Os voy a hablar en este artículo de las dos mejores películas que he visto hasta ahora en el festival de Cannes 2012. Indudablemente, el gran protagonista de la quinta jornada del certamen fue Michael Haneke. El realizador de origen austriaco ha presentado su nuevo trabajo en la Croisette tras ganar la Palma de Oro en 2009 con ‘La cinta blanca’; ‘Amour’ (‘Love’, “amor”) es el título de la obra, que le vuelve a reunir con Isabelle Huppert once años después de ‘La pianista’. El segundo título más relevante del día era ‘Jagten’ (‘The Hunt’, “la caza”). Se trata del último film del danés Thomas Vinterberg después de ‘Submarino’, y el reparto lo encabeza Mads Mikkelsen. Estoy convencido de que tanto ‘Amour’ como ‘Jagten’ entrarán en el palmarés de esta 65ª edición.

‘Amour’

Lo nuevo de Haneke gira en torno a una pareja de ancianos, Georges (Jean-Louis Trintignant) y Anne (Emmanuelle Riva), profesores de música jubilados. Una mañana, sin previo aviso, Anne queda inmóvil delante de su marido, durante unos minutos no reacciona a ningún estímulo, y cuando se recupera no recuerda lo que ha ocurrido, molestándose cuando Georges sugiere que deberían llamar a un médico. Efectivamente había motivos para preocuparse, Anne vuelve del hospital en silla de ruedas, con medio cuerpo paralizado. A partir de ahí, la vida para este veterano matrimonio empeorará progresivamente, profundamente, poniendo a prueba su resistencia y el vínculo que los une. La rabia, la desesperación, la vergüenza y la amargura que sufre Anne traspasa la pantalla y obliga a reflexionar sobre la vejez, el amor, la vida y la muerte. La situación degenera hasta resultar casi insoportable seguir asistiendo a la penosa transformación de la mujer, que al comienzo del film se mostraba tan viva y feliz.

Seguro que recordáis la emocionante y triste secuencia inicial de ‘UP’, ‘Amour’ se parece a eso, pero la mayor parte del tiempo está centrada en el deterioro físico y mental de Anne, que arrastra sin remedio a su marido, es una espiral de dolor, vejación y sufrimiento. Llega a resultar terriblemente desoladora. Pero Haneke no asfixia, su intención no es aplastar, quiere reflejar la nueva realidad de esta pareja, por lo que hay momentos de respiro, casi de piedad, destellos de luz y de amor, de humor y de esperanza, logrando divertir y conmover a pesar de las circunstancias de la historia. El desenlace, ya anticipado en el prólogo, es impresionante, eriza la piel recordarlo. ‘Amour’ también expone con crudeza las relaciones familiares, con escenas en las que interviene Huppert, la hija de los protagonistas, que hace eso tan habitual de visitar poco y criticar mucho. No sé si el jurado presidido por Nanni Moretti concederá a Haneke su segunda Palma de Oro, pero si no lo hace, deberían premiar su siempre atrevida y exigente puesta en escena (obligando al espectador a participar en la ficción) y a uno o a los dos actores protagonistas, sensacionales, impecables en sus densas y dolorosas interpretaciones.

‘Jagten’

Cuenta Vinterberg en las notas de producción de ‘Jagten’ que tras el éxito de ‘Celebración’ (‘Festen’, 1998; premio del jurado aquí en Cannes) le visitó un psiquiatra infantil con un informe que él pensaba que debía ser tenido en cuenta para crear una película; el realizador, agotado y barajando proyectos de futuro, no hizo caso y guardó el montón de folios en un cajón, hasta que una década después, como favor personal, se puso a leerlos. Se sintió fascinado y turbado por el contenido. A partir de esa investigación, donde se tumbaban tópicos y se exponía la teoría del pensamiento como un virus, Vinterberg y su colaborador Tobias Lindholm escribieron el guion de ‘Jagten’, segundo largometraje del danés que compite en la sección oficial.

