Es normal que en Hollywood quieran hacer cuantas más secuelas mejor de esas películas que han gozado de un éxito descomunal. Puede gustarnos o no esa táctica, pero mientras la película que se estrene sea al menos entretenida (requisito mínimo para cualquier película) yo no me voy a quejar. El problema es que eso es algo que no sucedió en el caso de ‘MIIB: Hombres de negro II’, la cual nos ofreció un espectáculo absurdo y aburrido allá por el 2002, y además, aún siendo un relativo éxito económico, la película no satisfizo las exigencias de Sony. Cuando esto pasa, se suele optar por dejar morir la saga y reiniciarla más adelante para que los fans se olviden de lo último que vieron y den una nueva oportunidad a la franquicia. Un buen ejemplo sería el caso de ‘X-Men: Primera generación’, la cual ha servido para recuperar el interés de los fans tras haberlo perdido con la entrega firmada por Bret Ratner.

Sin embargo, es un tanto inusual que se opte por rodar una nueva secuela tras muchos años de inactividad. Me viene a la memoria el caso de la horrible ‘Instinto Básico 2: Adicción al riesgo’ (una de las pocas películas que tuve que quitar sin llegar a acabar de verla), pero la que ahora nos ocupa es ‘Men in Black 3’, la cual va a acabar estrenándose diez años después que la segunda entrega y cuya producción y rodaje ha sido un tanto problemático. La primera señal de problemas es el encontrarnos con cuatro nombres (Etan Cohen, David Koepp, Jeff Nathanson y Michael Soccio) firmando el guión, algo que indica algo malo en la abrumadora mayoría de los casos, pero bueno, eso habrá que confirmarlo cuando la película se estrene. Además, el marketing de la película ha tardado demasiado en arrancar, pero al menos su tráiler sí supo transmitirnos la posible capacidad de la película para ser un buen entretenimiento.

‘Men in Black 3’ nos cuenta como el agente Jay (Will Smith) se ve obligado a viajar en el tiempo para reencontrarse con al agente Kay (Josh Brolin), y de esta forma resolver una misión relacionada con la vida alienígena en la Tierra. La verdad es que el añadido de los viajes en el tiempo es algo que a mí me motiva demasiado, con lo cual la película gana puntos ahí. Además, se han preocupado de recuperar al trío detrás del éxito de la primera entrega: Barry Sonnenfeld tras las cámaras y Will Smith y Tommy Lee Jones como los protagonistas. Se agradece que también repita Rip Torn como el jefe de los hombres de negro, pero todo lo demás son novedades: Josh Brolin, Alice Eve, Jemaine Clement, Bill Hader, Emma Thompson y Michael Stuhlbarg son otros rostros que podremos ver en la película. Además, ahora tenemos la oportunidad de ver por primera vez el look del villano que interpreta Clement, uno de los protagonistas de la estupenda serie musical ‘Los Conchords’. Su aspecto de motero quizá no resulte demasiado amenazante, pero fijo que también se transformará en alguna raza alienígena malévola donde los responsables de los efectos especiales echarán el resto para atrapar al público.

PD: ‘Men in Black 3’ se estrena en España el próximo 25 de mayo. Yo estoy muy receloso sobre el resulta final, pero imagino que acabaré viéndola, ¿y vosotros?

Vía | The Playlist

Se han tomado su tiempo con el material publicitario, pero ya está aquí. A finales del mes pasado, Sony Pictures nos dejó ciegos con los primeros carteles y hoy ha lanzado el esperado primer tráiler de ‘Men in Black 3’, uno de los platos fuertes (comercialmente hablando) de 2012. En esta nueva secuela, el agente Jay (Will Smith) deberá viajar en el tiempo para poder encontrar al agente Kay (Josh Brolin), y así resolver una nueva y complicada misión relacionada con la vida alienígena en la Tierra.

Etan Cohen, David Koepp, Jeff Nathanson y Michael Soccio firman el guion de esta tercera entrega de las aventuras de los hombres de negro, que vuelve a estar dirigida por Barry Sonnenfeld (también responsable de ‘La familia Addams’ y ‘Wild Wild West’, entre otras). Will Smith, Tommy Lee Jones, Josh Brolin, Alice Eve, Rip Torn, Jemaine Clement, Bill Hader, Emma Thompson y Michael Stuhlbarg encabezan el reparto de la película. ‘Men in Black III’ se estrena el próximo 25 de mayo, en salas 2D, IMAX y 3D. ¿La esperáis con interés o por el contrario os aburre esta franquicia?

PD: El siguiente proyecto de Smith, al que no vemos en cartelera desde ‘Siete almas’ (‘Seven Pounds’, 2008), es ‘After Earth’, lo nuevo de M. Night Shyalaman.

Ojo a esto… pero lo justo para no quedaros ciegos. Lo creáis o no, se trata de los dos primeros carteles o teasers posters que ha lanzado Columbia Pictures de uno de los blockbusters que se estrenan en 2012, ‘Men in Black 3’. Se supone que en la imagen de arriba está representado Will Smith y en la de más abajo Tommy Lee Jones, los protagonistas de las dos entregas anteriores, que vuelven a encabezar el reparto de la tercera como los agentes J y K. También puede ser que el segundo represente a Josh Brolin, que da vida al mismo agente K en escenas del pasado. Y supongo que igualmente cabe la posibilidad de que en realidad no haya rostros ahí, y me lo esté imaginando todo… Ya me diréis. ¿Qué veis vosotros?

Hacía tiempo que no sabíamos nada de esta superproducción, y eso es una terrible señal en estos tiempos de abuso publicitario. Tampoco suena muy bien que haya hasta cuatro guionistas acreditados (Etan Cohen, David Koepp, Jeff Nathanson y Michael Soccio) cuando en un principio solo había uno; parece que se confirma que el guion ha sufrido continuas reescrituras para intentar arreglar un desastre, disminuir el presupuesto o incorporar todas las maravillosas ideas que iban surgiendo en las mentes de las estrellas y los productores. Peligro. En cualquier caso, supongo que el regreso de Smith, Jones y el director Barry Sonnenfeld tranquilizará a los fans de las dos películas anteriores; por mi parte, espero que sea tan entretenida y divertida como la primera, pero como empiece a decirse que es tan aburrida y chiclosa como la segunda, paso totalmente. En fin, cabe destacar que también intervienen actores como Emma Thompson, Alice Eve, Rip Torn, Jemaine Clement, Bill Hader y Michael Stuhlbarg, aunque supongo que en papeles breves y siempre como apoyo para el show del príncipe de Bel-Air.

