme a un taxi para llegar a tiempo (te cobran un suplemento por ser domingo, y creo que otro por haber perdido el tiempo tontamente).

Al final de la cola me saludó Rafa, de Público, que me dijo que leía mis artículos desde hacía tiempo. Tuvimos una charla agradable y entramos juntos al Auditori. Me sorprendió que nada más empezar el ritual de los spots del Festival, dirigiera su mirada a la pantalla y no hiciera ni un solo comentario más; es una sana costumbre, mucha gente aprovecha la compañía para ponerse a hablar durante la proyección, comentando chorradas que no interesan al resto de los espectadores, sino todo lo contrario (los “shhh” son un clásico).

Y empezó ‘The Road’. Como ya sabréis, se basa en la novela de Cormac McCarthy, editada en España, ha sido dirigida por John Hillcoat, conocido por su western ‘The Proposition’, y está protagonizada por Viggo Mortensen y Kodi Smit-McPhee, en los papeles principales, “el hombre” y “el niño”. La película nos presenta un mundo devastado, un futuro post-apocalíptico, de cielos grises y olor a muerte. El hombre y el niño son los “buenos”, transportan el fuego (no literalmente) y deben sobrevivir mientras tratan de llegar a la costa, con la esperanza de encontrar una salida, un refugio donde escapar al horror.

Hillcoat recupera el tono seco, sucio y realista de su anterior película, mostrándose implacable en el retrato de este mundo muerto, donde los protagonistas parecen condenados a caer rendidos, por falta de alimento, enfermedad o la acción de algunos de los “malos” que se encuentran por el camino; la carretera les lleva por el buen camino, pero a menudo deben huir de los despiadados caníbales. Mortensen ya lo dijo a la prensa, su intención con este trabajo era darlo todo, decir las cosas sin palabras y mostrar un vínculo único con el pequeño que interpreta a su hijo. Todo eso se nota al ver la película, y de nuevo hay que aplaudir a este grandísimo actor.

Tanto el director como él nos dijeron que sin un niño apropiado, no tendrían película, y es cierto. Sin embargo, la suerte les sonrió y encontraron a Smit-McPhee, que está fantástico. Quizá lo único que se le puede reprochar es que no es un niño que dé la impresión de estar pasando hambre, tiene una cara rellenita, pero la verdad es que eso deja de tener importancia cuando la cámara se centra en él y mira, habla, sonríe o sufre. Robert Duvall, Charlize Theron y Guy Pearce también intervienen, interpretando roles muy secundarios, para adornar el cartel y vender mejor la película. Los tres están muy bien, pero sin duda podrían haber elegido a actores de menos nombre para esos personajes.

No me gustó demasiado el libro ‘The Road’, pero me encanta la película. La historia me parece más apropiada para el cine, aunque para eso, claro, hacía falta tomarse en serio el trabajo, y contar con profesionales de talento, que entendieran el relato y supieran trasladarlo a la pantalla. Así ha sido, a mi entender, y aunque la película no es perfecta, sí cuenta con suficientes aciertos como para catalogarla como una de las mejores del año.

De lo mejor que he visto este año también es el trabajo de Paul Giamatti en ‘Cold Souls’ escrita y dirigida por Sophie Barthes, una comedia dramática, con un toque fantástico, de la que ya habíamos hablado en Blogdecine. Las buenas sensaciones que despierta el tráiler se confirman en la película, si bien todo es menos profundo y original de lo que se podría llegar a pensar, leyendo la sinopsis.

‘Cold Souls’ gira en torno al actor Paul Giamatti (se interpreta a sí mismo), que se encuentra bloqueado cuando prepara una representación teatral de ‘Tío Vania’, de Chéjov. El actor está tan obsesionado con el personaje que no puede sacárselo de encima cuando abandona los ensayos, y esto le está amargando la vida. Así que cuando encuentra un anuncio en la prensa, de una empresa que permite extraer el alma y, con ello hacer más feliz a la gente, cree haber dado con la solución. Sin embargo, porque en caso contrario no habría película, nada sale como había previsto, y cuando intenta recuperar su alma, descubre una traficante de almas la ha robado.

