El debut en el largometraje del australiano Nick Tomnay, ‘El perfecto anfitrión’ (‘The Perfect Host’, 2010), nos muestra a John (Clayne Crawford) quien, tras robar un banco, huye de la persecución policial y ciudadana que se ha formado después de que su fotografía haya aparecido por televisión. Aprovechándose de su aspecto pulcro y de sus ademanes elegantes, finge ser quien no es para ocultarse, durante unas horas, en la casa de un señoritingo que prepara la cena para sus invitados. Pero, cuando descubre que uno de los comensales es fiscal y escucha por radio una noticia que lo pone aún más en peligro, no puede evitar delatarse y lo que hasta ese momento era una charla tensa, pero cortés, se convierte en un secuestro a punta de cuchillo.

David Hyde Pierce se encuentra con un papel diseñado para darlo todo, para lucirse y demostrar su rango y capacidades interpretativas y supera las exigencias del guion transformándose con cada giro de la trama y ofreciendo, tras cada sorpresa, no solo credibilidad en facetas muy diferentes de su personaje, sino incluso momentos humorísticos y escalofriantes. Es extraño que se haya visto tan poco a este actor tras su paso, entre 1993 y 2004, por la serie ‘Frasier‘, donde interpretaba al afeminado, aunque heterosexual, hermano del protagonista, Niles Crane. En estos años ha estado prácticamente retirado, prestando únicamente su voz a episodios televisivos. Con el peso del personaje que interpretó durante once años, ha preferido alejarse de la televisión casi por completo y se ha refugiado en los escenarios de Broadway con gran éxito de público y premios.

‘El perfecto anfitrión’ ha tenido un estreno en salas parcial en EE. UU. y ha pasado directamente a la explotación por cabe o en DVD. Sin embargo, aquí la encontramos en las carteleras, no solo como una digna opción, sino casi como una de las mejores cintas que se pueden ver en estos momentos en los cines.

El aspecto teatral que podrían conferirle la gran porción de su metraje transcurrido en una única localización, el duelo actoral o la predominancia de los diálogos, se ve paliado por determinados aspectos que solo el cine puede resolver y por un inicio y un arranque que necesitan ubicarse fuera de la lujosa vivienda unifamiliar. La historia narrada en flashbacks, que aporta una información sabiamente dosificada, es otro de los puntos que en teatro no se habría podido contar con similar facilidad.

Por otra parte, la labor tras la cámara de Tomnay, quien también escribe y monta de forma encomiablemente concisa la película, es exquisita y vistosa. Con ello entendemos que para los estadounidenses pueda ser la ausencia de superestrellas lo que les haga pensar en la película como un producto menor.

O quizá también el hecho de que, para muchos, se trata solamente de otra película más con sorpresa final. No obstante, yo la encajaría en una subcategoría bastante menos poblada de películas con características muy particulares en las que lo preponderante es el retrato psicológico. En cierto modo, me recordó a una cinta que me gustó mucho en su día, aunque no gozó de demasiado clamor popular, ‘El impostor’ (’Deceiver‘, 1997), en la que el enorme Tim Roth interpretaba a un mentiroso compulsivo que le daba la vuelta a un interrogatorio que parecía no tener fin.

Conclusión

‘El perfecto anfitrión’ es un psicothriller lleno de giros y sorpresas y con una buena dosis de humor negro, culminado con una inmensa interpretación. Suficiente para mí para disfrutar enormemente durante el breve rato que dura y sin que se me ocurra nada que pudiese exigirle. Antes de verla, por lo que había leído, me imaginaba el típico duelo dialéctico de interesantes diálogos que lanzan frases como pullas y, aunque eso pudiese resultarme sugerente y atractivo, lo que encontré me satisfizo aún más, pues el elemento psicológico se explota aquí con mucha mayor profundidad. Para espectadores muy puristas, la película puede resultar quizá rocambolesca o pasada de vueltas, pero no es mi caso. Espero que no la dejen pasar muchas personas que seguro que la encontrarán interesante.

Spoilers: Quedan en el tintero muchos detalles en los que entrar, pero nos hallamos ante una película sobre la que es fácil hablar demasiado, ya que la mejor forma de disfrutarla es dejarse sorprender. Por ese motivo, no saco a colación todo lo memorable y ruego, asimismo, a quienes deseen comentar, que avisen de “spoilers”, si es que van a profundizar en algún aspecto revelador. El cartel de la película y todo lo que la rodea han sabido despistar de forma muy hábil y agradezco que se me haya tenido en la oscuridad de la misma forma en la que he procurado tener a los lectores que aún no hayan visto la película, tanto con mis palabras como con la elección de las fotografías.

Otra crítica en Blogdecine | ‘El perfecto anfitrión’, un encantador perturbado, por Juan Luis Caviaro.

Mi puntuación:

“¿Hay un alma ahí dentro?”

- General Thade (Tim Roth)

Uno tiene, casi siempre, la misma sensación con cada nueva película de Tim Burton: este hombre puede hacerlo mejor. Mucho mejor. La solitaria excepción, y rotunda, en su labor artística es ‘Ed Wood’ (id, 1994), el único largometraje realmente magistral que ha hecho en toda su vida. Quizá no, quizá Burton no tiene tanto talento, y esa película maravillosa fue un azar de los que de vez en cuando tienen lugar en el cine. Aunque a juzgar por las bondades de la estimable ‘Eduardo Manostijeras’ (‘Edward Scissorhands’, 1990) y las notables trazas de género de la intensa ‘Sleepy Hollow’ (id, 1999), yo seguiré pensando que posee más talento del que la mayoría de sus películas demuestran, por mucho que sea uno de los directores más célebres y seguidos de la actualidad. Ahora bien, con el remake (ahora lo llaman reinicio o nuevo comienzo…) de ‘El planeta de los simios’ (‘Planet of the Apes’, 2001), el cineasta de Burbank metió la pata hasta el fondo.

Diré, para los que todavía no lo sepan, que a mí los remakes no me molestan lo más mínimo. No creo, como algunos dicen de cuando en cuando, que estropeen el original en absoluto, como si el remake fuera una carga de ácido que destruyera la otra película. Ahora bien, si propones un remake, te la juegas, porque a menudo se hacen de filmes míticos, y el personal va a compararlos de manera inevitable. Versionar nuevamente una historia se ha hecho desde los comienzos del cine, pero versionarla con desgana, con un ímpetu descaradamente comercial, con un guión paupérrimo, eso se está haciendo ahora más que nunca. Porque la película número nueve de Burton es algo así como una amorfa propuesta de sci-fi, que no consigue ni un mínimo porcentaje de los objetivos que se propone, y que hasta resulta aburrida y grotesca, como una parodia del filme precedente, y que aunque hizo buenos números en taquilla (gracias, como es habitual en Burton, a una bestial campaña de promoción) inicia la época más gris en el cine de su director, con ‘La novia cadáver’ (‘The Corpse Bride’, 2005) como último aliciente.

