Anoche se entregaron los premios del 55° BFI London Film Festival, es decir, la quincuagésimo quinta edición del Festival de Cine del British Film Institute en Londres, que había dado comienzo el día 12 de este mes en la capital británica y que se clausura esta tarde, con la proyección de ‘Deep Blue Sea’, de Terence Davies, protagonizada por Rachel Weisz, Tom Hiddleston y Simon Russell Beale. En una gala presentada por la actriz Gillian Anderson, se dieron a conocer las decisiones del jurado, presidido por John Madden, que eligió entre los 300 largos y cortometrajes llegados de 55 países.

La ganadora fue la cinta ‘We Need to Talk About Kevin’ (“tenemos que hablar de Kevin”), de Lynne Ramsay, de la que nos había hablado Juan Luis cuando la vio en Cannes, donde participó en competición por la palma de oro. Tilda Swinton y John C. Reilly protagonizan este drama, basado en la novela de Lionel Shriver, encarnando a los padres de un asesino adolescente, Kevin, a quien da vida Ezra Miller. Este film superó a otras ocho finalistas, incluyendo la película francesa muda ‘El artista’, ‘Faust’ de Aleksandr Sokurov, ganadora en Venecia, y ‘Shame’ del director británico Steve McQueen.

El debut del realizador argentino Pablo Giorgelli, ‘Las acacias’, fue galardonada con el Premio Sutherland al mejor primer largometraje. Esta cinta, interpretada por Germán de Silva y Hebe Duarte, también estuvo presente en el último Festival de Cannes, donde había obtenido la Cámara de Oro, premio a la mejor ópera prima del certamen. El film cuenta la historia de Rubén, un adusto camionero argentino que transporta acacias entre Asunción y Buenos Aires, y que durante un largo viaje al lado de una inmigrante paraguaya y su bebé, recobra sus ganas de vivir y su paternidad perdida.

Candese Reid, actriz de ‘Junkhearts’, fue premiada como Revelación Británica. El Pemio Grierson al mejor documental recayó en ‘Into the Abyss: A Tale of Death’, A Tale of Life, de Werner Herzog. Además, Ralph Fiennes y David Cronenberg fueron distinguidos por su trayectoria. Fiennes presentó ‘Coriolanus’, su estreno como director, y Cronenberg su drama psicoanalítico ‘A Dangerous Method’.

Vía | Terra.

Como lo prometido es deuda y atendiendo a las peticiones tras repasar a los actores más camaleónicos, toca el turno de repasar las actrices mutantes. Que también tenemos algunas que son capaces de transformarse de forma sorprendente, más allá de los efectos y el maquillaje.

Son actrices reconocibles (y reconocidas) con títulos dispares, cambiando notablemente de género, registro y poniendo su piel a personajes variados. Incluso parece que buscaran escapar del encasillamiento y que por su atracción por los trabajos arriesgados se han ganado el respeto y admiración de espectadores pero también de directores y compañeras de profesión. Repasemos las diez actrices mutantes de la actualidad, en dos partes, como la vez anterior.

Tilda Swinton

Habitual actriz secundaria en Hollywood, esta actriz británica nunca ha buscado ser una estrella, quizás por eso le gusta el riesgo y participar en películas de todo tipo. Desde blocksbusters, donde últimamente se prodiga más, a un cine menos comercial, como el que empezó realizando en su Inglaterra natal. La podemos ver en papeles muy diferentes como en ‘Flores rotas’ (2005) de Jarmusch, en ‘Michael Clayton’ (2007), en la fantástica ‘Las crónicas de Narnia’ (2008), en la comedia ‘Quemar después de leer’ (2008), en ‘Julia’ (2008) o en ‘El curioso caso de Benjamin Button’ (2008) entre otras.

Cate Blanchett

Australiana imprescindible en el cine actual, ya en sus inicios, también en teatro, demostraba que apuntaba alto. No solo en su cualidad interpretativa sino en su capacidad para meterse en sus papeles con gran intensidad. Y aunque la belleza de su mirada es inconfundible, Cate Blanchett ha conseguido hacer personajes muy diferentes. Desde una reina como ‘Elizabeth’ (1998), en la trilogía de los anillos, de periodista irlandesa en ‘Veronica Guerin’ (2003), de increíble Bob Dylan en ‘I’m not there’ (2007), de villana nazi soviética en ‘Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal’ (2008), junto a Pitt en ‘El curioso caso de Benjamin Button’ (2008) o nada menos que como Lady Marian en el ‘Robin Hood’ (2010) de Ridley Scott.

Evan Rachel Wood

Esta actriz, habitual portada de muchas revistas por su excentricidad (que incluye confesiones de bisexualidad, sonado romance con Marilyn Manson y llamativas apariciones públicas), se ha ganado el mérito de huir del encasillamiento. Algo no va con esta joven actriz que en su corta carrera está demostrando que le queda mucho por sorprender y ya ha dejado muestras de ser una actriz mutante, y siempre enigmáticamente atractiva. Recordamos a Evan Rachel Wood muy jovencita y provocativa en ‘Thirteen’ (2003), en el musical ‘Across the Universe’ (2007), sobresaliente en ‘Down in the Valley’ (2005), en ‘El rey de California’ (2007), brilló en ‘El luchador’ (2008) y también la hemos visto bajo la batuta de Woody Allen en ‘Si la cosa funciona’ (2009), además en breve la veremos en ‘The Ides of March’ (2011).

Zooey Deschanel

Otra joven actriz de talento notable que compagina con sus dotes como cantante (y modelo) dejando algunas muestras en las peículas que han intervenido, al margen de hacer sus pinitos como cantautora. Y aunque pronto veremos a Zooey Deschanel en el reboot de Spider Man, podemos recordarla en ‘Casi famosos’ (2000), en ‘The Good Girl’ (2002), en uno de sus mejores registros en ‘All the Real Girls’ (2004) y también en papeles diferentes como en ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’ (2007) y ‘The Happening’ (2008) y la más reciente ‘(500) días juntos’ (2009).