Giamatti, que en ‘American Splendor’, ‘Entre copas’ o ‘La joven del agua’ ha demostrado de lo que es capaz, siendo en mi opinión uno de los mejores del planeta, sostiene ‘Cold Souls’ y le da vida, haciéndola más interesante de lo que en realidad es. Barthes no sabe desarrollar el llamativo punto de partida, y no deja de dar vueltas sobre lo mismo, sin avanzar, y tampoco saca provecho a todo lo que sucede con la traficante rusa. Así que, en definitiva, el conjunto se salva gracias al protagonista, que hace de todo (es impecable en la comedia y en el drama), aparentemente con suma facilidad. Es increíble cómo refleja el sutil cambio que sufre su personaje cuando pierde su alma, tenéis que verlo.

Sin creérmelo del todo, transcurrió mi último día en Sitges. Quise darme un buen paseo, antes de hacer la maleta y acudir a mi confortable cama. Recorrí de nuevo las calles del centro, y me acerqué a mirar el mar, echando un último vistazo a las tiendas del Miramar (no llegué a comprar nada, el fantasma del ahorro no me lo permitió). Me acerqué al mirador y respiré profundamente. Se siente uno tan bien ante semejante vista, tan inmensa y natural. Miré la oscuridad de las aguas durante un buen rato. Adiós, Sitges. Adéu.

PD: Tengo pendiente hablar de seis películas que también vi en Sitges, pero que he ido dejando para no recargar más los artículos, ni recortarlos para incluir más texto sobre cine. Dos epílogos, y acabo.

El último día en Sitges fue el de ‘The Road’ (‘La carretera’). La película, adaptación de la novela de Cormac McCarthy, se proyectó por la mañana, en el pase de las ocho y media, y por la noche, siendo la encargada de clausurar la 42ª edición del Festival. A las once y media, estábamos citados para asistir a una rueda de prensa en la que iban a estar Viggo Mortensen y John Hillcoat, el protagonista y el director del film.

He estado en otras ruedas de prensa, creedme que se nota cuando viene una estrella. No se cabía en la sala, y el nerviosismo era muy palpable, todos querían tener el mejor sitio y la mejor visibilidad (muchos parecían fanáticos del actor). Con un poco de retraso, por fin entraron Hillcoat y Mortensen, recibiendo rápidamente una marea de flashes. Ángel Sala dio las gracias a todos, presentó a los invitados e inició la ronda de preguntas. No hubo mucho tiempo, y tampoco creo que las pocas preguntas que se hicieron (algunas ridículas) dieran la oportunidad de aprovechar mejor el encuentro, pero bueno, al menos pude oír y ver de cerca a uno de los mejores actores del planeta, y saber un poco más sobre la película, que por cierto, por lo que he oído ha gustado mucho, no sólo a mí.

• Viggo. La película me ha hecho pensar en que el hombre es un lobo para el hombre. ¿Piensas lo mismo?

VM: El hombre puede ser un lobo y también un cordero. En la novela, como en la película, que es bastante fiel, se quiere dar la idea de que el “good guy” (“hombre bueno”) se define por sus elecciones. Elegir por el amor, o por el odio. Todos podemos hacer cosas buenas o malas.

• Hola Viggo. Tu personaje lo pasa bastante mal en la película. ¿Que habrías hecho tú en su lugar?

VM: Bueno, soy testarudo. Intentaría aguantar todo lo posible. Nunca se sabe. Son situaciones por las que vamos al cine, las que se cuentan en este cuento. Lo importante es para qué, ¿para qué sobrevivir? ¿Sobrevivir nada más, o hay otra cosa, más allá? Una elección, como comenté antes.

• ¿Fue muy duro el rodaje, y cómo hacían para mantener el buen humor? Y luego para Viggo, el director de ‘Solomon Kane’ dijo que tú habías sido su primera elección, si nos podría decir algo sobre esto.

JH: Hacer la película fue muy duro. Se hizo en localizaciones exteriores, en invierno, fue duro. Pero dio significado a la película. Ayudó a contar la historia, y al equipo. Rodamos en 50 localizaciones, tuvimos que movernos por 4 Estados diferentes. Esto le dio una dimensión más a la película.