La película de 1968, dirigida por el artesano Franklin J. Schaffner (y por Arthur P. Jacobs, no acreditado) tampoco era, a mi juicio, la obra gigantesca que tanto se ha dicho. Sí poseía, en cambio, algunas imágenes muy potentes y duraderas, así como una genial música de Jerry Goldsmith, y se constituía en una lúcida parábola sobre la sociedad. Con esta historia, podíamos vernos tal cual somos: fanáticos, extremistas, altivos, orgullosos, belicistas. Todo esto, creo, fue la razón de la importancia de aquella película. Pero nada de ello interesaba a Burton ni a los productores, porque nada de ello está en la nueva película. Lo que sí hay es un interés grandilocuente en crear los simios más perfectos jamás vistos en una pantalla, una sociedad de simios mucho más matizada y elaborada, y una búsqueda de una mitología que se viene abajo con un breve soplido. Porque Burton siempre procura que sus historias y ambientes gocen de credibilidad, y por eso se esfuerza en creerse lo que está contando, por muy fantasioso o delirante que sea, como si hablase de la vida real. Eso tiene su mérito, pero en esta ocasión es una carcasa escenográfica completamente vacía.

El astronauta, la mona y la rubia

Dos años antes lo habíamos pasado muy bien con ‘Sleepy Hollow’, y entré al cine, lo recuerdo bien, con bastantes expectativas, que se me cayeron a los quince minutos. Durante el visionado de la película pasé de la expectación a la duda, de la duda a la incredulidad, y de ahí a la desesperación y al tedio más absolutos. Va a tener mucha razón Roger Ebert (un crítico que, por lo demás, me causa indiferencia) cuando dijo hace poco que no todo el mundo sabe emplear cien o doscientos millones de dólares. Otro crítico español, cuyo nombre ahora no recuerdo, dijo que de tanto ir a la fuente, el cántaro se rompe. Se refería, claro, a ese empeño de Burton de hacer cine de autor en el seno más conservador de Hollywood. Pocas veces le ha salido bien, y aquí la peor de todas. Es como asistir a un conjunto que pide a gritos que no te pongas a pensar en lo que tienes de cena, porque no tiene mucha fe en sí mismo, mientras Burton, agazapado en el maquillaje y los decorados, se olvida de que tiene que dirigir la película y se permite un capricho sin el menor interés, sabiéndose niño mimado de una industria para la que sólo cuenta el dinero.

A grandes rasgos, la historia sigue los pasos de la anterior, con involuntario viaje temporal incluido, pero de consecuencias mucho más enrevesadas y complicadas. Tanto, que terminan por importar poco, o nada, las razones por las que surgió esa raza de simios, y menos aún si el astronauta Leo (el Mark Wahlberg más anodino que imaginar quepa) consigue regresar a casa o revertir el proceso, con una imagen final que pretende competir, de manera risible, con la última, y famosísima, de la anterior película. Pero da la impresión de que todo eso es lo de menos, pues nos arrastran a una batalla final, como en la flojísima ‘Alicia en el país de las maravillas’ (‘Alice in Wonderland’, 2010), increíblemente mal filmada y con un sentido de la épica nulo. Hasta entonces, el astronauta ha trabado amistad con la mona Ari (inaguantable Helena Bonham Carter), mientras huye con la rubia humana (la maciza y pésima actriz Estella Warren, que no se sabe muy bien qué hace ahí, salvo lucir cuerpo y atraer al espectador masculino…) y se enfrenta al cruel Thade (un buen Tim Roth, cuyo personaje está completamente desaprovechado) y a un salvaje Attar (bestial Michael Clarke Duncan, ídem de ídem).

De productos calculados y pobres como este, empezamos a estar mal acostumbrados respecto a lo que nos llega del otro lado del Atlántico. Lo malo es que seguimos respaldándolos con nuestra presencia en pantalla. La jugada era muy parecida a la que luego sufrimos con ‘Alicia en el país de las maravillas’, y aún así su éxito fue enorme. Está claro que no aprendemos, por mucho que luego la mayoría estemos de acuerdo en que no merecieron la pena el tiempo y el dinero malgastados. Puede que la enorme pérdida de espectadores que sufren las salas cada año sea debido a la piratería o a las descargas o a la calidad de las series en contraste con la calidad de las películas. Yo creo, sin embargo, que es debido a que ir al cine, salvo en contadísimas ocasiones, significa aburrimiento. No sólo porque sepamos casi como acaban muchas películas “mainstream”, no sólo porque no hay nada en ellas realmente original o personal, sobre todo porque si a los directores no les importan sus propias películas, a mí menos todavía.

Conclusión: ¿Algo bueno?

Ni siquiera la esforzada música de Danny Elfman, que no puede faltar en cada nuevo trabajo de Burton, ofrece algo interesante (ni compararla con la sublime creación de Goldmith). Los kilos de maquillaje, muy logrados. Los decorados, muy bonitos. Sonido y efectos, de última generación. Aventuras, ni con lupa. Cine, de eso ya no se lleva.

Concluyo con este artículo el comentario de todas las películas que vi durante la 42ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya; Sitges 09 para los amigos. Ya os dije que tras la crónica de la última jornada, había dejado seis títulos en el tintero. En el primer apartado de estos “asuntos pendientes” os recomendé ‘Ip Man’ (un elegante espectáculo de artes marciales) y ‘The Hurt Locker’ (tensión y entretenimiento en la peligrosa Irak). De este segundo, y último, bloque no rescataría nada, ninguna de las tres me parecen películas que deba destacar. Dos decepciones (una más que otra) y una cosa rusa que sólo entusiasmará a los amantes del cine europeo más lento y aburrido.

‘Tetro’ es ahora mismo lo último de Francis Ford Coppola. Se estrenó en España como bien sabéis, el pasado verano. Pero lo anterior a ‘Tetro’ no es ‘Legítima defensa’, sino ‘Youth Without Youth’, una extraña película (como correctamente la bautizó mi compañero Adrián) que tiene a Tim Roth como protagonista. La película se hizo en 2007, pero todavía no ha pasado por las salas españolas. Es uno de esos casos. Por la firma del autor, uno no entiende cómo la película sigue inédita en nuestro país; una vez vista, sin embargo, porque la programación de Sitges es tan extraña como la obra en cuestión, uno casi aconsejaría no perder tiempo ni dinero en estrenarla en cines. En DVD sí estaría bien, que la gente pueda alquilarla, si tiene curiosidad, pudiendo quitarla sin problemas cuando empiecen los bostezos.

