Hay películas que le devuelven a uno las ganas de vivir. Así de sencillo. O, más exactamente, el deseo de seguir a ver qué ocurre, con un poco más de esperanza. He visto ‘Cadena perpetua’ (el que pone los títulos en España es un lince, pues era mucho más interesante el original ‘The Shawshank Redemption’, aunque también llamaron ‘Pena de muerte’, originales ellos, a ‘Dead Man Walking’, precisamente dirigida por Tim Robbins) muchas veces a lo largo de sus dieciséis años de existencia, y en todas ellas me ha producido idéntica sensación: la de asistir a un poema que existe por la mera razón de dar esperanza al corazón del hombre, curiosamente un objetivo que para Andrei Tarkovski era la meta suprema del arte. En su debut, Darabont lo logra con una maestría poco común en un primerizo, filmando uno de los más bellos y emocionantes filmes de las últimas décadas.

Pocas veces puede emplearse la manida, reduccionista en ocasiones y socorrida expresión de “obra maestra” como en el caso rotundo de esta película. Era el año 1994 cuando nació, y compitió en los Oscar con la genialidad de Allen ‘Balas sobre Broadway’ o con el ‘Pulp Fiction’ de Tarantino. Perdieron todas contra la mediocre ‘Forrest Gump’, pero creo que debió ganar la que ahora nos ocupa, que es la más hermosa de todas, quizá la más hermosa de todas las películas carcelarias de la entera historia del cine, pues en su seno se haya una de las elegías más intensas que se recuerdan en torno a la búsqueda de la libertad personal y espiritual, algo ansiado por la mayoría de los hombres, aunque quizá muchos ni lo sepan. Pero ‘Cadena perpetua’ es mucho más que eso, incluso. Vamos a por ella.

Adaptación del relato de Stephen King ‘Rita Hayworth y la redención de Shawshank’, relato aparecido en 1982, llevada a cabo por el propio Darabont (quien con la sola excepción de ‘The Majestic’, sobre un guión de Michael Sloane, ha trabajado en sus largos sobre textos previos del famoso escritor de Maine, una especie de verdadero gurú para él), durante mucho tiempo Darabont se estuvo planteando la posibilidad de debutar con ‘La niebla’, cuya adaptación vería la luz en 2007, pero finalmente se decidió por este relato acerca de un convicto acusado de un delito que no ha cometido, y que pasará dos décadas en la cárcel, durante las cuales conocerá a una serie de personajes. Con uno de ellos, Red (Morgan Freeman), iniciará una amistad duradera y profunda, enriquecedora y estimulante para ambos, una amistad en torno a una serie de temas mayores, como lo son la esperanza, la redención, la fraternidad, empeñarse en vivir o empeñarse en morir. Casi nada.

Un árbol con una carta

Como soy un ignorante de tal calibre que no he leído el relato de King, sólo puedo hablar de la perfección del guión de Darabont, que durante ciento cuarenta y dos minutos de metraje no pierde el hilo de sus numerosas criaturas en ningún momento, y que es capaz de narrar, sin el menor desmayo de ritmo o intensidad, dos décadas en las que sus personajes van envejeciendo y cayendo embrujados por los muros de piedra de la enorme prisión, según las propias palabras de Red. Y ya en labores propias de dirección (puesta en escena y dirección de actores) Darabont se revela como un consumado artista, un grandísimo cineasta para el que las difíciles tareas del timo, el tono, la atmósfera, son mera cuestión de elegancia y humildad. Creo, sinceramente, que este filme no ha sido realmente valorado como se merece, a pesar de ostentar el primer lugar del ranking del archifamoso imdb, una lista tan arbitraria como cualquier otra (incluidas, claro, las mías, pero para eso se hacen las listas, para ser arbitrario). Si ‘Cadena perpetua’ fuera un filme de los años cincuenta (y bien podría serlo) se codearía hoy, en renombre, con ‘El crepúsculo de los dioses’ (‘Sunset Blvd.’, Wilder, 1950) o ‘Rio Bravo’ (Hawks, 1959).

‘Cadena perpetua’ viaja en latitudes similares a aquellas películas. La pegada emocional, el mazazo de sus imágenes, compite con ellas. Que Red consiga la condicional después de treinta años en la cárcel, viva durante un tiempo en el cuchitril en el que se suicidó su compañero Brooks Hatlen (interpretado por el legendario y ya fallecido James Whitmore), decida violar la condicional, y se encamine al enorme árbol en el que su amigo Andy le dejó una carta, es mucho más que lo que simplemente se ve. Bajo la (plácida y serena) apariencia de la imagen de Red acercándose al árbol subyace la conmoción principal de la película: el hombre caminando hacia una esperanza por fin recobrada, nunca desaparecida pero quizás sí ignorada. Se revela así el verdadero poder del cine: que la imagen contiene su anverso y su reverso, y que el primero se explica con el segundo y viceversa. Culmina ahí el viaje por el infierno de la cárcel de dos hombres tan vivos y tan reales que da miedo verlos.

