Recuerdo el momento en el que supe que estabas enamorada de mí. Lo vi en tus ojos. Todavía puedo verlo…

A falta de solo un día para el estreno en España de ‘Un método peligroso’ (‘A Dangerous Method’), nos toca hablar en este especial dedicado a David Cronenberg de su primera colaboración con el actor Viggo Mortensen. Después de ‘Spider’ (2002), el realizador canadiense tenía entre manos un nuevo guion original titulado ‘Painkillers’ que pintaba muy bien (centrada en un artista y la resistencia al dolor), pero en algún momento dejó de interesarle lo que estaba creando y lo abandonó. En su lugar, optó por hacerse cargo de la adaptación a la gran pantalla del cómic o novela gráfica ‘Una historia de violencia’ (‘A History of Violence’) de John Wagner y Vince Locke. He leído que Cronenberg aceptó el proyecto en parte para compensar el no haber cobrado nada por su anterior trabajo, y puede que así fuera, al fin y al cabo dirigir es un trabajo y este hombre no vive del cuento, pero, de nuevo, se trata de una película que encaja perfectamente en su coherente carrera, no es obra aparte sin conexión con las demás y que podría haber realizado cualquiera. Queda patente su interés por el texto que tiene entre manos (violencia, sexo, identidad…) y se percibe su mirada, su idea del cine.

Según el director canadiense, el guion que le ofrecieron (escrito por John Olson) llamó su atención en primer lugar por toda la iconografía y mitología vinculada a Estados Unidos, por esos elementos que uno espera encontrar en la típica historia norteamericana; elementos con los que Croneberg podía jugar y pervertir para tratar algo mucho más fascinante que un simple relato violento de redención. Tenemos el pequeño pueblo aislado y tranquilo, los buenos vecinos, los valores familiares, las recompensas del trabajo duro, el sheriff, el bar, los forasteros indeseables, los tiroteos… Podría tratarse de un western, el género estadounidense por excelencia. O una de mafiosos, con el gánster elegantemente vestido amenazando la paz del héroe. A ratos, ‘Una historia de violencia’ es eso. Por un lado tenemos a los Stall, una familia ejemplar que está viviendo el sueño americano (el inicio empalagoso recuerda al de ‘La zona muerta’), y que representa el amor y todo lo bueno, y por otro lado están los villanos, unos monstruos que solo entienden de robar, violar y matar; tenemos el conflicto planteado y solo queda esperar a que el héroe lo resuelva, y todos contentos con nuestra dosis de violencia “justa”. Pero Cronenberg no quiere hablar de buenos y malos, de héroes y villanos; su objetivo es la naturaleza humana, la oscuridad y la luz que hay en cada uno de nosotros.

Que Cronenberg adapte un relato ajeno no significa que no se haya implicado en el guion. Lo hace, y no solo en la etapa de pre-produción, también lo modifica durante el rodaje y durante la post-producción. El que lea el cómic descubrirá que la adaptación cinematográfica comienza de manera similar, con un hombre corriente que despierta su alter ego violento para detener a unos criminales, pero difiere mucho en el desarrollo y el desenlace; a Cronenberg no le interesaba el espectáculo violento, sino retratar la violencia innata al ser humano, y cómo podemos convivir con ella. En este sentido es muy significativo el final de la película, un cierre cargado de significado y emoción, de lo mejor que ha rodado el canadiense. Recomiendo a todos los lectores interesados en saber más sobre esta película o sobre el modo en el que trabaja este director, que echen un vistazo al interesante contenido extra incluido en la edición doméstica de ‘Una historia de violencia’ (2005); aparte de los audio-comentarios del realizador, o una escena eliminada con Mortensen y Ed Harris (una sangrienta pesadilla que habría perjudicado el conjunto), hay un jugoso “making of” donde se ve cómo el director afronta el rodaje de una serie de escenas, siempre buscando la colaboración del equipo técnico y artístico que le rodea, dispuesto a escuchar a todo el que tenga una idea que pueda enriquecer la película.

