Esta mañana se han dado a conocer las nominaciones a los premios BAFTA 2012, o lo que es lo mismo, los premios que reparte Academia Británica para el cine y las artes televisivas (British Academy of Film and Television Arts), otra de las muchas antesalas a los próximos Oscar (cuyo tráiler podéis ver aquí). Hasta ahora ya os habíamos informado sobre otros galardones que nos dan pistas al respecto como las del sindicato de guionistas de USA o los ganadores de la aún reciente última edición de los Globos de oro.

En lo concerniente a las nominaciones de este año de los BAFTA, lo cierto es que no ha habido ninguna gran sorpresa, aunque sí alguna ausencia de cierta importancia como la de ‘La invención de Hugo’ en la categoría de mejor película, especialmente cuando Scorsese va a recibir el BAFTA honorífico en esta edición y nunca viene mal una dosis extra de peloteo. En número de menciones se llega el gato al agua ‘The Artist’ con doce nominaciones, seguida por ‘El topo’ con once. El podio lo completa ‘La invención de Hugo’ al conseguir nueve. Ya más alejadas encontramos a ‘My Week with Marilyn’ con seis y ‘Criadas y señoras’ y ‘War Horse (Caballo de batalla)’ con cinco cada una. La aparición española la encontramos con la nominación para ‘La piel que habito’ como mejor película de habla no inglesa, algo que no podrá suceder en los próximos Oscar.

Lo que más me sorprende de estos premios es que se siga haciendo la distinción entre mejor película y mejor película inglesa. Soy consciente de que hay que defender un poco el orgullo nacional, pero es una diferenciación que ya resulta un tanto absurda a estas alturas. Además, da pistas de más, ya que ‘El topo’ es la única película que aparece mencionada en ambas categorías, con lo cual sería muy raro que al menos no se alzase con el título de mejor película inglesa. Os animo a seguir leyendo para conocer más detalles sobre las nominaciones

Mejor Película

• ‘The Artist’

• ‘Los descendientes’

• ‘Drive’

• ‘Criadas y señoras’

• ‘El topo’

Mejor Película Inglesa

• ‘My Week with Marilyn’

• ‘Senna’

• ‘Shame’

• ‘El topo’

• ‘Tenemos que hablar de Kevin’

Mejor Director

• Michel Hazanavicius por ‘The Artist’

• Nicolas Winding Refn por ‘Drive’

• Martin Scorsese por ‘La invención de Hugo’

• Tomas Alfredson por ‘El topo’

• Lynne Ramsay por ‘Tenemos que hablar de Kevin’

Mejor Actor

• George Clooney por ‘Los descendientes’

• Jean Dujardin por ‘The Artist’

• Michael Fassbender por ‘Shame’

• Brad Pitt por ‘Moneyball’‘

• Gary Oldman por ‘El topo’

Mejor Actriz

• Berenice Bejo por ‘The Artist’

• Viola Davis por ‘Criadas y señoras’

• Meryl Streep por ‘La dama de hierro’

• Tilda Swinton por ‘Tenemos que hablar de Kevin’

• Michelle Williams por ‘My Week with Marilyn’

Mejor Actor secundario

• Kenneth Branagh por ‘My Week with Marilyn’

• Jim Broadbent por ‘La dama de hierro’

• Jonah Hill por ‘Moneyball’

• Philip Seymour Hoffman por ‘Los idus de Marzo’

• Christopher Plummer por ‘Beginners (Principiantes)’

Mejor Actriz secundaria

• Carey Mulligan por ‘Drive’

• Jessica Chastain por ‘Criadas y señoras’

• Judi Dench por ‘My Week with Marilyn’

• Melissa McCarthy por ‘La boda de mi mejor amiga’

• Octavia Spencer por ‘Criadas y señoras’

Mejor Guión original

• Michel Hazanavicius por ‘The Artist’

• Kristin Wiig y Melissa McCarthy por ‘La boda de mi mejor amiga’

• John Michael McDonagh por ‘El irlandés’

• Abi Morgan por ‘La dama de hierro’

• Woody Allen por ‘Midnight in Paris’

Mejor Guión adaptado

• Jim Rash, Nat Faxon y Alexander Payne por ‘Los descendientes’

• Tate Taylor por ‘Criadas y señoras’

• George Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon por ‘Los idus de Marzo’

• Steve Zaillian y Aaron Sorkin por ‘Moneyball’

• Bridget O’Connor y Peter Straughan por ‘El topo’

Mejor Película de animación

• ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’

• ‘Arthur Christmas: Operación regalo’

• ‘Rango’

Mejor Película de habla no inglesa

• ‘Incendies’

• ‘Pina’

• ‘Potiche, mujeres al poder’

• ‘Nader y Simin, una separación’

• ‘La piel que habito’

Podéis consultar aquí el resto de nominaciones. Os recuerdo que los ganadores se darán a conocer el próximo 12 de febrero.

Ubicada durante la Guerra Fría, ‘El topo’ (‘Tinker Tailor Soldier Spy’, 2011), de Tomas Alfredson, adapta una de las novelas de John Le Carré para hablar de un espía británico jubilado de forma sospechosa, al que le llega la noción de que puede haber un infiltrado en su organización. Sin levantar mucho polvo y guardando la compostura, comienza a mover algunos hilos para desenmascarar al agente doble y, en el proceso, se topará con otras traiciones con las que no contaba.

La estética de ‘El topo’ está henchida de intencionalidad, aunque no se presenta llamativa en cuanto a lo que muchos llaman puesta en escena. La ambientación es feísta porque así se quiere fotografiar la época, como comentará uno de los personajes: “El Occidente se ha vuelto muy feo”. Así, aunque aparezcan envidiables vehículos y edificios singulares, no hay brillos, sino un sentir rancio o desgastado. Suponen una opción visual muy impactante esas cápsulas insonorizadas con poliespán naranja donde tienen lugar las reuniones de la cúpula. Los planos frontales de perspectiva caballera se emplean muchas veces para componer espacios muy marcados. Se hace tanto aquí, como en la biblioteca que, vista desde fuera, a través de las ventanas, también compone un bello encuadre. Al tratarse de un film de espionaje, se utilizan mucho estas visiones a través de los vidrios y destaca, en este sentido, en particular, la escena que transcurre en un único plano y que se nos muestra dividida por cuatro ventanas iguales por las que va desfilando una mujer que acaba de descubrir otro tipo de deslealtad.