En ‘Men in Black 3’ (o ‘Men in Black 3D’), el agente J deberá viajar al año 1969 y contactar con la versión más joven del agente K para que le ayude a resolver una complicada misión relacionada con el viaje del Apolo 11 a la Luna. Se estrena el próximo 25 de mayo en salas 2D, IMAX y 3D. Sí, se filmó en 3D.

PD: En la parte inferior de los carteles se puede leer una dirección web, TheMenInBlackSuitsAreReal.com, que lleva a una página en Facebook donde el becario de turno del departamento de marketing se hace pasar por un conspiranoico que revela que los hombres de negro existen realmente. ¿Y? Todos hemos visto Expediente X.

Vía | ComingSoon

“De acuerdo, gente, escuchen. Nuestro fugitivo lleva corriendo noventa minutos. La velocidad media a pie en un terreno irregular como este, salvo lesiones, es de cuatro millas por hora. Eso nos da un radio de seis millas. Lo que quiero de todos y cada uno de vosotros es una búsqueda exhaustiva de cada gasolinera, hogar, almacén, granja, gallinero, cobertizo y caseta de perro dentro de ese área. Los puestos de control cada quince millas. El nombre del fugitivo es Doctor Richard Kimble. Vayan a por él.” – Agente especial Samuel Gerrard (Tommy Lee Jones)

Entramos en la recta final de este ciclo de cine de aventuras con una cinta magnífica que tiene como personaje central a un hombre corriente (cirujano vascular de prestigio, pero no un hombre de acción), y que por tanto poco tiene que ver con la mayoría (o todos) los protagonistas de las películas que ya hemos comentado. Entramos en una nueva década con todo lo que ello supone: un cambio profundo en la técnica y en la narrativa, una artesanía de aventuras que ha aprendido lo mejor de una estirpe tan noble y que al mismo tiempo propone nuevas formas de futuro, y un mundo de aventuras que es el nuestro, tal cual, repleto de trampas tecnológicas, enormes urbes laberínticas, y cazadores legales especializados en atrapar a los criminales (o supuestos) que se escapen de sus redes. Adaptación de la mítica serie de televisión que durante ciento veinte episodios y cuatro años (1963-67) atrapó la imaginación de los telespectadores de medio mundo, siempre es un placer enorme volver a ver esta película para la que la expresión intensa se queda corta y reduccionista.

Se trata, sin lugar a dudas, de la película más redonda de la carrera del artesano Andrew Davis, que no había deslumbrado antes, ni lo haría después, como en esta ocasión, en la que dio lo mejor de sí mismo, como el resto del equipo artístico y técnico, dedicados en cuerpo y alma a un espectáculo cotidiano que exprime lo mejor de la historia original y propone una peripecia física y emocional casi insuperable. Durante más de dos horas asistiremos a la eterna huída de un hombre inocente, y a la infatigable tarea de los guardianes de la ley de encerrarle de nuevo y llevarle al cadalso. Pero lejos de construir con ello una crítica al sistema penal, o un juicio de la despiadada sociedad moderna, aunque también lo es de una forma muy sutil, ‘El fugitivo’ (‘The Fugitive’, 1993) es ante todo un divertimento supremo y una experiencia emocional catártica, que deja al espectador exhausto y satisfecho por haber disfrutado de una narración tan perfecta, verdadero oasis del cine de aventuras en un panorama cada vez más gris y aséptico, más hiperbolizado y gélido. Ver ‘El fugitivo’ es reencontrarse con ficciones en las que el hombre real se enfrenta a grandes avatares y nunca dejas de creerte lo que estás viendo. Toda una hazaña hoy día, cuando los héroes son cada vez más improbables y sobrehumanos, y la acción cada vez peor filmada.

Probado culpable

La historia que nos cuenta es por todos conocida: el doctor Richard Kimble es injustamente condenado por el asesinato de su mujer, pues las pruebas circunstanciales apoyan su culpabilidad, y por un azar del destino (en forma de mezquindad y violencia salvaje) logra escapar, empezando así una verdadera odisea para encontrar al verdadero culpable antes de ser cazado de nuevo. Así, el punto de vista de la historia alternará admirablemente entre la ansiedad del fugitivo (y a la vez investigador de la muerte de su esposa) y la de su perseguidor (cada vez más convencido de la inocencia de su presa y que por su parte también investigará las circunstancias del caso). Sin desfallecer ni un momento, la trama se irá anudando hasta un clímax dilatado en el que ya todos somos el fugitivo y sentimos y padecemos con cada uno de sus esfuerzos. Agradecidos, seguramente, por una aventura que jamás toma al espectador por imbécil, y que rebosa tensión, suspense y humanidad en todas sus secuencias, muy superior a posteriores engendros de acción en los que los cortes abruptos de montaje, el sonido hiperrealista y, sobre todo, las inverosímiles secuencias de acción se quedan anticuadas desde el mismo momento en que se filman.

Eso sí, no cabe duda que hay una diferencia de nivel entre su impresionante primera mitad y la segunda, aunque sólo sea por comparación. Y es que la primera hora de película es de un nivel tan alto de ritmo y de sucesos que no deja ningún respiro hasta que dan por muerto a Kimble y la persecución se suspende. Es un bloque alucinante que comprende la visualización del asesinato, el subsiguiente juicio por el mismo, la sorprendente fuga con el choque del tren y el autobús, la secuencia del hospital llena de suspense, y la persecución que concluye en la presa, salto del ángel incluido. Durante todo ese tiempo nadie con sangre en las venas puede mover un músculo delante de la pantalla. Y concluida esa parte, el resto, aunque inferior, no desmerece con grandes momentos como la huida de Kimble del centro de detenciones, o la engañosa redada en la que se siente ya atrapado. La narración se acelera cada vez más hasta la conclusión en la que descubrimos al gran villano y perseguidor y perseguido se reencuentran y se reconocen el uno en el otro.