Cronenberg no usa “storyboards” y acude al set sin una idea preestablecida de cómo va a rodar la escena. Lo decide in situ, con el equipo. Ensaya con los actores en el escenario, lo más cerca de la ficción, permitiendo que se sientan cómodos con sus personajes, sus frases, su ropa, los objetos que le rodean y el lugar dónde tienen que moverse. Las improvisaciones están permitidas y ningún detalle es irrelevante para Cronenberg, todo lo que el reparto pueda aportar a sus personajes es bienvenido (Greg Bryk y Stephen McHattie inventaron un pasado para los dos matones que encarnan, aunque nunca llega a oídos del espectador). Este método de trabajo, bien entendido y ejecutado, tiene un excelente resultado en la pantalla, todo resulta más cercano y auténtico. Asimismo, cabe señalar que, desde ‘Crash’, el realizador muestra a los actores las escenas de sexo o con desnudos que ha filmado, con la intención de transmitirles confianza, deja que vean qué queda dentro del plano, cómo se ven sus cuerpos, cómo resultan sus movimientos, con la esperanza de que así darán lo mejor de sí mismos. Dos de las escenas más recordadas de ‘Una historia de violencia’ son precisamente las sexuales. Las incluyó Cronenberg, no estaban en el guion de Olson. Y el motivo es que si estaban plasmando la faceta más salvaje o animal del hombre, era imprescindible abarcar la sexualidad.

Normalmente, las escenas de sexo en las películas son gratuitas, una concesión al espectador o una manera de lucir a los actores con intenciones puramente comerciales. Las películas de Cronenberg no suelen durar más de una hora y media, no tiene piedad eliminando metraje si considera que debilita o desestabiliza el conjunto, así que si incluye desnudos o acción sexual puedes estar seguro que hay un motivo. Efectivamente, las dos situaciones en las que los personajes de Mortensen y Maria Bello se relacionan sexualmente son relevantes, aportan información. Atención sobre todo al cambio que se produce en la segunda escena, cuando la mujer ya ha descubierto la verdad sobre el pasado de su marido (no resultaría tan convincente ni tan sorprendente si no les hubiéramos visto antes en la cama). Es importante apuntar que en esa escena se une la violencia con el sexo, que es también una parte innata del ser humano; Cronenberg considera que en los actos violentos suele haber excitación sexual, y que el sexo es en esencia un acto violento consentido por las dos partes, un enfoque que encaja con la visión del hombre como un animal racional o con conciencia (y choca con ideas religiosas). También es muy interesante porque refleja una lucha de poder entre el hombre y la mujer. Ojo al final de la escena, a cómo termina cada uno.

Durante la presentación de la película en el festival de Cannes, un periodista comentó a Cronenberg que le había sorprendido (negativamente) cómo la gente aplaudía entusiasmada tras las escenas violentas. Y el realizador contestó, con la tranquilidad y la sinceridad que le caracterizan, que ésa era justo la respuesta que él buscaba cuando las filmó. A la mayoría puede que le resulte inconcebible la idea pero Cronenberg sabe y demuestra que el ser humano disfruta con la violencia; lo mismo que disfruta del sexo. En este sentido, su película es un puñetazo de verdad en el estómago de la hipocresía. No hay más que ver las películas, las series o los videojuegos que se hacen y triunfan, o el mismo pasado del ser humano, toda esa Historia de violencia. ¿Cómo es posible que aún haya tanta gente que mire hacia otro lado, y crea en fantasías como el cielo y el infierno? Cronenberg apuesta por asumir lo que somos, con el objetivo de poder controlarlo, no en ensalzar la violencia o darle un sentido positivo, como suele hacer el cine industrial o comercial. Aquí no hay un héroe de Hollywood que tras matar a los malos vuelve a casa satisfecho y entre aplausos, porque ha devuelto la paz, con sangre en las manos.