Pero no obtenemos esa esperanza sin antes asistir al breve episodio (un cortometraje magistral en sí mismo) en el que a Brooks le sueltan tras cincuenta años convicto. Un episodio al que accedemos arrasados de emoción, testigos de la infinita capacidad de soledad y desesperanza del ser humano, más aún cuando es anciano y olvidado. Ni el menor rastro de manipulación melodramática, ni de lugares comunes. Sólo la cruda y atroz realidad, verificada por una vida malgastada. Pocas veces en el cine se ha asistido al milagro de la dignidad del hombre así representada, en sus últimos días de existencia, esperando que el pájaro que convivió tantos años con él en la cárcel le visite y le diga hola en el exterior. Pero esta clase de milagros sólo pueden suceder cuando se tiene el privilegio de contar con este grupo de actores, muchos de los cuales formarán algo así como la compañía de actores habitual en Darabont, entre los que destacan dos colosos, dos monstruos como Tim Robbins y Morgan Freeman, los cuales recibirían, cosa curiosa, el Oscar al mejor actor de reparto en sendos papeles para Clint Eastwood.

Pero también contó con el genial montador Richard Francis-Bruce, que hace maravillas temporales y rítmicas en este largo relato, y con la fotografía del habitual operador de los Coen Roger Deakins, que aquí firma quizá su mejor trabajo, y con la música de un enorme Thomas Newman, sin la cual es imposible comprender esta obra magistral. Dice Darabont que dentro de un tiempo se considerará a Stephen King como el Dickens de nuestra época. Pero no es necesario que pase mucho tiempo más para considerar a este grupo de fenomenales artistas como lo que son, fenomenales, y a esta película irrepetible como lo que es. Independientemente de todo lo demás, porque habla del hombre, a la altura de la mirada humana, sin perderse jamás en las veleidades de un medio tan propenso a no respetarse a sí mismo.

Seguimos hablando de superhéroes este fin de semana. Además del estreno en España de la esperada ‘Kick-Ass’, Marvel Studios ha estado animando la red fichando a más actores para su megaproyecto de ‘The Avengers’, poco después de que se filtraran en Internet los diseños artísticos definitivos de sus dos próximas películas, ‘Thor’ y ‘Captain America: The First Avenger’. Bueno, pues DC Comics y Warner no han querido ser menos y han aprovechado también para lanzar el primer teaser o imagen promocional de ‘Green Lantern’, su próxima superproducción.

Como podéis ver, el cartel (o anuncio o teaser o sándwich mixto con lechuga) no es gran cosa; incluye el logotipo del film, el símbolo del personaje, un eslogan (“Cualquiera puede ser elegido”) y una fecha de estreno, verano del año que viene (el 17 de junio de 2011, concretamente). Ni siquiera se menciona a los protagonistas (Ryan Reynolds, Blake Lively, Peter Sarsgaard, Tim Robbins, Mark Strong, Angela Bassett) o al director (Martin Campbell), sólo han querido dar un toque de atención y que a nadie se le olvide que esta cosa está ahí, en el horizonte, cocinándose. Con tantas películas sobre superhéroes, a ver si les queda algo del pastel cuando llegue a los cines, que el público se va cansando de lo mismo… ¿O no?

PD: Por cierto, ¿soy el único al que ‘Kick-Ass’ le ha parecido una tontería de lo más aburrida?

Vía | SuperHeroHype

No, no se trata de una imagen del remake de ‘Máscara’ (1985) o ‘Los Goonies’ (¡1985!). Es la primera foto que se ha filtrado de Peter Sarsgaard durante el rodaje de ‘Green Lantern’, una de las próximas películas de superhéroes que nos llegarán próximamente, esta vez de la mano de Warner y DC Cómics. Sarsgaard, al que hace poco veíamos en la estupenda ‘An Education’, encarna aquí al Dr. Hector Hammond, uno de los enemigos a los que tendrá que hacer frente el protagonista, Linterna Verde, interpretado por Ryan Reynolds. Completan el reparto protagonista Blake Lively, Mark Strong, Temuera Morrison (vaya nombrecillo, fue Jango Fett en el episodio II de ‘Star Wars’), Angela Bassett y Tim Robbins.

El personaje de Hector Hammond es un científico menospreciado por su padre, un senador (Robbins); su vida cambiará por completo cuando descubra un meteorito que le proporcionará poderes psíquicos. Eso y una cabeza enorme, de ahí el llamativo maquillaje de la imagen, que hace irreconocible al actor. Escrita por Greg Berlanti, Michael Goldenberg, Michael Green y Marc Guggenheim, y dirigida por Martin Campbell, la adaptación cinematográfica de las aventuras de ‘Green Lantern’ estará en los cines el 17 de junio de 2011. Y sí, la van a sacar en 3D.

PD: Strong interpreta a Sinestro, otro villano, un papel para el que los productores querían a Jackie Earle Haley.

Vía | SkyShowbiz

“Un rayo nunca cae dos veces en el mismo sitio…”

- Ray Ferrier

Tras la rotunda equivocación, al menos para quien esto escribe, que supuso ‘La terminal’, Spielberg sorprendió por su decisión de acometer el remake de la película de Sci-Fi del año 1953 ‘La guerra de los mundos’, de Byron Haskin, basada como todos sabemos en la mítica novela de H.G. Wells. Y lo cierto es que la versión de Spielberg, no sólo es muy superior a la primera, si no que no puede ser más pertinente en estos tiempos convulsos. Por una vez, su instinto comercial se aliaba con su instinto creativo, para crear lo que yo considero un tótem de la aventura y de la ficción científica, que gana a cada visionado

Josh Friedman y el gran David Koepp (al que debemos maravillas como ‘Carlito’s Way’) escribieron un guión modélico para que Spielberg, en un gran estado de forma, diera lo mejor de sí mismo. Sólo necesitó tres meses de preproducción, y menos de dos meses de rodaje, lo que da idea de la velocidad con la que trabajó, y de lo clarísimas que tenía las ideas. Esta película es, en la relación entre lo buscado y lo encontrado, la más redonda de la década, junto a la magnífica ‘Atrápame si puedes’. Parece mentira que sea el mismo director de las sosas y olvidables dos primeras partes de ‘Parque Jurásico’. Una vez más, después de un tropiezo, Spielberg demuestra de lo que es capaz.