Helen Mirren

Una gran veterana actriz británica, polifacética, brillante y reconocida, sobre todo en los últimos años por sus grandes papeles tanto en producciones de su patria como de Hollywood. La larga trayectoria de Helen Miren le avala en múltiples registros, pero desde luego que ha sabido meterse de lleno en la piel de personajes dispares, sin importarle hacer de villana, de protagonista o simplemente con papeles menores a pesar de su reputación. Un actriz como la copa de un pino y que ha dejado su impronta en títulos como ‘La costa de los mosquitos’ (1986), ‘Gosford Park’, brillante en ‘La locura del Rey Jorge’, en la fantástica ‘Corazón de tinta’, inolvidable y majestuosa en ‘The Queen’, como asesina a sueldo en ‘The Shadowboxer’ y más recientemente como matona veterana en ‘Red’, además ahora en cartelera la podemos ver en ‘La deuda’.

Hasta aquí el repaso de cinco de las diez actrices más camaleónicas. En breve la segunda entrega aquí, pero pueden ir haciendo sus apuestas y valorando sus favoritas.

En Blogdecine:

• Diez actores mutantes: los más camaleónicos de la actualidad (I)

• Diez actores mutantes: los más camaleónicos de la actualidad (y II)

Inaugurado el Festival de Cannes 2011 con la presentación fuera de concurso de ‘Midnight in Paris’, llegó el turno de las aspirantes a la Palma de Oro. Curiosamente, las dos primeras películas de la sección oficial que hemos podido ver han sido dirigidas por mujeres, y ambas se centran en mujeres, protagonistas de historias crudas, difíciles de consumir; ‘Sleeping Beauty’ es la ópera prima de la novelista australiana Julia Leigh, y ‘We Need to Talk About Kevin’ es el tercer largometraje de la escocesa Lynne Ramsay, que hasta el momento ha proyectado aquí todos sus trabajos (desde que su primer corto ganara el premio del jurado en 1996). Ninguno de los dos títulos logró fuertes aplausos, más bien reacciones tibias y algún abucheo, pero no habría que descartar que les caiga algún galardón. Al fin y al cabo el que decide es el jurado, no la prensa.

‘Sleeping Beauty’, frialdad y sumisión

“Mi vagina no es un templo”.

Lucy (Emily Browning)

La protagonista de ‘Sleeping Beauty’ (‘Bella durmiente’) es Lucy, una joven universitaria que realiza todo tipo de trabajos rutinarios para poder pagar el alquiler y los estudios; por las noches acude a sitios distinguidos para ofrecer su cuerpo a desconocidos, de manera casual, y sin recibir nada a cambio. Lucy parece poseída por una constante sensación de tedio hacia todo lo que le rodea, probándose, castigándose y entregándose a todo lo que surge, con una pasividad y una tolerancia extraordinaria. Salvo por los encuentros esporádicos, impersonales, la chica parece estar sola en el mundo, con la excepción de un amigo, marginado y autodestructivo, al que visita de vez; ambos disfrutan de la mera compañía, sin sexo. Este personaje se llama Birdmann (“bird” es pájaro y “man” hombre en inglés) y quizá lo que Lucy hace es cuidar de él como si fuera un delicado animal herido, expuesto a la muerte, resultándole su ayuda una tarea reconfortante, a diferencia de lo que hace en otras partes. Y con otros hombres, es interesante cómo propone matrimonio a dos amigos, como un juego; Birdmann accede al instante, considerando la oferta un honor, mientras el otro la rechaza, irritado por la forma de plantearlo. No creo que sea casualidad que este personaje casi se justifique diciendo que ahora tiene pareja y que ya es tarde para un compromiso entre ellos, justo antes de pedir a Lucy un poco de cortesía. La escena siguiente revela a la chica desnuda en una cama, a punto de ser manoseada (por lo menos) por un hombre que podría ser su abuelo.

Y es que un día la joven encuentra un misterioso anuncio en el periódico, solicitando estudiantes, y decide saciar su curiosidad. Tras una breve entrevista (con una incómoda inspección de su cuerpo, como si fuera un objeto), Lucy acepta participar en una peculiar experiencia para viejos adinerados; permanecerá completamente dormida, sumisa, en una habitación cerrada con un cliente, que podrá hacer con ella lo que desee, excepto penetrarla. Viene a representar algo así como una virgen a la que poder robar algo de vitalidad. Con el tiempo, la chica deseará saber qué ocurre cuando está drogada… Elegante, sugerente, hipnótica, desagradable, y también gélida, repetitiva, lenta, difícil. Es improbable que el debut de Leigh le deje a uno indiferente, tan frío como la protagonista, Lucy, encarnada con valentía y dedicación por Emily Browning (la protagonista de ‘Sucker Punch’), sin duda uno de los rostros del presente y el futuro.

Browning se deja la piel en la película (nunca mejor dicho, aparece en ropa interior y totalmente desnuda en varias ocasiones) con un papel complicado, aparentemente agotador tanto física como psicológicamente, teniendo que lidiar con algunas escenas realmente perturbadoras; hay imágenes potentes en este trabajo y a veces cuesta quedarse mirando (la primera escena es aparentemente inofensiva, pero tan violenta y sexual como las que suceden en la cama). Pero conforme avanza la película, se va perdiendo el poder de seducción, el impacto, por pura saturación, por mostrar demasiado y antes de tiempo; una vez que se ha visto lo que ocurre en la habitación de la bella durmiente, en concreto durante la visita del segundo hombre, lo demás resulta inofensivo, aburrido. Cabe destacar la sencilla puesta en escena de Leigh, que mueve la cámara con lentitud, como si se tratase de un testigo de los acontecimientos, que observa e intenta entender, contribuyendo a crear una peculiar atmósfera, inquietante, sin apenas música. Posiblemente acabe desesperando a todo el que busque una explicación concreta al inusual comportamiento de Lucy, y entusiasmará a los que busquen un plato diferente, despiadado en su ataque a los apetitos y las necesidades de muchos hombres.

