Recuperando una idea que preparamos por el mes de agosto, y pensando en lo que significa Pixar en el mundo del cine, regresa el concurso de blogdecine, una idea donde ponemos a prueba vuestra condición de amantes del séptimo arte, siguiendo el formato y las reglas que en esa entrada se indicaron. En esta ocasión irá centrado en el universo de la animación, comprobando vuestro nivel en esta categoría del cine.

Dado que no se quiere complicar en un grado muy elevado el concurso, se ha decidido acotarlo al universo de Disney y Pixar, pero no sólo al de sus películas, algo de dificultad habría que añadir al mismo, sino también al de sus cortometrajes. Por tanto, uno de los objetivos del concurso es acercaros lo máximo que podamos a algunas piezas clásicas de Disney, gérmen y motivación para que los cineastas de Pixar se entreguen con tanta pasión a sus películas, y descubráis algunos de esos tesoros que en la mayoría de los casos pasaron inadvertidos, principalmente del universo de los cortometrajes de animación.

Ahí os lanzó el reto, pensando en aquellos valientes que quieran recoger el guante. Las pruebas empiezan a partir de aquí. Y una última cosa, no os quejéis si es difícil o no el concurso, es el que ahí hay, aunque engaña, y más de lo que os podríais pensar. Al tomate…

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Premios:

Si has llegado hasta aquí, habrás ganado ya un primer premio, acceso al guión original de Wall-E (alma de esta gran película), junto al conocimiento de cuál será el premio para el ganador del concurso: Un DVD de Wall-E, la versión que incluye dos discos.

Para refrescaros la memoria, comentaros algunos de los contenidos que incluyen el DVD de Wall-E, además de los sabidos cortometrajes que siempre acompañan a estos lanzamientos y que no requieren presentación, que se incluyen en la edición especial en DVD: Un documental en el que Ben Burtt explica con ejemplos cómo fue el proceso de grabación de sonido y los diferentes tonos que dio a los robots protagonistas (importante detalle porque éstos recordemos que no hablaban); otro documental sobre la propia historia de Pixar, estrenado hace un año, ‘The Pixar Story‘ (enlace para ver el tráiler); como poder disfrutar con calma de los títulos de crédito finales de Wall-E, pensando en aquellos que no se quedaron a verlos en el cine; y una serie de documentales cortos en el que se explican varios de los procesos empleados para dar vida y animación a los robots.

Qué pedimos:

Sencillo. El título de la película y el director. Da igual si nos dais el título original o el español. Sólo acertará aquel que diga correctamente los diez títulos y los diez directores (más el de la imagen extra, perteneciente a una obra injustamente olvidada), que en el mundo de la animación también existen éstos. El primero en contestar acertadamente a todo, y en un comentario, será el ganador.

Un consejo:

Si no las sabéis todas es preferible que os reservéis hasta que las tengáis, porque si no, estaréis dando pistas a otros lectores que a lo mejor dudan en un título o dos.

Pistas:

Si en el día de hoy nadie da con la solución, iremos dando pistas en días sucesivos (sólo seis). Cada uno de los editores de Blogdecine, empezando por mí, irá soltando una pista en un post, sea del tema que sea, con una sola indicación. Así que tendréis que estar atentos. De todas formas, un consejo, en algunas de las imágenes basta con fijarse detenidamente en los detalles, porque la solución es bastante sencilla (no obstante, al final de este post os colgamos algunos enlaces de entradas de blogdecine donde podéis buscar la inspiración, o una ayuda que sirva de pista y os ponga tras la solución correcta).

Para no aburriros más, finalizo concretando un último detalle, en el que recuerdo a nuestros lectores que se trata de un concurso sólo para residentes en España, y que al ganador le enviaremos el premio por correo.

Bueno, la suerte está echada. Ahora sólo depende de vosotros y de cuantas películas de animación hayáis visto o seáis capaces de reconocer.

