Hilary Swank, a la que algunos recordamos de ‘El nuevo Karate Kid’ (‘The Next Karate Kid’, Christopher Cain, 1994), ganó dos sendos Oscar a la mejor actriz principal por sus excelentes interpretaciones en ‘Boys Don´t Cry’ (id, Kimberly Pierce, 2000) —buena película un poco sobredimensionada— ,y ‘Million Dollar Baby’ (id, Clint Eastwood, 2004) —una obra maestra de la que hablaremos un año de estos— lo que la convirtió en una actriz de primera línea. Sin embargo, si echamos un vistazo al resto de su filmografía, se cuentan con la mitad de la mitad de los dedos de un mano las películas que se salvan de la quema. Swank tiene un talento innato para elegir productos de dudosa calidad, y la mayoría de ellos entran de lleno en la categoría de los subproductos. De acuerdo que muchos grandes actores a lo largo y ancho de la historia del cine han participado en films de muy baja calidad. Todos necesitamos comer.

Recientemente se han estrenado, con muy poca diferencia, en nuestro país dos de los últimos trabajos de la actriz, ‘La víctima perfecta’ (‘The Resident’, Antti Jokinen, 2011) y ‘Betty Anne Waters’ (‘Conviction’, Tony Goldwyn, 2010), que son un claro ejemplo de lo expuesto. Películas supuestamente más importantes o mejores de lo que realmente son. La primera, un fallido intento de hacer un thriller psicológico, producido además por una mítica casa británica de gran renombre en los 60; y la segunda, un drama judicial sobre la superación personal, basado además en hechos reales por aquello de colgarse la etiqueta de película seria. ¿Qué le sucede a esta actriz, que tiene un don especial para meterse en proyectos que prácticamente se olvidan antes de su estreno? Misterios del celuloide.

‘La víctima perfecta’

La mítica productora Hammer —entre los años 30 y los 60, poseedora de una envidiable producción fantástica que marcó una época e influyó poderosamente en el cine de terror moderno— pretende regresar al campo de la producción cinematográfica, tal vez con la intención de reverdecer viejos laureles. Se estrenó, en esta su nueva etapa, con la maja ‘Déjame entrar (Let Me In)’ (‘Let Me In’, Matt Reeves, 2010) y ahora nos llega ‘The Resident’ —algo así como el residente, huésped o vecino—, titulada aquí de forma mucho más impactante, y como casi siempre, no mejor. En ella, una mujer se muda a un nuevo apartamento debido a un fracaso amoroso. Mientras intenta recuperarse, divide su tiempo entre su atareado trabajo y conocer a su casero, un hombre tan interesante como inquietante. O eso es lo que debía poner el guión en algún sitio.

No logro entender las intenciones de los productores, entre los que se encuentra la propia Swank, de llevar a cabo un film de semejantes características. ¿Qué es ‘La víctima perfecta’? Sólo se me ocurre que sea un chiste, un ejercicio de metalingüismo con el espectador, el verdadero sufridor de este film, y no su protagonista central. Bromas a parte, el trabajo del finlandés Antti Jokinen no se decanta por ningún género en concreto. Como thriller es risible; como relato de terror, inexistente; como drama psicológico, de novato. Jokinen sigue todas las reglas y tópicos de este tipo de historias, sin que la originalidad asome ni en su puesta en escena. Todas las historias han sido contadas, de acuerdo, pero al menos aportar algo de interés a la trama, o no rubricar una película de forma tan plana.

Hilary Swank se pasea por el film con su habitual destreza y buen hacer, aunque eso no llegue ni de lejos para salvar el film. Jeffrey Dean Morgan no pasará a la historia como un buen psicópata, y la presencia de Christopher Lee es poco menos que un insulto. Su breve aparición no es más que un guiño cinéfilo de y para nostálgicos, lo cual no habría estado nada mal si al menos su personaje valiese para algo más. Que una de las figuras centrales de la Hammer termine siendo utilizado de esta forma es la principal decepción de una película que agota absolutamente todas sus posibilidades cuando a la media hora introducen un rebobinado/flashback que explica lo que se prevé desde los primeros minutos. A mi juicio, un error bastante gordo, que elimina posibles toques de misterio en la historia. El suspense ya sería otra cosa, palabras mayores.