El montaje de Dino Jonsäter es una de los labores que más sobresalen del film, al ejecutarse con valentía, con uso de elipsis dentro del plano que casi lo convierten en descontinuo –jump-cuts–, además de con un modo ágil de desplegar algunas escenas como si fuesen retazos, sin dejar que concluyan y tomándolas principiadas. Alfredson escoge la opción sobria de no marcar sobre pantalla con carteles en qué ciudad transcurre cada secuencia o de no emplear transiciones que dejen claro cuándo se produce un salto atrás en el tiempo. Si bien esta elegancia lo ennoblece, habrá que dignarse acometerla cuando sean otros elementos los que den la pista de si nos encontramos en el flashback o en el tiempo real o establezcan la ubicación ya que, tal como está, exige que sea el espectador quien adivine más que deduzca estas cuestiones. La música de Alberto Iglesias acompaña perfectamente al conjunto, marcando sin disimulos todas las emociones que se quieren transmitir.

Se hallan en este thriller excelentes instantes, no exentos de tensión, como la consecución de escenas que contienen el momento en el que el espía que ejecuta los deseos del protagonista debe colarse en los archivos y extraviar un librito. Pero estos momentos no suponen la mayor parte del metraje. No obstante ese brío en el cambio de los planos, el ritmo de ‘El topo’ es pausado. No critico que predominen los diálogos –por otra parte, grandiosos– o que todo se ejecute con calma, ya que es el modus operandi en los films de espionaje, género que disfruto siempre. Pero el tempo interno de las escenas no ha de relacionarse necesariamente con el ritmo del progreso del argumento, es decir, con la velocidad con la que se introduce nueva información o se suceden los giros. Si bien lo primero me parece perfecto que se haga con parsimonia y no estoy pidiendo acción ni trepidancia, en lo segundo encuentro que el film resulta torpe a la hora de comenzar a entrar en la cuestión principal y que da muchos palos de ciego al inicio, pasado el magnífico arranque en Budapest, para llegar por fin a centrarse en la investigación cuando hace su aparición hijo pródigo, Ricky Tarr.

Esto puede deberse, claro está, a que las pesquisas se sitúan en segundo término de transcendencia con respecto a las cuestiones personales. En efecto, la intriga por conocer resolución poco atrapa ya que, si los whodunnit o las novelas de Agatha Christie son denostados porque todo consiste en elegir –pinto, pinto, gorgorito– entre varios sospechosos, aquí el interés es aún menor al tratarse de una fórmula idéntica, pero con menos opciones. Y no es nada difícil presuponer cuál de los posibles culpables despuntará como traidor.

Lo que interesa, decíamos, son los comportamientos de los personajes o lo que surca sus mentes. La opción, por principio, me parece preferible, pero ya que es la escogida, echo en falta que se trate con mayor hondura. Me engancharía percibir en el protagonista un sufrimiento interno al pasar por dilemas morales, dudas sobre su afiliación o algún sentimiento ante lo que está llevando a cabo, además de la humillación por ser cornudo. Gary Oldman realiza una buena interpretación y no es por falta de expresividad por lo que digo esto, sino porque su lealtad permanece férrea durante toda la película y, aunque eso lo pueda retratar como mejor persona, es más rico el personaje lastrado por los conflictos éticos que el entero.

De esa manera, resultan más sugestivos personajes secundarios, como el de Tom Hardy, en quien sí se perciben esos titubeos. No porque los intérpretes estén más en su línea, sino por lo que sugieren sus personajes. Así, me quedo con lo que atañe a otros, ya sea a John Hurt en su escasa, pero acertada intervención; ya sea a Colin Firth con su discreción extrema; ya sea Toby Jones, quien con su furia casi histérica es quien más me llama la atención de todo el reparto, o el comedido Mark Strong, además del ambiguo Benedict Cumberbatch. Cualquiera de ellos hace patente, mejor que el principal, el absurdo, no ya de las ideas de un bando o del otro, sino de la forma de combatir que se ponía en práctica durante la Guerra Fría. Esta crítica está entre las lecturas posibles de la película, pero no constituye la primordial y es una lástima porque, de haber sido así, podría haber supuesto lo más enriquecedor del film, ya que nos invitaría a la deliberación.

Encuentro méritos en ‘El topo’ que se refieren principalmente a la atmósfera y la plena adecuación de la propuesta al canon de los films de espionaje. Considero que contiene momentos de gran cine y secuencias nada desdeñables. Pero más allá de cuestiones o instantes determinados, el conjunto no se me antoja tan certero como habría esperado, debido a que percibo la progresión argumental deshilvanada y patosa. O a que, si lo que importa es lo personal, echo en falta que el protagonista pase por algún conflicto moral con respecto a sus ideas que sirva de plataforma para la reflexión sobre aquella época tan convulsa.

Otra crítica en Blogdecine | ‘El topo’, el lado humano de los espías, por Míkel Zorrilla.

Mi puntuación:

‘El topo’

Título original: ‘Tinker, tailor, soldier, spy’. Dirección: Tomas Alfredson. Países: Reino Unido, Francia y Alemania. Año: 2011. Duración: 127 min. Género: Thriller. Interpretación: Gary Oldman (George Smiley), Colin Firth (Bill Haydon), Tom Hardy (Ricki Tarr), John Hurt (Control), Mark Strong (Jim Prideaux), Benedict Cumberbatch (Peter Guillam), Stephen Graham (Jerry Westerby), Ciarán Hinds (Roy Bland), Toby Jones (Percy Alleline), David Dencik (Toby Esterhase). Guion: Bridget O’Connor y Peter Straughan; basado en la novela homónima de John le Carré. Producción: Tim Bevan, Eric Fellner y Robyn Slovo. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Hoyte van Hoytema. Montaje: Dino Jonsäter. Diseño de producción: Maria Djurkovic. Vestuario: Jacqueline Durran. Distribuidora: DeAPlaneta. Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis: La historia del film nos traslada a los años 70. El fracaso de una misión en Hungría desencadena un cambio en la cúpula de mando de los servicios británicos. Uno de los defenestrados es el agente George Smiley. Cuando Smiley ya se ha hecho a la idea del retiro, le encargan una misión especial. Hay sospechas de que un “topo” está infiltrado entre las altas instancias del Servicio y sólo alguien de fuera puede descubrirlo. Con ayuda de otros retirados y de algún agente fiel, Smiley irá recabando información y encajando las piezas que le lleven al traidor. Por el camino encontrará historias de traición, ambición y mentiras.

¿Qué podéis esperar? Una de las mejores películas del año. Imprescindible.