En blogdecine | Serie Goofy How To
En blogdecine | Otros tesoros de Walt Disney: las ‘Disney Rarities’
En blogdecine | Cortometrajes de Pixar online
En blogdecine | ‘WALL-E’, Pixar, otro mundo

No ha acabado 2008 y ya sale en DVD la mejor película que, en mi opinión, se ha estrenado este año. Se puede comprar en versión normal, en especial y en varios packs junto con otros productos.

Dirigida por Andrew Stanton, ‘Wall-e’ nos cuenta la historia de un robot que se ha quedado solo en la Tierra después de que los humanos se hayan embarcado en un crucero interestelar para huir de los residuos que ellos mismos han generado. Sin que nadie se lo ordene o lo aprecie, Wall•e sigue haciendo su trabajo: reducir el tamaño de la basura; pero tiene un corazoncito y, para evitar aburrirse, recoge recuerdos de entre los desperdicios y visiona una y otra vez una vieja cinta de ‘Hello, Dolly’, junto a su única amiga, una cucaracha rubia.

El robot Wall•e es uno de los seres más entrañables que se han visto en mucho tiempo sobre una pantalla, a lo que probablemente contribuye más que nada la voz diseñada por el ingeniero de sonido Ben Burtt. Además de lanzar un ecologista, la historia que se cuenta en la película habla de la humanización de seres artificiales en una era en la que los seres vivos nos deshumanizamos cada vez más. Estéticamente la película es una maravilla y contiene escenas que por sí solas valen un mundo, como por ejemplo, la de los pasillos de la nave espacial.

Críticas de ‘Wall·e’ en Blogdecine, por orden de publicación:

• ‘Wall•e’, una maravilla con el personaje más entrañable de los últimos tiempos, por Beatriz Maldivia.

• ‘Wall-E’, cómo ver una película con la carne de gallina, por Luisfer Romero Calero.

• ‘Wall-E’, directo al corazón, por Jesús León.

• ‘WALL-E’, Pixar, otro mundo, Por Alberto Abuín.

• WALL·E: batallón de limpieza del mal cine, por Juan Luis Caviaro.

Yoji Yamada: la trilogía del samurái

Casualmente aparece también a la venta la que para mí es la segunda mejor película de las estrenadas en España este año (porque en realidad pertenece al 2007). Se trata de ‘Love and Honor’ y forma parte de la la trilogía del samurái Yoji Yamada. Junto a ella salen a la venta ‘Hidden Blade’ y ‘El ocaso del samurái’.

En ‘Love and Honor’, una historia sumamente sencilla es capaz de despertar una enorme emotividad: un samurái de clase humilde trabaja como catador de comida de un Gran Señor para evitar que éste sea envenenado. Un día se intoxica con un pescado que fuera de temporada resulta muy peligroso y se queda ciego después de pasar tres días al borde de la muerte. Como en los chistes de Tekito Kashita, el nombre de pila del protagonista que pierde la visión es Shinnojo. Su mujer, Kayo, que no lo es, está dispuesta a cualquier cosa para que su esposo no se suicide.

La inmensa interpretación de todos los actores y el gran mérito de Yamada de dejar los sentimientos siempre por debajo para que los adivinemos a través de las mínimas acciones cotidianas provocan que esa emotividad se aún mayor cuando llega. Es interesante también cómo el director cuestiona, en toda su trilogía, los códigos éticos que regían las vidas de los samuráis.

‘Reservoir Dogs’

Una banda organizada formada por seis individuos, algunos desconocidos entre sí y con nombres de colores, atracan una empresa para llevarse unos diamantes. Pero, antes de que suene la alarma, la policía ya está allí. Algunos mueren en el atraco y el resto se reúne en el lugar convenido.

Harvey Keitel, Tim Roth, Michael Madsen, Chris Penn, Steve Buscemi y el propio director: Quentin Tarantino, son quienes protagonizan ‘Reservoir Dogs’.

