Thomas Newman es un compositor de bandas sonoras sobradamente conocido. Por una parte le viene de familia. Es hijo del gran Alfred Newman y también hay en la familia otros compositores como su hermano David o su primo Randy Newman, un habitual de las películas de Pixar. Por otra parte, Thomas Newman se ha hecho un hueco como compositor de prestigio en Hollywood gracias a excelentes trabajos en un puñado de películas muy populares, de esas que tienen el sello de grandes producciones vestidas de Oscar.

No en vano, Newman ha logrado varias nominaciones al premio de Hollywood con sus composiciones, pero también ha cosechado otros premios (Globos de Oro, Grammys,...) por sus trabajos más alabados. A pesar de su conocida trayectoria, resulta difícil hacer una selección de sus diez mejores bandas sonoras, quizás por la popularidad de algunos films, con unas músicas más conocidas que otras, pero tiene resultados notables a lo largo de más de tres décadas de composiciones para el cine.

Su principal característica y una de las razones por la que aparece por aquí es por su versatilidad. Tiene una gran capacidad para transformarse de una película a otra, de un género a otro y en todas consigue imponer un nivel elevado. Desde el minimalismo con escasos instrumentos al uso de una gran orquesta, Thomas Newman posee soberbias bandas sonoras y es uno de los grandes. Me quedo con los diez que a continuación escuchamos.

‘Tomates verdes fritos’ (‘Fried Green Tomatoes’, 1992)

Supuso un punto de inflexión en su carrera allá por 1992. Aunque con cierto bagaje, con este título consigue convencer de su enorme potencial y de que por sus venas corre sangre de excelente compositor. La película, un drama de cierto éxito y con buenas interpretaciones contaba con una partitura muy completa de Newman, que sabe subrayar los estados de ánimo de las protagonistas y otorgarle el tono apropiado a la historia. Es de las que merece escuchar detenidamente.

‘Mujercitas’ (‘Little Woman’, 1994)

Este remake algo soso de resultado contenía una composición de Newman muy por encima del resultado del film. Obtuvo nominación al Oscar y muy merecida porque sabe imponer un tono alegre, optimista y con un tono ligero a la historia. Que es lo que realmente pedía. Ahora se apoya en la Sinfónica de Londres y por supuesto el resultado es sobresaliente.

‘Cadena perpetua’ (‘The Shawshank Redemption’, 1994)

Justo el mismo año que ‘Mujercitas’, Thomas Newman se marca una banda sonora antológica. Una prueba de su maestría y sobre todo de su enorme capacidad de versatilidad. En este drama carcelario sabe introducir una música llena de oscuridad, plena de emoción (sobrecogedores los violonchelos) y con la que consigue uno de sus trabajos más aplaudidos. Una de sus mejores y más completas composiciones, sin duda.

‘Oscar y Lucinda’ (‘Oscar and Lucinda’, 1997)

Repite con el director Gilliam Armstrong tras ‘Mujercitas’ con este drama de época un tanto arquetípico (y aburrido), donde el trabajo de Newman subraya el tono romántico y acompaña a las bellas imágenes. Usa coros y una gran orquesta que otorga una atmósfera muy adecuada, pero sin caer en la exageración o repetición. Es muy completa, sutil y de gran belleza musical. Muy por encima del film al que acompaña.

‘El hombre que susurraba a los caballos’ (‘The Horse Whisperer’, 1998)

Este drama de Robert Redford, algo academicista y pecado de cierta cursilería, posee una banda sonora de Newman tras rechazar la compuesta en un primer momento por el veterano John Barry. Se ganó en una mayor diversificación instrumental (guitarra acústica, mandolina,…), nueva muestra de la variedad de recursos de Newman. Un gran trabajo, perfectamente integrado en el tono y ambienta de la historia y con un resultado sobresaliente.

‘American Beauty’ (id, 1999)

¿Qué podemos decir? La más absoluta genialidad firmada por Newman, una partitura breve pero contundente y una de las mejores bandas sonoras de la década de los noventa. Reafirmación de su enorme talento, combinando instrumentos poco habituales como principales (xilófono o marimba). Por cierto, las partes a piano y marimba están interpretadas por el propio Thomas.

‘Camino a la perdición’ (‘Road to Perdition’, 2002)

Repitiendo para Sam Mendes, Newman ahora giraba de nuevo para crear y apoyar la atmósfera opresiva y misteriosa del film. Es una banda sonora notable, al mismo nivel que la película y funciona muy bien, con algunas piezas especialmente destacadas, sobre todo las que se inspiran en música irlandesa.