‘Betty Anne Waters’

‘Conviction’ se ha traducido aquí como ‘Betty Anne Waters’. Imagino que debido a su argumento, los queridos distribuidores españoles se pensaron que podían estar ante una nueva ‘Erin Brockovich’ (id, Steven Soderbergh, 2000). La ganadora de dos Oscars, también productora del evento, dando vida a una mujer con el mismo tesón que el personaje de Julia Roberts en el film citado. La historia también está basada en unos dramáticos —cuanto más dramáticos, mejor, así sufre más el público— hechos reales. Narran la historia de Waters (Hilary Swank) que se hizo abogada para poder demostrar la inocencia de su hermano (Sam Rockwell), condenado a cadena perpetua por un asesinato que no cometió. Durante 18 años sólo se concentró en eso, sacrificando media vida y un montón de sueños.

Está bien saber que en este mundo tan perdido existe gente como Betty Anne Waters, capaces de enfrentarse al podrido sistema y luchar por sus convicciones. Pero la película, al igual que la anteriormente comentada, sigue todos los tópicos habidos y por haber en un drama judicial sin apartarse ni un milímetro del camino marcado. Por supuesto tenemos una entregada labor del elenco de actores. Swank con su habitual cara de sufridora, aunque tiene tan asimilado este tipo de papeles que su interpretación parece mecánica, programada, dando como resultado algo de frialdad. Sam Rockwell interpreta a su hermano, y ha sido de las pocas veces que este actor no me ha puesto nervioso. Hay en su personaje cierta mirada melancólica, apartada del histrionismo habitual del actor, que consigue controlarse y realizar un emotivo papel. Melissa Leo sigue demostrando que actualmente es una de las mejores actrices haciendo personajes odiosos.

Lamentablemente tras las cámaras está el impersonal Tony Goldwyn, que es más conocido por su trabajo como actor —para identificarlo, el amigo cabrón de Demi Moore en la infesta ‘Ghost’ (id, Jerry Zucker, 1990)—, pero que en ‘Betty Anne Waters’ no es capaz de evitar que la película tenga una factura televisiva. Puesta en escena totalmente funcional, o cómoda, que pone en imágenes una historia por otro lado demasiado previsible, y sobre la que navega continuamente la sensación de déjà vu. Curiosamente, el film es más interesante cuando el personaje del hermano sale en pantalla que cuando vemos a Waters desvivirse por demostrar la inocencia del mismo. Es quizá por eso que el plano del cierre del film, quizá el único en el que Goldwyn se muestra inspirado, es el más bello de la película. La mirada de Rockwell lo dice todo, las palabras sobran, y el nuevo día trae una nueva vida.

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• ‘La víctima perfecta’, cuestión de atmósfera

‘Harry Potter y las reliquias de la muerte: Parte II’

Título original: Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2. Dirección: David Yates. País: Reino Unido. Año: 2011. Duración: 130 min. Género: Aventuras, fantástico. Interpretación: Daniel Radcliffe (Harry Potter), Rupert Grint (Ron Weasley), Emma Watson (Hermione Granger), Ralph Fiennes (lord Voldemort), Michael Gambon (Albus Dumbledore), Bill Nighy (Rufus), John Hurt (Sr. Ollivander), Helena Bonham Carter (Bellatrix Lestrange), Robbie Coltrane (Rubeus Hagrid), Imelda Staunton (Dolores Umbridge), Jason Isaacs (Lucius Malfoy), Alan Rickman (Severus Snape), Maggie Smith (Minerva McGonagall), Timothy Spall (Peter Pettigrew), Julie Walters (Sra. Weasley), Tom Felton (Draco Malfoy), Bonnie Wright (Ginny Weasley), Matthew Lewis (Neville). Guion: Steve Kloves; basado en la novela de J.K. Rowling. Producción: David Barron, David Heyman y J.K. Rowling. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Eduardo Serra. Montaje: Mark Day. Diseño de producción: Stuart Craig. Vestuario: Jany Temime. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

Sinopsis: Se acerca el momento de la confrontación final entre Harry Potter y Lord Voldemort. Todo se termina aquí…

¿Qué podemos esperar?: Nunca he sido fan confeso de esta saga y no creo que Alfonso Cuarón haya firmado una de las cumbres de la fantasía con la mejor película de la saga, la tercera entrega. Pero sí me parecen, salvo la lamentable antepenúltima entrega y el primer título, productos con un mínimo de dignidad y bastante entretenidos. La última entrega promete ser un clímax final toda ella entera.