La historia gira en torno a Lucas (Mikkelsen), un maestro de escuela divorciado que Vinterberg define como el típico escandinavo: amable, cálido, humilde, servicial. Tras una mala racha personal comienza a recomponer su vida, tiene nueva pareja y su hijo adolescente, al que echa terriblemente de menos, pronto volverá a vivir con él. Todo comienza a derrumbarse a su alrededor cuando una mañana le acusan de haber abusado sexualmente de una niña. No hay prueba alguna excepto el testimonio de la pequeña, pero Lucas es despedido y todo el pueblo da por cierto que es un pederasta. No hay lugar para la sospecha en el espectador, se le sitúa en la piel del protagonista, por lo que desde el principio sabemos que es inocente, que la niña se ha inventado el abuso, primero por enfado y luego por presión; nadie duda de su palabra, la mentira crece y se expande rápidamente, y el odio domina al pueblo, aislando casi por completo a Lucas, que trata de soportar la injusticia con dignidad.

Vinterberg realiza un gran trabajo plasmando la inesperada pesadilla en la que se sumerge el personaje principal, logrando una película intensa y apasionante, te mantiene pegado a la pantalla en todo momento, sufriendo la misma indignación e impotencia que siente el acusado; uno llega a encontrarse alterado, deseando venganza contra todos los que han traicionado y acusado falsamente al protagonista, humillado y desesperado. Al inspirado trabajo del realizador manejando la tensión de este brillante thriller psicológico hay que sumar una portentosa interpretación de Mikkelsen, que llega a sostener el relato sobre sus hombros. La estrella danesa, desaprovechada en la industria de Hollywood, consigue transmitir todo lo que exige el personaje de una manera auténtica, sin atisbo de fingimiento, se convierte en él, y afecta verle sufrir. Apuntad el título, no os arrepentiréis.

Solemos escandalizarnos cuando las películas tardan más de un par de años en llegar a nuestras carteleras, de hecho, esa misma protesta incluía en mi crítica anterior. Pero en algunas ocasiones, se podría decir que ese retraso o esta indecisión estaban justificados. Pasado ya todo este tiempo, lo que quizá no tenía tanto sentido, a mi modo de ver, era llegar por fin a traerlas, como es el caso de ‘Cuando un hombre vuelve a casa’ (‘En mand kommer hjem’, 2007), que aterrizó en nuestras carteleras el uno de julio. Si habíamos pasado cuatro años sin ella, podíamos seguir así.

El reputado director danés Thomas Vinterberg, que se dio a conocer con la cinta Dogma ‘Celebración’ (‘Festen’, 1998), se pasa al costumbrismo y al humor fácil en este intento de aunar el conflicto familiar que mostraba entonces con una propuesta más comercial y amable. Este título, en parte autobiográfico, rodado entre ‘Querida Wendy’ y ‘Submarino’, nos traslada a una pequeña ciudad de provincias, que se prepara para la llegada del hijo predilecto, un famoso cantante de ópera, que decide reencontrarse con sus raíces. La importante visita revolucionará la vida de todos sus habitantes, especialmente la de Sebastian, un huérfano de padre que en ese momento se encuentra en una crisis amorosa.

‘Cuando un hombre vuelve a casa’ tiene a Anthony Dod Mantle, habitual de Lars von Trier, como director de fotografía. Sus imágenes retratan la luz sobre los campos y los cabellos de una forma muy exagerada, que me atrevería a calificar de cursi, especialmente en exteriores. Si el movimiento Dogma propugnaba la sobriedad en todos los aspectos de una creación cinematográfica, aquí, tanto el director como el operador se han trasladado al otro extremo en su acercamiento estético. El director de foto también ha trabajado mucho para Danny Boyle, donde sí encontramos estas filmaciones tan recargadas.

La banda sonora de Johan Södenqvist, compuesta para acompañar las acciones —recordemos que el Dogma no aceptaba la música extradiegética—, se inspira de un modo similarmente afectado.