‘We Need to Talk About Kevin’, la madre del monstruo

Tras dedicar cinco años de su vida a la adaptación de ‘The Lovely Bones’ (antes de acabar en manos de Peter Jackson), Lynne Ramsay comenzó a trabajar en llevar al cine otro libro, también muy vendido, ‘We Need to Talk About Kevin’, de Lionel Shriver. Al parecer, la producción tardó unos cuatro años en arrancar, tras muchos problemas para conseguir financiación (no es un tema muy comercial), pero la cineasta tuvo la fortuna de contar con el firme compromiso de Tilda Swinton, que se mostró decidida a interpretar a la protagonista, estando a disposición de Ramsay el tiempo que fuese necesario, hasta que arrancara el rodaje. Después de ver la película, me parece impensable imaginar a otra actriz en el papel principal, la sensibilidad, la pasión, la desorientación y la autenticidad que caracterizan la interpretación de Swinton llena la pantalla. A su marido lo encarna John C. Reilly, y aunque es un actor sensacional, su papel no tiene toda la entidad que sería deseable, quedando su trabajo totalmente eclipsado por el de su compañera de reparto.

Coescrita por Ramsay junto a su marido, el hasta ahora actor Rory Kinnear (es su primer guion), ‘We Need to Talk About Kevin’ (‘Necesitamos hablar sobre Kevin’) gira en torno a Eva Khatchadourian, una mujer solitaria marcada por la vergüenza. Después de soñar con una intensa batalla de tomates (rodada en el municipio valenciano de Buñol, donde realmente tiene lugar tan particular celebración, la “Tomatina”), Eva descubre que alguien ha lanzado pintura roja a su casa y su coche mientras ella dormía. Pronto descubrimos que tiene un hijo en la cárcel, el Kevin del título, así que solo hay que sumar dos y dos. Aunque no es necesario tal esfuerzo de imaginación, pues nos dan constantes pistas e incluso veremos parte del suceso. La historia se divide en dos líneas temporales que a veces se entrecruzan, representando el mundo de pesadilla en el que se ha sumergido Eva; por un lado asistimos a su presente, limpiando las manchas de la casa, trabajando en el único lugar donde la aceptan (al menos la jefa) y visitando la cárcel; asimismo, se reconstruye el nacimiento y la juventud del enigmático Kevin, desde el punto de vista de Eva, como si fuesen recuerdos que vuelve a analizar, en busca de la solución que le ayude a entender a ese psicópata, su hijo.

Pese a que superficialmente ‘We Need to Talk About Kevin’ parece girar en torno a las consecuencias de una tragedia, y cómo Eva se culpa de ello, intentando sobrellevar la carga, en el fondo lo que importa es la relación entre ella y su hijo. Es muy interesante cómo nunca queda clara la responsabilidad que tiene la familia en el desarrollo de Kevin, y más concretamente su madre, incapaz de comunicarse con él y entenderlo. La relación con su padre es totalmente diferente, aparentemente se llevan de maravilla. Pero desde que nació parece que Kevin odia a Eva y solo desea volverla loca. Lo cierto es que ella no quiso ser madre, y quizá ahí esté el origen de toda la dramática cadena de acontecimientos. Quizá, pues no se dan respuestas, al menos no unas concretas. ‘We Need to Talk About Kevin’ es una película arriesgada (el tramo final es tremendo), intensa, imaginativa, con una formidable Swinton y el hallazgo de Ezra Miller, muy convincente como encantador y aterrador adolescente. De nuevo, da la impresión de que dan demasiadas vueltas sobre lo mismo, innecesariamente, consumiendo un tiempo precioso, pero me temo que la concisión en el cine es cosa del pasado.

Juan Luis Caviaro desde Cannes, 12 de mayo de 2011.

PD: He estado sentado a un palmo de Adrien Brody en el pase de ‘Restless’, lo nuevo de Gus van Sant. Y a la salida me he cruzado con Emir Kusturica, Bryce Dallas Howard, Rodrigo Santoro y Michael Sheen, al que no he podido evitar pedir un autógrafo en plan “soy super-fan tuyo”.

Aquí en Granada hay tres cines (y un Kinépolis en las afueras); uno antiguo que se cae a pedazos, muy barato, con tan poco espacio entre las butacas que destroza las rodillas de los que medimos más de un metro sesenta, y una sola sala en la que proyectan un estreno potente durante más o menos un mes; también está el multicines moderno habitual, con muchas salas, cómodo, más caro, con buena imagen y sonido, repleto de títulos comerciales; y luego hay un tercero que es una mezcla de esos dos, un “multicines viejo”, con bastantes salas, buen precio, butacas confortables, imagen razonablemente buena y sonido mediocre a menos que vayas a ver un blockbuster (de hecho, lo oirás de cualquier manera, de lo bajo que se oyen las demás). De los tres, al que suelo acudir con más frecuencia es al último, porque es el único con una oferta realmente variada.

Una de esas películas diferentes, para minorías, que se pueden encontrar aún en este cine es la italiana ‘Io sono l´amore’ (‘Yo soy el amor’‘), protagonizada por la conocida actriz inglesa Tilda Swinton. La historia se centra en los Recchi, una acaudalada familia de Milán que se ve sometida a importantes cambios tras la muerte del patriarca; la transformación principal se produce en Emma, atrapada en un aburrido matrimonio y una vida superficial. Curiosamente, en torno a una mujer madura y casada, que ansía escapar de la trampa de rutinas en la que se ha metido, gira también la estadounidense ‘La vida privada de Pippa Lee’ (‘The Privates Lives of Pippa Lee’, 2009), en nuestras carteleras desde el pasado viernes (y también con muy pocas copias). Aunque narran una aventura similar, el tratamiento de las dos películas es muy diferente.

La norteamericana es más convencional, muy descuidada estéticamente (como decía Alberto, tiene aire a telefilm), pero también es menos pretenciosa; sólo quiere narrar una historia, y por lo menos consigue entretener y que sigas con interés el devenir de los acontecimientos (gracias entre otras cosas, a unos acertados chispazos cómicos y unos actores muy inspirados, sobre todo Robin Wright y Alan Arkin). Por su parte, la europea es una muestra del peor cine de autor, ése tan satisfecho y pagado de sí mismo, que con aires de grandeza desprecia al espectador, y tapa sus carencias con silencios, florituras estéticas y el aplauso de los festivales. Durante gran parte del metraje da igual lo que pasa en la pantalla, y uno puede llegar a desesperarse deseando que corten antes las escenas, pues la mayoría son prescindibles o subrayan una información ya expuesta. Pero el director manda, y está empeñado en demostrar que, si le da la gana, puede ser el nuevo Luchino Visconti.