‘Betty Anne Waters’

Título original: Conviction. Dirección: Tony Goldwyn. País: USA. Año: 2010. Duración: 107 min. Género: Biopic, drama. Interpretación: Hilary Swank (Betty Anne Waters), Sam Rockwell (Kenny Waters), Melissa Leo (Nancy), Minnie Driver (Abra), Juliette Lewis (Roseanne), Peter Gallagher (Barry), Karen Young (Elizabeth Waters), Clea DuVall (Brenda). Guion: Pamela Gray. Producción: Andrew Sugerman, Andrew S. Karsch y Tony Goldwyn. Música: Paul Cantelon. Fotografía: Adriano Goldman. Montaje: Jay Cassidy. Diseño de producción: Mark Ricker. Vestuario: Wendy Chuck. Distribuidora: Filmax.

Sinopsis: La historia verdadera de una mujer que dedicó 18 años de su vida a liberar a su hermano de la cárcel. Cuando Kenneth Waters es condenado a cadena perpetua por el asesinato de una mujer en Massachusetts, su hermana, Betty Anne, empleada en una cafetería, casada y con dos hijos, decide luchar para demostrar que es inocente. Sin estudios, uno de sus mayores obstáculos será licenciarse en Derecho para poder reabrir el caso y defenderlo ella misma ante un tribunal. No será fácil, pues también significará dejar de lado su vida para centrarse en la de él. Además, la lucha promete ser larga ya que el Estado no va admitir su error tan fácilmente.

¿Qué podemos esperar?: Una de esas típicas películas sobre la esperanza y la lucha continua por conseguir algo por muy difícil que sea. El blandito Goldwyn tras las cámaras. Dios nos coja dormidos.

‘Cirkus Columbia’

Dirección: Danis Tanovic. Países: Bosnia-Herzegovina, Francia, Reino Unido, Alemania, Eslovenia, Bélgica y Serbia. Año: 2010. Duración: 113 min. Género: Drama. Interpretación: Miki Manojlovic (Divko), Mira Furlan (Lucija), Boris Ler (Martin), Jelena Stupljanin (Azra), Milan Strljic (alcalde). Guion: Danis Tanovic; basado en la novela de Ivica Djikic. Producción: Amra Baksic Camo, Marc Baschet, Cédomir Kolar y Mirsad Purivatra. Fotografía: Walther Van Den Ende. Montaje: Petar Markovic. Diseño de producción: Dusan Milavec y Sanda Popovac. Vestuario: Jasna Hadzimehmedovic-Bekric. Distribuidora: Wanda Visión.

Sinopsis: Bosnia y Herzegovina, 1991. Los comunistas han caído y Divko Buntic regresa a la pequeña ciudad donde creció para reclamar la casa familiar. Después de vivir exiliado 20 años en Alemania, Divko aparece con su llamativo Mercedes rojo, su novia Azra, joven y sexy, su gato negro de la suerte y los bolsillos llenos de marcos alemanes.

¿Qué podemos esperar?: A Tanovic hay algunos que aún no le perdonan el robar el Oscar a ‘Amelie’ (‘Le fabuleux destin d’Amélie Poulain’, Jean-Pierre Jeunet, 2001) con la floja ‘En tierra de nadie’ (‘No Man´s Land’). Suena a dramón de los gordos.

‘Convención en Cedar Rapids’

Título original: Cedar Rapids. Dirección: Miguel Arteta. País: USA. Año: 2011. Duración: 87 min. Género: Comedia. Interpretación: Ed Helms (Tim Lippe), John C. Reilly (Dean), Anne Heche (Joan), Sigourney Weaver (Macy), Stephen Root (Bill), Kurtwood Smith (Orin), Isiah Whitlock Jr. (Ronald), Alia Shawkat (Bree), Thomas Lennon (Roger), Rob Corddry (Gary). Guion: Phil Johnston. Producción: Jim Burke, Alexander Payne y Jim Taylor. Música: Christophe Beck. Fotografía: Chuy Chávez. Montaje: Eric Kissack. Diseño de producción: Doug J. Meerdink. Vestuario: Hope Hanafin. Distribuidora: Hispano Foxfilm.

Sinopsis: Tim nunca ha salido de su pequeña ciudad. Nunca ha disfrutado de una estancia en un hotel. Y nunca ha tenido una experiencia como la de Cedar Rapids, en Iowa. Enviado a la convención anual de seguros en representación de su compañía, Tim pronto se sentirá desorientado a causa de tres veteranos del evento que le mostrarán de qué va aquello y ampliarán sus horizontes. Para un tipo que suele actuar según los cánones, la convención resultará ser todo menos convencional.

¿Qué podemos esperar?: ¿Sería mucho pedir una comedia que no trate el espectador como si fuese imbécil?