Andrew Davis dirige con gran sobriedad, limitándose a presentar los acontecimientos con toda la limpieza narrativa posible, sin hacer cosas absurdas con la cámara, extrayendo toda la aspereza del entorno natural o toda la gelidez del urbano, asimilando una concepción casi documental del cine de acción, o incluso televisiva, con su inmediatez y naturalidad. Cuenta en su reparto con el perfecto Richard Kimble, un Harrison Ford en estado de gracia en uno de los papeles de su carrera, héroe a su pesar, limitado pero valiente, luchando por hacerle justicia a su mujer más que a sí mismo. Y con un sensacional Tommy Lee Jones, uno de esos actores de raza con los que el cine americano tiene suerte de contar. No parece interpretar en ningún momento Jones, no hay fingimiento, ni exageración, y la cámara se enamora de él y otorga a su personaje una aureola casí mítica de gran investigador. Su Oscar a mejor secundario es impepinable, como incontestable es que es un premio absurdo, porque de secundario no tiene nada, es el coprotagonista de esta película junto a Ford, y posee tanto peso dramático como él.

En conclusión:

En conclusión, una gran película. Por sus personajes, por muchas secuencias de antología, porque no desfallece en ningún momento (ya que aunque la segunda parte no es tan arrolladora como la primera, sigue siendo muy superior a la media del cine de aventuras de su época, no digamos ya de la actualidad…). Puede verse cincuenta veces ‘El fugitivo’ y se disfruta todas sin el menor problema. La sobria fotografía de Michael Chapman (un operador que ya había hecho alguna que otra maravilla con Scorsese) y la música inspirada de James Newton Howard terminan de redondear la cinta. Obligatoria para todos los amantes del cine. Y en el próximo título de este ciclo una aventura que no goza precisamente de consenso, pero que siempre me ha parecido estupenda.

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‘Lincoln’ se pone aún más interesante. Tras los fichajes de Daniel Day Lewis (en sustitución de Liam Neeson) y Sally Field, DreamWorks ha anunciado de golpe una larga lista de actores que vienen a completar el elenco del nuevo proyecto de Steven Spielberg, que recordemos tiene no una sino dos películas pendientes de estreno (‘War Horse’ y ‘Las aventuras de Tintin: El secreto del unicornio’). Las incorporaciones son Joseph Gordon-Levitt, Tommy Lee Jones, John Hawkes (los tres de la imagen), Hal Holbrook, James Spader, Tim Blake Nelson, David Costabile, Joseph Cross, Byron Jennings, Dakin Matthews, Bruce McGill, Boris McGiver, Gloria Reuben, Jeremy Strong y David Warshofsky. Pinta bien esto, ¿eh?

De los nuevos que se suman al proyecto, por el momento solo he visto aclarados los papeles de Gordon-Levitt y Jones, que interpretarán a Robert Todd Lincoln, el primer hijo del 16º presidente de Estados Unidos, y al influyente líder republicano Thaddeus Stevens, respectivamente. Ya comentamos que ‘Lincoln’ cuenta con un guion de Tony Kushner (‘Munich’) basado en el libro ‘Team of Rivals’ de Doris Kearns Goodwin; la historia se centra en los conflictivos e importantes años durante la presidencia de Abraham Lincoln en los que se produjo la abolición de la esclavitud (1863) y el final de la guerra civil (1865). Si todo marcha como está previsto, el rodaje de la película comenzará en Virginia este próximo otoño, y el estreno se produciría a finales de 2012.

PD: Tras ‘Lincoln’, lo siguiente de Spielberg podría ser ‘Robopocalypse’ (guerra entre humanos y robots) o ‘Indiana Jones 5’ (Harrison Ford dijo hace tiempo que ya tenían el argumento).

Vía | ComingSoon

Tarde o temprano la crisis financiera mundial iba a repercutir temáticamente en el séptimo arte. Hace poco nos llegaba ‘Inside Job’, documental que no deja títere con cabeza con respecto a la situación. Este ‘The Company Men’ (id, John Wells, 2010) nos llega con algo de retraso, y su argumento es claramente actual, pero al mismo tiempo atemporal. Quedarse sin trabajo es algo que puede suceder a cualquier edad y en cualquier situación. Es por eso que el film no incide en las causas de la crisis, sino en las consecuencias que ésta tiene sobre un grupo de hombres que, en cierto modo, representan distintas clases sociales. Por un lado dos ejecutivos con un tren de vida bastante alto, pero al fin y al cabo peones en una empresa, fácilmente prescindibles. Uno, 17 años en la misma, el otro, 30, toda una vida. La diferencia es abismal.

En otro ámbito tenemos al que está por encima de ellos, otro ejecutivo con un tren de vida aún mayor. Un personaje que a pesar de estar en contra de los despidos de la empresa, tiene que tragar con ello. Y por último, alejado de ese tipo de vida casi de millonarios, nos encontramos con un carpintero, representante de la clase media, del currante de a pie, al que también toca la crisis. Cuatro formas de entender la vida y los problemas que ésta saca al paso. Como maestro de ceremonias, John Wells, adaptando material propio, y que se estrena en la dirección de largometrajes con ‘The Company Men’, tras una fructífera carrera como escritor, y a veces realizador, de numerosas y conocidas series de televisión.

Precisamente la procedencia de Wells del mundo televisivo se nota en su ópera prima, que afortunadamente cuenta con una soberbia fotografía de Roger Deakins —el director de fotografía maldito, ya que parece que nunca le van a dar un Oscar, premio que se merece desde hace tiempo— que hace que el aspecto visual del film se aleje un poco del típico telefilm de sobremesa. No obstante, medios y primeros planos denotan cierta impersonalidad en la puesta en escena, porque quizá Wells se centra más en los personajes, uno de los aciertos del film. Si el resto de películas estadounidenses se pararan en los personajes, como hace ‘The Company Men’, otro gallo cantaría. No necesitamos análisis profundos del ser humano y su complejidad psicológica, tan sólo un mínimo de entidad en los protagonistas de las historias que circulan por delante de nuestros ojos. Y de eso aquí hay bastante.

Para ello Wells se codea con un elenco de actores realmente envidiable, sin duda lo mejor de la película, a excepción, naturalmente, de Ben Affleck. El actor, que en realidad debería dedicar más tiempo a sus habilidades como director, se esfuerza realmente por interpretar con convicción al personaje central de la historia. Pero lo cierto es que su personaje pinta mejor sobre el papel que en pantalla, está tan bien escrito y tiene su función tan bien diseñada, que no importa que Affleck sea un cara cartón incapaz de dotar de emoción a su rol. Sin lugar a duda el mérito es de Wells, y trata por igual al resto de personajes, aunque éstos ganan bastante al estar interpretados por actores mucho más solventes que Affleck. Desde unos más que perfectos Tommy Lee Jones y Chris Cooper, hasta un muy convincente Kevin Costner, actor que hace como los vinos, pasando por un olvidado pero siempre eficiente Craig T. Nelson, que aquí tiene el cometido de dar vida al insensible jefe de la empresa que para solucionar sus “problemas” pone en la calle a un montón de gente.