Sensacional arranque

El comienzo impresiona por su estilo contenido y certero, y por la contundencia con la que se perfilan los caracteres. Morgan Freeman ejerce de narrador, estableciendo ya el tono de desatado horror que va a presidir el drama. Su elegante voz ya consigue transmitir la inquietud y la inseguridad necesarias. A continuación, en un majestuoso plano de helicóptero que se cierra progresivamente sobre un operador de grúa de puerto (Ray Ferrier/Tom Cruise), conocemos al protagonista. Cruise clava el personaje, en la que podría ser su mejor interpretación en la pasada década. Ray Ferrier es un trabajador chuleta y cínico, que conduce un deportivo a toda velocidad, y llega tarde a la cita con su ex-mujer (Miranda Otto), que le espera a la puerta de casa con sus dos hijos menores de edad. Intenta hacerse el padre responsable, pero queda claro, con diálogos muy bien escritos y docenas de detalles, que es un desastre como progenitor.

Sus hijos están interpretados con gran convicción por Justin Chatwin (al que pudimos ver en ese horror de ‘Dragonball’ y en algún episodio de ‘Lost’), y por Dakota Fanning, que contaba con once años por entonces (aunque aparentaba menos) y con esos enormes ojos azules. La relación con el padre está perfectamente definida. El hijo, que le desprecia y le desafía continuamente, lleva una gorra de béisbol parecida, pero de otro equipo, y en lugar de llamarle papá usa siempre su nombre de pila. La hija, aunque tiene continuos roces con su padre, aún le aprecia y le respeta, y parece ser más prudente y más sabia que él. Pero enseguida llegan los alienígenas, y aunque Ray no quiera, tendrá que aprender a cuidar de ambos.

La secuencia del cruce es magnífica, y con ella se establecen ya los dos niveles por los que va a discurrir Spielberg con total equilibrio: el espectacular y el personal. No hay música hasta que la enorme máquina extraterrestre se levanta del subsuelo, arrasando todo a su paso, y cuando Williams llega, nos pone a todos los pelos de punta. La idea de que estuvieran enterradas bajo tierra, y que sus ocupantes bajaran con la tormenta, fue del propio Spielberg, y es brillante porque supone un nuevo punto de vista sobre una posible invasión. El director coge lo mejor de dos extremos, el que representa ‘Signs’, de Shyamalan, como ejemplo de una invasión a pequeña escala vivida por una familia disfuncional, y el de grandes espectáculos como el ‘Independence day’, de Emmerich, al que supera sin esfuerzo aparente, en un crescendo terrorífico admirable.

Varias secuencias podrían formar parte del mejor Spielberg:

1. Ferrier se hace con una pistola y un coche que funcione, pero se volverá contra él cuando cientos de refugiados quieran arrebatárselo. Spielberg muestra al ser humano tal cual es, miserable y cobarde, sin concesiones. La secuencia es descorazonadora.

2. Ya sin coche, se verán emboscados a punto de coger el ferry por varios trípodes que les rodean. Suben al barco, pero un enorme trípode lo hunde. Detalles como la mirada del padre ante el coraje de su hijo hacen que este momento valga oro.

3. Probablemente la mejor secuencia de la película: mientras los soldados intentan, sin éxito, enfrentarse a los alienígenas, Ray tendrá que escoger entre un hijo y el otro, pues el mayor se empeñará en ver con sus propios ojos la aniquilación de la última esperanza, mientras la menor es encontrada por dos desconocidos que intentan ponerla a salvo. Un gran Cruise.

4. Ya en el sótano con Harlan Ogilvy (estupenda creación de Tim Robbins) el trío intentará pasar desapercibido ante la búsqueda incisiva de un tentáculo dotado con una cámara de vigilancia. Muy superior, este momento, a uno parecido con Velocirraptores en cierta película del director.

Sin embargo varias consideraciones terminan lastrando el conjunto e impidiendo que se consolide la obra magistral que roza con los dedos en todo momento pero que nunca consigue ser a manos llenas. Creo que es un error que veamos a los alienígenas, tanto en la secuencia del sótano como en el plano final en el que uno de ellos muere delante de un marine. Hubiera sido más terrorífico no llegar a verles nunca del todo, y Spielberg les muestra con dos primeros planos que les restan fuerza. Por otro lado, la tensión se disuelve demasiado rápidamente desde que son atrapados por uno de los trípodes. Es cierto que es fiel a la novela, pero al espectador se le escamotea un crescendo que hasta entonces era impecable, y que de pronto se queda en nada.

Tampoco creo que sea acertado que el hijo siga vivo al final. Nadie hubiera podido sobrevivir a la batalla del páramo. De hecho, hubiera sido magnífico que Ray, una vez hubiera aprendido a ser un buen padre, muriese, opción que siempre que veo la película me parece la más lógica. Son detalles menores que terminan empañando un poco este gran esfuerzo de Spielberg.