La frialdad de la decadente clase alta…

‘Io sono l´amore’ (‘Yo soy el amor’) es una producción italiana de 2009 que se estrenó en nuestro país el pasado 21 de mayo, tras pasearse por los festivales de Toronto, Venecia y Sundance. Como he dicho, el film nos traslada a Milán, la sede de la poderosa familia Recchi. Todo comienza con una importante cena (que recuerda inevitablemente a ‘Dublineses: Los muertos’) en la que el patriarca debe elegir a su sucesor, al hombre que se encargará de dirigir el negocio familiar. El mando recae de manera previsible en su primogénito, pero para sorpresa de todos, el viejo también menciona a su joven nieto, que había sido noticia esa misma tarde al perder (por primera vez) en un evento deportivo. Tras esa noche, los cambios adoptarán una nueva dimensión y nada volverá a ser igual para los Recchi.

El guión es de Barbara Alberti, Ivan Cotroneo, Walter Fasano y Luca Guadagnino, a partir de un argumento de este último, que es además el director de la película (suya es también ‘Melissa P.’ o el documental ‘Mundo civilizado’). ‘Yo soy el amor’ resulta tan fría, distante y pretenciosa como la familia que retrata; Guadagnino se pierde en encuadres sofisticados y se detiene demasiado en detalles gratuitos e irrelevantes, en lugar de preocuparse por la narración y sus personajes; porque es más fácil, desde luego. Se capta rápidamente, sin necesidad de tanta recreación, la muerte en vida de una alta sociedad decadente, los gestos mecánicos de sus integrantes, la falta de pasión en la existencia de los Recchi, cuyo único destino es la destrucción. Inevitable tras la marcha de su miembro más veterano, el símbolo de otra época y el pegamento que los mantenía unidos; también anclados tanto a una forma de entender el mundo como de entenderse a sí mismos.

... y una mujer descongelada

La fractura irremediable de los Recchi tiene su origen en el personaje de Emma, la atenta esposa, la madre ejemplar, encarnada por una espléndida Tilda Swinton, quien dio clases de italiano y ruso para poder defenderse de manera natural ante la cámara; cosa que consigue. Swinton representa de forma brillante, con soltura y autenticidad, el progresivo cambio que va recorriendo las entrañas de Emma, una mujer que abandonó su Rusia natal siendo muy joven para casarse con un hombre rico, que ni la entiende ni la ama, pues no es capaz de ello, es alguien con una mentalidad de otro tiempo, agarrado al actual y preocupado por el estatus, las apariencias y las finanzas. Bajo su espléndido disfraz, ella mantiene aún frescas las esencias de su juventud (el idioma, la sopa), que liberará cuando conozca a Antonio, un hábil cocinero muy amigo de su hijo (quien a su vez se resiste a cultivar la semilla del cambio plantada por su madre, con trágicas y previsibles consecuencias).

La mujer va desprendiéndose de las gélidas capas de su impostura para abrazar una nueva vida, a la que se entrega por completo, sin posibilidad de vuelta atrás, cuando descubre que su hija piensa abandonar a su novio formal porque se ha enamorado perdidamente de otra chica. El despertar sensorial y sexual de Emma, su redescubrimiento personal y su rebeldía, es lo único que anima una película de dos (eternas) horas que se hace demasiado lenta y pesada, que llega a rozar el ridículo en algunas escenas en las que el director explora su capacidad para la poesía visual (Emma probando la comida de Antonio o el encuentro sexual en el campo). Dejando a un lado el formidable trabajo de la actriz principal, y la estupenda partitura de John Adams, ‘Io sono l’amore’ es una de las películas más vacías e inaguantables que he visto este año.

Semana un tanto floja en lo que a estrenos de cine se refiere, aunque no puede negarse que la oferta es variada. Ninguno de los siete títulos que llegan hoy a los cines de nuestro país tiene pinta de resultar un bombazo de taquilla, salvo quizá la secuela de ‘La pantera rosa’, si es que a alguien le gustó la primera. Otro que vuelve, y esto sí es más interesante, es el Che del Toro, quiero decir, Benicio Guevara, no, espera… bueno, que se estrena también la segunda parte de ‘Che: El argentino’, una película que queda incompleta sin ‘Che: Guerrilla’. También se estrena, con mucho retraso, una comedia con el genial Ricky Gervais, en la que interpreta a un dentista que ve fantasmas, y “algo” que lleva la firma del temible Uwe Boll.

• ‘Che: Guerrilla’

Dirección: Steven Soderbergh. Países: USA, Francia y España. Año: 2008. Duración: 131 min. Género: Biopic, drama. Interpretación: Benicio del Toro (Ernesto ‘Che’ Guevara), Carlos Bardem (Moisés Guevara), Demián Bichir (Fidel Castro), Joaquim de Almeida (Barrientos), Eduard Fernández (Ciro Algañaraz), Marc-André Grondin (Regis Debray), Óscar Jaenada (Darío), Elvira Mínguez (Celia Sánchez), Jordi Mollà (capitán Vargas), Rubén Ochandiano (Rolando), Julia Ormond (Lisa Howard), Gaston Pauls (Ciros Bustos), Jorge Perugorría (Joaquín), Franka Potente (Tania), Lou Diamond Philipps (Mario Monje), Rodrigo Santoro (Raúl Castro), Yul Vázquez (Alejandro Ramírez), Mark Umbers (Roth). Guión: Peter Buchman; inspirado en “El diario del Che en Bolivia” de Ernesto Che Guevara.

Sinopsis: “Che: Guerrilla” arranca con el Che en lo más alto de su popularidad y poder tras la revolución cubana, cuando pronuncia un vehemente discurso en las Naciones Unidas, reafirmando su compromiso con la lucha del Tercer Mundo contra el imperialismo de los EE.UU. Más que un soldado, el Che es una glamurosa figura de nivel mundial. De repente desaparece sin dejar rastro. ¿Por qué se ha ido de Cuba? ¿Adónde ha ido? ¿Acaso sigue con vida? El Che reaparece de incógnito en Bolivia, irreconocible y realizando operaciones encubiertas. Organiza un pequeño grupo de camaradas cubanos y reclutas bolivianos para comenzar la Gran Revolución Latinoamericana.