Como ocurre en películas de Sam Peckinpah o Clint Eastwood, matar puede llegar a ser un acto inevitable, pero no deja de ser un acto brutal, sucio e indeseable, perturbador, que puede transformarse en una especie de potente virus y acabar con todo lo que se ha construido humana y pacientemente. Llama la atención cómo Cronenberg representa las escenas violentas de una forma similar a los accidentes de tráfico que aparecen en sus otras películas, buscando el realismo en la medida de lo posible y no el espectáculo visual (prohibida la cámara lenta); son rápidas y contundentes, destructivas (los rostros desfigurados), desagradables y definitivas en la mayoría de las ocasiones, sin vuelta atrás. Pero no es este retrato descarnado del ser humano un pozo de tinieblas, sangre y pesimismo, Cronenberg confía en la humanidad, cree que hay esperanza. Y en definitiva, ‘Una historia de violencia’ es una de las películas más sentimentales de su director, además de una de las más accesibles para el gran público, una meta necesaria para una producción de 30 millones de dólares (el mayor presupuesto en la carrera del realizador).

‘Una historia de violencia’ no fue lo que se dice un éxito de taquilla, pero funcionó bien y en general recibió elogios tanto de la crítica como del público; William Hurt (que apenas interviene en diez minutos) y Olson fueron candidatos al Oscar. Cronenberg quedó encantado con la experiencia y encontró en Mortensen a un extraordinario aliado delante de la cámara, repitiendo de nuevo con él en su siguiente proyecto, ‘Promesas del este’ (‘Eastern Promises’, 2007). Como ya hay varias críticas de esa película en el blog (incluida una mía, escrita con la emoción que se siente tras un único y reciente visionado), mi próximo artículo dedicado a la carrera de Cronenberg estará centrado en su nuevo y esperado trabajo, el que llega mañana a nuestras salas, antes de dar por concluido este especial que, reconozco, ha durado más tiempo del previsto.

• Críticas de ‘Promesas del este’:

‘Promesas del este’, aún existe el buen cine

‘Promesas del este’, otra buena película de Cronenberg

‘Promesas del Este’, otra historia de violencia

• Otra crítica de ‘Una historia de violencia’:

‘Una Historia de Violencia’, Cronenberg firma su mejor film

• Especial David Cronenberg en Blogdecine:

‘Stereo’

‘Crimes of the Future’

‘Vinieron de dentro de…’

‘Rabia’

‘Fast Company’

‘Cromosoma 3’

‘Scanners… su solo pensamiento podía matar’

‘Videodrome’

‘La zona muerta’

‘La mosca’

‘Inseparables’

‘El almuerzo desnudo’

‘M. Butterfly’

‘Crash’

‘eXistenZ’

‘Spider’

La ópera prima de la directora y guionista Ana Piterbarg, ‘Todos tenemos un plan’, ha finalizado su filmación estos días en los platós de la Ciudad de la Luz, en Alicante, tras haber rodado los exteriores en Argentina –tal cual se produjo ‘Un cuento chino‘–. El estadounidense Viggo Mortensen, que habla español debido a que se crío en el país sudamericano, protagoniza esta película, junto con Soledad Villamil y Javier Godino, ambos intérpretes de la oscarizada en 2010 ‘El secreto de sus ojos’.

‘Todos tenemos un plan’, que se describe como un thriller muy original, nos remite a un hombre que, tras la muerte de su gemelo, con quien no se entendía, deseoso de abandonar su frustrante existencia en Buenos Aires, asume una nueva vida suplantando la identidad de su hermano en la choza de sus abuelos, en la misteriosa región del Delta del Tigre, en el delta del río Paraná.

El film trata de reflejar la dualidad y las contradicciones entre dos gemelos. El actor ha declarado que, pese a que su personaje miente al enfundarse en una identidad que no es la suya, finalmente llega a apreciar a su hermano –que vivía una existencia muy distinta, ya que estaba involucrado con criminales– y, de esta manera, alcanza “a conocerse a sí mismo”. La premisa de los hermanos idénticos y de las identidades confundidas se ha explorado ya en el cine y ha dado pie, no solo a entretenimientos infantiles, sino también a psicodramas como ‘Inseparables’, de David Cronenberg, que profundiza de la forma más enferma en las complicaciones de compartirlo todo desde el nacimiento. Si Piterbarg hace un buen trabajo, esta película también podría contarse entre las interesantes aproximaciones psicológicas a esta cuestión.