Basada en un relato del filósofo e historiador rumano Mircea Eliade, ‘Youth Without Youth’ (‘Juventud sin juventud’) gira en torno a Dominic Matei, un viejo profesor obsesionado con los orígenes de lenguaje humano. Tras sufrir el impacto de un rayo, no sólo sobrevive, sino que rejuvenece, aparentando unos cuarenta años. Por si fuera poco, su intelecto ha evolucionado de forma increíble y es capaz, entre otras cosas, de leer las mentes, simplemente pasando la mano por delante (los libros los lee igual). Matei se ve forzado al exilio tras el interés de los nazis, y así se reencuentra con su amor perdido, mientras trabaja para completar sus estudios sobre el lenguaje.

Se trata de la primera película que Coppola rodó (exceptuando colaboraciones no acreditadas) en diez años, y es curioso que trate sobre una resurrección, porque en cierto modo ‘Youth Without Youth’ supone un raro renacimiento de este cineasta, mítico por habernos dejado obras maestras del calibre de ‘El padrino’ o ‘Apocalypse Now’, perdido en los últimos años, tratando de renovarse contando historias huecas sobre personajes extraordinarios que luchan incansablemente por dejar al mundo una gran obra.

Si habéis visto ‘Tetro’, no esperéis algo diferente cuando os enfrentéis a ésta, contiene los mismos errores. Un interesante punto de partida que va convirtiéndose en un aburrido batido artístico, de imágenes tan bellas como vacías, y reflexiones gratuitas que no llevan a ninguna parte. Una película que si hubiera hecho un aficionado no la terminaría de ver ni su madre. En fin, si dentro de un tiempo nos dicen que estas dos películas las dirigió otra persona, me lo creeré, totalmente.

Turno para ‘Morphia’. ¿Por qué narices vi esto? Bueno, cuando está en Sitges, solo, y tiene la posibilidad de ver películas, es posible (quizá, a mí me pasó y me pasa) que pienses que puedes tener suerte entrando a ver algo de lo que no sabes nada, con la esperanza de que te sorprenda, de encontrar una rara joya que puedes recomendar. Seguro que oís la musiquilla, oléis las flores y veis los cervatillos danzando por el bosque…

‘Morphia’ (‘Morfiy’, 2008) es una adaptación de una novela escrita por Mikhail Bulgakov (leo que se trata de sus memorias, pero imagino que en algún momento se desvió por la ficción), cuya historia se centra en un joven que, a principios del siglo XX, viaja de la ciudad al campo para ejercer la medicina. Tras su primera noche de intervenciones, por una alergia, el muchacho se prescribe una pequeña dosis de morfina… dando comienzo a una incontrolable adicción.

Y llegamos a la otra gran pregunta. ¿Por qué **** proyectan esto en Sitges, que se supone que es un festival de cine fantástico? No hay nada, ningún elemento, que justifique la presencia de la película de Alexei Balabanov en la programación del certamen catalán. Algún tipo de chanchullo económico, entonces. Bueno, qué le vamos a hacer, no me queda otra que recomendaros pasar de la película. A menos que os encante, con locura, el cine ruso.

Pero maticemos. Tampoco es tan mala. Tiene varios momentos muy divertidos, y otros bastante asquerosos (la amputación de una pierna, en concreto). Siendo benévolos, la historia no resulta demasiado interesante. Es un puzzle mal estructurado que se centra en ver cómo el protagonista va dependiendo cada vez más de la morfina, cómo su trabajo cada vez es peor, y lo mal que se vivía en Rusia en aquella época. Durante casi dos horas. Lo mejor, el final, y no sólo porque se acaba.

La última. ‘Accident’ fue la última película que vi en Sitges. A las nueve de la noche, en el Retiro, prácticamente lleno. El público se portó demasiado bien con este descafeinado thriller dirigido por Soi Cheang (o Pou-Soi Cheang) y producido por Johnnie To, presentado anteriormente, con tibias críticas, en el Festival de Venecia. De nuevo, otra película que te puede atrapar con su sinopsis, con su llamativo punto de partida, pero que se queda en nada a la mitad del metraje, resultando que es como si estuvieras mascando, mecánicamente, un chicle al que ya no le queda sabor.

‘Accident’ (‘Yi Ngoi’) nos presenta a una banda de cuatro asesinos a sueldo que realizan sus trabajos con tanto cuidado y preparación que consiguen que las muertes parezcan accidentes. Uno de ellos, llamado “el cerebro”, porque es quien se encarga principalmente de planificar las operaciones, cree que su mujer fue asesinada por unos tipos que usaron los mismos métodos que ellos. Su paranoia aumentará cuando uno de sus compañeros muera en un extraño accidente, del que él escapa con mucha suerte. ¿Hay alguien, más inteligente, que planea acabar con la banda?

Viniendo del director que filmó, entre otras, las frescas y enérgicas ‘Love Battlefield’ y ‘Dog Bite Dog’, ‘Accident’ no es más que una gran decepción. El estupendo arranque de la película no tiene continuidad, y todo se queda en un frío juego, artificial y nada emocionante. Afortunadamente, al final sube de nuevo el nivel y creo que el desenlace, aunque no funcione la “sorpresa” (seguro que no soy el único que adivinó lo que pasaba realmente), es muy interesante. Buen trabajo del protagonista, Louis Koo, aunque también puede entenderse que se lleva todo el rato con la misma expresión, y algunas secuencias muy bien rodadas dentro de un conjunto muy flojo.

PD: ¿Una conclusión, con lo mejor y lo peor de Sitges 09? Hecho, en el próximo capítulo.

Tú eres el especimen humano mas valioso que existe sobre la faz de la Tierra.

-Profesor Stanciulescu

Durante los años que siguieron al estreno de ‘Legítima defensa’, Francis Coppola dedicó sus máximos esfuerzos (a parte de colaborando en proyectos de amigos, en los que no aparecía acreditado) a hacer realidad un ambicioso proyecto del que poco se sabe, más allá de su título: ‘Megalópolis’. Según sus propias palabras, era una película sobre Nueva York, en el pasado y en el futuro, y estaba inspirada en la ‘Conspiración de Catilina’, de Salustio. También se sabe que contactó con un joven actor, de futuro prometedor, por nombre Russell Crowe. Pero todo se truncó en 2001 con el ataque a las Torres Gemelas, y el proyecto ha sido definitivamente abandonado.

Russell Crowe es ahora un intérprete famoso, que ha decidido convertirse en actor fetiche del muy inferior Ridley Scott, y que en mi opinión ha dado mucho menos de lo que prometía a finales de la pasada década y principios de la presente. Y Coppola se lo ha tomado con calma a la hora de volver a dirigir. En 2002 recibía la Concha de Oro honorífica en el Festival de San Sebastián. Parecía que quizá había llegado la hora del retiro. Pero nos equivocábamos: diez años después de su anterior filme, presentaba en el Festival de Roma ‘Youth Without Youth’, adaptación homónima del original de Mircea Elíade, y una de las películas más extrañas (si no la más) de toda su carrera.