VM: A ver si me acuerdo… que otros directores quieren contratarme. Bueno, como actor me parece muy bien, hace falta trabajo [risas].

• Para los dos. La película da mucho miedo, ¿qué os aterra más?

JH: A encontrarme totalmente negado por el miedo. Es difícil, estar bajo tanta presión, guardar la humanidad, hacer lo correcto.

VM: Yo tengo miedo a fracasar como actor. El desafío era encontrar la forma de desnudarse desde dentro, de ser honesto, con los sentimientos, más que en otras películas, otros cuentos. Era importante encontrar al niño, encontrar a un genio en realidad. Con el trabajo de fotografía, de Javier Aguirresarobe, del equipo, la preparación del director… con todo ese trabajo, sin un niño, no tenemos nada. Y yo tampoco tengo un compañero, que me pueda sacar lo que tengo que hacer. Hay que tener un poco de miedo como actor, para aprender, para hacer algo nuevo e interesante.

• Para Viggo. ¿Cómo te preparaste físicamente para el papel?

VM: Bueno, dejé la tortilla a un lado [risas]. No, hay que comer un poco menos. Tenía que estar más flaquito. Escuché música, poesía, vi películas. Todo lo que yo creía que me ayudaría a entrar en un estado de emoción. Un estado de gracia con el niño. Pero no fueron las cosas exteriores lo más importante. Lo más importante era, como digo, encontrar el coraje para decir la verdad, sin palabras.

• Hola Viggo, buenos días. Para ti, ¿qué es más complicado, mantener a salvo tu vida privada o interpretar un papel? Lo digo porque si hay algo que te hace ser un actor enigmático y poderoso es eso, la clave para no aparecer en los medios y no desgastarte como actor.

VM: No lo pienso, la verdad. La protejo. Por respeto a mi familia y los amigos. No me interesa llamar la atención de esa manera. Lo que es difícil es portarte bien y admitir tus errores. Es lo que cuenta este cuento también. Ser honesto con el chico. Se creó un vínculo muy fuerte, una complicidad, por todo lo que vivimos. Es de verdad y creo que se nota. Eso no se puede fingir.

• ¿Cómo es trabajar con un niño tan joven y contarle cosas tan duras?

JH: En términos de logística, fue muy difícil. Me gran miedo era encontrar un niño así, que nos pueda llevar por un viaje tan oscuro. Hablé mucho con Viggo sobre esto, era muy importante. Y cuando lo encontramos [el niño se llama Kodi Smit-McPhee] fue una bendición. Fue un regalo. Aprendí mucho con él. Hubo un momento precioso. En la película, cuando el hombre está a punto de cruzar una línea moral, en el guión, y en la novela, se decía que el niño debía llorar desconsolado. Lo intentamos pero no le salía. Él decía que no funcionaba, que él lo que sentía era cabreo, que no podía llorar. Así que lo hicimos así. Y él tenía razón. Fue increíble.

VM: Quiero contar algo, para que sepáis cómo es. Es un niño, y durante el rodaje tenía que divertirse. Fue complicado, hacía frío, nevaba. Pero se burlaba de todo, en el buen sentido. Se mostraba maduro e ingenioso al rodar. Pasó algo muy divertido con Robert Duvall. Tras rodar un par de tomas, se me acercó y me preguntó dónde habíamos encontrado a este chico, es genial. Luego fui a ver a Kodi y le pregunté qué tal había ido. Me dijo: “Está bien el viejito” [risas]. Es australiano, pero no se nota. La gente piensa que es de Estados Unidos. Y además habla un castellano bastante bueno. Durante el rodaje, Javier era el que más sufría, por el tiempo, los cielos grises, y se ponía de rodillas, rogando, maldiciendo al cielo. El niño se partía de risa. Había otro chico argentino con nosotros y entre él y yo le enseñamos a hablar… el buen castellano [risas].

• Hemos visto varias películas sobre el apocalipsis, ¿qué pensáis sobre esto?

JH: Están pasando cosas en el mundo. Hemos vivido en una burbuja. Pero ahora estamos con el cambio climático, y estamos siendo más conscientes de todo.