Crítica en Blogdecine:

‘El topo’, el lado humano de los espías

‘Immortals’

Dirección: Tarsem Singh. País: USA. Año: 2011. Duración: 111 min. Género: Acción, fantástico. Interpretación: Henry Cavill (Teseo), Mickey Rourke (rey Hiperión), Freida Pinto (Fedra), Luke Evans (Zeus joven), Kellan Lutz (Poseidón), Isabel Lucas (Atenea), John Hurt (anciano), Stephen Dorff (Stravros), Daniel Sharman (Ares), Joseph Morgan (Lisandro), Peter Stebbings (Helios). Guion: Charley Parlapanides y Vlas Parlapanides. Producción: Mark Canton, Ryan Kavanaugh y Gianni Nunnari. Música: Trevor Morris. Fotografía: Brendan Galvin. Montaje: Stuart Levy y Wyatt Jones. Diseño de producción: Tom Foden. Vestuario: Eiko Ishioka. Distribuidora: Universal Pictures International Spain. Estreno en USA: 11 Noviembre 2011. Estreno en España: 23 Diciembre 2011. Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis: El brutal y sangriento rey Hiperión y su despiadado ejército avanzan por Grecia, destruyéndolo todo a su paso con implacable eficiencia. Los pueblos caen uno tras otro ante los hombres de Hiperión y cada victoria le acerca un poco más a su objetivo: desatar la furia de los titanes dormidos para vencer a los dioses del Olimpo y a medio mundo. Nada parece capaz de detener el inexorable avance del malévolo rey en su conquista del mundo, hasta que un joven llamado Teseo jura vengar a su madre, que ha perecido en uno de los ataques de Hiperión. Teseo pide consejo al Oráculo de la Sibila, Fedra, que ante las perturbadoras visiones del futuro del joven, se convence de que solo él podrá detener la terrible destrucción. Con su ayuda, Teseo reúne a un pequeño grupo de hombres y asume su destino en una batalla desesperada por el futuro de la humanidad.

¿Qué podemos esperar? Un espectáculo violento similar a ‘300’, con la imaginación visual del director de ‘The Fall’. El segundo plato para los que ya hemos visto ‘El topo’.

En Blogdecine:

‘Immortals’, la película

‘Immortals’, derroche de testosterona del todo a cien

‘Noche de fin de año’

Título original: ‘New Year´s Eve’. Dirección: Garry Marshall. País: USA. Año: 2011. Duración: 118 min. Género: Comedia romántica. Interpretación: Halle Berry (Aimee), Ashton Kutcher (Randy), Jessica Biel (Tess), Jon Bon Jovi (Jensen), Robert De Niro (Stan), Josh Duhamel (Sam), Zac Efron (Paul), Katherine Heigl (Laura), Sarah Jessica Parker (Kim), Abigail Breslin (Hailey), Chris “Ludacris” Bridges (Brendan), Sofía Vergara (Ava), Michelle Pfeiffer (Ingrid), Hilary Swank (Claire), Seth Meyers (Griffin), Lea Michele (Elise), Carla Gugino, Hector Elizondo (Kominsky), Til Schweiger (James). Guion: Katherine Fugate. Producción: Mike Karz, Wayne Rice y Garry Marshall. Música: John Debney. Fotografía: Charles Minsky. Montaje: Michael Tronick. Diseño de producción: Mark Friedberg. Vestuario: Gary Jones. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

Sinopsis: ‘Noche de Fin de Año’ es la secuela de la película romántica ‘Historias de San Valentín’ y se trata de una celebración de amor, esperanza, perdón, segundas oportunidades y nuevos comienzos en plena Navidad, a través de las historias entrelazadas de parejas y personas solteras, contadas con el telón de fondo de la emoción y lo que Nueva York promete en Nochevieja, la noche más deslumbrante del año.

¿Qué podemos esperar? Un extenso anuncio publicitario de la ciudad de Nueva York y una cursilada difícilmente soportable para la mayoría de los mortales. Solo apta para muy fans de las estrellas que aparecen en el reparto.

‘El rey león 3D’

Título original: ‘The lion king 3D’. Dirección: Roger Allers y Rob Minkoff. País: USA. Año: 1994. Duración: 89 min. Género: Comedia, familiar, musical. Doblaje original: Matthew Broderick (Simba adulto), Jim Cummings (Ed), Nathan Lane (Timon), Jeremy Irons (Scar), James Earl Jones (Mufasa), Ernie Sabella (Pumbaa), Whoopi Goldberg (Shenzi), Rowan Atkinson (Zazu). Guion: Irene Mecchi, Jonathan Roberts y Linda Woolverton. Producción: Don Hahn. Música: Hans Zimmer. Montaje: Ivan Bilancio. Diseño de producción: Chris Sanders. Distribuidora: The Walt Disney Company Spain. Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

Sinopsis: El clásico de Disney nos cuenta las aventuras de Simba, el adorable cachorro de león que está deseando ser rey. Pero su envidioso tío Scar tiene otros planes ya que quiere ascender al trono y obliga a Simba a exiliarse del reino. Solo y a la deriva, Simba no tarda en unirse a las andanzas de un divertidísimo suricato llamado Timón y de un cariñoso jabalí llamado Pumba. De este modo, Simba adopta el estilo de vida relajado de Hakuna Matata y olvida sus responsabilidades hasta que comprende cuál es su destino y regresa a las Tierras del Orgullo para recuperar su lugar en el Círculo de la Vida.

¿Qué podemos esperar? Que el 3D no estropee una de las mejores películas de la factoría Disney. Yo no pagaría ni un céntimo por verla en ese formato, pero supongo que muchos padres no tendrán más remedio si quieren vivir una hora y media de paz.

‘Route Irish’

Dirección: Ken Loach. Países: Reino Unido, Francia, Bélgica, Italia y España. Año: 2010. Duración: 112 min. Género: Drama, bélico. Interpretación: Mark Womack (Fergus), John Bishop (Frankie), Andrea Lowe (Rachel), Geoff Bell (Walker), Jack Fortune (Haynes), Talib Rasool (Harim), Craig Lundberg (Craig), Trevor Williams (Nelson), Russell Anderson (Tommy), Jamie Michie (Jamie). Guión: Paul Laverty. Producción: Rebecca O’Brien. Música: George Fenton. Fotografía: Chris Menges. Montaje: Jonathan Morris. Diseño de producción: Fergus Clegg. Vestuario: Sarah Ryan. Distribuidora: Alta Classics. Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis: Liverpool, agosto de 1976. Fergus, de 5 años, conoce a Frankie en su primer día de colegio. Se convertirán en inseparables. Siendo adolescentes, faltan a las clases para ir a beber sidra en el ferry que cruza el río Mersey, mientras sueñan con viajes alrededor del mundo. Pero Fergus nunca imaginó que su sueño se haría realidad mediante una carrera en el cuerpo de élite de las fuerzas especiales del Reino Unido, las SAS. Tras haber dimitido, en septiembre de 2004, Fergus logra convencer a Frankie (a su vez, antiguo paracaidista) de incorporarse a su equipo de agentes de seguridad, en Bagdad, a cambio de un salario mensual de 10.000 libras libres de impuestos. Es su última oportunidad para “ganar pasta” en esta guerra cuya privatización va en aumento. Juntos, arriesgarán su vida en una ciudad en la que reina la violencia, el terror y la codicia.