Las escenas en las que aparecen ambos hermanos han supuesto uno de los principales retos técnicos y para este trucaje, los planos se han llevado a cabo en España. Durante la etapa argentina del rodaje, las inclemencias climáticas fueron las que impusieron la otra dificultad principal. Pero lo que más asustaba a Mortensen era desdoblarse en los dos personajes: “sabíamos que iba a ser muy complicado, un rompecabezas y, quizá, a lo que más miedo tenía por encima de los retos físicos de los exteriores”. Para todo ello, la directora ha contado con un presupuesto de 3,5 millones de euros y, tras un par de meses de rodaje, la fecha de estreno prevista para ‘Todos tenemos un plan’ será abril y junio de 2012 para España y Argentina, respectivamente.

Vía | Fotogramas.

Tras el lanzamiento del tráiler, ya podemos echar un vistazo al cartel de ‘Un método peligroso’ (‘A Dangerous Method’), el nuevo y esperado trabajo de David Cronenberg. Como podéis ver, se trata de un póster en italiano, y el motivo es que la película se proyectará por primera vez en el festival de Venecia, cuya 68ª edición arranca el próximo 31 de agosto. Lamentablemente, hay que esperar hasta el 25 de noviembre para que llegue a los cines españoles.

No me encuentro entre los quedaron entusiasmados con el avance, y el cartel es de lo más convencional y soso, parece que anuncia un corriente telefilm romántico, pero aun así, ‘A Dangerous Method’ sigue siendo uno de los títulos que más me interesan de la segunda mitad del año, habiendo visto ya ‘El árbol de la vida’ (‘The Tree of Life’), que llegará a los cines españoles en septiembre. Recordemos que ‘A Dangerous Method’ es una adaptación de una obra teatral de Christopher Hampton (él mismo ha escrito el guion de la película), que partía a su vez de una novela de John Kerr (‘A Most Dangerous Method’) centrada en el conflicto que enfrenta a Freud con su pupilo Jung, causado por el tratamiento con el que se intentar curar a una joven con graves problemas psicológicos. En cuanto al reparto, está encabezado por Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Keira Knightley, Vincent Cassel, Sarah Gadon y André Hennicke, entre otros.

PD: ‘Un dios salvaje’ (Polanski), ‘Caballo de batalla’ (Spielberg) y ésta. Los tres estrenos de 2011 (en España) que espero con más ganas.

Vía | Impawards

Aquí os traigo uno de los avances más esperados del año, y no salen robots, magos, extraterrestres, pandas, superhéroes o “vampiros”. Por fin podemos echar un vistazo al tráiler de ‘A Dangerous Method’ (‘Un método peligroso’), lo nuevo de David Cronenberg. La mala, terrible, noticia es que aún quedan meses para poder ver el resto de la película. Al parecer, será presentada en el festival de Venecia (septiembre) y a partir de ahí irá llegando a los cines; según IMDb, en Holanda y Alemania se podrá ver en noviembre, mientras que en Reino Unido y Dinamarca tendrán que esperar hasta febrero de 2012. Veremos cuándo llega a España…

Christopher Hampton ha escrito el guion de ‘A Dangerous Method’ basándose en su propia obra de teatro, ‘The Taking Cure’ (2002), que a su vez era una adaptación de la novela ‘A Most Dangerous Method’ (1993), de John Kerr. La trama gira en torno al conflicto que enfrenta a Freud con su pupilo Jung, causado por el tratamiento con el que se intentar curar a una joven con graves problemas psicológicos, de la que Jung se enamora. Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Keira Knightley, Vincent Cassel y Sarah Gadon encabezan el reparto. Huele a Oscar.

PD: Es la tercera colaboración entre Cronenberg y Mortensen, tras ‘Una historia de violencia’ (‘A History of Violence’, 2005) y ‘Promesas del este’ (‘Eastern Promises’, 2007).

KStew oficialmente interpretará a Blancanives, y su contrato se cerrará esta semana.

Lo confirmaba el productor Palak Patel en su Twitter, si bien posteriormente tuvo que borrar el mensaje, quizá por miedo a que el acuerdo se complicara a última hora. Lo cierto es que desde hace meses se viene rumoreando en la red que Kristen Stewart era la primera opción de Universal Pictures para encabezar el reparto de ‘Snow White and the Huntsman’ (‘Blancanieves y el cazador’), por lo que la declaración relámpago de Patel no pilla a nadie por sorpresa.