VM: Yo soy optimista, es el fin del Festival, pero no del mundo… ni de la selección argentina [risas].

• Se dice que ya no hay películas sin publicidad. ¿Por eso aparece una Coca-Cola en la película?

JH: La Coca-Cola es parte de la novela. Se incluye por el poco corazón de las empresas. No fue por dinero. De hecho, tuvimos problemas. Quisimos ser fieles y contactamos con ellos, pero mejor que lo cuente Viggo.

VM: A mí no me interesa hacer propaganda. Excepto de la película, por eso estamos aquí. La Coca-Cola está en el libro. A mí me divertía la idea de que fuera una Coca-Cola light [risas]. Habría sido gracioso. Pero tuvimos problemas, ellos sólo ponen sus productos en películas para toda la familia. Así que me dieron un número, y yo les llamé. Les conté todo. Va a quedar genial. Más barato, gratis. Como si estuvieran gratis en el mundial [risas]. Si fuera Pepsi no sería como en el libro. La rodamos con varias, con Pepsi, con Fanta… Lo hicimos mejor con la Coca [risas]. Les enviamos escena rodada y quedaron impresionados. Y aceptaron.

La cosa acabó ahí, pero debo contar algo que me ocurrió esta misma mañana, para cumplir con los hechos, con la narración verdadera de mi estancia en Sitges. Ya sabéis todo eso del cansancio acumulado. Además, hoy llevaba mi portátil en la mochila (la que me dieron el primer día), por si se repetían los problemas de Internet que ya os conté, y se ve que la mochila estaba más agotada aún que yo, no ha aguantado el peso extra y se ha roto. Entre una cosa y otra, y que soy un desastre con la hora, eran las once y cuarto, estaba a punto de empezar la rueda de prensa y… ¡no encuentro mi acreditación!

Después de volverme loco buscando, me doy por vencido y concluyo que la única opción es volver al Auditori, por si se me hubiera caído mientras veía ‘The Road’. Me atendió una chica muy amable que me aseguró que buscaría en la sala una vez acabara lo que se estaba proyectando en esos momentos. Pero Mortensen y Hillcoat estaban a punto de llegar y yo seguía sin mi acreditación. ¿Me dejarían pasar?

A menudo, “mon amour” me habla del karma. Si hubiera estado allí conmigo, me lo habría vuelto a comentar. ¿Os acordáis de aquel “segurata” que protagonizó la anécdota de uno de mis textos? Bien, pues estaba allí, cuando me acerqué a la sala Tramuntana a punto de dar las once y media. Por supuesto que, de todos, tenía que estar él. Me acerqué. Y en lugar de pedirme nada, me hizo el típico gesto de “vale, puedes seguir”. Por si acaso, le conté lo de la acreditación. Me dijo que no había problema, que me conocía. Le doy las gracias. Sigo caminando, y me planto delante de una de las dos puertas. Hay demasiada gente y me voy a la segunda.

Entonces un tipo me para y me pide la acreditación. Le explico que la he perdido en el Auditori y que el vigilante me ha dejado pasar. Le da igual, no puedo entrar. Resoplo. Se lo vuelvo a contar, con más detalles. Me pregunta de qué medio vengo, como si me fuera a pillar. Le respondo. Me mira y me dice: “¿Cómo perdéis las acreditaciones, qué os pasa?”. Antes de que se forme en mi cabeza alguna respuesta adecuada, suficientemente contundente como para que deje de decir tonterías, se hace a un lado y me dice que pase, sin mirarme. ¿A qué venía esa actitud? ¿Por qué se comportó como si fuera un policía de aduana y yo un maldito terrorista que quiere inmolarse para despachar vírgenes eternamente?

Él mismo me lo aclaró un rato después. Por suerte, encontraron rápidamente mi acreditación y fui a buscar al tipo este de aire tan chulillo, para que las cosas quedaran claras. Me pidió disculpas en cuanto me vio, antes de decirle nada. Las acepté y me preguntó qué tal me había parecido el Festival. Le dije que bien, pero que estaba ya un poco harto. “Estamos todos hartos, demasiado estrés”, me respondió, y dio una larga calada a su cigarrillo, como si Jean-Luc Godard lo estuviera filmando. Asentí y me fui a comer algo, antes de ir al Retiro, con las prisas de siempre, y la mochila rota, a ver ‘Cold Souls’.