‘Buscando a Nemo’ (‘Finding Nemo’, 2003)

Este trabajo para el film de Disney/Pixar está considerado por muchos como su obra cumbre. Es una composición que le otorgó un nuevo rango más elevado, demostrando su genio también para un film de animación. Una banda sonora dinámica, repleta de matices, emocionante y con la que consiguió reforzar el acierto al elegirle a él en vez de a su primo Randy, más habituado a la animación y de plena confianza para la productora. Imprescindible.

‘Jarhead’ (id, 2005)

Este mismo año fue aclamado por su trabajo en ‘Cinderella Man’ pero me quedo con ‘Jarhead’ por tratarse de un trabajo totalmente atípico, extraordinario y extravagante. El resultado es sorprendente por su mezcla de sonidos, el uso de guitarra eléctrica con aires pop. Encaja con enorme fuerza en la historia y no deja de ser una partitura arriesgada y casi experimental.

‘Wall-E’ (id, 2008)

Para una película de estas características la música juega un papel aún más fundamental. Su presencia marca el tono y puede otorgarle profundidad y detalles a la historia. Es el caso de este soberbio film de Disney/Pixar en el que Newman firma una partitura de gran riqueza, valiosa, tan grande como el film. Nada de grandilocuencia propia de la Ciencia Ficción, sino muy sutil y comedida, pero excepcional.

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Las diez mejores bandas sonoras de:

• James Horner
• Danny Elfman
• Hans Zimmer
• Elmer Bernstein
• Bernard Herrmann
• Ennio Morricone
• Jerry Goldsmith

• John Williams

Frank y April se conocen en una fiesta, se casan y se mudan a una coqueta casa unifamiliar en Revolutionary Road, donde tienen dos hijos. Él entra a trabajar en el departamento de ventas de la empresa de ordenadores donde había trabajado su padre, a pesar de que nunca deseó acabar siendo como él. Ella intenta hacer carrera como actriz, pero sus intentos no la llevan a ningún sitio. Tras una representación fallida, April se sume en una crisis de autoestima y ambos mantienen una acalorada discusión matrimonial.

April es Kate Winslet y Frank, Leonardo DiCaprio. El guión de ‘Revolutionary Road’ lo ha escrito Justin Haythe basándose en la novela ‘Vía Revolucionaria’ de Richard Yates. Dirige Sam Mendes, quien ya había explorado las partes más oscuras de una relación marital en ‘American Beauty’ con excelentes resultados. A partir de mañana, 23 de enero, se podrá ver en los cines este drama sobre la frustración y la falta de libertad.

La premisa de una película habitualmente se desarrolla a lo largo, es decir, narrando diversas cosas, introduciendo contenido, giros y elementos de guión. Pero también existe una forma de desarrollarla que es hacia lo más profundo. En lugar de contar nuevas cosas, se profundiza en aquellas de las que se parte. Esto es muchísimo más difícil de hacer, pero si se hace bien y se llega lo bastante hondo, apenas importa si se han narrado pocos hechos. Escasos son los ejemplos de cine que logra esto último. ‘Revolutionary Road’ es uno de ellos.

El retrato psicológico y de personajes que se hace en esta película es insigne, agudo, devastador. Se dibuja a estos dos seres a través de unos diálogos maravillosos, que los presentan como personas inteligentes, imaginativas y demasiado aventajadas socialmente para el tipo de vida que les ha tocado vivir. Pero también se plantea la posibilidad de que hubiesen sido ellos quienes se hubiesen creado expectativas demasiado altas con respecto a sus existencias y quienes se hubiesen creído más especiales de lo que eran.

Además de presentar la opción de una doble lectura, el título de la obra es muy ilustrativo, ya que la mayor parte del metraje transcurre entre las paredes de esa casa que ha significado tanto para el matrimonio. Las dos horas de duración de la película varían poco en cuanto a escenarios y están casi llenas de disputas, pero eso no significa que el guión sea repetitivo. En esta estructura aparentemente detenida en el tiempo, todo va cambiando muy por debajo, la situación va evolucionando tanto que, a partir de cierto punto, el avance se convierte en imparable.

Ambos actores protagonistas están impagables y Winslet merece el Globo de Oro que ya ha obtenido y los subsecuentes galardones que probablemente se llevará. En papeles muy difíciles y de gran exigencia, tanto ella como DiCaprio lo dan todo para lograr unos personajes complejos, cambiantes, cargados de sentimientos y de anhelos. Los intérpretes nos dejan ver, sin decírnoslo directamente, todo lo que pasa por sus cabezas y sus corazones. Cada uno en un grado de madurez intelectual diferente, pero también con distintas capacidades para adaptarse, son a la vez el contrapunto perfecto y el complemento perfecto el uno del otro.