Y todos ellos respiran verdad, a pesar de que el interpretado por Tommy Lee Jones resulte un poco increíble. Dicho rol, demasiado bienintencionado, se empareja con el tramo final del film, incoherente con el resto de la película. Uno no tiene nada en contra de los finales esperanzadores, siempre y cuando el tono del film siga siendo el mismo, y no resulte o parezca impostado o metido a calzador. ‘The Company Men’ es muy realista la mayor parte de su metraje, y al final poco le falta para convertirse en un cuento de hadas en el que todo es de color rosa. Una forma demasiado fácil de compensar todo lo visto hasta ese instante, que si bien rehuye en todo momento la polémica, sin meter el dedo en la llaga de una crisis que afecta a demasiada gente, sí supone un film dinámico y entretenido, que nos habla de cosas tan importantes como la familia, los amigos y la humildad, aunque por momentos desprende cierta ingenuidad.

‘The Company Men’ ha pasado desapercibida, o casi, en los cines estadounidenses. Imagino que en nuestras pantallas está corriendo la misma suerte. Tal vez nadie quiere que le recuerden la penosa situación actual que tantos quebraderos de cabeza está dando en todos los campos. Muchos querrán ir al cine a ver historias fantasiosas, o simplemente que la ficción les haga olvidar su mísera existencia. La película de Wells establece un lazo entre ambas cosas, y tal vez ése sea su talón de Aquiles, al quedarse un poco en tierra de nadie. Con todo, propuesta más que decente en la más que alicaída cartelera cinematográfica

‘Thor’

Dirección: Kenneth Branagh. País: USA. Año: 2011. Duración: 121 min. Género: Acción, aventuras, fantástico. Interpretación: Chris Hemsworth (Thor), Anthony Hopkins (Odín), Natalie Portman (Jane Foster), Kat Dennings (Darcy), Idris Elba (Heimdall), Stellan Skarsgård (profesor Andrews), Ray Stevenson (Volstagg), Tom Hiddleston (Loki), Colm Feore (rey Laufey), Rene Russo (Frigga), Clark Gregg (agente Phil Coulson), Jaimie Alaxandder (Sif), Josh Dallas (Fandral). Guión: Ashley Miller, Zack Stentz y Don Payne; basado en un argumento de J. Michael Straczynski y Mark Protosevich; a partir de los personajes de los cómics de Stan Lee, Larry Lieber y Jack Kirby. Producción: Kevin Feige. Música: Patrick Doyle. Fotografía: Haris Zambarloukos. Montaje: Paul Rubell. Diseño de producción: Bo Welch. Vestuario: Alexandra Byrne. Distribuidora: Paramount Pictures Spain.

Sinopsis: En el centro de la historia está el Poderoso Thor, un poderoso pero arrogante guerrero cuyos imprudentes actos reavivan una antigua guerra. Como consecuencia, Thor es castigado a ser enviado a la Tierra, donde se ve obligado a vivir entre humanos. Cuando el villano más peligroso de su mundo envía a las fuerzas más oscuras de Asgard, Thor aprende lo que hace falta para ser un verdadero héroe, sobre todo cuando un temible villano de Asgard aparece en nuestro mundo con la intención de conquistarlo.

¿Qué podemos esperar?: Como mínimo un entretenimiento de primera, y que Marvel no le haya cortado las alas a Branagh.

‘Año bisiesto’

Dirección: Michael Rowe. País: México. Año: 2010. Duración: 92 min. Género: Drama. Interpretación: Mónica del Carmen (Laura), Gustavo Sánchez Parra (Arturo), Marco Zapata (Raúl). Guión: Michael Rowe y Lucía Carreras. Producción: Edher Campos y Luis Salinas. Fotografía: Juan Manuel Sepúlveda. Montaje: Óscar Figueroa Jara. Dirección atística: Alisarine Ducolomb. Vestuario: Adolfo Cruz Mateo. Distribuidora: Golem.

Sinopsis: Laura tiene 25 años, es periodista, está soltera y vive en un apartamento en México D.F. Después de una larga serie de aventuras amorosas sin futuro, conoce a Arturo. La primera vez que hacen el amor, los gestos de Arturo la conmueven profundamente. Entonces comienza una relación intensa, apasionada y sexual en la que se mezclan el placer, el dolor y el amor. Pasan los días, que Laura tacha uno a uno en un calendario, y el pasado de la mujer vuelve a surgir, acosando a Arturo.

¿Qué podemos esperar?: Que Thor se meta en la relación y demuestre que una situación de tres nunca es buena, al menos emocionalmente.

‘El vuelo del tren’

Dirección y guion: Paco Torres. País: España. Año: 2011. Duración: 80 min. Género: Drama. Interpretación: Patricia García Méndez (Blanca), Miriam García (Aran), Juan Motilla (Cometa), Julio Jordán (Super), Juan Martín (Talo), Viviane Araújo (Aamori), María Alfonsa Rosso (anciana), Yailene Sierra (doctora), Carla Antonelli (Aurora). Producción: Filomeno Martínez de Aspe, Juan de Chiclana, Carlos de Chiclana y Paco Torres. Música: Jesús Cayuela. Fotografía: Juan Carlos Lausín. Montaje: Marino García y Carlos Prieto. Vestuario: Eunice García. Distribuidora: Karma Films.

Sinopsis: Cuando le comunican a Blanca, una madre soltera, que su hija ha recaído en la leucemia y tiene que volver al hospital para seguir un tratamiento intensivo de curación, se da cuenta que debe entregarse en cuerpo y alma a su hija, para apoyarla en la lucha contra la enfermedad. Una lucha que llevará a madre e hija a un acercamiento compartido, donde Blanca descubre la forma de ayudar a su hija aprendiendo de los pequeños detalles, de la gente que sufre en la calle, averiguando que las cosas son lo que uno quiere que sean, convirtiendo la fragilidad en fuerza, y la adversidad y el dolor en esperanza.

¿Qué podemos esperar?: Que Thor se meta y ahuyente la leucemia a martillazos.