Ya sabéis que no es la única versión que se está preparando en Hollywood. Recientemente comentamos que Julia Roberts fue contratada recientemente para protagonizar otra ‘Blancanieves’, cuyo rodaje comenzará en abril bajo la dirección de Tarsem.

La producción de la Universal no dispone de un realizador tan interesante, pero parece que lo compensará con un presupuesto más elevado. Rupert Saunders se encargará de la puesta en escena de ‘Snow White and the Huntsman’, que además de Stewart contará con Charlize Theron y Viggo Mortensen al frente del reparto; la primera dará vida a la malvada bruja y el segundo interpretará al cazador. El estreno está fijado para el 21 de diciembre de 2012.

PD: El personaje de Mortensen tendrá mayor relevancia en la película que en el relato de los hermanos Grimm; será mentor de Blancanieves y la entrenará para poder acabar con la bruja.

Vía | ComingSoon

Ya nos había anunciado mi compañero Juan Luis que Ron Howard tenía la ambiciosa intención de adaptar las siete novelas de Stephen King que llevan por título ‘La torre oscura’ (‘The Dark Tower’).

El proyecto vuelve a ser noticia porque se están barajando actores para interpretar el papel principal y los nombres que más se han escuchado son los de Javier Bardem y de Viggo Mortensen. O la Universal no se decide entre ellos dos o son las fuentes de noticias las que no lo tienen claro.

El New York Post asegura que será el español quien interprete a Roland Deschain, mientras que Mortensen sería simplemente un repuesto. Sin embargo, pocos días antes, a mediados de diciembre, Howard habló de su proyecto durante la campaña de promoción de ‘The Dilemma’ y ni mencionaba a Bardem. En aquella ocasión, Ron Howard declaró al LA Times que no descartaba a Viggo Mortensen, una de las opciones más aclamadas por los fans de la saga.

Parece que lo de Bardem suena más seguro, pues la información sobre su elección es posterior. Por mi parte, preferiría que se quedasen con Viggo, ya que lo veo más adecuado para este tipo de héroe, aunque quienes conozcáis bien al personaje, quizá tengáis otra opinión.

Este reparto se mantendría tanto para la serie de televisión, como para las tres películas. La idea es arrancar con una película épica y lanzar posteriormente la serie. Más adelante, se estrenaría el segundo largometraje cinematográfico para pasar a una nueva temporada de la serie en la que Deschain sería joven. Una tercera cinta larga daría pie a la tercera temporada televisiva, con un Deschain viejo. Las series servirán de apoyo a los films, pero no serán necesarias para su comprensión. Ahora que escribo todo esto, creo que la palabra del primer párrafo, «ambiciosa», se queda muy corta.

En una mezcla de géneros que incluye la literatura fantástica, la fantasía científica, el terror y elementos del Western, la serie de novelas de Stephen King cuenta la búsqueda de la metafórica Torre Oscura y de su verdadera naturaleza, por parte de Roland Deschain, un pistolero que imagino que toma el nombre del poema épico de caballerías ‘El Cantar de Roldán’ (‘La Chanson de Roland’), atribuido al monje normando Turoldo.

Aún no tenemos un cartel o un tráiler al que hincarle el diente, pero a cambio ya tenemos las primeras imágenes oficiales de ‘A Dangerous Method’, la nueva película de David Cronenberg. En las fotos podemos ver a Viggo Mortensen en la piel de Sigmund Freud, a Michael Fassbender interpretando a Carl Jung y a Keira Knightley como Sabina Spielrein, una paciente de la que se enamora Jung. Vincent Cassel, Sarah Gadon y Katharina Palm completan el elenco protagonista.