Ni la historia ni el protagonista me enganchan

Es más que probable que este mismo relato, narrado con otra estructura, pudiese resultar de interés, pero tal como está contada, la historia se me antoja sumamente tediosa e insulsa. Al no poder sentir empatía hacia los personajes aún me cuesta más que me importe lo que presencio. Oliver Moller Knauer, el protagonista, da vida a un chaval que permanece toda la película con el rostro pasmado —con el gesto que se observa en la fotografía que abre este artículo— y dejándose arrastrar por los sucesos sin sentido. Su enamorada, Maria, interpretada por Ronja Mannov Olesen, es otra que pasa por la vida esperando a que las cosas le sucedan. Personajes así poco apego pueden despertarte. Por otra parte, se me escapa la evolución que ha provocado que le desaparezca el tartamudeo. Solo el adulto Thomas Bo Larsen tiene cierto carisma y, cuando el protagonismo se decanta hacia él, el interés aumenta.

Esos mencionados sucesos sin sentido forman parte de lo que el autor ha querido presentar como una concatenación de despropósitos que den forma a una rocambolesca comedia. Si se entrase en el humor, se podrían presenciar los disparates como una intencionada representación del absurdo. Pero no encontré demasiada gracia a la película y no pude percibirlos con esa distancia. Posiblemente ayudaría entender danés y esta comedia en su país natal tenga gracia para quienes comprendan todos sus matices, pero con subtítulos solo se pueden captar algunas bromas inocentes y muy dispersas.

Versión ligera de ‘Celebración’

Con un tono muy alejado, ‘Cuando un hombre vuelve a casa’ está, no obstante, muy emparentada con ‘Celebración’, ya que ambos films tratan sobre la paternidad y sobre las conflictivas relaciones padre-hijo. Las dos culminaban (spoilers) con una gran cena de celebración en la que secretos son revelados para provocar iras y desprecios. Vinterberg no ha sabido regalarnos la versión ligera de su drama, ya que, además, las escasas escenas dramáticas que presenta este film son las mejores de toda la propuesta. Es decir, no ha sabido contar una historia similar en otro registro.

Como conclusión me podría quedar con reflexiones del estilo de que ningún director es garantía de hacerlo todo bien o sobre cómo puede sorprender que alguien que ha firmado una excelente obra pueda más tarde ser responsable de algo sin valor. Tanto una como otra podrían ser válidas, así como muchas otras. Pero quizá lo que interesa es una conclusión sobre la película y, si bien, mi opinión es muy negativa, quizá debería dejar abierta una puerta a que otros espectadores sí simpaticen con Sebastian y sí encuentren el humor que está entre las intenciones. Si consiguen esas dos implicaciones que yo no sentí, seguro que disfrutan de ‘Cuando un hombre vuelve a casa’.

Mi puntuación:

Cuando parecía que el día iba a resultar un auténtico desastre, surgió un cineasta del frío, el danés Thomas Vinterberg, y nos devolvió el sabor del buen cine. De las tres películas de la sección oficial (una de ellas, la de Scorsese, fuera de competición), la suya, que fue proyectada en último lugar, salvó a la tercera jornada del desastre absoluto, ya que la rumana ‘If I Whistle, I Whistle’ (‘Eu cand vreau sa fluier, fluier’, de Florin Serban) es fácilmente la más floja película, por no decir la peor, de las que de momento concursan y se han presentado a la prensa. Así mismo, a la de Scorsese, ‘Shutter Island’, le cuadra perfectamente la expresión “decepción anunciada”.

Pero llegó, de tapadillo, eclipsada por tratarse de la última del día, y después del vendaval de la película protagonizada por DiCaprio, el verdadero buen cine que debería ser más frecuente en un festival de este calibre. ‘Submarino’ nos devuelve al Vinterberg más humilde y artesano, el gran contador de historias que con 16 años ya hacía cortos y con 19 era estudiante de la escuela de cine de su país, que según sus propias palabras vuelve con esta película “a ser un estudiante de cine, a no saber nada, a empezar de nuevo”.