¿Qué podemos esperar? Un interesante drama que despierte reflexiones y debates. Es de Loach y hay que verla. A pesar de que la distribuidora la haya traído tan tarde (y sin anunciarla apropiadamente, menuda desfachatez).

‘Copito de Nieve’

Dirección: Andrés G. Schaer. País: España. Año: 2011. Duración: 86 min. Género: Aventuras, familiar. Interpretación: Pere Ponce (Luc de Sac), Elsa Pataky (Bruja del Norte), Claudia Abate (Paula), Joan Sullà (Leo), Rosa Boladeras (Ana), Félix Pons Ferrer (Daniel), Mercè Comes (abuela despistada), Constantino Romero (voz de Ron), Carlos Latre (voz de Ailur). Guion: Albert Val y Amèlia Mora. Producción: Julio Fernández. Música: Zacarías M. de la Riva. Fotografía: Sergi Bartrolí. Montaje: Álex de Molina. Dirección artística: Sylvia Steinbrecht. Vestuario: María Engo. Distribuidora: Filmax. Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

Sinopsis: Copito de Nieve, el único gorila blanco del mundo, llega al zoo de Barcelona. Debido a su albinismo, acapara todas las miradas de los visitantes, pero también provoca el rechazo de sus nuevos compañeros gorilas, que no lo aceptan como uno de los suyos. Desesperado por integrarse, Copito irá en busca de la Bruja del Norte para que lo convierta en un gorila normal y corriente. Durante su aventura se enfrentará a innumerables peligros, la mayoría planeados por Luc de Sac, un gafe malvado que quiere capturar al gorila blanco. Paula, la mejor amiga humana de Copito de Nieve; Leo, el amigo de Paula; y Ailur, un panda rojo budista que se cree una pantera, serán los compañeros inseparables del gorila.

¿Qué podemos esperar? No morir de vergüenza ajena. La propuesta española para estas fiestas lo tendrá difícil para lograr espectadores, no tanto por la fuerte competencia internacional sino por la mala pinta que tiene, parece una estupidez solo apta para recién nacidos. Espero equivocarme…

‘El Cascanueces 3D’

Título original: ‘Nutcracker in 3D’. Dirección: Andrei Konchalovsky. Países: Reino Unido y Hungría. Año: 2010. Duración: 101 min. Género: Fantasía, familiar, musical. Interpretación: Elle Fanning (Mary), Nathan Lane (tío Albert), Frances de la Tour (reina Rata/Eva), John Turturro (rey Rata), Richard E. Grant (padre), Yulia Visotskaya (madre/hada madrina), Aaron Michael Drozin (Max), Charlie Rowe (príncipe), Shirley Henderson (Cascanueces). Guion: Andrei Konchalovsky y Chris Solimine; basado en el cuento de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann. Producción: Andrei Konchalovsky y Paul Lowin. Música: Edward Artemiev. Fotografía: Mike Southon. Montaje: Henry Richardson, Mathieu Bélanger y Andy Glen. Diseño de producción: Kevin Phipps. Vestuario: Louise Stjernsward. Distribuidora: Flins & Pinículas.

Sinopsis: Un cuento de hadas clásico con toques, golpes y temas modernos, El Cascanueces 3D comienza cuando el viejo cascanueces de madera de Mary cobra vida durante la noche de Navidad. Inmediatamente la niña se ve envuelta en una aventura llena de magia, fantasía y peligro. Inspirada en el legendario ballet, El Cascanueces 3D contiene ocho canciones del aclamado letrista Tim Rice (El Rey León, La Bella y la Bestia, Evita, Jesucristo Superstar) todas ellas basadas en las famosas partituras de Tchaikovsky.

¿Qué podemos esperar? Un espectáculo en 3D para ver en familia, si no hay ganas de volver a pagar para ver a Simba en la gran pantalla. He leído comentarios de todo tipo sobre esta película de Konchalovsky (la distribuidora más o menos lo califica de genio por cosas como ‘Tango & Cash’), así que mucha precaución. Puede resultar cualquier cosa…

‘El hombre cerilla’

Título original: ‘L´uomo Fiammifero’. Dirección: Marco Chiarini. País: Italia. Año: 2009. Duración: 87 min. Género: Fantástico. Interpretación: Marco Leonzi (Simone), Francesco Pannofino (padre), Greta Castagna (Lorenza), Davide Curioso (Rubin), Tania Innamorati (madre). Guion: Marco Chiarini, Giovanni De Feo y Pietro Albino Di Pasquale. Producción: Dimitri Bosi y Fabrizio Cico Diaz. Música: Enrico Melozzi. Fotografía: Pierluigi Piredda. Montaje: Lorenzo Loi y Marco Chiarini. Diseño de producción: Michele Modaferri. Vestuario: Chiara Ferrantini. Distribuidora: Sherlock Films. Estreno en Italia: 7 Diciembre 2009. Estreno en España: 23 Diciembre 2011. Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

Sinopsis: Simone es un niño de 11 años que vive en el campo con su malhumorado padre, el cual siempre le está castigando sin dejarle salir de casa. Continuamente tentado por la excitante llamada de la aventura, se fuga en cuanto encuentra la ocasión en busca de un ser mítico, El Hombre Cerilla, que puede hacer cumplir sus más profundos deseos. Para encontrar a esta fantástica criatura se servirá de su singular y loco universo de estrambóticos amigos: Armando Armario, Luz Ciérnaga, Óscar Oscuro, el Tío Disco y Manos Grandes; a los que se unirá Lorenza, una coqueta niña de 13 años que llega al campo para pasar las vacaciones. Pero el enemigo número uno de Simone, el despreciable Rubin, les sigue la pista.

¿Qué podemos esperar? Pues otra aventura infantil que no aburra o desespere a los padres. Os dejo el tráiler, que es un desastre, pero la película no pinta del todo mal:

‘Rare Exports: Un cuento gamberro de navidad’

Título original: ‘Rare Exports: A Christmas Tale’. Dirección: Jalmari Helander. Países: Finlandia, Noruega, Francia y Suecia. Año: 2010. Duración: 84 min. Género: Comedia negra, suspense. Interpretación: Onni Tommila, Jorma Tommila, Per Christian Ellefsen, Tommi Korpela, Rauno Juvonen. Guion: Jalmari Helander, basada en un idea original de The Helander Brothers. Producción: Petri Jokiranta. Música: Juri Seppä y Miska Seppä. Fotografía: Mika Orasmaa. Montaje: Kimmo Taavila. Diseño de producción: Jalmari Helander. Vestuario: Saija Siekkinen. Distribuidora: Vértigo Films. Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis: Las prospecciones que realiza un grupo de científicos en un pueblo del norte de Finlandia están alterando el ánimo de los lugareños. El pequeño Pietari será uno de los primeros en darse cuenta de que algo extraño se está tramando. Su curiosidad le llevará a descubrir el terrorífico origen de uno de los personajes más populares de la Navidad: Santa Claus.