Película de acción que se revela contra su género, pues está situada casi exclusivamente en un escenario y plagada de diálogos magníficamente escritos. Innovadora y a la vez homenaje a muchísimo cine anterior de muy diversas extracciones. Violenta y cruel, con una banda sonora que podría ser un recopilatorio grabado por cualquiera de nosotros en una cinta variada. Contra todo pronóstico, un film genial y casi único, que marcó una época.

Para aquellos que no conozcan el film, mi recomendación ferviente es que no dejen pasar la oportunidad de ver esta gran película, una de las mejores operas prima de la historia del cine. Desde ‘Reservoir Dogs’ ni Tarantino ha vuelto a hacer una pelíucla igual de buena ni ninguno de sus mal llamados seguidores ha estado a la altura.

‘Tres días’

En una situación apocalíptica, Francisco Javier Gutiérrez desarrolla un drama humano y social y hace evolucionar con bastante habilidad a su personaje protagonista. Técnicamente ‘3 días’ está muy conseguido, lo que hace pensar que nos podemos encontrar ante un nombre interesante para el futuro de nuestra cinematografía.

‘An American Crime’

Tommy O’Haver dirige a Catherine Keener, Ellen Page y James Franco en un relato demasiado terrible como para que merezca la pena ver el film por muy bien interpretado que esté. Los hechos reales de este crimen americano ponen la piel de gallina: por pura envidia, una señora que tiene varios hijos, encierra en el sótano a una adolescente vecina porque ésta es demasiado perfecta y hace que ella y su familia queden mal. Todos los que la rodean, lejos de denunciar el secuestro, se aprovechan de la situación para pagar sus frustraciones con la joven.

‘Aritmética emocional’ (‘Emotional Arithmetic’)

Claramente, lo mejor de ‘Aritmética emocional’, de Paolo Barzman, es el reparto, compuesto por Susan Sarandon, Christopher Plummer, Max Von Sydow y Gabriel Byrne. El film cuenta con algunos elementos positivos más, como el fuego cruzado de acusaciones que supone el diálogo de la cena final, pero también resulta muy poco atrayente cuando introduce unos flashbacks que no sólo son innecesarios, sino que están muy mal realizados. Una historia con un mensaje que hace pensar, más los intérpretes ya mencionados, son suficientes factores para que valga la pena ver el film, aunque probablemente no tanto comprar el DVD.

‘Mi novio es un ladrón’(‘My Mom´s New Boyfriend’)

La película de George Gallo ‘Mi novio es un ladrón’, que está interpretada por Antonio Banderas, Meg Ryan, Selma Blair y Colin Hanks; fue una de las gratas sorpresas que me dio la cartelera de este año. A pesar de que la historia no es nada original y el género es lo de siempre, el film rezuma tal optimismo y alegría de vivir que se termina de ver con una sensación muy positiva. Quizá por ese motivo sea más material de compra que otros films teóricamente mejores, pero que no apetecerá ver más de una vez.

‘Posdata, te quiero’ (‘P. S. I love you’)

Richard LaGravenese dirige a Gerard Butler y Hilary Swank en una película que no consigue funcionar porque tiene una premisa que, o bien está mal planteada o bien no da como para un largometraje. El personaje de Butler muere y su mujer (Swank) se queda desconsolada, pero él ha escrito unas cartas para que ella pueda seguir adelante tras su fallecimiento. El personaje de él es interesante y la interpretación de Butler resulta bastante convincente, pero el problema lo encontramos en que ella, es decir, la protagonista, es demasiado blanda como personaje y su falta de madurez e independencia hace que veamos su historia como algo que no nos interesa. Sólo los flashbacks en los que se muestra cómo se conocieron tienen la fuerza emotiva que debe tener una comedia romántica. Si está pensando hacer un regalo, quizá este DVD no sea lo más indicado… no sólo porque la película es mala, sino también porque no sé qué tipo de mensaje enviará regalar ‘Posdata, te quiero’.