Muy pocos la han visto en España, al menos a través de canales oficiales, pues por razones que nunca han llegado a descubrirse, la película vio retrasado su estreno en España, primero, y luego ni siquiera conoció un solo pase en salas de este país. De hecho han transcurrido dos años, y todavía no nos ha llegado ni el Dvd. Miserias del cine actual, y una gran injusticia, pues aunque esta película está lejos de considerarse como de lo mejor de su director, es un esfuerzo muy interesante, un verdadero collage visual, temático y estilístico, que nos revela a un director rejuvenecido, buscando de nuevo su sitio en el arte cinematográfico.

‘Youth Without Youth’ no es, por tanto, un fallido ejercicio de estilo, como muchos han dicho, sino exactamente la película que su director quería hacer. Es decir, la diferencia entre lo que busca y lo que encuentra es, a juicio de quien esto escribe, prácticamente inexistente. Otro asunto es que lo que haya encontrado tenga una gran altura estética, que no es el caso, pero en mi opinión es la película que él quería hacer, con sus defectos y sus virtudes. Qué duda cabe, sin embargo, que los cinéfilos esperaban, posiblemente, algo muy diferente a esto.

Un anciano profesor de lingüística (sorprendente Tim Roth), cuya ambiciosa obra literaria (la que él espera que explique el sentido de todos los lenguajes del mundo) nunca termina, y que dejó escapar a su amor de juventud, recibe el impacto de un rayo que le deja casi muerto. Su doctor (un Bruno Ganz muy sólido) no puede creer lo que ven sus ojos cuando descubre que el anciano se está convirtiendo, ante su estupefacción, en un hombre joven de nuevo, al que le crecen los dientes y el pelo. Estamos en Rumanía, en plena Segunda Guerra Mundial. Pero que no se piense el espectador que es el mágico inicio de una película netamente fantástica, pues en los recovecos de esta inclasificable película cabe prácticamente de todo: tanto fántástico, como cine negro, realismo mágico, misticismos, alegorías, romanticismo, existencialismo.

Pareciera que Coppola juega al despiste con el espectador, y cuando este cree que está en cierto “tipo” de película,
inmediatamente, como un alquimista juguetón y feliz, transforma la materia del relato en algo muy diferente, para quizá regresar a la materia original… por poco tiempo, eso sí. De esta manera, pasamos a un relato de detectives en centroeuropa que recuerda a ‘El tercer hombre’, y a continuación a la búsqueda de un mito femenino, y a continuación… Como resultado puede producirse el agotamiento mental del esforzado seguidor de Coppola. Pero una vez vencida esa resistencia, la película gana con sucesivos visionados, pues una cierta fascinación (esquiva, pero apasionada) se adueña de sus imágenes.

¿No nos recuerda el argumento, o parte de él, además de la ciudad, a ‘Bram Stoker’s Dracula’? De hecho ambas forman un díptico que se alimenta y se explica mutuamente, además de compartir ciertos elementos narrativos, como el barroquismo formal y su desacomplejado romanticismo. Pero también, este profesor nos recuerda al propio Coppola, cuya gran obra (¿Megalópolis’) jamás terminará de ver la luz, y cuya juventud parece haberle abandonado, al menos físicamente.

Pero sólo físicamente, pues el director, con su obsesión por el paso del tiempo, parece haber ido más allá en su conquista de éste, y ha tomado la decisión de retroceder en el tiempo, ofreciendo una película que parece la de un joven cineasta ingenioso, aunque bastante atolondrado, más aún, la de un principiante que olvida todo lo aprendido, y esto último según sus propias palabras. Desde luego, esa sensación prevalece en la película, y aún más en la siguiente, ‘Tetro’, de la que hablaremos a continuación. Al menos en su vida creativa, Coppola ha sido capa de ganarle la partida a la invencible manecilla del reloj.

Estudio F.F. Coppola en Blogdecine

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• ‘Jardines de piedra’, el dolor de una ausencia

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• ‘El padrino, parte III’, Francis Ford Corleone

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• ‘El padrino, parte III’, un destino doloroso

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• ‘Jack’, prisionero del tiempo

• ‘Legítima defensa’, el héroe solitario

Se ve que era pedirle demasiado a la cartelera de verano el estar todavía ebrio de esa maravilla que ha resultado ser ‘Wall-E’, y esperar con ansia la que todo el mundo dice que una obra maestra: ‘El Caballero Oscuro’. Así, qué menos que ofrecerme un bodrio que intenta hacerse pasar por película, una especie de telefilm presuntamente medieval que no en vano va a salir en EEUU directamente al DVD. Y aquí se presenta con carteles en las paradas de autobús, en la prensa y de forma destacada en las salas de cine. Tiene narices.

Hablemos de esto primero. Es cuanto menos curioso que una película titulada originalmente como ‘Virgin Territory’, mucho más explícito, con este póster, y que además en Francia se ha traducido como ‘Medieval Pie’ (ya saben, como ‘American Pie’ pero en la Edad Media), llegue a España con un póster totalmente diferente, que vende el film como si fuera una historia de aventuras, y con un título que hace pensar en el tirón que ofrece Heath Ledger con su fallecimiento, y sin duda ‘Aprendiz de Caballero’ hace pensar rápidamente en ‘Destino de Caballero’, que créanme, aun siendo una cinta mediocre, queda como una obra maestra al lado de la que nos ocupa.

Bien. Dicho esto, que era indispensable, no salgo de mi asombro cada vez que recuerdo que este engendro dice inspirarse en el ‘Decamerón’ de Giovanni Bocaccio, una obra indispensable de la literatura universal, en la que, en pleno siglo XIV, diez jóvenes cuentan (más bien fardan) de sus experiencias de índole sexual. Bocaccio debe estar arañando la tumba por dentro, Dios mío de mi vida. Protagonizada por Hayden Christensen, Mischa Barton y Tim Roth, ‘Aprendiz de Caballero’ está dirigida y escrita por David Leland. Por supuesto, nada de Bocaccio hay en esta cinta no ya de serie B, sino de serie C.

El argumento aquí es el siguiente: Lorenzo (Christensen) es un ¿campesino? que huye de Gerbino (Roth), al parecer un caballero que se siente ultrajado por el joven protagonista y desea darle muerte. Lorenzo encuentra un convento y se esconde allí haciéndose pasar por jardinero sordomudo. A pesar de lo surrealista de su premisa, bien podemos pensar que hay algo de aventuras. Pues no. Su desarrollo es prácticamente softcore. Las monjas que habitan en el convento son pura lascivia, en ningún momento dudan de realizar todo tipo de “pecados” con Hayden Christensen, que se dedica más que nada a exhibir su figura ya que su carisma y su fuerza interpretativa son prácticamente cero. Muchos cuerpos femeninos desnudos, y lo que es peor, la trama avanza (es un decir) hacia una sucesión de supuestas escenas chistosas que, efectivamente, recuerdan a ‘American Pie’, pero no a la primera entrega, sino a la cuarta, quinta o sexta, de ínfima calidad y que también salieron directamente en DVD. Asimismo, el tono descaradamente zafio que inunda la cinta es un intento de parecerse a lo políticamente incorrecto de ‘Scary Movie’, pero se queda varios escalones por detrás, que ya es decir. Por supuesto, la película también pretende ser una comedia romántica, y para ello aparece Pampinea (Mischa Barton), que como es la única que se resiste a desnudarse ante Christensen, pues claro, éste se enamora perdidamente de ella.