¿Qué podéis esperar? Una idea muy jugosa echada a perder. La triunfadora del festival de Sitges 2010 cuenta con una premisa muy potente pero Helander no es capaz de sacarle provecho y le queda una película floja que puede aburrir a mucha gente. Avisados quedáis.

‘No tengas miedo a la oscuridad’

Título original: ‘Don´t be afraid of the dark’. Dirección: Troy Nixey. País: USA. Año: 2010. Duración: 85 min. Género: Terror. Interpretación: Katie Holmes (Kim), Guy Pearce (Alex Hurst), Bailee Madison (Sally), Garry McDonald (Blackwood), Edwina Ritchard (Srta. Winter), Jack Thompson (Harris), Alan Dale (Charles), Julia Blake (Sra. Underhill), Nicholas Bell (doctor). Guion: Guillermo del Toro y Matthew Robbins; basado en el telefilm de 1973 de Nigel McKeand. Producción: Mark Johnson y Guillermo del Toro. Música: Marco Beltrami y Buck Sanders. Fotografía: Oliver Stapleton. Montaje: Jill Bilcock. Diseño de producción: Roger Ford. Vestuario: Wendy Chuck. Distribuidora: Tripictures. Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis: Basada en un telefilm de la ABC del año 1973, la película nos cuenta la historia de una niña (Bailee Madison) que se muda con su padre (Guy Pearce) y la novia (Katie Holmes) de éste a una casa en la que habitan unas criaturas demoníacas. Cuando la pequeña las descubre, primero sentirá cierta fascinación por ellas, pero luego comprobará lo peligrosas que son.

¿Qué podemos esperar? Un correcto relatillo de terror para pasar una hora y media entretenidos, sin mirar el reloj. Espero. Una anécdota: Guillermo del Toro himself nos escribió un correo, molesto por mis palabras en un post sobre esta película, asegurando que se había implicado mucho en la producción y que confiaba plenamente en la labor del director. Así que ya sabéis a quien podéis culpar si la película es mala.

‘Pepe & Rubianes’

Dirección: Manuel Huerga. País: España. Año: 2011. Género: Documental. Intervenciones: Joan Manuel Serrat, Lucila Aguilera, Carles Flavià, Joan Gràcia, Toni Coll, María Rosales, Pepe Molina, Joan Lluìs Bozzo, Manel Pousa. Guion: Lluís Arcarazo. Producción: Jaume Roures. Música: Xavier Capellas. Fotografía: Mario Montero. Montaje: Pablo Montes. Distribuidora: Alta Classics.

Sinopsis: El 12 de enero de 2011, en un piso del Paseo de Gracia, un grupo de amigos que le conocieron mejor que nadie y que se autodenominan ‘Las viudas de Rubianes’, se encuentran (como acostumbran a hacer de vez en cuando) para cenar y recordar cómo era Pepe, su insólita personalidad, los buenos (y malos) momentos compartidos, las anécdotas, los rasgos que mejor definen al cómico más polémico e inclasificable de este país. Compañeros inseparables como Joan Lluís Bozzo, con quien comenzó su carrera de actor; Pepe Molina, actor, con quien compartió tantas vivencias y viajes; Joan Gràcia, miembro del Tricicle, Lucila Aguilera, con quien estuvo casado siete años manteniendo posteriormente una amistad profunda y sincera; Carles Flavià, cómico, showman y amigo del alma; María Rosales, su gran amor y mano derecha durante quince años; Toni Coll, su manager; Manel Pousa, “el padre Manel”, el cura con el que Rubianes colaboró en festivales benéficos, y, por último, Joan Manuel Serrat, amigo de toda la vida por el que Pepe sentía una admiración recíproca.

¿Qué podemos esperar? Un emocionante homenaje a Rubianes, si Huerga ha estado inspirado. Para fans del actor y su trasero.

Con el estreno de ‘El topo’ podemos decir que la temporada de películas oscarizables en España ha dado comienzo. Hace un par de días os dejé la lista de las 265 producciones que podrían estar entre las diez nominadas al premio de mejor película, pero está claro que apenas 20 de ellas tienen posibilidades reales de lograrlo. Una de las que suena con más fuerza es ‘El topo’, una adaptación de una novela de espionaje escrita por John le Carré que ha sido recibida con entusiasmo allí donde se ha estrenado hasta la fecha. Sin embargo, no sé si está empezando a ser una tradición, pero ya el año pasado fue ‘El discurso del rey’ la que se estrenó en plena campaña navideña y luego se llevó el gato agua. Habrá que ver si sucede lo mismo con ‘El topo’.

Sobre el papel, ‘El topo’ es la película que debía confirmar si Tomas Alfredson es un director que realmente merezca la pena tener en cuenta u otro ejemplo de la larga lista de directores que llaman sobremanera la atención con una película (normalmente la ópera prima, pero no es algo imprescindible, sobre todo en realizadores foráneos) para luego ir diluyéndose y acabar siendo otro impersonal realizador de blockbusters hollywoodienses. Y es que ‘Déjame entrar’ fue una carta de presentación maravillosa con ese atípico relato de vampiros, en la que Alfredson dotaba al relato de una acertada combinación entre frialdad y algo similar a la nostalgia que elevaba el nivel de la película. El problema es que ‘El topo’ es una cinta muy diferente sobre el papel y estaba por ver su capacidad de adaptación a una producción más exigente y con un grupo de actores de mucho calibre. ¿Lo ha conseguido?

Lo primero que queda claro viendo ‘El topo’ es que es una historia que pega perfectamente con el tono de desapego emocional (con una excepción que comentaré más adelante) que ya transmitía ‘Déjame entrar’, pese a que allí había una trama romántica que vertebraba la historia. Lo que le interesa a Alfredson de ‘El topo’ no es la posibilidad de contar una historia de espías más o menos al uso, ni tampoco la elegancia que buscan cintas como las aventuras de James Bond, sino la opción de retrotraer una lucha de poder al sentimiento humano básico de la lealtad. Son varios los personajes que luchan contra esa dicotomía en difrentes fases de la película. Quizá el caso más representativo es el momento en el que el personaje interpretado por Benedict Cumberbatch (el protagonista de la notable serie de películas televisivas que es ‘Sherlock’, donde hace uso de cierta gama de tics que aquí desaparecen por completo) tiene que robar unos documentos. La sensación de estar traicionando a unos amigos para ayudar a otro es algo que se transmite perfectamente, en especial, en la explosión posterior del personaje,

No voy a decir que Alfredson realice un trabajo clónico al que hizo en ‘Déjame entrar’ porque estaría faltando a la verdad, pero sí que es muy de agradecer que siga potenciando la relación entre los personajes por encima de una historia con una gran cantidad de posibilidades. Y es que es cierto, la trama de espionaje de ‘El topo’ funciona casi en exclusiva por las reacciones humanas de los personajes y no por la existencia de asombrosos giros de guión (no es difícil acertar con mucha antelación quién es el traidor), ya que quien busque un relato vibrante por lo que pasa va a salir muy defraudado del cine. Aquí lo que importa son los personajes, algo que siempre debería pasar, pero que está muy en desuso en el cine contemporáneo. Alfredson consigue que el espectador se implique en la historia a través de los mecanismos que rigen las relaciones interpersonales. El misterio, aunque interesante, es algo secundario, una excusa para conocer a unos personajes tan estimulantes que uno echa en falta que no tengan mayor presencia en el relato al mismo tiempo que somos conscientes de que aparecen justo lo que hacen falta.