El reparto es muy escaso por lo que, más que adaptación de una novela, ‘Revolutionary Road’ parecería ser una obra teatral llevada al cine. Junto a los dos actores principales, encontramos a Kathy Bates como agente inmobiliaria que les vende la casa y a Michael Shannon, en el papel de John, el hijo de ésta. John es un hombre perturbado que no sabe comportarse en sociedad. Ha estado ingresado en un manicomio y todos lo toman por loco. Sin ningún disimulo, Mendes sitúa la voz de la razón en este personaje para hacer una crítica de las convenciones sociales. A pesar de ello, su nominación al Oscar al Mejor Actor Secundario me parece infundada.

Conocemos, por la filmografía de Sam Mendes, el gran gusto estético de este director. Su clasicismo nos ofrece planos grandiosos, con encuadres en los que la colocación de cada personaje y de cada elemento tiene un significado o una posible interpretación icónica. Con estilo clásico no quiero decir rancio, sino canónico; pues durante todo el film percibimos un aire de modernidad que nos hace pensar que cualquiera de las cosas que estamos viendo podría darse en la actualidad de manera calcada. La distinción del diseño de producción nos presenta a unos protagonistas que se desmarcan del resto de las personas que los rodean. La banda sonora de Thomas Newman puntualiza con preciosas notas todas las escenas dramáticas adaptándose cabalmente al film.

‘Revolutionary Road’ es una película de gran calado social y emocional que explora lo destructivo que puede ser acomodarse, conformarse con una vida aburrida y esperar más del mundo y de nosotros mismos de lo que llegaremos a obtener jamás.

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Tráilers y noticias sobre ‘Revolutionary Road’.

Mi puntuación:

Necesitábamos una película como ‘Wall-E’. Sobretodo este año. Necesitábamos una auténtica de obra de arte que nos recordara qué es el cine con mayúsculas, el que hace que ser un espectador tenga un sentido emocional. ‘Wall-E’ es la mejor opción de lo que llevamos de verano, pero también de lo que llevamos de 2008, a la espera del estreno de ‘El Caballero Oscuro’, que presumiblemente es el único título que puede hacerle sombra.

En 1921, Charles Chaplin protagonizó ‘El Chico’, una asombrosa y tierna película de cine mudo, que sin diálogos, pero con una emotiva historia ha conseguido conquistar el corazón de la gran mayoría de los que han visto la película. Y me refiero a aún hoy. Andrew Stanton, el realizador de esa obra maestra que es ‘Buscando a Nemo’, y uno de los empleados con más talento de la firma Pixar, ha homenajeado a Chaplin con una dirección y guión propios de un genio. ‘Wall-E’ es una épica que trasciende su condición de película de animación, o de forma correspondiente, de film dirigido al público infantil. Estamos en el año 2815, y la Tierra está asolada por la contaminación. Las cantidades de basura son tan grandes, que ya no habita ningún ser vivo sobre el planeta. En este contexto, el robot Wall-E es un artefacto inteligente que tritura basura y la almacena en cubos. Su soledad es absoluta, y a lo largo de todos estos años, ha conseguido desarrollar una personalidad. Cuando termina su trabajo, se divierte coleccionando cacharros y grabando canciones del musical ‘Hello, Dolly!’. Un buen día, una nave aterriza y un robot mucho más moderno y equipado sale de ella, al parecer para inspeccionar el terreno.

Desvelar más se me antoja insoportable, ya que la historia es capaz de sorprender una y otra vez. De hecho, este punto de inflexión separa a la película en dos actos claramente diferenciados. El primer acto es el de la ambientación apocalíptica, con una iluminación que revela la falta absoluta de vegetación y Wall-E que sobrelleva como puede su rutinaria cotidianeidad. Lo increíble es que, sin diálogo alguno, con sólo un personaje y sin que pase nada realmente extraordinario, es toda una experiencia, una maravilla rebosante de lirismo que toca lo más profundo de nuestro interior. A partir de ahí, se han dicho muchas cosas: que la trama decae, que es mucho menos original, y que bebe demasiado de ‘Monstruos SA’ y ‘Buscando a Nemo’. A mi juicio, era un giro necesario, más que nada porque ‘Wall-E’ también es una película para los niños, y la única forma de no abrumarles demasiado era aportar una nueva trama que, aunque no alcanzase las cotas poéticas de los primeros treinta minutos, funcionase igualmente.