Rasgos estilísticos

Es notable observar que Spielberg, por primera vez quizá, utiliza los master-shots con preponderancia en esta película. De hecho, filma por bloques. Con ello, la velocidad en rodaje aumenta siempre que se tengan las cosas claras, y se imprime una gran energía a la secuencia. Muchas escenas parecen filmadas a una sola cámara, si bien es posible que empleara otra, u otras dos, para tomas de apoyo. De tal forma, filma muchos planos largos y, una vez terminados, no vuelve a ese plano, si no que continúa con otro plano largo. La fluidez de la cámara es fenomenal, y los ejemplos de planos brillantísimos son numerosos, como el de la cámara de video casera que filma la masacre, o los reflejos de los trípodes en los coches.

La rotundidad y la limpieza de las secuencias de acción son notables, así como la coherencia y el detalle en las secuencias más intimistas. A menudo, Spielberg monta un primer plano de un personaje observando algo, y a continuación, sin romper el plano, o cortándolo, muestra lo que ese personaje observa, con gran profundidad y con el personaje en escorzo de espaldas. No se puede meter al espectador en la aventura con mayor talento. La cámara suele situarse a la altura de la cadera humana, en un punto de vista más cercano al del personaje de Fanning, y muy pocas veces busca la espectacularidad tal cual, si no que suele respetar el punto de vista de los personajes, sabiendo que lo que ven es lo suficientemente espantoso como para no tener que exagerarlo con grúas impresionantes.

No creo que Kaminski haga aquí uno de sus mejores trabajos, pero está efectivo a la hora de hacer uso de las luces. Así mismo, es notable el trabajo de la diseñadora de vestuario de Joanna Johnston, que de manera excelente consigue transmitir ideas interesantes a través de la chaqueta de Ray (de la que se hicieron 60 réplicas para mostrar su degradación) o la de Rachel (de camuflaje rosa…).

Es interesante que esta película trata sobre la mirada, y en la que los “malos” van subidos en cámaras (trípodes con ojos enormes). La relación con la mirada y con las cámaras es constante, como cuando la reportera afirma que fue la cámara la que salvó a uno de sus compañeros, o la manía de Ray de que su hija no vea determinadas cosas (con lo cual terminan siendo más horribles…). El mismo Ray, en su trabajo de colocar enormes contenedores en el puerto, parece un montador de cine que va juntando las piezas.

Conclusión

Película de aventuras incontestablemente mayor de su director, que no es magistral por los defectos antes mencionados, aunque poquisimas películas tiene Spielberg sin fallos importantes, aún las mejores de ellas. Demuestra una inspiración mucho mayor que en productos tan menores como los parques jurásicos, y parece capaz de conseguir todo lo que se propone. La película fue un justo éxito de taquilla, y preparó el camino para la siguiente, también filmada en un tiempo récord, la ambiciosa ‘Munich’.

Durante la presentación de ‘La saga Crepúsculo: Luna nueva’ en España, el típico periodista que siempre pregunta chorradillas quiso saber si los protagonistas o el director de la película ven cine español, y si hay algún cineasta que les entusiasme. Los actores no tenían preparada una respuesta y prefirieron no meter la pata, pero el listo de Chris Weitz se tiró a la piscina y dijo esto:

Aunque ha muerto, me parece que el trabajo de Carlos Saura fue impresionante.

No sé si estaréis al tanto del varapalo que ha recibido en Europa la nueva Ley del Cine español. Bueno, la cuestión es que se ha paralizado la aprobación por la protesta de la plataforma ‘Cineastas contra la Orden’ (en la que están Javier Rebollo, Ventura Pons o Fernando Trueba, entre otros), que mantienen que la ley sólo beneficia las producciones más caras. Tras lo ocurrido, el productor Gerardo Herrero ha dicho esto:

Esta decisión de Bruselas ha sido producida por la idiotez de algunos de los ‘Cineastas contra la Orden’ que no tienen ni idea de lo que hacen y tiran piedras contra su propio tejado.

Jaime Rosales ya no necesita presentación entre nosotros. Es el tipo ha inventado la polivisión y el cinema verité. Poco menos. Sobre la famosa Ley del Cine escribió un artículo en El País que empezó de esta forma (a ver si podéis resistir, sin partiros de risa, más de tres líneas):

Existen dos hechos innegables cuya concomitancia merece una explicación. El primer hecho: el cine español (es decir, las producciones españolas que hacen los españoles dentro y fuera de España) es razonablemente bueno. Tiene una buena acogida internacional tanto de público como de crítica; posee figuras importantes en todos los ámbitos de la producción, con directores, actores, técnicos y productores de renombre internacional; y está en sintonía con el peso de nuestro país en el mundo. El segundo hecho: el cine español no goza de buena prensa.

Luis Tosar, saboreando la miel del éxito gracias a ‘Celda 211’, también se ha referido al cine español, pero a su modo. Ya me diréis si tiene razón o no:

El otro día escuché a un tertuliano en un magazine de las mañanas diciendo que siempre aparecen actrices semidesnudas y meando… Y me pregunto ¿este tío en que momento de su vida dejó de ver cine español? Desde los 70 u 80 ha habido mucha regeneración del cine español y han aparecido directores que han sido alternativas y han protagonizado grandísimos éxitos, como Fernando León de Aranoa, Amenábar, Isabel Coixet, Icíar Bollaín… Pero la tendencia habitual es decir que todo lo que hacemos aquí es una porquería.