En fin, que tenemos una película que dice ambientarse en la Edad Media, pero cuyos personajes hablan como si estuvieran en el Bronx (aunque a veces usan el tono cortés del medievo y lo estropean aún más), y el vestuario se compone de túnicas, sábanas y chaquetas de cuero. Los personajes masculinos son, literalmente, unos salidos que babean ante la primera hembra que se cruza en su camino, y las féminas son unas lujuriosas de cuidado, en su caso unas monjas que parecen salidas de Supermodelo 2008, y (lo digo muy en serio) a las que no les importaría ser violadas con tal de realizar su tan deseado acto sexual a todas horas. Que Christensen y Barton estén aquí, no me extraña en absoluto, porque en esta película porno-light están para mostrar su cuerpo. Pero que Tim Roth se meta en este berenjenal me hace pensar en que, efectivamente, en EEUU también hay crisis y pagarse la gasolina también debe estar complicado incluso si eres un actor reputado en Hollywood.

Diálogos deprimentes (por malos), música insoportable (incluso recuerda a la melodía principal de ¡’Pulp Fiction’!), actores de pacotilla, aunque se agradece el vano intento de Tim Roth, dirección mediocre y argumento absurdo por no decir inexistente. ‘Aprendiz de Caballero’ es seguramente la peor película que he visto de lo que llevamos de 2008, y lo único que puedo afirmar es que nadie en su sano juicio debería imitarme, es decir, ver esta bazofia y perder hora y media de su vida. Decía Gandhi: “Si cada minuto que pasa es irrecuperable, ¿por qué malgastamos tantas horas?”

En Blogdecine:

• ‘Aprendiz de Caballero’, trailer y poster.

‘Inglourious Basterds’ ha dado, está dando y dará que hablar. Todo porque es la nueva película del señor Quentin Tarantino, la “sexta” si consideramos ‘Kill Bill’ como una sola. Tras la reciente ‘Death Proof’ (la segunda mitad de ‘Grindhouse’), Tarantino, como sabéis, quiere contarnos una película bélica basada en ‘Quel maledetto treno blindato’ (1978), más conocida como ‘The Inglorius Bastards’, que a su vez se inspiraba en ‘Doce del Patíbulo’ (‘Dirty Dozen’, 1967). Básicamente, el argumento girará sobre un comando formado por convictos que debe realizar una peligrosa misión suicida contra el ejército nazi.

Hemos hablado ya de este proyecto, pero hasta hace poco no se sabía nada cierto sobre el reparto, sólo rumores sobre la posibles participaciones de Tim Roth (quien ya dijo recientemente que estaría encantado de volver a trabajar para Tarantino) y Michael Madsen, así como las (menos creíbles) de Arnold Schwarzenegger y/o Sylvester Stallone. Ahora se sabe que Tarantino quiere a Brad Pitt al frente del reparto de su película, lo que sin duda podría acercarla a un público más numeroso. Nunca viene mal, siendo además Pitt un actor de probada competencia, en films como ‘12 Monos’, ‘El Club de la Lucha’ o ‘Snatch’.

Como curiosidad, señalar que la estrella ya participó del “universo Tarantino” con un papel secundario en la estupenda ‘Amor a Quemarropa’ de Tony Scott a partir de un guión del director de ‘Pulp Fiction’. Ahora sólo falta saber: ¿estará Pitt interesado en el nuevo film de Tarantino? Esperemos que sí, los actores suelen salir bien parados en sus películas, aunque sólo sea por los ocurrentes diálogos que se les ponen en la boca. Según parece, el actor encarnaría al jefe del pelotón de salvajes norteamericanos que deben viajar a Francia para hacer todo el daño posible a los alemanes que han ocupado el país…

Precisamente, sobre el guión se está hablando en multitud de webs, ya que se sabe que Tarantino lo está moviendo por los grandes estudios, buscando financiación. Los que han podido leerlo aseguran que cuenta con 165 páginas y que está dividido en 5 capítulos: ‘Once Upon a Time… Nazi Occupied France’, ‘Inglorious Basterds’, ‘German Night in Paris’, ‘Operation Kino’ y ‘Revenge of the Giant Face’.

Aunque Tarantino ha comprado los derechos del film de Enzo G. Castellari, se dice que su guión es completamente original, cosa que tendremos por válida siempre y cuando consideremos que ‘Reservoir Dogs’ o ‘Kill Bill’ son originales. Dejémoslo en que da igual el matiz, en su caso. A fin de cuentas, es lo de menos, lo mejor de Tarantino es cómo consigue sacar una obra totalmente personal, diferente, y entretenida, que funciona, de una cantidad impresionante de referencias cinematográficas y televisivas. Siendo ahora una película bélica, no cabe duda que estaremos ante un gran espectáculo lleno de homenajes (o plagios, según el punto de vista) a una gran cantidad de títulos del género.

Lo que también será interesante será comprobar cómo Tarantino pasa de hacer una película donde casi todas las protagonistas eran mujeres (‘Death Proof’) a otra donde no habrá ninguna… ¿O sí? ¿Podrá soportar Tarantino no mostrar unos pies femeninos en su nuevo film? Yo apuesto a que no, creo que veremos a chicas nazis alrededor de los protagonistas norteamericanos…

Por otro lado, la noticia de que la película estaría dividida en dos ha resultado ser falsa, una información no actualizada que provenía de una entrevista antigua al director, cuando aún no tenía listo el guión. Por tanto, ‘Inglorious Bastards’ (o ‘Inglorious Basterds’) será sólo una película. Mejor así... aunque nunca se sabe con Tarantino. Me temo que no estaremos del todo seguros hasta que se acerque la fecha del estreno.

Y hablando del estreno, señalar que Tarantino está metiendo prisa a la Weinstein Company, ya que quiere empezar a rodar su película el próximo mes de octubre, en Europa, con vistas a tenerla lista para mayo de 2009 y poder mostrarla en Cannes. Ha tardado años en tener listo el guión pero una vez logrado esto, tiene prisa en empezar a ponerlo en imágenes cuanto antes. Por mí, perfecto, estoy deseando ver otra película suya y ya me temía que tendría que esperar varios años.