Este plato huele a… gran plato de potaje de habichuelas. Seguro que alimenta, y que te sacia por completo, pero también que es algo que puede no apetecer, o que puede resultar tan denso que empieces a necesitar pronto una buena siesta. Hay que contar con que Soderbergh es un buen cocinero y Del Toro un ingrediente excelente, así como que sin esta continuación, la primera queda coja, incompleta. A mí me parece que es el estreno de la semana. Podéis ver el póster y el trailer haciendo click aquí.

• ‘En el nombre del rey’

Dirección: Uwe Boll. Países: Alemania y Canadá. Año: 2007. Duración: 127 min. Género: Acción, aventuras. Interpretación: Jason Statham (granjero), John Rhys-Davies (Merick), Ray Liotta (Gallian), Matthew Lillard (duque Fallow), Leelee Sobieski (Muriella), Burt Reynolds (rey Konreid), Will Sanderson (Bastian), Ron Perlman (Norick), Claire Forlani (Solana), Brian White (Tarish), Kristana Loken (Elora). Guión: Doug Taylor; sobre un argumento de Jason Rappaport, Dan Stroncak y Doug Taylor; inspirado en el videojuego “Dungeon Siege”.

Sinopsis: La vida de un hombre (Jason Statham) cambia para siempre cuando una banda de guerreros arrasa la aldea de Stonebridge matando a su hijo y secuestrando a su esposa Solana (Claire Forlani). Movido por el dolor, el antaño pacífico campesino parte con su mentor Norick (Ron Perlman) y su cuñado Bastian (Will Sanderson) para liberarla.

Este plato huele a… pizza hawaiana con picante, helado de pistacho y mucha mayonesa por encima. Lo firma Uwe Boll, el considerado como el peor director del planeta. ¿Qué se puede esperar? Mi colega Beatriz nos dejó la crítica hace tiempo, click aquí para leerla. También os recuerdo que tenéis el póster y el trailer pinchando aquí.

• ‘Háblame de la lluvia’

Dirección: Agnès Jaoui. País: Francia. Año: 2008. Duración: 110 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Agnès Jaoui (Agathe Villanova), Jean-Pierre Bacri (Michel Ronsard), Jamel Debbouze (Karim), Pascale Arbillot (Florence), Guillaume de Tonquedec (Stéphane), Frédéric Pierrot (Antoine), Mimouna Hadji (Mimouna), Florence Loiret-Caille (Aurélie), Anne Werner (Séverine), Laurent Jarroir (Guillaume). Guión: Agnés Jaoui y Jean-Pierre Bacri.

Sinopsis: Agathe Villanova (Agnés Jaoui), una mujer feminista recientemente dedicada a la política, regresa durante unos días a su pueblo natal en el sur de Francia para tomarse un descanso y, de paso, ayudar a su hermana Florence (Pascale Arbillot) a ordenar las pertenencias de su madre, recientemente fallecida. En la casa, además de la familia de la hermana, vive una asistenta argelina, Mimouna (Mimouna Hadji), y su hijo, Karim (Jamel Debbouze), que decide realizar junto con su amigo Michel (Jean-Pierre Bacri), director de cine en declive, un documental sobre Villanova. A partir de ahí se desencarnarán todo tipo de desventuras que constituyen ante todo una excusa para tratar el tema de la humillación y de las relaciones de sumisión (voluntaria o no).

Este plato huele a… tortilla francesa. Ha sido una obviedad, es cierto, lo siento, estuve en París hace poco y no encontré muchos platos franceses. La verdad es que no sé qué puede esperarse de esta película, más allá de lo que comenta Beatriz en su crítica, donde dice que es entretenida. Puede ser una buena opción para los espectadores hartos del cine de Hollywood.

• ‘Julia’

Dirección: Erick Zonca. País: Francia. Año: 2008. Duración: 138 min. Género: Drama. Interpretación: Tilda Swinton (Julia), Saul Rubinek (Mitch), Kate del Castillo (Elena), Aidan Gould (Tom), Jude Ciccolella (Nick), Bruno Bichir (Diego), Horacio García Rojas (Santos), Gastòn Peterson (Miguel), Mauricio Moreno (José), Kevin Kilner (Johnny). Guión: Michael Collins y Roger Bohbot; basado en el guión de Aude Py y Erick Zonca.

Sinopsis: Julia (Tilda Swinton) tiene 40 años y es alcohólica. Es manipuladora, no se puede confiar en ella, mentirosa compulsiva, insegura bajo su flamante fachada. Entre tragos de vodka y citas de una noche, Julia sobrevive con pequeños trabajos. Cada vez más sola, las únicas atenciones que recibe provienen de su amigo Mitch (Saul Rubinek), que trata de ayudarla. Pero ella le aleja, a la vez que el alcohol refuerza su idea de que la vida le ha repartido malas cartas y de que ella no tiene la culpa del desastre en que se ha convertido su vida. Previendo la perdición inminente y tras un encuentro casual con Elena (Kate del Castillo), Julia se convence, movida por el pánico y su situación económica, de cometer un acto violento.

Este plato huele a… combinado de quesos y patés, acompañado de un poco de vino. Puede ser un buen aperitivo para el que busque algo menos convencional, por supuesto nada norteamericano; eso si no resulta venir todo del supermercado más barato. Mi compañera Beatriz le dio cuatro estrellas y media en su crítica, destacando la gran labor de Tilda Swinton. A mí me ha despertado el apetito.

• ‘La pantera rosa 2’

Dirección: Harald Zwart. País: USA. Año: 2009. Duración: 92 min. Género: Comedia. Interpretación: Steve Martin (inspector Clouseau), Jean Reno (Ponton), Emily Mortimer (Nicole), Andy Garcia (Vicenzo), Alfred Molina (Pepperidge), Yuki Matsuzaki (Kenji), Aishwarya Rai Bachchan (Sonia), John Cleese (Dreyfus), Lily Tomlin (Sra. Berenger), Jeremy Irons (Avellaneda), Johnny Hallyday (Milliken), Geoffrey Palmer (Joubert). Guión: Scott Neustadter, Michael H. Weber y Steve Martin; basado en un argumento de Scott Neustadter y Michael H. Weber; sobre los personajes creados por Maurice Richlin y Blake Edwards.