El asombroso reparto de ‘El topo’

Es obvio que uno de los aspectos que más llama la atención de la película es un reparto poblado de actores de talento ya muy contrastado. Sin embargo, el peso de la película recae sobre el personaje de Smiley, al cual da vida un Gary Oldman que últimamente no nos había ofrecido ningún trabajo de gran mérito salvo que consideremos como tal sus apariciones en los Batman de Christopher Nolan. En ‘El Topo’, Oldman nos sorprende con una actuación en la que ha de ser muy expresivo a través de una inexpresividad casi total. Sé que esos dos conceptos no podían ser más anatagónicos, pero es que la faceta esencial de Smiley es conseguir ocultar sus emociones al resto de personajes, pero también transmitir al espectador todo lo que pasa por su cabeza a través de gestos tan cotidianos que si los hiciésemos nosotros no querrían decir nada. Y es ahí donde reside la grandeza de la actuación de un Oldman que siempre ha tendido un poco hacia la sobreactuación, algo que aquí deja completamente de lado.

No hay nada malo que sea pueda decir del resto del reparto, ya que todos cumplen a la perfección su papel como las piezas de una partida de ajedrez que son. Sí que quizá uno esperaba algo más de presencia en pantalla del personaje que le toca interpretar a Colin Firth, pero más por su (merecida) gran popularidad de los últimos tiempos que porque su papel realmente lo requiera. Es también curioso que lleguen el mismo día a nuestros cines dos películas que cuentan con la presencia de John Hurt, ya que en ‘Immortals’ muestra su faceta ‘Dadme ya el cheque por contar con mi presencia’, pero aquí mantiene la rocosa brillantez del resto del equipo. Personalmente, disfruté sobremanera de la parte de la historia que tiene a Tom Hardy (en un papel inicialmente previsto para Michael Fassbender) como protagonista, ya que inyecta un elemento sentimental a la historia que evita que la película llegue a hacerse pesada con una investigación que para algunos podría transmitir sensación de mediocridad, ya que no hay ningún gran momento altisonante propio de otras cintas de espías.

En definitiva, ‘El topo’ es una película estupenda que sabe aprovechar todo el talento de sus actores, en especial de un Gary Oldman que llevaba muchos años sin darnos una actuación de un nivel similar a ésta. Además, la parte de espionaje permite crear momentos de gran tensión a través de situaciones aparentemente cotidianas y el guión deja espacio para la creación de varias mini-historias más centradas en lo dramático que funcionan a la perfección. Es cierto que, al menos para mí, la identidad del traidor fue algo un tanto previsible, pero el resto de la película raya a un nivel tan alto que es algo que podemos pasar por alto. Si os acercáis al cine estos días y ya habéis visto todo lo que os interesaba que ya se hubiese estrenado ante sde hoy, por favor, que sea para ver ‘El topo’.

Anoche se clausuró la 68ª edición del Festival de Cine de Venecia, con la entrega de unos premiso que la prensa ha calificado de justos, pese a que maestros como David Cronenberg, Roman Polanski y William Friedkin, que habían recibido elogiosos comentarios, se hayan ido con las manos vacías y a que los favoritos más cacareados, como ‘El topo’, de Tomas Alfredson (’Let me In’) o ‘Life without Principle’, Johnnie To, no estén entre los galardonados. No sabemos si la crítica internacional tiene mal olfato para vaticinar los premiados o si los gustos del jurado son demasiado particulares… pero puestos a elegir, aunque sea sin haber visto ninguna de las películas a concurso, me quedaría con lo segundo.

El León de Oro a la mejor película se lo llevó ‘Faust’, una adaptación, rodada en alemán, del texto de Goethe del ruso Aleksandr Nikoláyevich Sokúrov, responsable de ‘Madre e hijo’, ‘El arca rusa’ y ‘Moloch’; que se ha calificado de “caótica pero poética”. El presidente del jurado, Darren Aronofsky, declaró antes de entregar el premio que la película había conmovido a todos los miembros del jurado por igual. Es decir que, al parecer, en esta ocasión, a diferencia del premio de Cannes a Apichatpong Weerasethakul, sí hubo unanimidad.

En las categorías actorales es donde sí aparecen películas que la prensa esperaba ver entre las premiadas. Es el caso de ‘Shame’, de Steve McQueen, por la que Michael Fassbender obtiene Copa Volpi al mejor actor, y ‘Tao Jie’ (’ A Simple Life’), de Ann Hui, que se lleva el de mejor actriz la anciana Deannie Yip.

El León de Plata a la mejor dirección fue para el chino Cai Shangjun por ‘Ren shan ren hai’ (‘People Mountain People Sea’). El gran premio del jurado fue para Emmanuele Crialese por ‘Terraferma’, mientras que el Osella al mejor guión fue para el griego Yorgos Lanthimos (‘Canino’), por ‘Alps’. El Osella a la mejor fotografía se lo llevó Robbie Ryan por ‘Cumbres borrascosas’ (‘Wuthering Heights’), y el Premio Marcello Mastroianni a los actores emergentes fue para los dos protagonistas de la japonesa ‘Himuzu’: Shôta Sometani y Fumi Nikaidô.

Asimismo, el festival rindió homenaje a Marco Bellocchio con el León a la Carrera durante una ceremonia presidida por otro Bernado Bertolucci en la que se proyectó la versión restaurada de ‘En el nombre del padre’ (‘Nel Nome del padre’, 1971).

El filme de ciencia ficción de Kike Maíllo, ‘Eva‘, presentado fuera de concurso, ha conseguido el premio dedicado a la infancia Vittorio Veneto.

En la ceremonia de clausura se proyectó ‘Damsels in Distress’, de Whit Stillman.