Como la película carece de diálogos al menos al principio, es obvio que la banda sonora tiene un especial protagonismo. Y de esto se encarga el talentoso Thomas Newman, un compositor que ciertamente se repite en ocasiones, pero es de admirar su espíritu experimental. Newman ha parido en ‘Wall-E’ sus mejores melodías, sus mejores partituras. Suyo es parte del mérito de la fascinante ambientación de la que hace gala la película. Presenta al robot con un tema muy alegre, pero describe la distopía con melancolía y oscuridad. Sabe qué estado de ánimo corresponde a cada momento, y muestra inspiración en prácticamente todos los temas (aunque destaco ‘2815 AD’ y ‘Define Dancing’). Mención aparte merece el tema de los créditos finales ‘Down to Earth’, compuesto junto a Peter Gabriel (ex-componente de los míticos Genesis), que pide a gritos un Oscar en la categoría de mejor canción. En cuanto a la estética, Pixar alcanza la cima. Una factura visual insuperable, con unos escenarios envolventes (qué manera tan simpática de mostrar el espacio, Dios mío), algunos guiños a Apple (fíjense como Eve sería el prototipo ideal de un hipotético robot de la compañía) y un claro homenaje a ‘2001: Odisea en el Espacio’.

‘Wall-E’ es, en fin, volver a ser un niño. Tener la lágrima a punto de salir del ojo sin que uno se dé apenas cuenta. Disfrutar de un personaje adorable, mezcla de ‘Cortocircuito’ y ‘ET: el extraterrestre’, y que logra todo nuestro cariño a pesar de no ser humano, por su actitud de dar sin recibir, su carácter inocentón, suave y tenaz. Es morderse las uñas, entrelazar las manos, imitando a los protagonistas. Es estremecerse ante la ingente cantidad de escenas que no olvidaremos en muchísimo tiempo. Es salir del cine harto de contento a la vez que anonadado, revisitando mentalmente cada detalle, cada alegría que proporciona la película. SPOILER Los adultos habríamos celebrado más un final “no-tan-feliz”, pero evidentemente desposeer a nuestro querido protagonista de su memoria, por ejemplo, como casi sucede, habría sido infinitamente más poético, pero más triste y nada apto para los críos FIN SPOILER. Esconde un mensaje humanista, ecologista, que reflexiona sobre los avances tecnológicos, el respeto a la naturaleza, la evolución de la sociedad y su culto al bienestar, los sentimientos, el amor no correspondido y perseverante y todo lo que uno quiera contemplar. También hay un cortometraje previo, marca de la casa, titulado ‘Presto’, divertidísimo, del que mi compañero Antonio habla mucho mejor de lo que un servidor podría hacerlo.

Salí del cine tan embriagado que he dejado madurar mi artículo hasta hoy, en pos de conseguir una postura más moderada. Pero aún hoy afirmo que es, con diferencia, la mejor película de Pixar hasta la fecha, y una de las mejores de la historia del cine. Puede obtener tantas nominaciones a los Oscars que perdería la cuenta. Es un espectáculo para el alma, un auténtico hito, un regalo emocionante hecho a medida de todo aquel que lo presencie, tan rica visual y argumentalmente que me es difícil imaginar como alguien podría no enamorarse de esta película. ¿Y siguen aquí, leyendo? Salgan a la calle, aunque tengan que desafiar el calor, y vayan volando a verla.

En Blogdecine:

• ‘Wall-E’, una maravilla con el personaje más entrañable de los últimos tiempos
• ‘Wall-E’, poesía cinematográfica

En este recorrido por lo que son, en definitiva, mis compositores de BSO preferidos, he citado a Pascal Gaigne, Alexandre Desplat, Vangelis, Michael Nyman, Philip Glass y John Williams. Cito ahora el que me parece que ocupa el primer lugar del podio.

1. Ennio Morricone (1928). Conocido por ‘La Misión’ y ‘El Bueno, el Feo y el Malo’.

El grande, el maestro. Da igual los instrumentos que utilice. Este señor ha nacido para hacer bandas sonoras, y benditas las películas que cuenten con su música. ¿Quién no ha silbado alguna vez sus melodías para los westerns de Sergio Leone, tales como ‘Por un puñado de dólares’, ‘El Bueno, el Feo y el Malo’ o ‘La Muerte tenía un Precio’? En sus casi 50 años de trabajo, podemos contar en IMDB más de 400 partituras, y cada una de ellas diferente al resto.