Breve Interludio

Antes de comentar a fondo las tres películas de la sección oficial, quisiera hacer un breve paréntesis, porque no sólo para hablar de cine estamos aquí. También del festival en sí mismo. Un festival que, a grandes rasgos, podría ser el doble de grande de lo que es el de San Sebastián en septiembre. Y un festival que, pese a sus grandes esfuerzos en infraestructura, y a su organización muy estudiada, peca de algunos defectos que no puedo pasar por alto, porque los sufro todos los días.

Lo que más llama la atención es la sala de conferencias de prensa. Situada en el hotel Grand Hyatt (en frente del Berlinale Palast), en su primera planta, se accede a ella subiendo las escaleras, a mano izquierda, sin apenas espacio, mientras que a mano derecha queda la sala de prensa y algunas cosas más. Esto significa que no queda mucho espacio para moverse en el caso de que se abarrote la sala, y los follones que se pueden formar en la escalera pueden ser importantes. Pero lo más importante es que la sala de conferencias es demasiado pequeña. No caben más de 500 personas sentadas y 100 de pie. Siendo, como somos, 3.200 acreditados de prensa, puede hacerse el lector una idea. Es sencillamente absurdo, es demasiado pequeña y mal distribuida. La sala de conferencias de San Sebastián es el doble, o más, de grande. Parece mentira.

También es absurdo que los tres idiomas que están siempre disponibles para que los periodistas puedan escuchar las conferencias son el alemán (lógico), el inglés (más que lógico), y el francés (menos lógico). Hay una cuarta cabina de traducción simultánea que va cambiando de idioma, en el caso del rumano, el iraní, o el que haga falta. Pero creo, sin exagerar lo más mínimo, que es imprescindible una cabina, siempre, en español. Durante años no quisieron ponerla, luego accedieron, de nuevo la han quitado. Un idioma que hablan quinientas millones de personas en el mundo bien debería estar en la cabina de traducción, siempre. Además, en los pases de prensa están disponibles cascos para escuchar la película doblada al español. Un sinsentido.

‘If I Whistle, I Whistle’, un drama inaguantable

Por alguna razón, las películas más soporíferas suelen programarlas en los festivales cuando uno está luchando más ferozmente con el cansancio, el frío y el sueño. A las 9 de la mañana comenzó una película que, junto con ‘Mi nombre es Khan’ puede ser lo peor que hemos visto de momento en esta Berlinale. Cuenta la historia de un menor de edad en prisión, cuya vida quedó destrozada por una madre incapaz, la cual regresa del agujero en el que estuviera para llevarse a su hermano pequeño, algo que él no puede consentir. Además, se enamora de una becaria que acude al centro a hacer prácticas. Viendo que no tiene salida para impedir que su hermano se vaya, secuestra a la chica y empieza a pedir condiciones…

Sobre el papel, la historia tenía bastantes posibilidades. Ahora bien, el modo en que el director Florin Serban lo lleva a la pantalla no puede ser más anodino, falto de fuerza, de chispa, de una narración convincente. Son irritantes los tiempos muertos que “rellenan” la película. Miradas o gestos no consumados, que en manos de un director más hábil podrían haber dado algo de sí, pero que aquí son la certificación de una incapacidad. Por supuesto, el jurado puede decidir darle el Oso de Oro, los de Cahiers España se pueden poner a hablar de alguna fascinante reinvención del espacio fílmico (o zarandajas parecidas en las que tanto abundan), y a todos los que nos ha parecido un aburrimiento infumable quedársenos cara de tontos ante esta reinvención del cine. Pero no sé por qué...lo veo poco probable.