Terminamos el bloque de cine español (que sé que cansa) con esta perlita. José Luis Cuerda dirigió en 2008 ‘Los girasoles ciegos’, y para eso, mejor que lo deje ya y se dedique a las canicas. En cualquier caso, sobre el cine que se hace aquí, tiene algo que decir:

Aquí se hacen 150 películas al año y en América 1.500; si hacemos una buena, para estar al mismo nivel en América tendrían que hacer 15 buenas. Os reto a decirme 15 películas americanas buenas de este año.

‘2012’ está siendo un éxito de taquilla en todas partes, pero las críticas están poniendo la película en su lugar, y parece que a Roland Emmerich no le está sentando muy bien lo que se escribe sobre él:

Bueno, no sólo hago películas de desastres, pero es que nuestra vida es a veces demasiado aburrida y sé que el público se divierte con estas escenas. Eso sí, espero que ésta sea la última en mucho tiempo.

En una reciente entrevista, la actriz Paz Vega ha hablado de su maternidad (dice que tener hijos es como una droga) o de los arreglos estéticos (dice que hay que sentirse bella por dentro y por fuera); sobre la piratería y el cine, opina esto:

Comprendo que es una época difícil para todos y que la gente quiere divertirse. Y, para quien no tiene dinero para ir al cine, entiendo la posibilidad de descargarse una película ilegalmente por Internet. A lo mejor la solución no va por cortarles la conexión. Yo tengo amigos que se descargan películas, pero, ¿qué les digo? Ya sé que muchos de los que hacemos cine no veremos un duro de eso. Que cada uno decida. Yo, desde un punto de vista artístico, quiero que se vean, lo material no importa.

Oren Peli es uno de los directores de la temporada, a pesar de la cosa que ha filmado (a Spielberg le gustó, menos el final, que le sugirió cambiarlo). Ni él mismo sabe por qué ‘Paranormal Activity’ ha tenido tanto éxito:

Creo que es por el aspecto hiperrealista de la película y porque los extraños acontecimientos suceden mientras los protagonistas duermen, que es cuando nos sentimos más vulnerables. Pero la verdad es que la gente sale aterrada del cine y la están recomendando a otros. De alguna forma he dado con la tecla…

Ken Loach trae nueva película a España (‘Buscando a Eric’) y vuelve a dejar ese tipo de declaraciones que le caracterizan, porque el hombre aún sigue con ganas:

En el Reino Unido, y me temo que también en España, existe un vacío político muy importante. Los principales partidos defienden el libre comercio, el capitalismo o el dictado internacional de EE UU, pero nadie se ocupa de defender a los miserables o cuidar el medio ambiente. De alguna manera habrá que llenar ese vacío.

Tim Robbins se ha cansado de Hollywood. Dice que abandona el cine y que se dedicará al teatro y a la música. Aquí tenéis un poco de su opinión:

En Hollywood hay mucho miedo. Miedo a no ser el actor más guapo, miedo a que no te produzcan una película. Todo eso hace que el cine que se hace en Hollywood sea un cine para idiotas y adolescentes. Está garantizado que los quinceañeros son los que van al cine. Se ha perdido la magia que había antes, la creatividad. Las películas ya no producen emoción, no cuentan historias. No hay nadie que quiera contar historias de verdad en Hollywood. Es un cine para imbéciles y yo no quiero hacer ese cine.

PD: Algo más de Weitz, que está el hombre que se sale: “Probablemente muchas personas tendrán una visión negativa de mi película. Sin embargo, me gustaría que reconozcan la fotografía de Javier Aguirresarobe, que es un genio. [...] La película fue hecha para los fanáticos, y sí a ellos les gusta no entiendo cuál es el problema“.

Vía | Laestrelladigital, Deia, Abc, Elpais, Eldiariodeciudadreal, 20minutos

El 1 de enero se estrena ‘City of Ember: En busca de la luz’ (‘City of Ember’), una película dirigida por Gil Kenan e interpretada por Saoirse Ronan, Harry Treadaway, Tim Robbins, Bill Murray, Martin Landau y Mackenzie Crook.

La película nos sitúa en un supuesto mundo postapocalíptico que consiste en una pequeña ciudad donde los habitantes viven con costumbres arcaicas a pesar de que cuentan con un mínimo de electricidad. El generador que abastece a todo Ember está comenzando a fallar y, sin embargo, no se hace nada para buscar una nueva fuente de energía o para encontrar la salida. Sólo Lina Mayfleet hará algo al respecto tras encontrar en su casa una caja que guarda la clave para escapar de la absurda civilización que se ha creado bajo tierra.

Si dijésemos que ‘City of Ember: En busca de la luz’ es una película para niños y adolescentes y que todos los defectos que voy a achacarle más adelante se deben a eso, estaríamos insultando a cualquier persona menor de veinte años con la implícita afirmación de que a esas edades las capacidades analíticas o la inteligencia aún no están del todo desarrolladas. Quiero decir que una cosa es que la película no entre en complicaciones para gustar a cualquier sector de los espectadores y otra muy diferente es esta simplicidad rayana en lo ridículo. Quiero decir, más allá aún, que no recomendaría el film ni a los más pequeños. Incluso puede que al contrario: podría recomendarlo a los adultos muy amantes de la estética y la bella fotografía –o de determinado tipo de intérpretes— antes que a jóvenes que quieren encontrar una aventura con la que identificarse y entretenerse durante un rato.