‘Fast & Furious 5’

Título original: Fast five. Dirección: Justin Lin. País: USA. Año: 2011. Duración: 130 min. Género: Acción. Interpretación: Vin Diesel (Dom Toretto), Paul Walker (Brian O’Conner), Dwayne Johnson (Luke Hobbs), Jordana Brewster (Mia), Tyrese Gibson (Roman), Chris “Ludacris” Bridges (Tej), Elsa Pataky (Elena), Joaquim de Almeida (Reyes), Gal Gadot (Gisele), Matt Schulze (Vincent). Guion: Chris Morgan; basado en los personajes creados por Gary Scott Thompson. Producción: Vin Diesel, Michael Fottrell y Neal H. Moritz. Música: Brian Tyler. Fotografía: Stephen F. Windon. Montaje: Kelly Matsumoto, Christian Wagner y Fred Raskin. Diseño de producción: Peter Wenham. Vestuario: Sanja Milkovic Hays. Distribuidora: Universal Pictures International Spain.

Sinopsis: Brian y Mia Toretto han conseguido sacar a Dom de la cárcel y han tenido que cruzar muchas fronteras para eludir a la policía. Pero ahora están acorralados en Río de Janeiro y no tienen otra opción que dar un último golpe si quieren recuperar la libertad. ¿De qué se trata? Reunir a un equipo de élite formado por sus amigos para realizar un robo imposible por valor de cien millones de dólares. Dom y Brian saben que su única posibilidad es dejar al descubierto el negocio del empresario corrupto que quiere verlos muertos. Pero no es el único que les sigue la pista, el agente Luke Hobbs nunca falla. Cuando le encargan que encuentre a Dom y a Brian, él y su equipo especial se lanzan a la caza. Mientras sus hombres siguen cualquier pista, Hobbs no tarda en darse cuenta de que no puede diferenciar entre los buenos y los malos. No le queda más remedio que fiarse de su instinto para acorralar a la presa… antes de que otro se encargue de matarla.

¿Qué podemos esperar?: Que Thor se meta a repartir mamporros a diestro y siniestro para que estos cabezas cuadradas sepan lo que es bueno.

‘La marca del ángel’

Título original: L’empreinte de l’ange. Dirección: Safy Nebbou. País: Francia. Año: 2008. Duración: 105 min. Género: Drama. Interpretación: Catherine Frot (Elsa), Sandrine Bonnaire (Claire), Wladimir Yordanoff (Bernard), Antoine Chappey (Antoine), Michel Aumont (Alain), Michèle Moretti (Colette), Sophie Quinton (Laurence). Guion: Safy Nebbou y Cyril Gomez-Mathieu. Producción: Michel Saint-Jean. Música: Hugues Tabar-Nouval. Fotografía: Éric Guichard. Montaje: Bernard Sasia. Dirección artística: Cyril Gomez-Mathieu. Distribuidora: Sherlock Films.

Sinopsis: Elsa, una mujer de mediana edad, recién divorciada y a cargo de su único hijo, Thomas, acude a recoger a éste a una fiesta de cumpleaños organizada en la casa de un amigo de la escuela. Entre todos los niños que juegan por la casa, Elsa repara en una niña de siete años cuya existencia la atormentará a partir de ese momento, cambiando la vida de su familia y la de los padres de la misteriosa niña para siempre.

¿Qué podemos esperar?: Que Thor se meta para descubrir que la niña en realidad se ha escapado de su planeta.

‘No tengas miedo’

Dirección: Montxo Armendáriz. País: España. Año: 2011. Duración: 89 min. Género: Drama. Interpretación: Michelle Jenner (Silvia), Lluís Homar (padre de Silvia), Belén Rueda (madre de Silvia), Nuria Gago (Maite), Rubén Ochandiano (Toni), Cristina Plazas (psicóloga), Javier Pereira (Víctor). Guion: Montxo Armendáriz; basado en un argumento de Montxo Armendáriz y María Laura Gargarella. Producción ejecutiva: Puy Oria. Fotografía: Álex Catalán. Montaje: Fernando Franco. Dirección artística: Julio Torrecilla. Vestuario: Nereida Bonmatí. Distribuidora: Alta Classics.

Sinopsis: Silvia es una joven marcada por una oscura infancia. Con apenas 25 años decide rehacer su vida y enfrentarse a las personas, sentimientos y emociones que la mantienen ligada al pasado. Y en su lucha contra la adversidad, contra sí misma, irá aprendiendo a controlar sus miedos y a convertirse en una mujer adulta, dueña de sus actos.

¿Qué podemos esperar?: Que Thor se meta en el medio para impedir que ciertos hijos de puta hagan que el resto de hombres se avergüencen de serlo.

‘The Company Men’

Dirección y guion: John Wells. País: USA. Año: 2010. Duración: 104 min. Género: Drama. Interpretación: Tommy Lee Jones (Gene McClary), Ben Affleck (Bobby Walker), Chris Cooper (Phil Woodward), Kevin Costner (Jack), Rosemarie DeWitt (Maggie Walker), Maria Bello (Sally), Craig T. Nelson (James). Producción: Claire Rudnick Polstein, Paula Weinstein y John Wells. Música: Aaron Zigman. Fotografía: Roger Deakins. Montaje: Robert Frazen. Dirección artística: John R. Jensen. Vestuario: Lyn Paolo. Distribuidora: TriPictures.

Sinopsis: Bobby Walker vive el sueño americano: tiene un gran trabajo, una hermosa familia, un deslumbrante Porsche en el garaje… Pero cuando la política de reducción de personal les deja a él y a sus compañeros Phil Woodward y Gene McClary sin trabajo, los tres se ven obligados a redefinir sus vidas como hombres, como maridos y como padres de familia.

¿Qué es?: Una correcta película, por momentos muy dura, en otros demasiado bienintencionada. En breve, os hablo de ella. Si Thor me deja, claro.

‘Tokio Blues’

Título original: Noruwei no mori. Dirección: Tran Ahn Hung. País: Japón. Año: 2010. Duración: 133 min. Género: Drama, romance. Interpretación: Kenichi Matsuyama (Toru Watanabe), Rinko Kikuchi (Naoko), Kiko Mizuhara (Midori), Reika Kirishima (Reiko Ishida), Kengo Kora (Kizuki), Eriko Hatsune (Hatsumi), Tetsuji Tamayama (Nagasawa). Guion: Tran Ahn Hung; basado en la novela de Haruki Murakami. Producción: Shinji Ogawa. Música: Jonny Greenwood. Fotografía: Mark Lee Ping Bin. Montaje: Mario Battistel. Diseño de producción: Yen Khe Luguern y Norifumi Ataka. Vestuario: Yen Khe Luguern. Distribuidora: Vertigo Films.