Como curiosidad, abajo os dejo el trailer de la película en la que se ha basado Tarantino para escribir su nuevo guión, por si queréis echarle un ojo. La película, por otra parte, puede conseguirse fácilmente en internet, como seguro ya sabéis los fans del director.

Vía | TarantinoSpain

Michael Haneke es un provocador nato. Se salta a la torera todas las reglas conocidas y por conocer en esto del cine, dejando en manos del espectador la libre interpretación y la aceptación o no del juego que el director propone. En 1997 decidió presentarnos su ya mítica ‘Funny Games’, proponiendo un thriller cuyo punto de partida era terrible, y no me refiero a la calidad, si no a lo difícilmente insoportable de la misma. La tranquilidad de un matrimonio y su hijo pequeño es literalmente violada por dos desconocidos que se escapan a todos los dibujos psicológicos realizados sobre los asesinos en serie. La familia somos en cierto modo nosotros, y en cierto modo esos dos imbéciles repelentes son el director. Brutal e impactante, pero Haneke comete el error a mi juicio de jugar demasiado con el espectador. El hecho de subrayar que todo lo que vemos es ficción se me antoja una decisión de lo más caprichosa, y el film pierde toda su presunta fuerza.

¿Es su remake también un capricho por parte de su director? ¿Estamos ante una operación similar a la que Gus van Sant realizó con su infumable ‘Psicosis’? Pues sí, y también no.

Los hechos acaecidos en ‘Funny Games’, remake made in Usa, son exactamente los mismos que en la versión del 97. Es más, todo es idéntico, exceptuando evidentemente a los actores. Los planos son los mismos, de modo que la duración es la misma, la casa donde tiene lugar los hechos tiene las mismas medidas que la del original. En ese aspecto, Haneke se ha preocupado por reproducir con total fidelidad lo mismo que había realizado poco más de diez años antes. En mi opinión, esto es curiosamente lo más loable de esta cinta. Me explico. Haneke, además de vacilar al público (y esto puede suponer todo lo contrario para aquellos que disfrutan con su forma de hacer cine), decide vacilar a la industria hollywoodiense con un par (sí, un par). Consciente de que si otro dirige su película, harán las cosas de forma muy diferente, decide llevarlo él mismo a puerto, fotocopiando su ya conocida obra. De esta forma, además de ser totalmente fiel a sí mismo (y esto puede ser interpretado como un ejercicio de prepotencia por parte de Haneke que se niega a considerar que su film es mejorable) da a conocer su obra tal y como la parió hace tiempo.

Me hubiera gustado que Haneke, siendo el total y único controlador absoluto de su obra, indagara más en el fondo de su propuesta, incomodando de verdad al espectador. Pero como estamos hablando de una fotocopia pues el film cae en los mismos errores que la de entonces. Esto es, la dichosa y estúpida secuencia del mando a distancia, que rompe con todo lo visto hasta entonces, los continuos desafíos que el personaje al que da vida Michael Pitt realiza a la cámara hablándole directamente al espectador. Es una película, yo ya sé que es ficción, pero si hasta ese momento podía estar pasándolo mal y celebrando un thriller poco común, eso no hace más que apartarme de la historia, la cual ya prosigue por derroteros totalmente aburridos y falto de interés hasta el final en el que todo vuelve a empezar (la maldad no tiene fin).

Pero es que además, y aun a pesar de que el film tiene posibilidades sin recurrir a ese tipo de manipulaciones, éste flaquea en algunas de sus propuestas del mismo modo que en la del 97. Se me antoja difícil de creer que los dos listillos vestidos con indumentaria de jugador de golf no puedan ser reducidos, o el hecho de que parecen no dormir jamás. ¿Realidad? ¿ficción? ¿ambas cosas? ¿o simplemente tirar de cada una según mejor le convenga al director? Muy pretencioso, por no decir que tiene más cara que espalda.

Si hay algo que prefiero en este remake al original serían las interpretaciones, y en concreto las de Naomi Watts y Tim Roth, la primera productora del evento y se le nota estar encantada con el director y la historia. Ambos expresan bastante bien, o mejor que los originales, el dolor de un matrimonio que no comprende nada de lo que le está pasando. Una pena que Haneke, con su rebelde y poco aceptada decisión de repetir su película plano por plano, le haya hecho tropezar de la misma forma en la que lo hizo años ha. Doble tomadura de pelo. La jugada le ha salido perfecta. La manipulación que el propio director reconoce sería lo mismo que decir que un director ha hecho una mierda de película para que todos sepamos cómo es la mierda.

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• ‘Funny Games US’, autoremake irrelevante

Desconcertante. Michael Haneke, un ídolo de la legión gafapasta, un pretencioso sin remedio, hace una película en 1997, con presupuesto limitado y una aceptación extensa dentro de sus circunstancias, titulada ‘Funny Games’. Diez años más tarde, contando con una producción un poco más generosa, actores más atractivos y conocidos, Haneke rueda, plano por plano, la misma película. No sólo es la pedantería autocomplaciente del cineasta austriaco el posible germen de este autoremake innecesario, sino la posible llegada a las masas populares de lo que algunos intelectualoides llaman la obra maestra de Haneke. Ahora no son varios actores austriacos los que campan a sus anchas a lo largo del metraje, sino nada menos que Tim Roth, Naomi Watts y Michael Pitt, tres actores de la industria de Hollywood, provistos de talento (cada uno a su manera) y con una filmografía consolidada sobretodo en el caso de los dos primeros.

Como la película es exactamente la misma, resulta difícil reseñar esta película sin limitarse a enumerar las diferencias entre esta película y su predecesora. Aunque, ciertamente, llamar predecesora a la de 1997 sería erróneo, porque ‘Funny Games US’ ni siquiera es una secuela. Es idéntica sólo que con otras caras más famosas, una fotografía menos sombría y más cuidada. En todo lo demás, lo más lógico es redigiros a mi crítica, o la de Alberto, en la que hablamos de ‘Funny Games’ en la misma medida que podríamos haberlo hecho de esta película.

Lo primero que hay que resaltar es que Michael Pitt es mucho mejor actor que Arno Frisch, si los comparamos en el sentido de que ambos, cada uno en su versión, interpretan al mismo personaje: Paul, el joven huésped que se torna en secuestrador y educado extorsionador psicológico. El carisma de Pitt le permite combinar su cara de niño bueno con su mirada malévola e inquietante, y constituye un psicópata sólido y memorable, al contrario que Brady Corbet, que sale perdiendo con respecto a su homólogo austriaco Frank Giering, interpretando a Peter, el cómplice de Paul.

Nuevamente encontramos que las actuaciones de Tim Roth y Naomi Watts están totalmente desaprovechadas. No obstante, en los primeros veinticinco minutos, los que considero realmente decentes de la película (tanto en la versión europea como en la norteamericana), hay que reconocer que Watts está fantástica, sorprendemente natural, y hace ganar puntos a este remake. Una pena lo de Tim Roth, mientras tanto, ya que se dedica a poner cara de sufrimiento con el mayor conformismo.