Sinopsis: El inspector Jacques Clouseau (Steve Martin) forma un equipo de detectives internacionales tan torpes como él. Su misión es parar a un ladrón especializado en el robo de objetos históricos.

Este plato huele a… hamburguesa aplastada y recalentada. Lo llaman comida basura pero el éxito es evidente; muchas personas la consumen, sin que puedan decir que no saben lo que se llevan a la boca (en realidad no lo saben, no del todo). Es el poder de la publicidad, y también cuenta el precio de los otros platos. Éste quita el hambre, se consume rápido y se olvida aún más rápido. Si es lo que quieres, adelante, es tu estómago. Pincha aquí para ver publicidad del producto.

• ‘¡Me ha caído el muerto!’

Dirección: David Koepp. País: USA. Año: 2008. Duración: 103 min. Género: Comedia. Interpretación: Ricky Gervais (Bertram Pincus), Téa Leoni (Gwen), Greg Kinnear (Frank Herlihy), Billy Campbell (Richard), Kristen Wiig (Surgeon), Dana Ivey (Sra. Pickthall), Aasif Mandvi (Dr. Jahangir Prashar). Guión: David Koepp y John Kamps.

Sinopsis: Todo empieza con el doctor Bertram Pincus (Ricky Gervais), un hombre cuyo don de gentes deja mucho que desear. Cuando Pincus muere repentinamente durante una operación quirúrgica rutinaria, pero es revivido milagrosamente a los siete minutos, se despierta y descubre que ahora tiene la molesta facultad de ver fantasmas. Y lo que es peor, todos quieren algo de él, sobre todo Frank Herlihy (Greg Kinnear), quien le acosa para que intente impedir la inminente nueva boda de su viuda Gwen (Téa Leoni).

Este plato huele a… postrecillo de chocolate. Ligero, no alimenta, pero a veces es justo lo que uno necesita. Los actores están muy bien y el humor no es el habitual, nada de golpes y pedorretas. Además tiene un estupendo toque a lo Capra. Podéis leer mi crítica pinchando aquí.

• ‘The Broken’

Dirección y guión: Sean Ellis. Países: Reino Unido y Francia. Año: 2007. Duración: 88 min. Género: Thriller, suspense. Interpretación: Lena Headey (Gina McVey), Richard Jenkins (John McVey), Michelle Duncan (Kate Coleman), Asier Newman (Daniel McVey), Melvil Poupaud (Stefan Chambers), Ulrich Thomsen (Dr. Robert).

Sinopsis: Gina McVey (Lena Headey), joven radióloga de un importante hospital londinense, acude a la celebración del cumpleaños de su padre, John (Richard Jenkins). Entre los invitados se encuentra su novio Stefan (Melvil Poupaud), su hermano Daniel (Asier Newman) y la novia de éste, Kate (Michelle Duncan). Durante la cena, mientras charlan animadamente, un gran espejo de pared se hace añicos sin motivo aparente provocando entre los asistentes el brote de una tensión inexistente hasta ese momento. Al día siguiente, de camino a casa, Gina cree ver en la calle a una mujer que guarda un asombroso parecido con ella. Sobrecogida, decide seguirla hasta su apartamento, donde, al encontrar la puerta abierta, descubrirá horrorizada una fotografía de su padre con esa otra mujer, un doble perfecto de sí misma. A partir de ese momento, la paranoia se apodera de ella y comenzará a dudar incluso de sus propios allegados.

Este plato huele a… ensaladilla de marisco envasada. Igual está riquísima, igual te pasas horas en el váter. Beatriz la pone bastante mal en su crítica, así que por ahora me voy a fiar de ella, no tengo más referencias y sí otros platos pendientes que huelen mejor.

Vía | Labutaca

El viernes, 27 de febrero, casi un año después que en Francia, se estrenará ‘Julia’, una película que no llega con demasiado ruido, a pesar de su calidad. El director es Erick Zonca, autor de ‘La vida soñada de los ángeles’ y ‘El pequeño ladrón’. Tilda Swinton, Saul Rubinek, Kate del Castillo, Aidan Gould, Jude Ciccolella y Bruno Bichir componen el reparto.

Julia conoce en Alcohólicos Anónimos a Elena, una mexicana desquiciada que le pide ayuda para secuestrar a su hijo, Tom. El niño vive bajo la custodia de su abuelo, un multimillonario que impide a Elena visitarlo. Fingiendo que se solidariza con ella, Julia acepta la proposición de la joven, pero lo que se propone es algo muy diferente.

Tilda Swinton, de la que nunca habíamos dudado que fuese una actriz sublime, aquí se desmarca con un tremendo trabajo en el que demuestra una entrega y una vitalidad impresionantes. Su Julia está pasada de todo, por ello la interpretación puede parecer pasada, pero entra en el tono del film, que no es en absoluto sobrio. La intérprete crea un personaje que interesa a pesar de sus numerosos defectos y vicios y que nos transporta a lo largo de esta rocambolesca historia.

A su lado está Saul Rubinek, en el papel de su único amigo y espónsor en AA, personaje igual de poliédrico y que también muestra un gran carisma. Bruno Bichir introduce casi todo el humor del film gracias a un papel que al mismo tiempo resulta trágico. El trabajo del niño Aidan Gould no es tan significativo, a pesar de que es el que más tiempo en pantalla tiene, después de Swinton, pero Gould está correcto en su piel. Quizá la que menos empatía despierta es la madre del chaval, encarnada por Kate del Castillo, pero es muy probable que el personaje de Elena esté interpretado así intencionadamente.

‘Julia’ tiene una fotografía de intensos colores y altas luces que llega a su esplendor en el desierto, donde se consiguen imágenes tan increíbles como las que acompañan esta entrada. Zonca eligió situar el film en Los Ángeles para utilizar estos espacios abiertos y desabridos, lo que acompaña perfectamente la soledad de los personajes y el aislamiento de sus situaciones. La película está rodada y montada con gran brío. Los diez años que Zonca ha permanecido alejando del cine, rodando publicidad, parecen haber dado este fruto.