‘El fin es mi principio’

Título original: Das ende ist mein anfang. Dirección: Jo Baier. Países: Alemania e Italia. Año: 2010. Duración: 98 min. Género: Drama. Interpretación: Bruno Ganz (Tizizano), Elio Germano (Folco), Erika Pluhar (Angela), Andrea Osvárt (Saskia). Guion: Folco Terzani y Ulrich Limmer; basado en el libro de Tiziano Terzani y Folco Terzani. Producción: Ulrich Limmer. Música: Ludovico Einaudi. Fotografía: Judith Kaufmann. Montaje: Claus Wehlisch. Diseño de producción: Eckart Friz. Vestuario: Gerhard Gollnhofer. Distribuidora: Isaan Entertainmet.

Sinopsis: Un hombre que ve acercarse su fin decide llamar a su hijo para reunirse con él por última vez en su casa de La Toscana. Su intención es compartir unas valiosas conversaciones sobre la vida que ha llevado como corresponsal de prensa en el sureste asiático, los cambios políticos y sociales de los que ha sido testigo, y la transformación espiritual que ha experimentado en sus últimos años. Pero lo más importante para él es transmitir a su hijo cómo prepara el terreno para la última gran aventura que le queda por vivir.

¿Qué podemos esperar?: Si se tratase de uno de esos dramas tranquilos, intimistas y reflexivos, realizados con buena mano, yo ya me daba con un canto en los dientes.

‘Nuestra canción de amor’

Título original: My own love song. Dirección y guion: Olivier Dahan. Países: USA y Francia. Año: 2010. Duración: 102 min. Género: Drama, romance. Interpretación: Renée Zellweger (Jane), Forest Whitaker (Joey), Madeline Zima (Billie), Elias Koteas (Dean), Nick Nolte (Caldwell), Annie Parisse (Nora), Chandler Frantz (Devon). Producción: Olivier Dahan y Alain Goldman. Fotografía: Matthew Libatique. Montaje: Richard Marizy. Diseño de producción: Jan Roelfs. Vestuario: Marie-Sylvie Deveau. Distribuidora: Emon.

Sinopsis: Jane, una ex cantante que se quedó paralítica tras un accidente, recibe noticias de su hijo, Devon. El chico se pone en contacto con su madre porque quiere invitarla a su comunión. A pesar del temor que le produce a Jane encontrarse con su hijo al cabo de unos años y afrontar su pasado, su amigo logra convencerla de emprender el periplo a través de Estados Unidos. A lo largo del viaje y gracias a las personas que encontrarán en la carretera, Jane compondrá su canción de amor más bella.

¿Qué podemos esperar?: Todo huele a que será una película sobre todo de actores. Por si acaso preparemos los cleenex también.

Vía | LaButaca.net

Aquí os traigo el cartel y el tráiler del drama ‘Conviction’, un título que tenía buena pinta. Porque lo protagonizan Hilary Swank y Sam Rockwell, y la trama puede dar juego. Pero una vez que has visto el avance… Es como ese tipo de películas que emiten a las cuatro de la tarde en televisión, normalmente inspirada en hechos reales, con esas historias familiares, un largo juicio, muchas caras serias, muchas lágrimas, muchos rencores y muchos tópicos. Pues eso es exactamente lo que parece esto. Echadle un ojo al vídeo si os apetece comprobarlo, en algunos portales norteamericanos dicen que huele a Oscar, pero yo no lo creo en absoluto.

Escrita por Pamela Gray a partir de una historia verídica, ‘Conviction’ gira en torno a una mujer que cambió su vida para convertirse en abogada y sacar a su hermano de prisión, condenado por asesinato a cadena perpetua. Swank interpreta a la sufrida hermana que se saca la carrera de derecho en tiempo récord mientras cuida de su hogar, y es más lista que todos los que investigaron el caso, mientras que Rockwell (uno de los actores más infravalorados del planeta) encarna al acusado de un crimen que (aparentemente) no ha cometido, y que poco a poco se va convenciendo de que va a morir en la cárcel. Minnie Driver, Juliette Lewis, Clea DuVall, Melissa Leo y Peter Gallagher, entre otros, completan el reparto. Ha dirigido el también actor Tony Goldwyn (suyo fue el remake de la italiana ‘El último beso’), y la fecha del estreno es el próximo 15 de octubre, al menos en Estados Unidos.

PD: ¿Es posible que el cartel… sea un spoiler como una casa?