Escrita por Christopher Hampton, a partir de su obra teatral ‘The Talking Cure’, la película gira en torno al conflicto que separa a Freud de su pupilo Jung, causado por el tratamiento con el que se intentar curar a una joven con problemas psicológicos. ‘A Dangerous Method’ estará en los cines en 2011, pero aún no hay una fecha concreta. Al parecer, el film (que ha costado unos 15 millones de dólares) está ya listo, así que esperemos que no tarden mucho en estrenarlo, se echa muy en falta cine de calidad, o al menos, obras de cineastas que lo intentan de verdad.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Éste es el primer trabajo de Mortensen tras el anuncio de su retirada (o descanso laboral) en 2009, y lo hizo porque Christoph Waltz tuvo que abandonar la producción por otros compromisos.

Vía | Comingsoon
En Blogdecine | Especial sobre David Cronenberg

Hace cuatro años, os comunicábamos que la novela beat ‘En el camino’ (‘On The Road’), de Jack Kerouac tendría una adaptación cinematográfica. En este emblemático libro generacional, Salvatore “Sal” Paradise realiza un viaje por carretera de punta a punta de Estados Unidos. En su camino, conoce a diferentes personas de naturalezas diversas y extrañas, entre los cuales se encuentran Dean Moriarty y su mujer, Marylou.

Por aquel entonces, se sabía ya que la traslación a la gran pantalla de ‘On the Road’ contaría con la dirección de Walter Salles, responsable de ‘Estación Central do Brasi’l o de ‘Diarios de motocicleta’, y con la producción de Francis Ford Coppola. Pero el proyecto se detuvo en 2005 por falta de financiación. Sin renunciar a su propósito, Salles ha aprovechado este lustro para recorrer el mismo camino que hacía el protagonista de la novela para adquirir, de esa forma, un conocimiento más cercano sobre lo que va a narrar. Y su esfuerzo se ha visto recompensado, ya que, por fin, el 1 de agosto, dará el claquetazo de salida el rodaje de este film.

El reparto lo compondrán Sam Riley que será Jack Kerouac o Sal Paradise, es decir, autor y protagonista-narrador de la novela; Garret Hedlund, como Neal Cassady o el personaje inspirado en él: Dean Moriarty; y Kristen Stewart, quien interpretará a la esposa de éste. Kirsten Dunst se ha unido más tardíamente al elenco, pero su presencia está confirmada.

Actualización del 5 de agosto: Viggo Mortensen hará el papel de Old Bull Lee, personaje basado ligeramente en William S Burroughs. Amy Adams interpretará a su mujer, Jane, inspirada en Joan Vollmer.

La novela, que se convirtió en todo un icono para la generación Beat y que hoy en día sigue siendo un modelo de vida para algunos jóvenes, forma ya parte de la historia de la literatura norteamericana hasta el punto de ser lectura obligatoria en las escuelas. Pero está claro que lo que más destaca de ella no es el entramado de un argumento, sino su estilo y, especialmente, su actitud vital.

En cine, las películas que reflejan un viaje en coche ya han formado un subgénero propio, la road movie, que cuenta con enormes títulos, por lo que no se podría afirmar que ‘En el camino’ —que más bien debería titularse ‘En la carretera‘— sea inadaptable. Sin embargo, no se puede ignorar que la época en la que este libro dejó su huella pasó hace mucho tiempo y que apenas hay una historia que trasladar a la pantalla. Por lo tanto, el reto al que se enfrenta Salles es ser capaz de reflejar el espíritu de Kerouac por encima de todo.

Tanto Kerouac como Cassady —que aparecen en la fotografía superior, la que sirvió de portada del libro— se han visto asimismo retratados en ‘Howl’ (2010), film que han dirigido Rob Epstein y Jeffrey Friedman y que se estrena este otoño en EE. UU. El título es un homenaje al poema ‘Aullido’, de Allen Ginsberg, a quien interpreta James Franco en este su biopic.

Vía | Entertainment and Show Biz.