Sinopsis: Cuando Toru Watanabe escucha casualmente el Norwegian Wood de Los Beatles, la melancolía y la nostalgia le hacen retroceder a su pasado como estudiante en el Tokio de finales de los 60. Toru recuerda a la inestable y misteriosa Naoko, la novia de su mejor amigo de la adolescencia, y el suicidio de éste, suceso que le distanció de Naoko durante un año hasta que se reencuentran en la universidad. Allí inician entonces una relación íntima que, sin embargo, se resiente por la frágil salud mental de Naoko, a la que internan en un centro. Al poco tiempo, Toru se enamora de Midori, una joven activa y resuelta. Indeciso, sumido en dudas y temores, experimenta entonces el deslumbramiento y el desengaño allá donde todo parece cobrar sentido: el sexo, el amor y la muerte.

¿Qué podemos esperar?: Que Thor se meta para que la adaptación de uno de los libros más vendidos y admirados en los últimos 25 años tenga un toque “distinto”.

Vía | Labutaca.net

‘En el centro de la tormenta’ (‘In the Electric Mist’, 2009) tuvo un tardío estreno la semana pasada, después de preverse para una fecha meses anterior y de dudarse de la posibilidad misma de sacarla en cines. Una persona nos consultaba, a través del formulario de contacto, por qué ocurren este tipo de retrasos y ponía como ejemplo ‘Hanna’, de Joe Wright, que se ha trasladado al 10 de junio. Dejando aparte cuestiones técnicas, como que la copia no llegue a tiempo, que ocurrirán rara vez; la mayor parte de estas decisiones estarán motivadas por la desconfianza de la distribuidora en el film y por la dificultad para encontrar hueco en salas en la primera fecha prevista.

Así que, cuando nos encontremos con una película cuyo estreno ha ido pasando hacia adelante en el tiempo, podemos imaginarnos con bastante seguridad que no hay esperanzas de que sea un éxito de taquilla o que funcione siquiera medianamente bien como para amortizar el estreno en cines, que es, lógicamente, más caro que en DVD o TV. Para algunos puede ser una buena señal, pues quizá sea signo de que el no se tratará de un producto trillado, pero también puede ser un indicativo de que la película es fallida. Dependerá.

El film de Bertrand Tavernier, que se basa en la novela ‘In the Electric Mist with Confederate Dead’, de James Lee Burke, ha sido pasto de este tipo de maniobras y no solo en España, pues en EE. UU. se decidió enviarla directamente a un estreno doméstico. No diré que me parece justificado, ya que las chapuzas son chapuzas siempre. Sin embargo, en este caso puedo entender la falta de seguridad en su éxito.

En la versión extensa que se ha estrenado aquí, se combinan dos casos policiales, uno oficial y otro que interesa de manera más personal al protagonista. Paradójicamente, en lugar de que uno enriquezca al otro o lo haga resonar o que el conjunto se complique y crezca, la combinación de ambas tramas da como resultado la pérdida de interés acerca de cualquiera de ellas. Por ejemplo, mientras el detective David Robicheaux (Tommy Lee Jones) trata de esclarecer el asunto, a los espectadores se nos distrae con comportamientos absurdos de un actor estúpido con el que el investigador ha de ejercer de niñera y que ni siquiera interesan como retrato de una profesión en la que el ego puede provocar la pérdida de la cordura. La película está tan descentrada que es fácil desconectar y posteriormente nada te atrapa de nuevo.

El tono más europeo que podría tener el film —no olvidemos que es franco-estadounidense y que está dirigida por Tavernier— tendría que llevarnos a un retrato profundo de personajes, a una observación psicológica y una creación de atmósferas —esa bruma («mist») que desempeña un importante papel y que no entiendo por qué se ha traducido pro «tormenta»— que la elevasen por encima de cualquier otro film o capítulo televisivo en el que se resuelve un caso de asesinato. Sin embargo, nada de esto se logra en ‘En el centro de la tormenta’, a mi parecer.

La inclusión de las visiones de los confederados que tiene el protagonista y que parece estar ya en la novela en la que se basa la cinta, podría ser el elemento que le diese esa originalidad y esa diferenciación de las que carece. No obstante, estos momentos no se llegan a integrar con el tono general del film y no cumplen su función de completar el retrato del personaje o de aumentar la importancia a la cuestión del pasado que se está tratando. Encuentro que estos sueños pueden ser una buena idea sobre el papel, pero no creo que estén bien llevados a cabo.

Considero una opción loable que, de la novela que un autor desea adaptar, prefiera la atmósfera o el tipo de personajes que lo que sucede. Sin embargo, si se descuida o desdeña demasiado lo que se cuenta, se corre el riesgo de perder incluso aquello, más profundo, que sí interesaba.

En diciembre publicó Alberto Abuin una crítica positiva acerca de este film. Las cualidades que menciona las encuentro en la concepción de la película, en sus intenciones, en la teoría. Pero no veo que lleguen a plasmarse o que los mecanismos empleados para buscarlas funcionen. Entiendo que el percibirlas como logradas puede ser una cuestión más individual y que, por lo tanto, las dos opiniones tienen cabida como complementarias. ‘En el centro de la tormenta’, más que un film defectuoso —nada puede reprocharse a la intervención de Tommy Lee Jones o a las del resto del elenco—, es una cinta que no llega a ser todo lo que busca ser. Quizá se trata de un intento demasiado ambicioso que no ha alcanzado todo lo que se proponía, quizá es un enfoque confuso sobre un tema demasiado amplio.

Mi puntuación:

“Esta cosa originó el gran apagón de Nueva York de 1977. Una broma de mal gusto del gran attractor. Se creía la hostia de gracioso.”

- K (Tommy Lee Jones)

Cuando uno tiene dieciocho añitos (la edad que yo tenía cuando fui a ver esta película al cine) y uno, además, es un flipado y un creidillo, pues se lo pasa bomba y no se para a cuestionar los defectos de lo que está viendo. Simplemente, se queda con sus virtudes (que las tiene), y la defiende por “tomarse poco en serio a sí misma”, por su gamberrismo incontestable y por la coña marinera que la impregna desde el primer al último fotograma. Pero cuando uno va evolucionando en sus ideas y gustos cinematográficos ocurre como con otras cosas en la vida: te puede gustar mucho Metallica pero averiguas que Black Sabbath es lo mejor que le ha ocurrido al heavy, te das cuenta de que los actores anglosajones son los mejores del mundo, y peliculitas como ‘Men in Black’ (id, Barry Sonnenfeld, 1997) se quedan en un justo lugar de tu memoria. Un lugar no demasiado preferente, aunque tampoco en el saco de lo desdeñable, por la sencilla razón de que sus responsables se han esforzado mucho en que así sea. Y es que en el fondo los que nos dedicamos a escribir todos los días sobre cine terminamos dándoles la razón a las películas.