El verdadero problema de ‘Funny Games US’ no es que sea un remake exageradamente fiel a lo anterior, sino que es un producto totalmente destinado a la comercialidad de una película que ya dio que hablar dentro de su estátus de película de culto europea de los 90. Parece que por salir Tim Roth y Naomi Watts, por lanzarse dentro del panorama del mercado americano, el público de a pie va a aceptar mejor la película o va a opinar de otra forma. Craso error. Sobretodo porque Haneke, dentro de su burbuja, no se da cuenta de que esto podría haberle servido para subsanar fallos de la anterior. Y no sólo hablo de fallos técnicos (que los había en la de 1997 y los sigue habiendo aquí), sino fallos argumentales, de coherencia de la historia. El aura de desagrado, sadismo y la imposibilidad de una explicación plausible de la trama se mantienen intactas. Esos eternos planos fijos que tanto le gustan a Haneke no se han cambiado en absoluto, cuando podría haber matizado su película con un montaje más ágil y efectivo.

La situación de ‘Funny Games US’ es similar a cuando el músico inglés Mike Oldfield lanzó el disco ‘Tubular Bells 2003’, una revisión del inolvidable álbum que le hizo famoso en 1973. Treinta años después, Oldfield se limitó a limpiar el sonido y hacer más comercial un disco que ya de por sí es un referente en el rock del siglo XX. Nada de arreglar fallos, ni reconocer limitaciones. El ego de Haneke, como el de Oldfield, provoca que lo que podría ser la gran oportunidad para reparar todo lo imperfecto, sea simplemente una capa de barniz que alimente aún más su exagerado nivel de autoestima.

Deplorable. Tramposa. ‘Funny Games US’ es una película que nunca debería haberse hecho, teniendo en cuenta que la película a la que copia con indignante minuciosidad tampoco era una maravilla, sino una forzada provocación obscena se queda a medias en su intento de reflexión sobre la violencia en los medios de comunicación. Si apreciais vuestro dinero, vuestro tiempo, y más aún vuestra dignidad, impedid que alguien os empuje a ver una película que no tiene ningún sentido ni trascendencia. Es un fraude con todas sus letras.

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Ahora que Marvel es también una productora de cine, el control que ésta tiene sobre las adaptaciones de sus personajes es enorme, y eso se nota con echarle un vistazo tanto a ‘El increíble Hulk’ como a ‘Iron Man’, en las que se ha aplicado lo mismo que hacían en los comics: desarrollar a cada personaje en su serie/saga y por otro lado el ir preparando al público para una reunión de conocidos superhéroes realmente espectacular (‘Los vengadores’ es un proyecto recientemente aprobado y pronto verá la luz). Si en la simpática película de Jon Favreau aparecía Nick Furia hablando sobre cierto proyecto, en ésta tenemos a un Robert Downey Jr. cerrando el film y dando más pistas sobre cierto equipo, y que si sigue lo narrado en los comics, éstos tendrán como uno de sus enemigos al alter ego de Bruce Banner.

‘El increíble Hulk’ pretende ser la misma operación que el citado film sobre el Hombre de Hierro, pero notablemente inferior en prácticamente todos sus aspectos, aunque el más poderoso de todos es que la película carece de una interpretación carismática a la altura de la de Downey Jr.. Se han alejado tanto de la versión de Ang Lee que han conseguido justo lo contrario a aquélla.

‘El increíble Hulk’ es un volver a empezar, un retorno a los orígenes retomando el inicio de una forma totalmente distinta. De hecho, la película parece más una adaptación de la famosa serie de televisión protagonizada por Lou Ferrigno que otra cosa. Incluso utilizan la melodía de la serie. Bruce Banner vive alejado ocultando un terrible secreto que lleva consigo desde que un accidente en su laboratorio, en el que experimentaba con las radiaciones gamma, cambió radicalmente su vida. El general Ross pretende capturarle desde hace tiempo para sacar provecho de lo que Banner lleva en su interior, lo cual podría ser el arma bélica perfecta.

La prioridad de ‘El increíble Hulk’ es hacer que el espectador olvide la versión de Ang Lee, la cual era mucho más profunda de lo que la gente creía y esperaba. Para ello no hay nada como un guión mucho más simple, personajes planos hasta la saciedad, escenas de acción con mucha traca, y ante todo un director totalmente opuesto a Lee. Louis Leterrier era la elección perfecta, pues no hay director más impersonal que éste, habiendo dirigido películas como ‘Transporter 2’ o ‘Danny the Dog’, productos en los que las presencias carismáticas de Jason Statham o Morgan Freeman, incluso Jet Li, hacía más por la película que el director. Leterrier no está capacitado para escenas íntimas, aunque en este caso parte de la culpa sea de un guión bastante pobre (si es cierto que Edward Norton tuvo algo que ver, entonces el excelente actor debería concentrarse sólo en actuar), y algo más para las escenas de acción, las cuales poseen unos efectos visuales excelentes, convirtiéndose éstos en los mejor de la película, pero dichas escenas carecen de fuerza y emoción. Sí, el bicho verde pega unos gritos que te dejan sordo, pero son simplemente gritos ruidosos.

Cuando la pantalla no la llenan los efectos visuales, la película no ofrece ningún interés, debido a la desidia con la que todo es mostrado. Los personajes no existen como tales, son marionetas. Los diálogos se recitan porque estamos en la época del cine sonoro, y algunas de las situaciones son todas desaprovechadas (claman al cielo lo poco que se lucen en las escenas de la persecución en las favelas, totalmente confusa, o en la primera aparición de Hulk entre sombras, que podría haber sido más terrorífico).

Si Leterrier se aparta de lo que hizo Lee como director, los actores otro tanto de lo mismo. Edward Norton es un magnífico actor, pero debería elegir mejor sus proyectos (si repasamos su carrera nos damos cuenta de los pocos títulos memorables en los que ha participado). Su Banner está falto de emoción, apenas construye un personaje cuyo tormento debería estar mejor tratado. Liv Tyler, además de haberse zampado muchos bollos, no tiene ni la más mínima química con Norton, y su personal historia de amor parece pertenecer a otra película. William Hurt queda ridículo como general Ross, está poco definido, y realiza una de sus peores interpretaciones. Sólo Tim Roth demuestra estar a la altura de las circunstancias, haciendo de su personaje algo divertido y también algo temible. Una pena que como todos los demás quede reducido a la mínima expresión. Actores que más bien parecen los protagonistas de un videojuego.