Tras ese merecido descanso que se tomó Viggo Mortensen de sus deberes interpretativos el actor vuelve a la carga nada menos que con David Cronenberg —a quien mi compañero Juanlu le está dedicando un suculento especial— en la que ya es su tercera colaboración tras la estupenda ‘Una historia de violencia’ (‘A History of Violence’, 2005) y ‘Promesas del este’ (‘Eastern promises’, 2007). ‘A Dangerous Method’ es su título y aquí os traemos una foto en la que Mortensen luce como Sigmund Freud, principal personaje de la historia junto a Carl Jung, interpretado por Michael Fassbender, en la foto de abajo. La película está basada en la obra ‘The Talking Cure’ de Christopher Hampton, firmante del guión, y narra el conflicto que hubo entre Freud y su alumno Jung.

En la película también tenemos a Keira Knightley —no iban a ser todo buenas noticias— dando vida a Sabina Spielrein, una mujer trastornada que es llevada por su padre ante Jung. El actor Vincent Cassel es la nota europea del film que desde luego tiene muy buena pinta al menos sobre el papel. La idea de que Cronenberg se atreva con Freud y Jung, máximas figuras del psicoanálisis, hace que ésta sea una de las películas esperadas del año que viene.

Está claro que Mortensen tiene que ganar un Oscar algún día, ¿será ésta su oportunidad de alzarse con la dorada estatuilla para que la Academia le dé ese reconocimiento que no necesita? Se admiten apuestas.

Vía | Comingsoon

“El anillo es mío”

-Frodo

Con Frodo paralizado y secuestrado por los Orcos, y con las puertas de Minas Tirith definitivamente rotas, comienza la última parte de una larga película a la que, a mi parecer, le sobran muchas escenas, y algunas de las que no sobran quedan tan forzadas de puesta en escena y dirección de actores, que parecen dirigidas por otro, como la del intento de Denethor, totalmente chalado, de quemar vivo a su hijo Faramir, interrumpido, eso sí (como tantas otras escenas), por otra, que está bastante mejor dirigida, la del enfrentamiento cara a cara entre Gandalf y el Rey Brujo de Angmar, que termina de manera muy diferente a la novela, y da pie a la llegada de los Rohirrim.

Es extraño, pero lo que hasta entonces había resultado una batalla amorfa, en cuanto a su ritmo y a su tensión, que cada poco se derrumbaban, incapaces de tenerse en pie mucho rato, una vez llegados los jinetes, aportan una intensidad y una épica que parecían imposibles pocos minutos antes. La emoción es sincera cuando el rey Theoden grita “¡Death!” (¡Muerte!) por tercera vez, y la carga está montada con precisión y violencia salvaje. Hay algunos planos en esta batalla que quedan poco creíbles, pero al que sepa algo de guerras medievales le parecerá totalmente realista (aunque algunos expresaron su incredulidad), cuando los caballos pasan por encima a muchas filas de orcos. Eso hace, literalmente, la caballería al galope.

No tiene ningún sentido volver en ese momento a Denethor y su locura, más aún cuando con tanto follón nos habíamos desconectado emocionalmente de ese personaje. El montaje, insisto, es una calamidad. Menos mal que enseguida volvemos a los campos, y tenemos la brutal (no hay otra palabra para describirla) carga de los enormes elefantes de combate. Theoden comete el trágico error de cargar contra ellos de frente, y la masacre es de gran envergadura. Jackson comete el acierto de no poner música, y hay momentos electrizantes, como cuando un elefante gigante choca contra otro.

Queda un poco forzado, no obstante, que Eowyn pueda moverse con tanta soltura entre tanta masacre, y que con dos espadas pueda hacer lo que no puden cientos de flechas. La cámara es demasiado nerviosa y no se aprecian bien los detalles. El crucial momento en que Eowyn vence, contra pronóstico, al Rey Brujo, está nuevamente partido en varios fragmentos de montaje. De esta manera, su potencia narrativa queda disuelta. En este momento, también, tiene lugar un bello momento, ya comentado en Blogdecine, que parece digno de los mejores momentos de ‘Las dos torres’.

Eowyn se enfrenta al Nazgul más poderoso, que le rompe el escudo y el brazo, Jackson, con mal tino bajo mi punto de vista, fragmenta el momento y vuelve con Aragorn y sus tropas de fantasmas verdes (por cierto, saltan del barco, y la calidad gráfica es la de un videojuego de los 90…). Volvemos a Eowyn, y todo queda muy deslavazado. Pero con los fantasmas, entramos en el final de la batalla, rematado por una penosa escena en la que Legolas, él solito, se carga a toda la tropa sobre un elefante gigante, y al mismo gigante, sin despeinarse. Muy poca imaginación, y así todo termina muy pronto, y la tensión acumulada se deshace sin un crescendo apropiado.