Lo que comienza con apariencia de drama centrado en un personaje acabado, se convierte en un vertiginoso y violento thriller, lleno de crudeza y autenticidad. Con este currículum, lo que quizá nadie se podría esperar de esta cinta es que estuviese cargada de humor y que resultase entretenidísima, tanto que yo, que siempre considero que las duraciones son exageradas, estaba deseando que continuase, tras sus 138 minutos. Admito que tengo una debilidad por las películas que mezclan idiomas, si uno de ellos es el español, lo que puede influir bastante. Pero creo que no exagero cuando digo que, mientras se ve ‘Julia’, el tiempo pasa volando.

‘Julia’ guarda semejanzas con ‘Gloria’, de John Cassavetes. Zonca admite una influencia estética del actor y director neoyorquino, pero cuenta que lo que le inspiró la historia fue una fotografía de Helmut Newton en la que aparecía una atractiva pelirroja conduciendo un BMW por una autopista de Los Angeles. El cineasta quiso contrastar ese glamour con violencia y autodestrucción y estudiar a un personaje que se equivoca en sus decisiones. A pesar de lo ambicioso del proyecto, ha logrado sus propósitos. No en balde, el francés ha dedicado cuatro años a escribir el guión, en el que también son cuatro los autores que han participado.

En definitiva, ‘Julia’ es una película muy recomendable porque, a la vez que ofrece un gran calado emocional en el personaje principal y nos muestra una evolución que en ella parecía imposible, entretiene con elementos de thriller presentados de manera muy original y divertida.

Tráiler de ‘Julia’.

Mi puntuación:

A falta de otros argumentos, Sally Potter ha pensado que cambiar de sexo a Jude Law llamará la atención del público hacia su nueva película, titulada ‘Rage’, y vista hace nada en el festival de Berlin, donde compite en la sección oficial. La experiencia de travestir a un actor para una de sus obras no es nueva para Potter, ya que en ‘Orlando’, su film más famoso, hizo que Tilda Swinton interpretase a un hombre.

Así que ahí lo tenéis. O la tenéis. En la imagen de arriba, Jude Law como Minx, una supermodelo, una de las protagonistas de la historia. Y atención porque el reparto incluye nombres como los de Steve Buscemi, Judi Dench, Dianne Wiest o John Leguizamo.

Según parece, ‘Rage’ es una película de misterio ambientada en Manhattan, en el mundo de la moda. Un crimen y la consiguiente investigación animará la trama, que veremos a partir de grabaciones hechas (o simuladas) con un móvil. Para temblar. Por supuesto, la directora dice que su película trata sobre el mal uso de la belleza como negocio. Porque hacer algo con esta temática y no criticar lo obvio quedaría bastante mal… En fin, todo depende del enfoque. ¿A alguien le interesa esta propuesta?

Pd: Potter dice que eligió a Law para ese papel porque cree que su belleza daña su reputación como actor. Ejem.

Vía | AmbienteG

Al margen de ello, y centrándonos en las películas a concurso, se podrán ver tres producciones españolas en el certamen berlinés. Son la ya conocida ‘Sólo quiero caminar’ de Díaz Yanes, ‘Ander’ (rodada en euskera y castellano) de Roberto Castón y el documental ‘Coyote’ de Chema Rodríguez. Estos títulos competirán junto a otras 47 producciones en la sección Panorama de la Berlinale. Otras dos producciones en las que hay participación económica española son ‘Gigante’ del argentino Adrián Biniez y la hispano-peruana ‘La teta asustada’ de Claudia Llosa.

En el resto de películas destaca la superproducción ‘The international’ del alemán Tom Tykwer con Clive Owen y Naomi Watts como estrellas, que será la encargada de abrir el Festival. Entre las 18 películas de la competición oficial resultan interesantes ‘The Messenger’ con Woody Harrelson como veterano de Irak, ‘In the electric mist’ de Bertrand Tavernier con Tommy Lee Jones, o ‘Happy Tears’ con Demi Moore que pondrá la nota de glamour. También veremos a otra veterana como Michelle Pfeiffer en ‘Chéri’ de Stephen Frears.

Varias estrellas han confirmado su asistencia, por lo que la gélida alfombra roja lucirá espléndida con Kate Winslet, Renée Zellweger, Ellen Barkin, Julianne Moore, Winona Ryder y las mencionadas Michelle Pfeiffer y Demi Moore. Asimismo pasearán su palmito actores como Willem Dafoe, Leonardo di Caprio, Keanu Reeves o Gael García Bernal.

La Berlinale dedicará una retrospectiva interesante a las películas rodadas en 70 mm que se realizaron durante la crisis de los 50, para ofrecer una nueva perspectiva frente al crecimiento de la televisión. Quizás sirva como ejemplo a las posibilidades actuales frente a la crisis actual. También destaca la proyección de una de las obras maestras del genial Stanley Kubrick, en concreto ‘2001: una odisea en el espacio’ con una copia restaurada.

La actriz escocesa Tilda Swinton será la presidenta del jurado (del que también forma parte la española Isabel Coixet), y se premiará al compositor Maurice Jarre con un Oso de Oro por su trayectoria cinematográfica. También recibirán premios honoríficos el cineasta Claude Chabrol y el productor alemán Günter Rohrbach.

Web oficial | Berlinale

Que se estrene una película de los hermanos Coen es una buena noticia. Con algunos títulos absolutamente memorables en su filmografía, los triunfadores en la última ceremonia de los Oscar tienen un estilo propio que refresca la cartelera. Tras la exitosa ‘No es país para viejos’, los Coen dan un giro y estrenan ‘Quemar después de leer’, abandonando casi por completo el drama para internarse de nuevo en la comedia más disparatada. George Clooney se refirió a este título como el cierre de la trilogía idiota, junto a ‘O Brother’ y ‘Crueldad Intolerable’, las otras dos películas que ha protagonizado para los cineastas.