Lo que dijo la crítica sobre ‘El topo’

La mencionada al inicio, ‘El topo’ (‘Tinker Tailor Soldier Spy’), de Tomas Alfredson, había recibido, tras su proyección, grandes elogios de la prensa: “diligente, honrada, astuta”, decía Indiwire y The Guardian se equivocaba al profetizar: “La mejor película y la clara favorita al León de Oro”. Time-Out recalcaba “maravillosa adaptación […] Excelente elenco”. Daily Mail parecía el único medio que le encontraba defectos: “La película requiere concentración. No es aburrida, pero puede parecérselo a algunos espectadores, especialmente los más jóvenes […] Oldman está estupendo y sería un justo candidato al Oscar”. También sobre el español Alberto Iglesias, aseguraban que “conseguirá una nominación al Oscar por la banda sonora. Eso se lo puedo garantizar desde ya”.

Vía | Web oficial del Festival de Venecia.

Anoche dio comienzo, en el Lido veneciano, el Festival de cine, que se organiza dentro de la Bienal de Venezia y que este año alcanza su 68ª edición.

En la sección oficial del Festival de Venecia, compuesta por 22 películas, podemos encontrar trabajos de directores de la talla de David Cronenberg, con ‘Un método peligroso’; Todd Solondz, con ‘Dark Horse’; Johnny To, con ‘Dyut Ming Gam (Life Without Principle)’; Abel Ferrara, con ’4:44 Last Day On Earth’; Roman Polanski, William Friedkin, con ‘Killer Joe’; Tomas Alfredson, con ‘El topo’, o George Clooney, quien presenta ‘Los Idus de marzo’, así como la segunda adaptación de una novela gráfica de Marjane Satrapi: ‘Pollo con ciruelas’.

Entre los intérpretes se dan cita en el festival el mismo George Clooney, Kate Winslet, James Franco, Colin Firth, Monica Belluci, Jodie Foster, Mia Farrow, Isabella Rossellini, Christoph Waltz, Viggo Mortensen, Paul Giamatti, Philip Seymour Hoffman O Ryan Gosling.

Esta noche se proyectarán a competición ‘Saideke Balai’, de Wei Te-Sheng y ‘Un dios salvaje’ (‘Carnage’), de Roman Polanski, película sobre la que tengo muchísima curiosidad, ya que la obra de teatro me gustó mucho y también porque tanto su director como sus intérpretes me parece que pueden adaptarla de manera magistral. Fuera de competición, se podría ver hoy jueves por la noche ‘W.E.’, de Madonna, además de otras proyecciones.

Además de la sección oficial, el Festival ha contado tradicionalmente con otras plataformas, como la alternativa Orizzonti (“horizontes”), donde se proyectará el último documental de Jonathan Demme, ‘I´m Carolyn Parkier: the Good, the Mad and the Beautiful’ (2011), o el último trabajo de James Franco, ‘Sal’ (2011). Al Pacino pasa por primera vez por el festival italiano con un film suyo: ‘Wilde Salome’ (2011), asimismo fuera de competición. Se celebran al unísono la semana internacional de la crítica (SIC – International Critic’s Week) y la sección Giornate degli Autori (Venice Days), además de festivales de iluminación, teatro y otras artes.

La cinta española ‘Eva’ (2011), de Kike Maillo, se podrá ver fuera de competición. Óscar Pérez y Maria del Mar de Ribot también entregan una tarjeta de presentación de España con su cortometraje ‘Hollywood Talkies’ (2011), que se verá en la sección Horizontes.

Vía | Página oficial del Festival.

Menudo peliculón se nos avecina (espero). Ayer empezó a circular por Internet el estupendo cartel de ‘El topo’ (‘Tinker, Tailor, Soldier, Spy’), el nuevo trabajo del sueco Tomas Alfredson (el director de ‘Déjame entrar’). La imagen está centrada en Gary Oldman, actualmente en nuestras carteleras con la última entrega de ‘Harry Potter’ (y protagonista del primer tráiler de ‘The Dark Knight Rises’), quien da vida a George Smiley, un espía británico retirado al que le encargan una delicada misión. Se dice por ahí que este papel puede proporcionar al actor inglés su primer Oscar. Ya veremos, es habitual apuntar futuros ganadores de la estatuilla antes de tiempo, ni siquiera se ha estrenado todavía la película.

Escrita por Bridget O´Connor y Peter Straughan a partir de la novela de John le Carré, ‘El topo’ es un thriller ambientado en los años 70, cuya trama gira en torno al descubrimiento de un espía infiltrado por los rusos en el MI6, el servicio británico de inteligencia; Smiley es el encargado de hallar al topo. Oldman, Colin Fith, Tom Hardy, John Hurt, Toby Jones, Mark Strong, Benedict Cumberbatch y Ciarán Hinds encabezan el espectacular reparto de una película que llegará a los cines de Reino Unido el próximo 16 de septiembre. Al parecer, DeAPlaneta tiene previsto traerla a España en diciembre, tres meses más tarde. En fin, qué remedio, podría ser peor.

PD: Os recuerdo que ya salió el tráiler, podéis verlo pinchando aquí.

Vía | Impawards

Impresionante. Ya ha empezado a circular por Internet el primer tráiler de ‘Tinker, Tailor, Soldier, Spy’ (‘Calderero, sastre, soldado, espía’), y es de los buenos, de los que te dejan pegado al asiento, deseando ver más. Se trata ni más ni menos que de la nueva película de Tomas Alfredson, director de la notable ‘Déjame entrar’ (‘Let The Right One In’, 2008), y está basada en una novela de John Le Carré editada en España con el título ‘El topo’.

Escrita para la gran pantalla por Peter Morgan Bridget O´Connor y Peter Straughan, ‘Tinker, Tailor, Soldier, Spy’ cuenta con un fabuloso reparto encabezado por Gary Oldman, Colin Firth, Tom Hardy, John Hurt, Ciarán Hinds, Stephen Graham, Toby Jones, Simon McBurney, Benedict Cumberbatch y Mark Strong, entre otros. La historia se centra un espía retirado que debe volver a la acción para encontrar a un topo, un agente infiltrado por los soviéticos en el servicio secreto británico. Se estrena el próximo 16 de septiembre en Reino Unido y el 18 de noviembre en Estados Unidos.

Actualización: La película llegará a España con el título de ‘El topo’.

PD: El texto de Le Carré fue adaptado a la televisión en 1979, os dejo el tráiler como curiosidad:

Menudo reparto. Colin Firth, Ralph Fiennes, Gary Oldman y Michael Fassbender han firmado esta semana para protagonizar el thriller de espionaje ‘Tinker, Tailor, Soldier, Spy’, la adaptación a la gran pantalla de la novela de John Le Carré (publicada en 1974, y editada en España con el título de ‘El topo’). Cabe destacar además, por si el reparto no fuera ya suficientemente atractivo, que será la nueva película del sueco Tomas Alfredson, el director de la sorprendente ‘Déjame entrar’ (‘Let The Right One In’, 2008). Sin duda, un plato imprescindible para el año que viene.