El actor principal, un tal George Pistereanu, lo cierto es que se esfuerza y se defiende bastante bien, pero la historia no tiene desarrollo ni interés ninguno. Prueba de ello es que en su correspondiente rueda de prensa, en la que algunos aplaudieron tímidamente, nadie tenía absolutamente ninguna pregunta que hacerles. Será casualidad.

‘Shutter Island’, Scorsese en fuga de sí mismo

La rueda de prensa de ‘If I Whistle, I Whistle’ se retrasó (como todas, una media de 15 minutos, lo que dificulta mucho a los acreditados organizarse la jornada, y lo que deja mucho que desear en cuanto a la puntualidad del certamen), pero hubiera importado poco que no lo hiciera porque no fuimos muchos periodistas, y los que fuimos duramos poco, ya que se acercaba el pase de prensa de ‘Shutter Island’, la última película de Martin Scorsese. Puedo asegurar que las colas de periodistas que se formaron, cuarenta y cinco minutos antes de su comienzo, eran de impresión.

Sin embargo, y por mucho que lamente decirlo (scorsesiano de corazón como lo soy, desde hace muchos años) ‘Shutter Island’ no hace si no confirmar el declive absoluto de este gran director, por mucho que algunos comentaristas epidérmicos no quieran (o mejor, no puedan) darse cuenta de ello. Y no me tiembla ni un ápice la picota al afirmarlo porque, precisamente, le sigo desde hace muchos años y me conozco su carrera a la perfección. Es decir. sé de lo que es capaz, sé lo gran artista que es, sé el gran tipo que es, y por eso hablo en términos de decepción.

Adaptación de la novela homónima de Dennis Lehane, ‘Shutter Island’ es un thriller (con todas las letras, y bien usado, no como otras veces, pues proviene del verbo ‘To Thrill’, esto es, emocionar, alterar) que cuenta la investigación de Teddy Daniels, un detective que investiga una misteriosa desaparición en un internado psiquiátrico situado en la isla Shutter, en el cual nada es lo que parece, en el que poco él mismo irá perdiendo la razón, y que supondrá una aventura con toques siniestros.

Scorsese filma con una exactitud geométrica. Se las sabe todas, el viejo zorro. Sin embargo la película carece por completo de alma. No es más que un juguete en manos de este gigante. Un juguete que él narra sin despeinarse, que le queda exageradamente pequeño y facilón. Dice haberse inspirado en ‘Laura’, sobre todo, y en otras películas clásicas del cine negro y el misterio, pero su película es exageradísima, hiperbolizada, con momentos ridículos a veces. No hay una sola secuencia destacable. Eso sí, unos movimientos de cámara, unas grúas, unas luces (excelente, por cierto, la fotografía de Robert Richardson) que dan fé de sus conocimientos y su pasión por el detalle.

Esta es su cuarta colaboración (consecutiva) con Leonardo DiCaprio, y sin duda es en la que peor está el famoso rompecorazones, la menos creíble, la más forzada. Hay momentos en los que está en otra película, en otro reparto. Y debería hacerse mirar lo de imitar, una y otra vez, a Robert DeNiro. Pero ya su personaje carece de interés, de carácter. Importa muy poco lo que le pase en ese psiquiátrico tan bien diseñado, tan forzadamente inquietante y tenebroso.

Desde que, en 2002, firmara ‘Gangs of New York’, la última de sus películas que puede considerarse realmente scorsesiana, este grandísimo cineasta ha ido perdiendo personalidad a pasos agigantados. Energía no, simplemente su universo personal se ha aguado, ahora que precisamente puede hacer la película que le venga en gana, ahora que esperábamos su florecimiento final y apoteósico, después de su extraordinaria década de los 90. ‘Gangs’ no era redonda, pero era fascinante, turbia y scorsesiana. Sin embargo, la trilogía protagonizada (de forma total) por DiCaprio, conformada por ‘El aviador’, ‘The Departed’ y ‘Shutter Island’ está lejos, muy lejos, de su obra maestra (la excepcional trilogía formada por ‘La edad de la inocencia’, ‘Casino’ y ‘Kundun’), y de su obra más arrebatada y personal (‘Uno de los nuestros’).