Cuenta Norton que reniega del resultado final, ya que no pudo meter mano en el montaje. Ciertamente hay secuencias confusas, a veces no existe la continuidad, y la incursión de algún personaje es de lo más forzada, por no hablar de ciertas incongruencias. Aún así, lo de Norton suena a excusa barata para desentenderse de una película que hace aguas por todos lados. Una película que no es excesivamente aburrida, e incluso se pasa el tiempo con ella, pero desde luego no es el entretenimiento que prometían. Eso sí, contiene el que para un servidor es el mejor cameo de Stan Lee de todos cuantos ha hecho.

‘El increíble Hulk’ es una floja película que a mí no me hace olvidar la de Lee en ningún instante, al contrario, afianza su condición de excelente cinta. Por cierto, esta nueva versión parece gustar más a la audiencia y sin embargo su carrera taquillera va por debajo de su predecesora. Un dato cuanto menos curioso.

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No, no voy a comparar esta película recién estrenada con la que dirigió Ang Lee en el año 2003, como están haciendo la mayoría de los que reseñan este film. Básicamente porque, lamentándolo mucho, aún no he visto la protagonizada por Eric Bana, por mucho que lo tengo pendiente. Además, ‘El Increíble Hulk’ no se erige como secuela de la anterior película del hombre verde, sino que la ignora completamente y vuelve a contar las aventuras de Bruce Banner desde el principio. Si bien la otra fue denostada y vapuleada por crítica y público, por al parecer excesivamente aburrida, atribuyéndosele los calificativos de “maravilla poética” y “bodrio infumable” a partes iguales, ésta es claramente más comercial, con una senda análoga a la de ‘Iron Man’.

‘Iron Man’ ha supuesto un punto de inflexión en las películas de superhéroes por apoyarse (¡y de qué manera!) en un reparto solvente y contar con un guión que aúna espectacularidad palomitera y consistencia inteligente. En este sentido, podemos decir que ‘El Increíble Hulk’ continúa e insiste con esta nueva directriz impuesta por la Marvel. Bruce Banner es ahora Edward Norton, un reconocidísimo actor que aún asombra por sus interpretaciones en ‘Las Dos Caras de la Verdad’ o ‘American History X’, por poner dos ejemplos. Acompañándole están Liv Tyler como Betty, Tim Roth como Emil Blonsky y William Hurt como el general Ross.

La película enseguida muestra sus intenciones con una primera media hora realmente trepidante y frenética, con un montaje rápido, planos cortos, y una dirección de Louis Leterrier que no carece de cierta maestría, aunque su estilo recuerda irremediablemente al de Paul Greengrass en ‘El Ultimatum de Bourne’. Esto no puede achacársele puesto que Leterrier utilizó esta misma forma de rodar en ‘Transporter’, pero sí es cierto que el cine comercial precisa de esta incesante oleada directa de imágenes, si tenemos en cuenta que Michael Bay anda por los mismos derroteros.

Bruce Banner, un científico norteamericano, vive en un suburbio de una ciudad de Brasil, aislado del mundo para evitar que su inestable comportamiento físico sea el objetivo del ejército y pueda dañar a aquellos que aprecia. Cuando se altera mucho y llega a un número determinado de pulsaciones por minuto, se transforma en un ser de color verde de extraordinaria fuerza y agresividad. Está muy bien desarrollado el hecho de que Hulk seguramente no sea más que una faceta enferma de Banner, una patología de la misma manera que Mr. Hyde lo es del doctor Jekyll en la famosa novela de Robert Louis Stevenson.

El guión de Zak Penn va a tiro hecho, con unas escenas que sólo sirven para dar paso a otras, y en muchas ocasiones para dar un respiro entre espectáculo y espectáculo, que no son más que las alternadas apariciones de Hulk. A veces consigue cumplir con el cometido de que estos respiros den mayor profundidad psicológica a los personajes, pero el resto se queda a medias. Y eso se nota en el hecho de que Norton, a pesar de su talento actoral, no desprende el carisma suficiente para que empaticemos con él como protagonista absoluto, como héroe a su pesar.

En su favor, sí podemos decir que los efectos especiales son magníficos, y en concreto la lucha de Hulk con el ejército en el campus universitario es de una espectacularidad que abruma sin concesiones. Con el inicio tan directo que tiene el film, la irregularidad es inevitable, pero hay que decir que las escenas de acción suplen muchos de los defectos de la película. A lo que ayuda, por cierto, la impagable aportación de Tim Roth como villano espontáneo. En su papel como Emil Blonsky, se intuye una evolución hacia la maldad absoluta que se nos muestra con simples miradas de este gran actor, del que no me puedo olvidar gracias a su inquietante encarnación de Archibald Cunningham en ‘Rob Roy’. Liv Tyler, en cambio, tiene un papel mucho más artificial, que requiere más personalidad de la que la actriz es capaz de ofrecer, y es imposible que nos creamos que es científica y pueril hija del general. Un general que William Hurt define sin pasión. Era de esperar que Hurt, un actor tan mítico como se desvela en su trayectoria, apareciese con más entrega, con mayor expresividad, pero en muchos casos Norton y Roth se quedan prácticamente solos en cuanto a llenar la pantalla con sus actuaciones.

A pesar de sus casi dos horas de duración, se nota mucho que el montaje que ha llegado a los cines no es el inicial, y es que hay algunas lagunas en las tramas, como son todo lo que rodea a los personajes encarnados por Ty Burrell y Tim Blake Nelson. El primero es el novio de Betty hasta que Bruce vuelve a aparecer en su vida, y el otro es un excéntrico científico que ayuda a Banner y a Blonsky porque no queda más remedio. Asimismo, SPOILER la irremediable lucha final entre Hulk y Blonsky, convertido en Abominación, es más corta de lo esperado, con una resolución precipitada y torpe, y seguramente es por este mismo motivo FIN SPOILER. Por lo demás, una historia que tiene algún que otro detalle de ‘La Bella y la Bestia’ o de ‘King Kong’, pero que no es más que una adaptación de un cómic y por ello su falta de pretensiones mayores, se convierte en una virtud. Hay algunos cameos, como el de Lou Ferrigno (que también fue verde en una serie de televisión), Stan Lee y SPOILER Robert Downey Jr., que aparece para confirmar que habrá un grupo llamado ‘Los Vengadores’, consolidando así la propuesta cinematográfica de la Marvel para inundarnos con sus personajes. Y a cobrar, claro FIN SPOILER.

La rimbombante pero efectiva música de Craig Armstrong (sobretodo en la persecución en las favelas) es la correcta para el tipo de película que se trata, y la fotografía tiende quizá demasiado a lo oscuro incluso en escenas diurnas, pero técnicamente la película es intachable, y como ya he dicho, la inclusión de efectos especiales es insuperable. ‘El Increíble Hulk’ gustará a todos, tiene todos los ingredientes para ello, y aunque es mucho menor en calidad global que ‘Iron Man’, es un producto estimable que (lo más importante de todo) consigue lo que se propone a pesar de sus evidentes limitaciones.

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