No es que ‘Men in Black’ me parezca desaprovechada por ser una comedia sobre un tema que, sinceramente, me interesa mucho. Eso es lo de menos. De hecho, la encuentro una película muy divertida y con algunos momentos realmente hilarantes. Lo que ocurre es que hay un concepto que algunos cineastas parecen ignorar abiertamente: nosotros, espectadores, tenemos que creernos lo que pasa en la pantalla, sea lo que sea. En una película de fantasía, o de sci-fi, o en un western, o en una historia de terror o de comedia, aunque se cuestionen sus límites y la misma naturaleza del relato, el narrador omnisciente (el director, vaya…), debe creerse el mundo en el que nos sitúa, y hacerlo vivo y real, porque es lo fascinante del cine, hasta el punto de que nos parezca cierto sin el menor atisbo de duda aunque sepamos que no es posible, o altamente improbable. Pero cuando, como aquí, se utiliza la excusa de la comedia desvergonzada para hablar de cuestiones como la cohabitación con seres de otros mundos o de agencias secretas, o de combates con cucarachas intergalácticas, todo queda demasiado desvirtuado y al final el conjunto termina sabiendo a muy poco. Una pena, podría haber dado para bastante más.

Pero ya desde el mismo comienzo nos encontramos con un cómic hiperbólico de escasa densidad conceptual. Los títulos de crédito, con el mosquito zarandeado por el viento para terminar aplastándose contra el parabrisas de una furgoneta, son un ejemplo perfecto de lo que quiero decir. Esa imagen es una buena metáfora de lo minúsculo que es el hombre en la inmensidad del universo, y creo que la intención del autor del guión va por ese camino, como en otras imágenes de la película, pero no llegan a cuajar porque da la impresión de que a Sonnenfeld, en el fondo, le da lo mismo. Él está filmando un blockbuster de acción y aventuras con una superestrella (Will Smith) y pasa por encima de las posibilidades del libreto, que eran bastantes. Un libreto firmado por Ed Solomon, que adapta un estupendo (muy oscuro y muy cínico) cómic de Lowell Cunningham, edulcorado y vaciado de gran parte de su carga crítica en la traslación, pero que aún poseía suficiente atractivo, finalmente echado a perder por Sonnenfeld, muy preocupado porque los adolescentes que acudan en masa a ver su película no salgan defraudados y así poder reunir una buena cantidad de dinero en taquilla, como finalmente sucedió.

No estamos solos

La literatura acerca de las paranoias conspiratorias, sobre todo acerca de agencias secretas que colaboran con alienígenas (de paso o residentes…) es ingente. El cine, en su condición de enorme inferioridad respecto a ella (por imperativos comerciales y gustos del respetable…) aporta lo que puede. Tiene su gracia la forma en que esta película enfoca una agencia que es secreta hasta para el gobierno de Estados Unidos (“preguntan demasiado…”) en la que sus miembros padecen de un estrés considerable, y que cuando no se enfrenta a una plaga cósmica dispone de unas pocas horas para evitar la destrucción del planeta entero. Introducir en ese ambiente un tono de humor salvaje me parece hasta apropiado, pero a Sonnenfeld se le va el tono continuamente y entramos en el terreno de lo chabacano y lo trivial. Sin embargo, del mismo modo que una crítica negativa jamás podrá destruir una buena película, un director miope jamás podrá destruir las buenas cualidades de una historia, y aquí está la prueba irrefutable de ello. La trama que nos cuenta como un alienígena insectoide llega a la Tierra buscando guerra está muy bien hilada, así como su caza por parte de los dos agentes de negro, que tardarán en comprender la magnitud de aquello a lo que se enfrentan.

A su vez, la presentación del personaje de Will Smith es excelente, así como su progresiva introducción a un mundo que desconoce. Lamentablemente, y esto creo que es poco discutible, el filme termina desequilibrándose del todo por la presencia de la estrella afroamericana, y sin duda habría ganado en credibilidad con otro actor, uno que no se preocupase por hacerse el gracioso en cada plano y que ofreciera una digna réplica al de Tommy Lee Jones, que es uno de los mejores y más completos actores norteamericanos en activo. Will Smith ha crecido como intérprete en los últimos años, pero aquí no ofrece absolutamente nada más que la imagen de tipo duro atractivo y respondón. El personaje de Tommy Lee Jones es mucho más interesante, y no en vano goza de los mejores diálogos, algunos realmente buenos, mientras que el de Smith sobre todo suelta chascarrillos, la mayoría sin demasiada gracia. No me parece una casualidad. Todo queda limitado a la típica comedia de pareja de polis de las que hemos visto miles, cuando podrían haberla trascendido para llegar a algo más. Aunque hay que reconocer que ambos actores gozan de bastante química entre ellos, y es un placer observar al veterano K vacilar todo lo que puede al novato J, mientras anhela regresar a su antigua existencia junto a la mujer de su vida.

Sonnenfeld, que antes que director fue director de fotografía (sobresaliendo en trabajos como ‘Muerte entre las flores’ (‘Miller’s Crossing’, Joel y Ethan Coen, 1990), tercera y última colaboración con los famosos hermanos) sorprende por extraer de un operador tan competente, y a veces brillante, como Don Peterman (por cierto, muerto hace justo un mes) una fotografía tan plana, tan carente de inspiración, de categoría, como la de esta película, con un aspecto visual que no sobresale prácticamente en nada, y que hubiera necesitado de un cineasta más imaginativo que Sonnenfeld. Puestos a soltarse la melena, como parece que tenían ganas de hacer, se quedaron en poca cosa, pero es que parece que se quedan a medio camino de todo: a medio camino de la sci-fi, a medio camino de la película de acción, de la comedia loca, de cualquiera de los varios géneros y sub-géneros que va tocando con ligereza y sin llegar a nada. Pero, pese a ello, la historia avanza bien, y la mayoría de los chistes funciona, por mucho que se eche en falta una mayor oscuridad y densidad en la trama, que no hubieran sido obstáculo para disfrutar, más bien todo lo contrario.