El guión de Caroline Thompson, basado en el libro de Jeanne Duprau nos relata una trama que apenas cuenta con acontecimientos y que por ello debe estar alargada hasta producir hastío. Únicamente encontramos un par de secuencias entretenidas que llegan cerca del final y el resto del tiempo lo que vemos en pantalla son aburridos momentos de relleno que no son necesarios para el film. Incluso sin llegar a complicarlo demasiado, las autoras podrían haber introducido alguna trama política, como un complot en contra de querer salir. SPOILER: En teoría esto está planteado, ya que se supone que se detenía a los que trataban de escapar como si fuesen terroristas. Pero está mal planteado o poco planteado, pues no hay nada que explique por qué los detenían, ya que no se ve de qué forma beneficia al alcalde que permanezcan bajo tierra. FIN DEL SPOILER.

Todo se sostiene sobre unos asunciones muy torpes, por ejemplo, que la caja se haya perdido por un motivo tan casual y los papeles se los haya comido la niña. Otras de las cosas son simplemente inverosímiles. Lo que más me llama la atención en ese sentido es la inocencia de todos los habitantes de este submundo. Durante tantos años es difícil creer que se haya mantenido un orden tan absurdo y aferrado con una vigilancia tan débil.

Los personajes apenas están definidos a lo cual no ayuda el que constantemente tengamos que estar dando por hecho que han aceptado ese statu quo sólo por ser tan tontos de no plantearse otras posibilidades.

El apartado actoral es un claro aliciente para adultos, no para niños, lo cual se contradice con el resto de la concepción de la película. Bill Murray se ha convertido en un actor de culto en un determinado tipo de cine. Su presencia suele consistir únicamente en hacer de sí mismo y resultar peculiar, saliéndose incluso de lo que el film le exige. Tim Robbins, si es que tiene algún tipo de gancho para la taquilla, lo tendrá entre público adulto. E incluso la niña protagonista, Saoirse Ronan, es conocida por ‘Expiación’, un film nada infantil. No me parecería mal que la película fuese para espectadores de cualquier edad y que hubiese alicientes para cada uno de ellos. Lo que quiero decir con este párrafo es que, por mucho que se venda como película para los más pequeños y que se quiera justificar su simpleza con esa excusa, no es así.

Lo más apreciable de ‘City of Ember: En busca de la luz’ es su ambientación y su fotografía. La recreación de la ciudad subterránea es de una gran belleza estética y puede recordar a los diseños de Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet o aproximarse quizá, algo menos, a la imaginería de Tim Burton. La fotografía ocre verdosa es también muy atractiva, así como lo son el vestuario y el diseño del atrezzo.

El otro punto a favor que podemos encontrar en el film es que tiene un mensaje positivo, sin embargo, los mensajes no valen por sí solos en el cine. Lo importante es cómo se transmiten y aquí eso se ha hecho muy pobremente.

‘City of Ember: En busca de la luz’ es una película demasiado simple, pero con una estética bonita de ver.

En Blogdecine: ‘City of Ember’, trailer y póster.

Mi puntuación:

Con motivo de la presentación de la película ‘Aritmética emocional’ (‘Emotional Arithmetic’), de Paolo Barzman, en la que Susan Sarandon comparte cartel con Gabriel Byrne, Christopher Plummer y Max Von Sydow, la actriz visitó nuestro país y concedió una rueda de prensa en la que habló tanto de cine como de política.

Os diré que encontré mucho más interesante la charla con esta enorme actriz, que demostró ser muy inteligente y tener muy claras sus ideas, que el visionado de ‘Aritmética emocional’ y el mensaje que la película pueda transmitir, pues incluso éste, matizado por Sarandon, cobraba más entidad.

En esta primera entrega, os transmito lo que opinó sobre el cine en general, sobre ‘Aritmética emocional’ en particular y sobre otras películas de su carrera, como ‘En el valle de Elah’, ‘The Rocky Horror Picture Show’, ‘Pena de muerte’, etc… En esta otra entrada se incluyen sus opiniones sobre la política estadounidense y en concreto sobre Barak Obama y Hillary Clinton. Si encontráis declaraciones en otros medios quizá sean algo diferentes, ya que la traductora que se encargó de trasladar lo que Sarandon decía al español es una mujer muy divertida y con enorme chispa, pero también un poco creativa.

Ya que el tema de la película era sobre la decisión de olvidar o el aferrarse a recordar, a Sarandon le preguntaron qué prefería ella. Contestó que quiere recordar y cree que “es importante, siempre que sepas perdonar”.

Sobre la manera en la que elige sus papeles respondió que tienen que encajar con sus “necesidades familiares. No me siento a gusto si tengo que irme muy lejos, aunque ahora que mis hijos son mayores, seguro que se alegran de saber que me voy. Leo el guión y, si me emociona y es diferente a lo que he hecho antes, acepto. Espero que sea algo de lo que se pueda hablar durante cuatro días de “junket” (promoción), [ríe]. Pregunto al director por qué quiere hacer la película y sorprende ver que muchas veces no lo saben. Por eso es bueno hacer que se lo pregunten. Si le apasiona, le pregunto quién sería el reparto y así sé cómo la quiere enfocar. En este caso, el reparto era casi lo que más me motivó a hacerlo. No porque fuese famoso, sino porque muchas veces, si el reparto es equivocado, sabes que la película va a quedar de otra manera. En este caso, era un tema muy delicado y con otras personas habría resultado totalmente diferente”.

“Cuando se elige el reparto, a veces los productores piensan en lo que “vale” monetariamente un actor [lo que obtendrá en taquilla su presencia en el cartel]. Me parece una mala forma de elegir el reparto. Se dan papeles a gente errónea para el personaje”. Por ello, no es la fama de sus compañeros de elenco lo que hace que decida o no aceptar el papel, sino quizá todo lo contrario: “a lo mejor serían más famosos, pero poco adecuados”. El ver a quién han elegido le da la idea de lo que quiere el director o la directora hacer con la película.