Definitivamente, hay mucho idiota en ‘Quemar después de leer’. Los Coen vuelven a centrarse en la estupidez humana para confeccionar una trama rocambolesca que se va complicando conforme pasan los minutos. Sin embargo, al igual que ocurrió con el film anterior de los hermanos, falta un clímax, falta un gran momento donde estalle todo lo que se ha estado preparando, que la mecha toque el explosivo y arrase con todo. Se nos vuelve a privar de la contemplación de hechos fundamentales del desenlace y se nos vuelve a dejar con la miel en los labios.

‘Quemar después de leer’ (‘Burn After Reading’, 2008) comienza presentándonos el despido de Osborne Cox, un analista de la CIA al que acusan de tener problemas con el alcohol. Su vida se desploma, y su mujer, Katie, no resulta de gran ayuda. Le está engañando con Harry, un agente federal, y pretende conseguir el divorcio, llevándose todo el dinero que pueda por el camino. Sin nada que hacer, Osborne decide escribir una novela, sus memorias, donde contaría su etapa en la CIA, desvelando secretos oficiales. Sin saber cómo, sus primeras notas acaben en manos de dos individuos que pretenden chantajearle.

Sin embargo, las cosas no son lo que parecen. Los dos que le piden dinero a cambio del disco donde, supuestamente, están sus memorias, son Linda y Chad, empleados de un gimnasio con muy poca idea de… todo. Chad mantiene que en el disco hay secretos importantísimos, por los que pedir una cuantiosa suma de dinero. Linda ve entonces la oportunidad para costearse las operaciones de cirugía estética que desea. Después de que Osborne rechace hacer un trato, las dos “brillantes” mentes criminales deciden acudir a la embajada rusa para venderles la información…

Podríamos esperar mucho más de Joel y Ethan Coen, pero creo que hay que aceptar de buen grado lo que nos ofrecen. Una hora y media de entretenimiento. Actores como Clooney o Brad Pitt encarnando personajes idiotas y provocando “un lío de cojones”, como llega a calificarlo uno de ellos. Como es habitual en el cine de los hermanos, los protagonistas de sus historias aspiran a una vida mejor y para eso preparan un negocio ilegal, creyendo tenerlo todo bajo control. Pero el mundo es un lugar peligroso y lo que funciona en tu mente puede ser un completo desastre fuera de ella. Planes perfectos que al ponerse en práctica resultan ser cadenas de despropósitos, con varias tragedias incluidas.

Es curioso cómo empieza y acaba ‘Quemar después de leer’, como si fuéramos invitados a presenciar el mundo desde el punto de vista de una inteligencia superior, que ve a la gente y se pregunta qué demonios les pasa para actuar así. Y el primer destino es la CIA, la inteligencia “superior” en la Tierra. Para echarse a temblar. Los Coen escribieron el guión de esta película mientras adaptaban ‘No es país para viejos’, pensando en actores que les gustan y en personajes que podrían interpretar, creando luego una historia para unirlos a todos. Al final consiguieron un reparto muy llamativo formado por George Clooney, Frances McDormand, John Malkovich, Brad Pitt, Tilda Swinton y J. K. Simmons. Viendo la película, uno no duda que todos lo pasaron estupendamente en el rodaje. Mejor que el público, no cabe duda, y es que a menudo da la sensación de que en el montaje se han colado tomas que debieron ser repetidas.

De todos ellos, quiero destacar a Pitt, en el papel de Chad. Suyos son los momentos más divertidos de la película. Desde la escena en la que revela la información del disco, uno no puede evitar sentir cariño por este completo idiota, uno de los chantajistas/espías más ineptos que jamás hayáis visto. Desternillante su encuentro con el personaje de Malkovich (que, como de costumbre, está magnífico), llegando en bicicleta y tratando de intimidar con la mirada y la voz misteriosa.

Clooney se pasa un poco de rosca para resultar gracioso, pero se le perdona porque, efectivamente, su personaje protagoniza algunas escenas muy cómicas. McDormand interpreta al otro personaje rematadamente imbécil de la historia, una mujer fuera de la realidad que busca pareja en internet y que cree, entre otras cosas, que el seguro debería pagarle operaciones como aumento de pecho y cosas así. La actriz está bien, pero quizá está un poco mayor y otra actriz podría haber sacado más provecho del personaje. Swinton cumple con un personaje hecho a la medida, una mujer fría y dura que cae fatal, pero tiene menos relevancia de la que en principio se sospecha. Y Simmons hace lo de siempre, pero hay muy pocos que bordan ese personaje, así que no nos quejamos.

Hay que ser justos con ‘Quemar después de leer’. No debemos esperar otra gran película de los tipos que hicieron ‘Muerte entre las flores’, ‘Fargo’ y ‘El gran Lebowski’, porque no lo han pretendido (y no lo es, desde luego). Es algo que han hecho para pasarlo bien, para tomarse un respiro y para divertirse viendo a esos actores interpretando personajes tan idiotas. Así es como hay que tomarse esta película. Una comedia ligera para pasar una agradable hora y media. Ni más, ni menos.

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‘Quemar después de leer’, intento de efecto bola de nieve (crítica de Beatriz Maldivia)

Con algo de retraso, aquí os traemos el último trailer de ‘El Curioso Caso de Benjamin Button’ (‘The Curious Case of Benjamin Button’), que es ni más ni menos que la nueva película de David Fincher, director de ‘Seven’, ‘El Club de la Lucha’ o ‘Zodiac’, y una de las razones para defender el cine norteamericano (si es que hay que hacerlo, más aún considerando lo demás). Como sabéis, Fincher se desentendió del montaje de la película tras discutir con los señores de la Paramount, que querían que recortara la duración de su película. Ya habrá tiempo para hablar sobre esto y esperar, para variar, la versión extendida en DVD, por el momento es uno de los estrenos más importantes y esperados de los próximos meses.

Brad Pitt es el protagonista de esta fantástica historia, el tal Benjamin Button, una persona que envejece al revés que el resto de los seres humanos. El reparto se completa con Cate Blanchett, Tilda Swinton, Taraji P. Henson, Julia Ormond, Jason Flemyng, Elias Koteas, Elle Fanning, Josh Stewart y Jared Harris. El estreno de ‘El Curioso Caso de Benjamin Button’ será el próximo 19 de diciembre en Estados Unidos; el 23 de enero estará en los cines de España.

Vía | Apple (entrad para ver el trailer con más calidad de imagen, merece la pena)