Vía | Impawards

La ópera prima de Wes Craven fue ‘La última casa a la izquierda’, film hiperviolento y cutre que se debía en parte a la influencia que la guerra de Vietnam estaba teniendo sobre la población estadounidense, de forma que fuera de ese contexto social el film no había por donde cogerlo y aún con sus limitados aciertos no era precisamente una cinta memorable en ningún aspecto. Pero tuvo impacto, provocado, cómo no, por una exagerada violencia, de la que Craven no volvió a echar mano a pesar de moverse casi siempre dentro de un género que rara es la vez que no la utiliza.

En estos tiempos de corrección, se vuelve a la misma historia (que ya era una reinterpretación de ‘El manantial de la doncella’ de Ingmar Bergman) para intentar actualizarla a un terreno más accesible para todo el mundo, intentando recrear una atmósfera agobiante que bien podría haber sido la representación perfecta de la maldad provocando los más bajos instintos del ser humano. Mucho intento para tan poco resultado, y encima caer en la vulgaridad de realizar una descarada y gratuita apología de la violencia, perdiéndose por el camino todas las posibilidades del relato.

En la historia de ‘La última casa a la izquierda’ tenemos a los padres más buenos, y preocupados por sus hijos, del mundo. La hija más responsable jamás vista, siempre obediente, y los villanos de la función, que poseen las caras más malas que se recuerdan, por aquello de que sepamos quién es de verdad, subrayadito y mascadito, el coco de la película. Huida de la cárcel, asesinato, violación más larga que un día sin pan, la casa equivocada y explosión de violencia por doquier, como alegoría contra la irrupción y ruptura de la unidad familiar por métodos sangrientos.

Tras considerar a cien directores (repito, ¡cien!), el trabajo recayó en manos del griego Dennis Iliadis, quien había obtenido cierto prestigio por su anterior film: ‘Hardcore’ (no confundir con la famosa película de Paul Schrader). Iliadis, tal vez convencido de que el guión de la película camina por senderos previsibles, con tópicos y tópicos, opta por querer dotar a la misma de una enrarecida atmósfera a la que contribuye Sharone Meir con su impecable trabajo de fotografía, de lejos lo mejor de ‘La última casa a la izquierda’. Pero una buena fotografía no es suficiente, y menos cuando la película se alarga innecesariamente, probablemente para provocar en el espectador la sensación de desasosiego que por ni asomo se produce.

La extrema violencia de la película, que no impacta como era de esperar, alcanza su clímax en la eterna secuencia de la violación, gratuita e innecesaria, únicamente hecha para posicionar al espectador del lado de los dolidos padres cuando éstos lleven a cabo su brutal venganza, en una espiral final de violencia con momentos de impacto visual (cráneos agujereados, manos destrozadas, cabezas explosivas…) cuyo grado de hemoglobina es considerable. Todo ello de forma vulgar, facilona, sin entrar en más razones que la evidentes: a los ejemplares padres les han dañado a su querida hija, y tamaño ultraje no puede quedar sin castigo. Además, los guionistas se encargan de hacer una pequeña variación en el personaje de la hija con respecto al film original, que acentúa aún más las situaciones posteriores de rabia, pero que es totalmente increíble dentro de una película que pretende ser realista en todo momento (salvo el estúpido epílogo).

Tony Goldwyn primero rechazó la oferta por considerar la historia demasiado violenta, cambiando de opinión cuando se enteró de que Iliadis iba a ser el director, y Monica Potter (vista en ‘La hora de la araña’ y ‘Patch Adams’, entre otras), forman el matrimonio que termina dándole la vuelta a la situación, haciendo que las atrocidades antes cometidas por los malvados de turno parezcan un juego de niños. Demasiado contraste, y demasiado evidente el discurso: la violencia engendra violencia. Pero es una violencia expuesta porque sí, sin un desarrollo dramático coherente. Como poco coherentes son la pandilla de malvados, torpemente dibujados y peor interpretados. Spencer Treat Clark (el chaval que salía con cara de lelo en tres grandes películas como ‘El protegido’, ‘Gladiator’ y ‘Mystic River’) da vida al hijo del jefe de los villanos, un cobarde atormentado por la maldad hasta la que es capaz de llegar su padre, y apenas puede con un personaje que bien podría no existir, a no ser para metaforizar sobre el hijo recuperado.