PD: Madre mía, qué bien se está en casa. Estos días os seguiré hablando del Festival, pero ya desde un hogar, con la paz que me aporta mi pareja, y sin sofocos. Dormir más de cinco horas, qué placer…

Poseedora de un pasado personal duro, con algún capítulo que marca el destino de cualquiera, Charlize Theron que comenzara su carrera como modelo (aún perdura en la memoria su aparición en el famoso anuncio de Martini), ha demostrado también poseer una gran inteligencia, entereza y excelente visión para desarrollar una carrera cinematográfica nada desdeñable.

Aunque el Oscar que ganó (junto a otros premios) por ‘Monster’ fue el punto de inflexión, antes ya se había entregado con toda su energía en demostrar que es algo más que una cara bonita. Aunque sus comienzos estén plagados de títulos en cuya aportación sólo perdurara la explotación de su físico (como en ‘The Wonders’ y en ‘El abogado del diablo’), ella no cesaría en el intento de demostrar su valía. Volcada en su profesión como actriz (aunque nunca ha abandonando sus campañas como modelo para grandes firmas), tendría que ser un film independiente y en el que se transformaba físicamente de forma radical para decir aquí estoy yo.

Siguiendo la tónica general de la Academia de Hollywood, gran amante de este tipo de papeles, Theron dio un golpe de efecto y dejó a muchos boquiabiertos. Un papel duro a la vez que nada fácil de interpretar, demostando a muchos que además de belleza era capaz de interpretar personajes de carácter.

Ha sido calificada como fría y calculadora, quizás por que además se involucrado en algunos de sus trabajos, llegando a ejercer como productora, pero Charlize Theron se ganó un puesto como actriz respetada, cuando ya tenía el título de una de las reinas de la belleza de Hollywood. Ha sabido compaginar grandes producciones comerciales como ‘Las normas de la casa de la sidra’, ‘La leyenda de Bagger Vance’, ‘The Italian Job’, ‘En tierra de hombres’ (que le valió otra nominación al Óscar) o ‘En el valle de Elah’, con otros títulos más arriesgados como ‘Batalla en Seattle’, ‘Lejos de la Tierra quemada’, o próximamente en la esperadísima ‘The Road’. Sin renunciar a títulos de género fantástico como ‘Aeon Flux’ o la taquillera ‘Hancock’.

También forma parte de la nómina de actrices que han tenido el privilegio de trabajar con Woody Allen en ‘Celebrity’ y en la divertida ‘La maldición del escorpión de jade’. Amén de participar en el desconocido (por estos lares) pero brillante telefilme ‘Llámame Peter’ con un trabajo excepcional y de gran altura. Por supuesto, también se pueden indicar algún que otro tropiezo, o al menos títulos olvidables como ‘Juegos de mujer’ (junto a Penélope Cruz) o ‘Sleepwalking’, a los que habría que sumar la mencionada ‘Aeon Flux’, un verdadero despropósito que tan sólo merece recordar por aparece con un look radicalmente distinto al que nos acostumbra.

Lo que no se puede negar es que Charlize Theron, que hoy cumple 34 años, es una actriz extremadamente cautivadora, capaz de enamorar a la cámara con su aparición y su sóla mirada. Y entre lo que nos tiene que llegar, se espera con gran entusiasmo la citada ‘The Road’ (que compite en Venecia), el drama ‘The Ice at the Bottom of the World’ (dirigida por Alan Parker), además ‘Astro Boy’, donde presta su voz.

Además, acaba de conocerse que va participar en el thriller ‘The Tourist’, junto a Sam Worthington (y no Tom Cruise como se anunció en principio), y también en ‘Florence of Arabia’, donde además producirá esta cinta que adapta la novela del mismo nombre. Un futuro inmediato, como vemos, cargado de trabajo que nos deparará a buen seguro, destacados momentos de esta sensual actriz.

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