‘Ciudadano Kane’ + RKO 281 en una Edición Especial 2 Discos (Estuche Metálico). La Batalla por Ciudadano Kane. En ella aparecen: Orson Welles, Joseph Cotten, Dorothy Commigore, Everett Sloane, Ruth Warrick, Liev Schreiber, James Cromwell, Melanie Griffith, John Malkovich

Además de todos estos títulos, también aparecen en la zona de venta muchas otras ofertas en forma de packs o cajas. Me parece oportuno hablar del estreno de una película en DVD la primera vez que aparece, pero estas colecciones no suponen una novedad, sino una estrategia comercial como cualquier otra. Pack Hermanos Coen, Pack Hermanos Marx, Pack James Stewart, Pack Lo Mejor de Clint Eastwood, Pack Sindney Lumet, Pack Sydney Pollack, En cuanto a los packs que suelen sacar y a los que llaman “Essential”, en esta ocasión tenemos los de John Ford y de Dreyer.

Fuente | Zona DVD.

En la mente de Pixar, sus cortometrajes ocupan un lugar privilegiado. Sobre ellos preparan sus siguientes proyectos, a sus futuros directores, y realizan las pruebas que luego tienen pensando incorporar en sus próximas películas. Dentro de sus películas breves, éstas aparecen divididas entre las que acompañan a uno de los largometrajes, como preámbulo al film, y los que van incorporados como extras en el lanzamiento del DVD de la película. En el caso de ‘Wall-E’, sería ‘Presto’ el ejemplo para el primer caso, y ‘Burn-E’, que es el trabajo que hoy os traemos, como ejemplo para el segundo caso.

La diferencia entre uno y otro estriba en la temática del mismo. Mientras Presto tiene completa independencia sobre la trama, Burn-E va tener la historia relacionada directamente con los personajes de la película de la que depende. Así, en esta ocasión, tenemos a un robot de reparación, responde al nombre de Burn-E, que tiene que arreglar un desperfecto ocurrido en exterior de la nave, y se queda atrapado fuera de la misma, cuando Eve y Wall-E regresan de nuevo a bordo tras su baile por el espacio. A partir de ahí, nuestro nuevo robot, se las tendrá que ingeniar para volver al interior de la nave espacial.

Sin ninguno genero de dudas, la grandeza de Pixar reside en sus guiones (gráficos, como si de un tebeo se tratase, donde dan orden a la historia). Sobre esa base construyen el armazón de lo que luego dibujan. Y en este cortometraje vuelven a rizar el rizo. No sólo por situar argumentalmente el desarrollo de la odisea de Burn-E en pleno hilo argumental de la película, sino porque le dan explicación a todo lo que tiene que sufrir este robot, provocado involuntariamente por Wall-E. Para ello retoman dos de las mejores secuencias de la película, la del viaje espacial de Wall-E a través de la vía láctea y el baile del extintor con Eve, introduciendo ambas secuencias dramáticamente en la historia, para alegría del espectador.

Cierto que, este ‘Burn-E’, no es ‘Presto’, ni ‘Lifted’, pero sigue mostrando el camino que ilumina los pasos de los cortometrajes de Pixar: los clásicos de la animación de toda la vida y los clásicos del cine mudo como Charlot o Buster Keaton. De nuevo estos robots tienen más vida que cualquier personaje de carne y hueso. De nuevo, la dosis anual de Pixar se sigue esperando como agua de mayo. Da igual si la obra es mejor o peor que otras. El nivel sigue siendo elevado. Y uno lo agradece siempre

Burn-E

Vía | Zona Fandom
Más información | Tudou (no funciona)
Más información | The Pixar Blog
En blogdecine | Oscars 2008: Cortometrajes de animación ganadores del Oscar
En blogdecine | Los mejores cortometrajes de animación de Ain’t It Cool News

Cortometrajes Pixar en blogdecine:

• Los cortometrajes de Pixar online (incluye todas las obras hasta Lifted)
• Revisando los cortos de Pixar, el paso adelante dado con ‘Your Friend the Rat’
• Las fuentes de ‘Presto’, el cortometraje de Pixar
• ‘Presto’, un homenaje de gran altura

Cada año, millones de personas esperan impacientemente el estreno de lo nuevo de Pixar. No suelen salir decepcionadas, sino todo lo contrario. Tras ‘Wall·e’, le toca el turno a ‘Up’, de la que ya habíamos visto un teaser trailer y un primer póster. Arriba tenéis el nuevo trailer, de mayor duración. Ya me diréis qué os parece, a mí me ha encantado.