Está claro que Iliadis y los guionistas no entienden la violencia como la entendía por ejemplo Peckinpah (no taaarda, tranquilos), quien por cierto hubiera hecho maravillas con el presente material. Y está claro que nunca llueve a gusto de todos. No dudo que ‘La última casa a la izquierda’ satisfará enormemente a cierto sector reaccionario con ideas simples sobre la venganza. No se pararán en la coherencia interna del relato ni en la desfachatez de su mensaje, al fin y al cabo para machacarle la cabeza a la gente, eso no se necesita. Mientras me retiro a mis aposentos a planear una enorme venganza sobre Adrián Massanet por decir que ‘Blade Runner’ está sobrevalorada, me voy preparando para escribir sobre un cuento de Shane Meadows.

‘La última casa a la izquierda’ fue la ópera prima de Wes Craven (director que nunca hará nada mejor que ‘La serpiente y el arco iris’), la cual le reportó cierto prestigio entre los aficionados al cine de terror. Ahora, Craven en funciones de productor volverá a sacarle todo el dinero que pueda a la idea de su film (algo parecido a lo que hace John Carpenter con los remakes de sus obras, aunque la diferencia entre ambos directores es abismal).

‘The Last House on the Left’ está dirigida por Dennis Iliadis, y narra la historia de una banda escapada de prisión que asalta a dos chicas de forma brutal, tras lo cual se refugian en una casa, sin saber que es la de los padres de una de sus víctimas. La venganza por parte de los mismos dará comienzo. El avance no estimula demasiado, ni siquiera el hecho de ver a varios de sus protagonistas ligeros de ropa. Entre las caras más conocidas de su reparto tenemos a Monica Potter y Tony Goldwyn. El estreno en los cines de USA será el 13 de Marzo.

Vía | The Movie Box

Hilary Swank será ‘Betty Anne Waters’, en un drama legal basado en la historia real de Waters, una chica que, tras dejar el instituto, se pagó la carrera de Derecho trabajando como camarera mientras cuidaba de sus hijos. Todo ello para demostrar que su hermano, Kenneth, había sido encarcelado por un delito que no había cometido. Puede estar bien, pero habría sido mejor tomar la resolución que tomó Michael Scofield. En ambos casos, me cuesta creer tanto amor fraternal.

El guión es de Pamela Gray. Tony Goldwyn lleva años luchando por sacar adelante este proyecto que en un principio iba a ser un vehículo para Naomi Watts con Universal/Working Title detrás. Por fin Goldwyn podrá dirigir ‘Betty Anne Waters’ y comenzará en enero Michigan. Omega Entertainment será quien financie y distribuya.

“Hilary tiene mucho espíritu y es muy indómita y eso encaja muy bien con este personaje tan firmemente comprometido”, dijo Goldwyn.

Goldwyn se reunió por primera vez con Waters en 2001, cuando el hermano de ésta salió de la cárcel. Pero no cualquier día de 2001: el 11 de septiembre, por lo que su entrevista quedó a medias cuando conocieron las noticias sobre el World Trade Center.

Además de este proyecto, Swank y su socia, la productora Molly Smith, acaban de comprar los derechos para adaptar dos libros:

Uno de ellos es ‘Something Borrowed’ (algo prestado), de Emily Giffin que, como os podríais imaginar, trata sobre bodas. El argumento es similar al de ‘La boda de mi mejor amigo’: Rachel, una abogada soltera (dígase con voz de Bender cantando) de 30 años, que vive en Nueva York, recibe una invitación de ser la dama de honor de su antigua mejor amiga, Darcy, que se casa con un amigo de Rachel de la época de la facultad, Dex. Rachel y Dex pasan una noche juntos y deciden no contárselo a Darcy. Lo que Darcy no se esperará es que el día de su boda, su “algo prestado” sea su marido.

El otro libro es ‘French Women Don’t Get Fat: The Secret of Eating for Pleasure’ (las francesas no engordan: el secreto de comer por placer), una crónica autobiográfica de Mireille Guiliano sobre cómo engordó cuando pasó una temporada en EE. UU.

Desarrollarán estas adaptaciones a través de su productora Alcon Entertainment y probablemente las protagonizará Swank. Parece que precisamente los peores proyectos son los que elige ella misma con esta empresa. Me encanta Hilary Swank como actriz y como modelo de mujer, lo que no puedo entender de ella es que tenga interés por historias de este tipo. Ya en ‘Posdata: te quiero’ demostró una vertiente blandona que no pegaba con la imagen que tengo de ella.

Debería quedarse sólo con lo que le ofrecen de otras productoras. Por ejemplo, la biografía de la aviadora Earhart, ‘Amelia’, que ya os anuncié que estaría dirigida por Mira Nair para Fox Searchlight.