En el apartado de secundarios, sorprende ver al desaprovechado Vincent D’Onofrio en el papel del infortunado Edgar, cuya piel servirá de máscara al peligroso alienígena (y, por cierto, fabuloso el maquillaje de Rick Baker...), y a la aún más desaprovechada Linda Fiorentino, que pese a tener poca relevancia en la historia, borda su papel de forense solitaria y obsesionada con las conspiraciones. Realmente es una pena que esta gran actriz no haya conocido mayor fluidez en su carrera. Rip Torn es el perfecto jefe de los hombres de negro, y aparece por ahí el gran Tony Shalhoub en un pequeño papel. Entre los alienígenas que vemos viven entre nosotros, las pantallas muestran a Sylvester Stallone o Steven Spielberg, astuto productor de esta cinta. Lo cierto es que los actores están todos bien conjuntados, y ayudan a pasarlo bien, a pesar de que el clímax final sabe a bastante poco y de que se podía esperar bastante más de un producto de estas características.

Conclusión e imagen favorita

Sin llegar a ser una calamidad de película, ha envejecido bastante mal, pero posee, sobre todo en ideas de guión, en algunos diálogos estupendos, en un par de situaciones brillantes algunos atractivos que todavía la sostienen. El más importante, seguramente, Tommy Lee Jones, un actorazo que hace grande cualquier papel que le cae en gracia. Mi imagen favorita le tiene a él como protagonista, como no podía ser de otra manera. Después de volarle la cabeza al personaje de Shalhoub, y de hacerle las pruebas pertinentes al de Smith, trata de convencerle de que se una a ellos. Por un momento, uno intuye la gran película de aventuras que podría haber sido (y nunca es) en el monólogo en que le explica todo, y le advierte de los sacrificios que deberá tomar si se hace un hombre de negro. Una vez más, el talento de un actor es mucho mayor que el de un director, pues él solo crea la secuencia y casi hace que nos lo creamos todo.

En Amazon USA —paradisíaco lugar para todo cinéfilo hasta que tienes un problema con ellos y se convierten en tu peor pesadilla— puede adquirirse el DVD de ‘En el centro de la tormenta’ (‘In the Electric Mist’, Bertrand Tavernier, 2008), película que debería haber llegado la semana pasada a nuestras carteleras, pero por motivos probablemente lejanos a la lógica o la compresión humana, finalmente no ha sido así. Que una película de hace ya dos años, con un actor muy famoso en su reparto, y enmarcada dentro del género del thriller, tarde tanto en estrenarse aquí, indica cómo está el panorama de la distribución cinematográfica en éstas nuestras culturales tierras.

No obstante, no hemos sido el único país al que de momento parece negársele el derecho al estreno cinematográfico de la penúltima película del siempre interesante Bertrand Tavernier. En los Estados Unidos salió directamente al mercado del DVD, en este caso debidas a las discrepancias entre su director y el productor de la cinta, Michael Fitzgerald, por cuanto el primero deseaba un film mucho más personal que el que salió en ese montaje americano. En nuestro país tendremos la suerte, o no, de ver la versión de su director, y cuyas diferencias radican en el montaje de algunas escenas y en unos 15 minutos más de metraje. Servidor es la que ha visto, y lo cierto es que deja con ganas de ver la excelente película que se vislumbra en sus imágenes.

El argumento nos lleva a Louisiana donde el detective David Robicheaux —ya interpretado con anterioridad por Alec Baldwin en la pasable ‘Prisioneros del cielo’ (‘Heaven´s Prisoners’, Phil Joanou, 1996)— investiga la muerte de varias jóvenes. Un día mientras lleva detenido a un famoso actor, que se encuentra en el lugar debido al rodaje de una película, por conducir borracho, éste le indica que ha visto en una ciénaga el cadáver de un hombre negro encadenado. Dicho descubrimiento despertará fantasmas del pasado, y es precisamente ese punto el que más le interesa a Tavernier quien, como conocedor del film noir, sabe perfectamente que los menos importante es el caso. Tal y como mandan los cánones del género, el caso de ‘En el centro de la tormenta’ termina siendo algo secundario.

Precisamente en la versión que yo vi se refuerza el lado del thriller. Quizá por el temor de su productor a que el espectador habitual, acostumbrado a tragarse el cine como si fuera una hamburguesa, se decidió subrayar todo aquello que tenga que ver con el aparente típico caso de serial killer que investiga Robincheaux. Aún con todo —la operación consistió en alterar el ritmo que Tavernier aplica al relato, a base de planos secuencia en los que después insertan otros planos y alterar un poco el final— no son capaces de estropear la labor de un director que apoya una trama policial de cierto interés con apuntes que llevan al film más allá de lo que parece. El retrato de personajes se alza como principal baza de una historia en la que a través de algo tan horrible como un asesinato se nos habla de cosas tan importantes como la memoria y la historia.

Será precisamente la relación entre los asesinatos actuales de chicas y el cuerpo hallado en la ciénaga, lo que revele la importancia en la vida del pasado que nos marca, que prácticamente nos convierte en lo que somos. Para ello Tavernier jugueteará con el fantastique, cuando se introducen en la historia la figura de un fantasma que no es otro que el general confederado John Bell Hood —inquietante Levon Helm—, relacionando presente y pasado, hurgando en la memoria de Robincheaux y de paso en la propia memoria del país. De esa forma, el director presta mucha atención al paisaje, al lugar por el que deambulan personajes si cabe menos importantes que el lugar que pisan. Tavernier retrata una Louisiana, con referencia al Katrina incluida, nada agradable ni segura, pero al mismo tiempo atrayente y fascinante. Encaja a la perfección un Tommy Lee Jones, que con su pétreo rostro parece indicar que pertenece al lugar desde hace más tiempo del que se pensaba.

Tal vez ‘En el centro de la tormenta’ no se encuentre entre lo mejor de Tavernier —servidor siente predilección por ‘La muerte en directo’ (‘La mort en direct’, 1980) y ‘Alrededor de la medianoche’ (‘Round Midnight’, 1986)—, sobre todo cuando una historia que no necesita convenciones ni concesiones cae, en su parte final y por los motivos antes explicados, en ciertas concesiones que casi parece una tomadura de pelo, sobre todo aquella que remite directamente al final de ‘El resplandor’ (‘The Shining’, Stanley Kubrick, 1980), pero finalmente se erige como una de las propuestas más interesantes del presente año que ya termina, aunque no se haya estrenado finalmente. Y atención a cómo maneja Tavernier la música, arte de suma importancia en la zona donde se desarrolla la historia, vistiendo a sus habitantes como una característica más de sus personalidades.