‘Up’ se centra en Carl Fredricksen, un solitario anciano que, ante la amenaza de ser trasladado a un geriátrico, decide rebelarse y, cumpliendo el sueño de su difunta esposa, viajar a las montañas. Gracias a centenares de globos, Carl logra emprender el viaje dentro de su propia casa…

La película, que se estrena el próximo 29 de mayo, ha sido escrita por Bob Peterson y está dirigida por Peter Docter (‘Monstruos, S.A.’) y por el propio Peterson, que debuta como realizador. Las voces de los protagonistas, en la versión original, son las de Christopher Plummer, John Ratzenberger y Edward Asner, entre otros.

Vía | Zona Fandom

Las televisiones en abierto piensan que los títulos de crédito son un elemento tan imprescindible que, como nadie los ve, no son necesarios, por eso los cortan para su dosis abusiva de anuncios. Como esa práctica viene motivada por la estampida del público en las salas en cuanto aparecen los títulos de crédito, pocos entienden que, a veces, un poco de paciencia y su sola visión puede provocar gratas sorpresas. Recuerdo aún como en un cine de la Gran Vía de los que ya han pasado a la historia, un acomodador de los de toda la vida, nos echó una bronca a mí y a un par de amigos por lo que él intuyó era una manera de colarnos para ver la siguiente sesión, cuando lo cierto es que queríamos ver a quién pertenecía una canción que nos había gustado y cuyo nombre sólo podíamos descubrir al final de los títulos de crédito. El acomodador, esa figura que las multisalas han jubilado y pasado a la historia, obviamente no quería al cine, y la bronca con él fue monumental, nos veía bichos raros, nadie se quedaba hasta el final.

Cuento esto, porque es posible disfrutar de los títulos de crédito finales de películas como ‘Wall-E’ en Internet, que conviene recordar, como sucedió con los títulos de ‘Ratatouille’, pueden servir, sobre todo en el formato de la dibujos, de inspiración para cortometrajes como ‘Your Friend the Rat’. La secuencia de animación continúa el modelo establecido ya en ‘Buscando a Nemo’, y como allí, es la forma de homenajear, poniendo su nombre, a todos los miembros del equipo, que sin ser tan famosos, sí forman parte de la autoría de la película, más en una película de animación. Es el tributo que con frecuencia los espectadores no entendemos.

Para aquellos que no esperaron en sus asientos a que se encendiesen todas las luces de la sala, ésta es otra oportunidad de disfrutar una pequeña dosis de ‘Wall-E’. Seguramente la menos vista, fruto de una mala costumbre.

Vía | mmoroca’s junkyard
En blogdecine | Revisando los cortos de Pixar, el paso adelante dado con ‘Your Friend the Rat’
En blogdecine | Entrevista Wall-E (II): Carlos Baena y Enrique Vila, animadores de Pixar
En blogdecine | Entrevistas Wall-E (I): Rodrigo Blaas, animador español en Pixar

Entender la parte muda de Wall-E, no sólo implica pensar en Charlot, supone también pensar en el slapstick y en Buster Keaton, sobre todo por la enorme variedad de gags visuales de esta leyenda del cine que sirvieron de inspiración para los animadores. Resulta que es más conocido por sus largometrajes, y sin embargo, la gente de Pixar se fijó en las obras menos conocidas por el gran público para inspirarse. ¿Y cuáles fueron éstas? Sus 19 cortos de la época muda (que dejándome llevar son una pasada).