Sarandon continuó contando el proceso por el que decidió apuntarse a ‘Aritmética emocional’: “cuando me reuní con el director y vi que estaba tan conectado con el guión, me gustó eso. A veces también está bien cobrar [ríe]. Aunque también trabajo sin cobrar, si me lleva poco tiempo y si el proyecto es interesante. Si fuesen tres meses, no”. Nos contó que va a rodar una película con Pierce Brosnan sin cobrar. Por último, lo importante a la hora de elegir hacer o no un papel es el personaje que le toca a ella. “Me tiene que gustar el personaje, incluso si es una persona horrible, lo cual es más divertido”.

Cuando se le preguntó cómo se sentía al haber trabajado con actores tan experimentados respondió que “cada vez que empiezas una película entras en un nuevo mundo, independientemente de que quien te acompañe tenga o no experiencia y tienes que hacer que ese mundo funcione. Cuanto más valiente, inteligente y apasionado sea el mundo en el que entras, mejor lo vas a hacer tú y mejor será el resultado, pero eso no tiene que ver con la experiencia. En este caso, todos dependíamos de los demás. No pensábamos en los orígenes, las edades de cada uno. Cada uno trae sus personalidades y esto lo hace más interesante. Cuando comienzas a contar una historia así, te das cuenta de lo grande que es la presencia de Max Von Sydow. No me sorprendió Gabriel Byrne porque ya lo conocía y había trabajado con él, pero sí Christopher Plummer porque su personaje podría haber resultado gruñón, pero quedó encantador y gracioso. Cuando lees el guión e incluso durante el rodaje no te imaginas qué química va a haber, como la que hubo entre Plummer y Sydow”.

Otra de las preguntas se refería a su preparación para hacer el papel de una persona que ha estado en un campo de concentración. Sarandon nos contó que “he leído libros sobre el holocausto, como todo el mundo, supongo. Pero para mí la película era sobre cómo la gente lidia con la pérdida y el dolor, no sobre ese hecho en concreto. Cómo te enfrentas a la vida y sigues adelante. Cuando alguien pierde a un hijo, por ejemplo, la madre quizá no quiere avanzar, pero el padre, sí. ¿Cómo mantienes vivo el recuerdo de esa persona y el respeto hacia ella, pero aún así sigues viviendo? Muy a menudo ves la energía que pone la gente para salvar al hijo de otra persona cuando pierde al suyo. Transforma su dolor en otra cosa. Eso es lo que hace mi personaje: quiere asegurarse de que no vuelva a ocurrir el holocausto, aunque sea a costa de su marido y de su hijo”.

Se inquirió sobre si Sarandon prefería el método o la intuición a la hora de interpretar. “Nunca estudié interpretación, así que todo lo que hago me lo invento. Eso indica que cualquiera puede interpretar [ríe]. Yo empiezo con intuición y luego, si me tengo que defender, uso el intelecto. Primero me lo tengo que creer yo, pero eso no indica que sea interesante. Soy buena escuchando, lo cual ayuda a desarrollar la empatía y a estar presente, lo que también es un paso hacia el activismo”.

Y ya dentro del rodaje de ‘Aritmética emocional’ en concreto, se preguntó si habían improvisado diálogos y también si el director les había dado información extra sobre los personajes para que pudiesen trabajar los papeles. Sarandon contestó que “toda la información sobre los personajes que necesitábamos estaba en el guión. Paolo estaba muy preparado y nos proporcionó un buen ambiente y mucha seguridad. Fue un rodaje corto. El director tenía la suficiente confianza como para cambiar cosas sobre la marcha. Por ejemplo, llovió de verdad durante la secuencia de la cena y las cosas se hicieron de otra manera, pero no se cambiaron los diálogos, sólo la situación. Se rodaron en interiores muchas cosas que se iban a rodar en exteriores. Y Paolo fue muy flexible para estos cambios, otros directores no lo son tanto. Me cayó muy bien y el equipo franco-canadiense fue estupendo y estuvo muy a gusto con él, a pesar de los contratiempos”. Como curiosidad nos contó que “Paolo se sienta en un cajón en lugar de en una silla de director y le construimos una caja con un tambor y baquetas y pusimos una foto que firmamos todos”.

Había quien no podía comprender al personaje de Sarandon en ‘Aritmética emocional’, Melanie, ya que vive en una hermosa casa y tiene a tres hombres “maravillosos que la quieren”. La actriz respondió: “yo también me deprimo. Es muy difícil vivir con alguien. Yo llevo veinte años con Tim [Robbins] Cuando das a alguien por sentado, tus sentimientos y tu comportamiento cambian. Mis hijos son muy divertidos. Ahora están creciendo y las cosas que hacemos juntos y los problemas que tienen son otros. Mi hija ha terminado la facultad y quiere ser actriz y por fin se ha dado cuenta d que sé algo sobre interpretación. Ahora ves a tus hijos como gente adulta, no como niños. Cuando empezaron a crecer, dejé de llevarlos a manifestaciones. Antes, les explicaba lo que me podría pasar. Por ejemplo, si me iban a detener. Ahora ellos tienen sus propias ideas y son muy pro-Obama”.