Incluso un actor a menudo interesante como Mark Ruffalo está sencillamente mal dirigido. Como mal dirigidas, apresuradas y sin tiempo para ver nada, están hechas las escenas de suspense. Si me dicen que es película de otro director, me lo creo sin dudarlo un segundo. No parece el bueno de Marty. La versatilidad está bien…siempre que uno sea fiel a su propio mundo. Y él no lo está siendo.

Pero es que ‘Shutter Island’ podría ser, fácilmente, su peor película. ¿Dónde está la ferocidad, la autodestrucción, de ‘Toro Salvaje’? ¿La audacia de ‘El rey de la comedia’? ¿La frescura de ‘Jo, qué noche’? ¿La contención de ‘El color del dinero’? ¿La mirada apasionada de ‘The Last Waltz’? DiCaprio ha tenido una gran suerte acaparando los papeles de este director (cuyo documental ‘No direction Home’ es quizá su última obra importante), pero Scorsese, a tenor de lo visto, no ha tenido tanta suerte con un actor tan limitado.

Eso sí, el revuelo que se formó a las dos de la tarde en las cercanías del Berlinale Palast fue de órdago. Personalmente, en cuanto acabó la película, sin ni siquiera ver los títulos, salí a toda velocidad hacia la sala de conferencias…y encontré sitio de puto milagro. Ya estaba a rebosar. Eso significa, por fuerza, que el noventa por ciento de los que allí estaban sentados no habían visto la película, y no podían por tanto preguntarle por ella al director (lo que enlaza como mi interludio sobre la Press Conference Room…). Y tras un retraso de veinticinco minutos, aparecieron nueve personas del equipo, incluido un grupo de actores formidable: Mark Ruffalo, Ben Kingsley (uno de los más grandes actores vivos, y que es lo mejor de la película), Michelle Williams, Leonardo DiCaprio, arropando al gran Scorsese. Casi nada.

La ovación fue estruendosa. Aunque es justo decir que cuando presentaron a la prensa a Kingsley, los vítores fueron tan sonoros como los dedicados a Scorsese. Es lo que tiene ser un genio. Puedo asegurar, porque lo he visto, que la gente se sentaba en los pasillos y abarrotaba la puerta de entrada. Que las preguntas se sucedían sin cesar, que el ambiente era de privilegio. Scorsese reía con ganas, mientras hablaba con su erudición cinematográfica. DiCaprio agradecía (por vez número mil millones) trabajar con él. Hubo buen ambiente y charla distendida, risas y chistes. Y sobre todo muchos elogios al director, a pesar de que, digan lo que digan, ha filmado su peor película. Se estrena el viernes que viene en España y conocerá un gran éxito, sin duda.

‘Submarino’, regresa el “dogmático” Vinterberg

En las antípodas del cine exagerado, pagado de sí mismo, del Scorsese menos interesante de su carrera, está Vinterberg, que precisamente vuelve a las raíces, a rodar un cine artesanal, pequeñisimo, ínfimo en presupuesto. Pero eso sí, enorme en corazón, en valentía, en sinceridad. ‘Submarino’ cuenta la historia, terrible, durísima, de dos hermanos marcados por una infancia brutal, en la que una madre patética, alcohólica y abyecta, les marcó para siempre, y cuya vida adulta ha quedado irremisiblemente transtornada, perdida, rota. Está basada en una novela danesa de gran éxito, escrita por Jonas T. Bengtsson, y no puede ser más humilde y más conmovedora.

Comienza, de manera muy significativa, con el habla inconexa y sin palabras de un bebé recién nacido que se aferra al dedo de un hermano mayor. Es una película sobre la importancia de la infancia, sobre los deshechos de la sociedad, sobre los marginados, los desesperados. Es decir, sobre el grueso de la población de este planeta. Los dos hermanos intentarán ayudarse mutuamente, pero será siempre difícil y doloroso, casi trágico. La cámara de Vinterberg les sigue con una veracidad, con una compasión, que asusta. No hay alardes, ni intención, sólo dos personajes.