Más información en Blogdecine sobre Hilary Swank.

Fuente | Variety.

Ante todo que quede claro que Paul Haggis no ha copiado el 100% del film original en el que está basado ‘The Last Kiss’, el maravilloso ‘El Último Beso’ de Gabriele Muccino. Sí podríamos decir que lo ha hecho en un 99%, sin apenas variar nada de sus situaciones, o de sus diálogos, lo cual ya es el colmo de la desvergüenza. Pero es que viniendo además de alguien como Paul Haggis es todavía peor, ya que últimamente había realizado algunos guiones verdaderamente interesantes (de sus principios mejor no acordarnos), y que haya caído en guionizar un remake y no darle absolutamente ninguna novedad, salvo un pequeño cambio en su parte final, no dice mucho de él.

La historia es de sobra conocida, sobre todo por aquellos que han visto la película italiana. Un repaso por las relaciones amorosas a todos los niveles con dis tintos perosnajes que representan esos niveles, o mejor dicho parejas. Tenemos a los novios que van a ser padres, a los casados con problemas, al ligón empedernido incapaz de comprometerse (qué manía con el compromiso), al perdidamente enamorado que ha perdido para siempre a su amor, y al matrimonio maduro con problemas otoñales. Mézclese todo convenientemente, gotitas de romanticismo por aquí, gotitas de drama blando por allá, y hala, película servida.

El guión es una fotocopia del film antes mencionado, y casi casi parece una repetición en intenciones del insulto aquel que realizó Gus Van Sant con una de las obras maestras de Hitchcock. Para colmo, eso no sucede porque la puesta en escena del film es bastante diferente a la de Muccino, quedando aquí el trabajo del actor metido a director de vez en cuando Tony Goldwyn, como algo falto de personalidad y sin garra alguna, no diferenciándose demasiado de cualquier comedia americana actual al uso, falsamente vestida con un halo de seriedad.

Eso sí, Haggis se aparta totalmente del film previo en su parte final, decidiendo terminar la historia de otra manera, si cabe más facilona, donde la típica moral americana conservadora hace acto de presencia, como en el resto del film, y es que llegar hasta donde llega el film italiano era demasiado para estos americanos, más preocupados en finales felices y engañosos, siendo totalmente incoherente con lo que se cuenta. Aún así, esa parte final puede ser con todo lo mejor de un film bastante blando en sus planteamientos, y mucho más en sus resoluciones. Un inesperado final, por decirlo de alguna forma, tratado con algo de sensibilidad, pero que no llega para levantar el film hasta donde pretende llegar.

En el trabajo actoral todos salen perdiendo con la comparación, salvo en el caso de Tom Wilkinson, que sería otra de las cosas salvables de esta película. El actor está realmente fantástico, y apenas necesita hablar para transmitir cualquier tipo de emoción o sentimiento al espectador. destacar su miniconversación con el protagonista hacia el final del film, y donde hay algunas pequeñas y provechosas variaciones con respecto al film italiano, y me refiero aquí al personaje que interpreta Wilkinson. A su lado, los demás actores parecen empequeñecerse de una forma brutal, salvo quizá Blythe Danner. Zach Braff, que cuando sonríe da miedo, se parece bastante, aunque digan lo contrario, al actor italiano que tenía su mismo papel, pero evidentemente no está tan convincente. Respecto a las mujeres por la que nuestro protagonista pierde la cabeza, Jacinda Barrett y Rachel Bilson son dos monadas, pero un servidor prefiere la belleza italiana, mucho más pasional y convincente para estos dos papeles.

Una película muy floja, que desgraciadamente hará lo que hacen la mayoría de los remakes, y es provocar en el espectador un efecto equivocado, ya que muchos se emocionarán con una historia que está mil veces mejor tratada en el film italiano, el cual ni siquiera la mayoría conoce y pensarán que el presente es el colmo de la originalidad. Afortunadamente está editado en dvd en nuestro país, así que antes de presenciar este casi lamentable producto, acercaos a un videoclub con material de sobra y haceros con una copia del film de Muccino, que no se merece lo que le han hecho con esta versión.

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• ‘The Last Kiss’ (‘El último beso)’... el primero de muchos bostezos

El remake de ‘L’ultimo bacio’ muestra a una pandilla de amigos que están a punto de llegar a la treintena y cómo afronta cada uno de ellos sus relaciones de pareja. El protagonista se asusta al saber que ha dejado embarazada a su novia y al notar demasiado cercana la presencia de sus suegros. Otro de ellos sigue huyendo de las mujeres, con las que sólo quiere aventuras. Uno que ya está casado y tiene un niño, decide que no aguanta más a su esposa. El último, después de haber sido abandonado por su prometida, que ya ha rehecho su vida, decide irse a Sudamérica en una caravana.