Hay muchas bandas sonoras que han alzado a Morricone a lo más alto, pero baste mencionar el oboe de ‘La Misión’, para que todos tengamos que comprender su enorme hegemonía en este mundillo. Asimismo, es justo acordarse de ‘Días del Cielo’, ‘Érase una vez en América’, ‘Los Intocables’, ‘Frenético’, ‘Cinema Paradiso’ o ‘Malena’. Para mi gusto, su última obra maestra es la música para la miniserie ‘Karol’, sobre la vida de Juan Pablo II. Algunas pistas:

La Misión – Gabriel’s Oboe

El Bueno, el Feo y el Malo

Cinema Paradiso

Los Intocables

La Misión – On Earth as it is in Heaven

Tras esto, menciono ahora a algunos compositores que se han quedado fuera de la lista (porque evidentemente, la cosa iba de poner a siete y no a treinta), pero cuya obra valoro en mayor o menor medida.

· Yann Tiersen, al que no he incluido porque sus mejores discos no forman parte de su trabajo en bandas sonoras. Hablo de ‘Le Phare’ o ‘L’Absente’.
· Carter Burwell, grandísimo compositor, con ejemplos notables: ‘Fargo’, ‘Simone’, ‘Te Puede Pasar a Ti’, ‘Antes que el Diablo sepa que has Muerto’. Considero que le falta hacer su obra maestra.
· John Barry, porque confieso que no le he escuchado mucho, aparte de James Bond y ‘Memorias de África’.
· Danny Elfman, que creo que debería reinventarse un poco y dejar de lado esa atmósfera que tan famoso le ha hecho, pero de la que ya empezamos a hartarnos un poquito, la verdad. Grande, sin embargo, ‘Big Fish’, por citar un ejemplo reciente.
· James Newton Howard, que tiene un gran talento, pero que me da la misma impresión que Burwell, que lo mejor está por llegar. No obstante, ‘El Sexto Sentido’ y ‘El Bosque’ son obras maestras.
· Thomas Newman, porque llega un punto en que siempre hace lo mismo (piano, lentitud, minimalismo), y no creo que ‘Angels in America’ sea tan buena como todo el mundo dice. Cuando haga algo nuevo le valoraré mucho más. Escucho con regularidad ‘Phenomenon’, ‘Cadena de Favores’, ‘American Beauty’ ’ o ‘Camino a la Perdición’.
· Randy Newman, clásico entre los clásicos. Lamentándolo mucho, no le he escuchado lo suficiente para valorarle en la medida que seguramente se merece. Me sigo acordando de su preciosa melodía para ‘Despertares’.
· Antonio Pinto, compositor emergente que con los años será un referente. Seguro. Qué portento su composición para ‘El Señor de la Guerra’.
· Dario Marianelli, que creo que se ha quedado fuera de la lista por muy poco. Su revisión de Tchaikovski para ‘V de Vendetta’ me parece genial. Y las colaboraciones con las películas de Joe Wright, escandalosamente buenas.
· Gabriel Yared, que el pobre se llevó una gran injusticia al ver rechazada su mejor obra: ‘Troya’, en favor del mediocre James Horner. Muy envolvente su composición para ‘El Talento de Mr. Ripley’.
· Bruce Broughton. Su BSO para ‘El Secreto de la Pirámide’ me encanta, pero es lo único suyo que he escuchado.
· Alan Menken, que creo que hizo un gran favor a Disney con algunas de sus canciones y temas, pero a quien tendría que ver en otros géneros para valorarle mejor.
· Howard Shore, a quien vi en concierto, y aprecio mucho su trabajo, pero creo que le falta ese toque de genialidad que sí veo en otros. Destacables ‘El Aviador’, ‘El Silencio de los Corderos’ y la archifamosa trilogía de Tolkien.

ACTUALIZACIÓN: Craso error. He olvidado a Angelo Badalamenti, cuyas colaboraciones con David Lynch, en concreto ‘Twin Peaks’ o ‘Una Historia Verdadera’ son maravillosas. Destaco también ‘Secretary’ o ‘Arlington Road’.

Como ya dije, el hecho de que la lista se base en compositores vivos excluye, por más que me pese, a Michael Kamen, Basil Poledouris, Bernard Herrmann, Jerry Goldsmith, Elmer Bernstein, Henry Mancini y algunos otros.

Dicho esto, quiero aclarar, porque me lo veo venir en los comentarios, que esto es sólo una apreciación personal, una opinión particular basada en mis gustos y preferencias, a base de un criterio puramente individual. Hay tantas listas posibles diferentes como personas aficionadas a las bandas sonoras.

En Blogdecine:

• Los Mejores Compositores de BSO vivos (I)
• Los Mejores Compositores de BSO vivos (II)