‘Tinker, Tailor, Soldier, Spy’ ya fue adaptada a la televisión en 1979, siendo protagonizada por Alec Guiness. La trama gira en torno a Smiley, un espía retirado que debe volver a la acción para encontrar a un topo, un agente infiltrado por los soviéticos en el servicio secreto británico. El guión lo ha escrito Peter Morgan (‘The Queen’, ‘Frost/Nixon’), y el rodaje comenzará el próximo mes de octubre en Londres.

PD: Alfredson se puso a trabajar en este proyecto tras abandonar ‘The Danish Girl’, con Nicole Kidman, que ahora mismo está en manos de Lasse Hallström (curiosamente, otro sueco).

Vía | ComingSoon

Por fin se ha estrenado esta película, que de unos meses a esta parte está en boca de todo el mundo, y que ha suscitado no pocos encendidos elogios. Viéndola, me da la sensación, sin miedo a exagerar, de que si Shyamalan hubiera sido sueco, o se hubiera largado a trabajar a ese país en lugar de a Estados Unidos, no habría hecho una película muy diferente. Y es que el director, Tomas Alfredson, parece claramente inspirado por un tratamiento del misterio muy similar al del célebre director de ‘La joven del agua’. Y me parece tremendamente afortunado que mi última entrada haya sido a propósito de esa obra maestra, pues así los lectores de estas líneas tendrán más frescas mis ideas sobre la fantasía y el misterio.

Dejando bien claro que esta película me parece una sensible y noble aportación al género fantástico europeo, y que su director es ya, sin lugar a dudas, uno de los nombres a tener en cuenta en el futuro, tanto en este género como en cualquier otro que le interese, no puedo sin embargo unirme a ese dilatado grupo de cinéfilos que han encontrado en ‘Déjame entrar’ una pieza magistral y conmovedora de suspense. Pues, como trataré de explicar a continuación, muchas de las ideas y formalizaciones de esta película pienso que podrían haber dado para mucho más, y es una pena que queden a medio camino. Y no pienso decir eso de: “para los tiempos que corren no voy a pedir más”. Yo siempre pido más.

El tema del vampirismo, en todas sus variantes, parece ilimitado, e inagotable. Realmente no nos cansamos de regresar a él una y otra vez, y esta estupenda película lo demuestra una vez más, aunque es justo decir que apenas aporta nada nuevo a un mito que cada director o escritor diseña a su manera, modificando sus códigos y normas. Lo más interesante de la pequeña vampira de ‘Déjame entrar’ (así como de la mujer vampira que tendrá un breve protagonismo…), que entronca con el niño vampiro de (esta sí magistral) ‘Los viajeros de la noche’ (‘Near Dark’, Bigelow, 1987), que a su vez entroncaba con la niña vampiro Claudia de las Crónicas Vampíricas de Anne Rice, es el cuidado y nada manipulador patetismo que estas tenebrosas criaturas provocan en el espectador, ejerciendo más de mártires y víctimas que sus propias víctimas. El vampirismo aquí está entendido como una maldición que condena a estas criaturas a la soledad y la incomprensión, al sufrimiento emocional.

Seguramente de ahí nace la fisura que desequilibra este bello relato de amistad y de amor, de soledad y de encuentros transformadores. Nos sentimos mucho más cercanos a la pequeña Eli (sorprendente, inolvidable Lina Leandersson) que al rubio Oskar (sensible Kåre Hedebrant). Pero el relato está visto desde los ojos del chaval, y su drama, su tragedia íntima, no es tan importante para el espectador, dado que el guionista no le mete verdaderamente en un pozo sin salida del que queramos que salga. Que es solitario y que lo pasa mal en la escuela nos queda bien claro, pero hacía falta una implicación mayor con él. De ese modo resultaría mucho más creíble su aceptación de una realidad tan extraña, y la consecución de un clímax que tal como está presentado, parece forzado y endémico.

Estoy casi seguro de que el mayor problema de esta historia es del guión y de la estructura, o bien del montaje y de la forma de ordenar y encadenar los episodios. Porque la labor de Alfredson es casi impecable. Tanto en su sobriedad, como en su elección de contarnos este drama con los medios más austeros posibles, Alfredson demuestra imaginación y buen hacer. Sin embargo la película parece dispersa, poco concisa y carente de unidad. ¿Por qué sucede esto? Alfredson, como director, tenía que haber procurado que la película no se resintiera tanto de una falta de ritmo tan evidente. Y no me refiero a que la película sea lenta (a veces, sin necesidad), sino a que el tempo no está sostenido. Me explico.

Eso del ritmo lento como sinónimo de aburrimiento creo que sólo lo defienden aquellos que le piden muy poco al cine. Ahora bien, un ritmo lento y sostenido es algo muy difícil de lograr, y aquí Alfredson no lo consigue. Después de un gran momento de gran intensidad (y esta película tiene varios magníficos), sus actores no sostienen (pues son los actores y su dirección la que va marcando el ritmo) ese ritmo deseado, esa tensión invisible que arma una historia. Es tan obvio esto, y Alfredson demuestra tanta solidez en su planificación y punto de vista, que me resisto a pensar que sea culpa suya. En caso contrario, habría que achacarle que sus personajes secundarios sean tan erráticos, y que ayuden tan poco a sus dos protagonistas. Tanto la madre del chaval, como el grupo de amigos del bar, son como fantasmas que aparecen y desaparecen, cuyas líneas de tensión internas están muy descuidadas.

El precio que paga Alfredson por esto es la desconexión con el relato, la dispersión y la superficialidad. No estoy de acuerdo con mi colega Jesús León, quien nos hablaba acerca de la poesía de esta película en su excelente texto. En mi opinión la poesía cinematográfica es algo más que una bella fotografía (firmada con precisión por Hoyte Van Hoytema, quien da en el clavo con una imagen convenientemente limpia y gélida, perturbadora en su luminosidad y conmovedora en su oscuridad) y que una sensible languidez en la descripción de los acontecimientos. Es necesaria una mayor concisión y un no suavizar una sordidez que parece aguada y reciclada en una cierta complacencia con el espectador.

Una lástima, porque a ratos parece que asistimos a un verdadero hito del cine fantástico, que sin embargo se recuerda con más placer del que se siente viendo sus imágenes. Al menos, como hace el mejor Shyamalan, Alfredson siente un gran respeto por su espectador y le propone que juntos armen las lagunas de una mitología vampírica retomada aquí como excusa para hablar de la soledad, de la eterna dificultad que entraña la amistad y el amor.

En Blogdecine:

• ‘Déjame entrar’, poesía en clave vampírica

• ‘Déjame entrar’, renovando el mito vampírico