Volviendo con Sam y Frodo, la escena de la torre de los Orcos está bastante conseguida, aunque parece atropellada y sin garra, y como el resto de la película, no llega más allá de un cómic vistoso. En la pelea que se desata, la cámara de Jackson más parece la de un operador con parkinson, que la de un director de fuste. Así no se consigue el ritmo, sino con una puesta en escena más elaborada, y más veraz. El segmento de la novela de la torre de los orcos, es mucho más rica en detalles, y más emocionante que esto, pero aquí, al contrario que en otras partes, no querían extenderse demasiado.

En la versión extendida, aún dura más el camino de los dos hobbits hasta el Monte del Destino. Por suerte, en la versión de cines, su desvío y casi descubrimiento por parte de los orcos, fue suprimido. Hay una idea fantástica por parte de Jackson y sus guionistas, que es la de convertir la mirada de Sauron en un foco de luz que todo lo observa, como en un campo de prisioneros nazi. Es aterrador recorrer todo ese camino tratando de mantenerse a salvo de esa mirada. Peor idea es la de una escena suprimida de la versión para cines, en la que vemos al infame Boca de Sauron: una creación poco afortunada, sin ningún ingenio ni imaginación, de película de terror de serie Z.

Ya estamos un poco cansados de arengas bélicas, pero ahí está de nuevo Aragorn animando a sus soldados. Por suerte la batalla dura poco, y por fin Frodo y Sam llegan hasta el fuego del Monte del Destino. Aquí la medida de las cosas se le escapa al director. ¿Por qué tenemos que ver cómo Frodo decide en cámara lenta que no va a tirar el anillo, cómo Gollum le roba a Frodo el anillo en cámara lenta…y cómo Frodo pelea con Gollum una segunda vez en cámara lenta? Un aburrimiento después de tantas horas de drama. Ahora bien, hay una gran emoción, una emoción profunda y que convence, cuando Sam porta encima a Frodo porque este no puede más, o cuando llegan las águilas. Por fin ha acabado todo. Y provoca lástima la muerte de Gollum…

Me parecen deleznables secuencias como la del reencuentro de todos, de un sentimentalismo nauseabundo. Tampoco me gusta nada el enésimo final (uno de tantos), con todos haciendo reverencia a los cuatro Hobbits. Lo considero innecesario, naif, fuera de lugar. Muchísimo más pertinente para su interior anímica, para su verdad interior, me parece ver a los cuatro amigos regresar a su vida cotidiana, después de tan gargantuesca aventura. Eso sí, la boda de Sam, y la despedida en los puertos, son el colmo de la ñoñería, que ni el Spielberg más cursi podría llegar a igualar. La partida del último barco es una imagen poética de la muerte para Tolkien, pero Jackson convierte ese momento en una postal sentimentaloide. Una más…

Conclusiones

No creo que se pueda discutir mucho que ‘Las dos torres’ es la verdadera pieza catedralicia, con sus pocos defectos y sus muchas virtudes, de esta saga multimillonaria, que tantas cosas vulneró de las leyes de mercado del cine, con su producción simultánea. Muy por debajo de ella se sitúa, a mi parecer, ‘La comunidad del anillo’, y aún más por debajo, esta fastuosa e irregular ‘El retorno del rey’. A muchos les parece que no me gusta esta trilogía. Creo que sí me gusta, y si no fuera así, no le dedicaría tantas palabras. Pero creo que es conveniente apartar fanatismos y ver las cosas como son.

Es una trilogía valiosa, con bastante cine dentro en general, pero en modo alguno algo tan bello como ‘Star Wars’, inspirada en parte en el viaje del héroe tolkiano. Puede estar contento Jackson de ser el director de este éxito, que posee no pocas secuencias antológicas, y tanto esfuerzo, y tan buenos actores. Eso sí, con matices…