Paul Haggis sólo ha escrito los últimos minutos de la versión de Tony Goldwyn, titulada ‘The Last Kiss’, pues hasta el momento que supone el final en la de Gabriele Muccino, los guiones están calcados palabra por palabra, escena por escena. El efecto que se produce es extraño. Mientras todo el bloque adaptado es muy superior en la versión italiana, este final divergente es el mejor fragmento del remake. Quizá esto se deba a que han adaptado sin ninguna convicción, es decir, sin alma, la parte que les llevaría hasta esa conclusión diferente.

Con diálogos cuya única modificación ha sido la traducción de un idioma a otro, el cambio en los actores dota al film americano de tales diferencias que lo transforma completamente. Al reparto estadounidense al completo le falta entrega, le falta autenticidad. Está tan poco acertado que, por un lado impide la empatía con casi ninguno de los personajes. Y, por otro, convierte en inverosímiles situaciones que en original resultaban de lo más naturales. Un actor con una sonrisa tan poco agraciada como la de Zach Braff —con la boca cerrada tiene un pase— no permite que nos creamos que tenga esa novia que es, como mínimo, monilla. Y menos aún que una estudiante de bastante buen ver lo seduzca. Además, la forma de actuar de esta joven es tan descarada que parece una arpía con un propósito muy claro de destrozar una pareja. En la italiana, la actriz interpreta perfectamente a una adolescente enamoradiza e inocente. Esto, que parecen sólo matices, cambia completamente la visión que tenemos del comportamiento del protagonista y, por lo tanto, la empatía con él.

Los personajes secundarios también tienen un mayor encanto en ‘L’ultimo bacio’ y sus motivaciones son más fáciles de comprender. Por ejemplo, Livia es más insoportable a todas luces y con Lisa cuesta más ver una razón tan clara para abandonarla. Aunque las actrices del film de Goldwyn estén mejor en sus papeles que los actores, los puntos de vista son siempre los de los chicos y por eso el hecho de que ellas lo hagan bien no acaba por arreglar este problema de falta de identificación. La perspectiva está más repartida en la película original y no sólo vemos a la disyuntiva a la que él se enfrenta, sino que también, durante un momento, podemos comprender por lo que ella está pasando, cosa que no es posible en la estadounidense. Y, si de nuevo esto puede parecer que sólo es un matiz, también es lo que logra que la de Haggis esté exenta de originalidad y que sea la enésima película sobre las dificultades de los hombres para madurar.

El mayor mérito de la italiana es el ritmo vigoroso del que goza, conseguido gracias a la velocidad de la interpretación de los actores y a un montaje en paralelo, muy picado, que va pasando de una trama a otra con enorme agilidad. Este aspecto también se pierde en la traslación y la parsimonia con la que todo ocurre es pasmosa. Como decía, el film arranca de una manera anodina, pero hacia el final remonta y tiene un último acto, la aportación de Haggis, bastante más interesante que el resto. Pero estos veinte minutos que sí tienen algo de dramatismo no te levantan la hora y veinte de hastío. Unos planos muy estéticamente compuestos y un diseño de producción que derrocha elegancia, pero que no tiene la veracidad del original, terminan de redondear un remake aburrido, falso y carente fuerza dramática.

Podría parecer que todo lo dicho se debe a que había visto el original de Muccino con anterioridad y que, por ello, su revisión me ha decepcionado, como suelen decepcionar las adaptaciones de libros, cómics u obras de teatro que nos gustan. Sin embargo, no es así ni muchísimo menos, ya que primero vi la versión americana y posteriormente he contemplado el original para comprobar en qué habían fallado los adaptadores.

Dejándonos de comparaciones y hablando sólo de la reciente, todo se resume en que es una película que no funciona como drama porque no transmite ninguna emoción ni nos permite la empatía con los personajes, pero que tampoco está presentada de manera humorística. Un film que se hace pesado en la mayor parte de su metraje y que nos vuelve a contar lo mismo que ya hemos visto centenares de veces en otros.

Por lo tanto, si no habéis visto la italiana, la recomiendo mucho más que el remake. Y, si ya la habéis visto, casi mejor entonces que optéis por cualquier otro film de la cartelera, incluso aunque sea ‘Hora punta 3’.

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