Sobre la situación actual de Hollywood, Susan Sarandon dijo “yo no estoy en Hollywood, vivo en Nueva York. Pero si todos los que tiene la capacidad de dar luz verde a proyectos eligiesen historias que les interesan en lugar de pensar en el dinero, se haría mejor cine. Hay muchas películas buenas, pero es muy difícil encontrar distribución. Ahora los cines son todos de grandes empresas. Antes sí había salas independientes. Aunque se haga una película barata que vaya a festivales, gane premios y guste, no se distribuye”. Esta descripción de la situación del cine independiente norteamericano recuerda mucho a la situación del cine español: el problema está en la falta de promoción y la mala distribución, entre otras cosas.

Susan Sarandon explicó cuál era el mensaje que quería transmitir ‘En el Valle de Elah’, de Paul Haggis. “No era una crítica a Estados Unidos. Es una historia real. Lo triste es que envías a personas brillantes a la guerra y eso las cambia. La crítica era contra la guerra. En Estados Unidos hay una gran distancia entre los políticos que deciden hacer la guerra y el frente en sí. Había cuatro actores en el reparto de ‘En el Valle de Elah’ que habían estado en la guerra. Y lo bueno fue que en la promoción hablaban de ello. Como ahora no ha habido reclutamiento, que sí hubo cuando Viet-Nam, esto sólo afecta directamente a un 1% de la población. Y a los que vuelven no les dejan hablar en los medios. Seguimos mandando jóvenes y nadie habla de cómo les afecta. Hay un altísimo porcentaje de suicidio, de violencia contra quienes los rodean, etc… Quienes vuelven de la guerra llegan a un mundo en el que la guerra parece que no ha existido y tienen que vivir con los recuerdos de lo que les ha obligado a hacer: matar a niños, ancianos, mujeres embarazadas… Vuelven a Estados Unidos y nadie entiende lo que les pasa. ‘En el Valle de Elah’ quería decir que la gente no vuelve de la guerra igual”.

Para finalizar, quisimos saber cuáles eran sus películas favoritas de entre las que había interpretado. “No puedo elegir una y dejar a las demás fuera, sería lcomo la decisión de Sofía”, respondió Sarandon. Y luego decidió destacar los films que más habían repercutido en su vida personal: ‘Los búfalos de Durham’ porque en ella conoció a su marido, Tim Robbins, y luego tuvo a sus hijos. Y porque también la hizo con él, ‘Pena de muerte’. Pero con lo que se quedó fue con que “siempre son buenas experiencias, me divierto haciendo todas mis películas, aunque luego unas tengan mejores resultados que otras”.

Se le preguntó si era consciente de la repercusión de ‘The Rocky Horror Picture Show’, que aún se sigue proyectando y los fans siguen interpretándola. Su respuesta rápida fue una frase del film: “No sueñes con serlo, selo”. Intentó reflexionar sobre por qué sería tan importante: “habla a un tipo de público. Pusimos mucha energía en ella y me alegro de haberla hecho. Algo tendrá si lleva tanto tiempo por ahí. Acabará siendo mi legado, ¿no sería extraño?”

Más información en Blogdecine sobre Susan Sarandon y sobre ‘Aritmética emocional’.

Una ciudad subterránea, cuya energía proviene de un gigantesco generador, y una población en peligro cuando ese generador da las primeras señales de su final; dos jóvenes tratarán de descubrir el modo de escapar antes de que sea demasiado tarde. Más o menos, ése es el punto de partida de ‘City of Ember’, de la que os traigo los primeros póster y trailer que han salido; posiblemente, conforme se acerque la fecha del estreno (10 de octubre en Estados Unidos), aparezcan más.

La película, basada en el libro de Jeanne DuPrau (titulado en España como ‘La Ciudad de la Oscuridad’), ha sido dirigida por Gil Kenan, responsable de la estupenda ‘Monster House’. El reparto de ‘City of Ember’ está encabezado por Saoirse Ronan, Marianne Jean-Baptiste, Harry Treadaway, Toby Jones, Bill Murray, Tim Robbins y Martin Landau. Produce, entre otros, Tom Hanks.

Vía | Cinematical

No creo que llegue nunca a lo que hace el protagonista de esta película, pero siempre me ha parecido escandaloso lo ruidosa que es la gente, en general. En ‘Noise’, segunda película de Henry Bean tras la interesante ‘The Believer’ (con un Ryan Gosling pletórico), un hombre llega a volverse loco por el constante ruido que provocan los coches de su barrio; decidido a solucionar el problema con sus propias manos, se alza como un vengador contra la contaminación acústica en la ciudad de Nueva York.

El siempre magnífico Tim Robbins es el principal reclamo de un film que también cuenta en su reparto con Bridget Moynahan, William Hurt y William Baldwin. ‘Noise’ no tiene aún fecha de estreno.

Actualización: La película se titula en España ‘Sobrepasando el límite’, y se estrena el 22 de enero de 2010.

Estos cuatro se suman a un reparto que ya contaba con Bill Murray, Toby Jones and Saoirse Ronan, entre otros. La película, basada en la novela de Jeanne DuPrau (titulada aquí ‘La Ciudad de la Oscuridad’), ya ha comenzado su rodaje, en Belfast, y la 20th Century Fox espera poder estrenarla el 10 de octubre, en Estados Unidos. Dirige Gil Kenan, que nos sorprendió a muchos con su ‘Monster House’. Entre los productores está el cotizadísimo Tom Hanks, que ojalá vuelva por el buen camino, ¿es que no quiere más Oscars?

Vía | ComingSoon