Decir que Jakob Cedergren y Peter Plaugborg están estupendos, sería faltar a la verdad. Simplemente están perfectos. Y Vinterberg, narrando las miserias de los personajes, no cae jamás, milagro, en el morbo fácil, en el recurso al melodrama lacrimógeno, ni en el juicio moral, al estilo del más abyecto Darren Aronofsky, el de la insoportable ‘Réquiem por un sueño’. En lugar de eso siempre está contenido, elegante, sobrio. Un ejemplo de austeridad, de cine de gran pureza.

‘Submarino’ no es un filme excepcional, ni mucho menos, pero podría llevarse el Oso de Oro perfectamente (como ‘The Ghost Writer’) y nadie podría rechistar. Eso si no aparece, finalmente, esa referida obra excepcional que siempre se espera como agua de mayo en festival (y que pocas veces llega), para que no haya dudas de que se debe llevar el máximo galardón. Y en cuanto el Oso de Plata a mejor actor, sus dos intérpretes podrían aspirar a él perfectamente.

La rueda de prensa resultó, desgraciadamente, muy descafeinada. Es el problema de ir a continuación de Scorsese, y a última hora de una jornada extenuante. Vinterberg y su equipo se lo tomaron con resignación y contestaron a las pocas preguntas que les hicieron. He de decir que me parece muy significativo de la hipocresía generalizada que estas cosas sucedan. En un festival que existe, en teoría, para lanzar al cine pequeño, los grandes títulos norteamericanos son los que a más prensa atraen a las conferencias, mientras que el cine de autor europeo (en teoría, el que más mima el festival) a menudo es ignorado por los periodistas que tanto hablan del cine artesanal. Es lo que hay.

Mañana puede ser un día muy interesante, pues se presentan, por este orden, la nueva de Zhang Yimou, la de Noah Baumbach, y la de Banksy.

Berlín, 13 de Febrero de 2010

Entre el 23 de enero y el 17 de marzo de 2006 se recibieron 460 guiones a través de la web. Un Comité seleccionó los 30 mejores para su posterior realización. Los 30 concursantes seleccionados han formado parte de un taller (6 y 7 Abril en el Parador de Sigüenza) dirigido por el European Film College con cineastas nacionales e internacionales (Thomas Vinterberg, Jan Harlan, Pablo Berger, Kjeld Veirup,…), con los que trabajaron sobre sus guiones tanto a nivel técnico como artístico de manera individual y colectivo. Previo a este acto el día 5 de abril se realizó una “Ebeltoft Lecture” impartida por Thomas Vinterberg sobre cine inteligente, organizada por el European Film College.

A partir del 7 de abril cada uno de los 30 guiones seleccionados comenzó su proceso de producción con el apoyo de la organización y la colaboración de Telson en todo lo referente a la imagen de los cortos, Pecera Estudio y Estudios EXA realizando el sonido y por último Fotofilm Deluxe realizando las copias en 35mm. El mes de mayo estuvo dedicado enteramente a rodar.

Esta noche un jurado integrado por Tristán Ulloa, Chus Gutiérrez, Álvaro Fdez. Armero, Margaret Nicoll (European Film College), se encargará de fallar los siguientes premios, que se entregarán en una gala que se celebrará en el cine Palafox de Madrid:

• 1er premio 30.000€ para rodar el próximo corto

• 2do premio Un curso de 8 meses en el European Film College

• 3er premio Una Mención especial del Jurado de 3.000€

• 4to premio Premio del Público, viaje al Festival de Berlín para 2 personas

• 5º premio Montaje de un corto en Telson (valorado en 10.000€)

El Premio del Público se ha hecho mediante votación popular.

Vía: D y P comunicación.