Cuentan la siguiente anécdota de ‘Buster’ Keaton, que explica perfectamente su espíritu. En una visita que realizó a Cuba en 1932 se iba a hospedar en el Hotel Nacional, y según contaba el botones que le acompañó a la habitación, cuando abrió la puerta, Keaton siguió andando hasta la ventana, la cruzó y desapareció por ella. El susto del botones fue tan grande, que soltó las maletas y salió disparado hacia la ventana para encontrarse de sopetón al cómico agarrado del alero de la ventana con una mano (se comenta que por aquella época estaba pasando por un divorcio, y sus reacciones eran de lo más imprevisibles). Así eran las especiales bromas del genio, regalos envenenados dirigidos a un único espectador, si eran capaces de disfrutarlas

En los orígenes del cine mudo había un género de la comedia al que se conocía con el nombre de slapstick, gags visuales donde la violencia cómica se ponía al servicio de unos personajes que lograban encandilarnos y divertirnos por medio de la interpretación gestual. En este tipo de género Sennet, Fatty o Harold Lloyd, pero por encima de ellos terminaron destacando Charles Chaplin y ‘Buster’ Keaton, a quien rinde un evidente homenaje Pixar con ‘Wall-E’ (o como algunos denominan con acierto Buster-E). El slapstick requería y requiere de unas habilidades que se han perdido, y parte de culpa se debe a que hoy en día no se tiene el talento de aquellos genios pioneros. Como comentó el director Leo McCarey, recalcando el estilo libre y sin freno de los días en los que se hacían las slapstick comedies, “Todos tratábamos de apoderarnos de cada uno de los otros gagmen. Pero no tuvimos suerte con Keaton, porque él preparaba los mejores gags para sí mismo y nadie podía robárselos.”

Pero la entrada, como recalcamos al principio de la misma, está dedicada a realizar un repaso a la figura de ‘Buster’ Keaton. En concreto, a la filmografía de sus cortometrajes mudos, aquellos en los que fue el protagonista, no tan conocidos como la de los largometrajes, pero igual de importantes y necesarios para comprender su obra posterior.

Su nombre era John Francis, pero se cogió el apodo de ‘Buster’ cuando el mago Houdini comentó que lo que acababa de ver era un buster (caída de espalda), el cómico había tenido una aparatosa caída haciendo uno de los números y lo había continuado como si no hubiera pasado nada. La sangre del espectáculo le corría por la venas, nació en el seno de una familia de vodevil, con sus padres formó el grupo The Three Keatons, yendo de ciudad en ciudad, representando sus números cómicos llenos de acrobacias con fuertes caídas, hasta que se dio cuenta de que la gente se reía más con él en escena cuanto más serio estaba en la actuación y menos se inmutaba con los golpes que se daba. Ahí fue cuando se convirtió en el cómico impasible de la cara de palo.

A Buster Keaton se le conocía en España con el apodo de ‘Pamplinas’, algo así como ‘un poquito de nada’, sobrenombre que no le gustaba. Para la historia se quedó con el nombre de ‘Buster’ Keaton. Volviendo a su etapa anterior a sus grandes largometrajes, decir que empezó como secundario en las obras de Roscoe Arbuckle, más conocido como Fatty, donde ya se empezaba a hacer famoso con su característico sombrero stapleton plano. Corría 1917 cuando descubrió el cine, pero tuvo que hacer un parón para incorporarse a filas. Después de regresar de la I Guerra Mundial, se reincorporó a la compañía de Fatty de quien terminó por aprender el oficio.

Otro personaje importante en la carrera de Buster Keaton fue el productor de aquellos trabajos, Joseph Schenck, hermano de Nicholas Schenck (un alto ejecutivo de la Metro Goldwyn Mayer que operaba en Nueva York), y el jefe de la compañía Comique. Tras rodar ‘Fatty en la feria’ la compañía se trasladó a Hollywood continuando su labor hasta que la Paramount ofreció un suculento contrato a Roscoe Arbuckle que no dudó en dejarles, convirtiendo de paso a Buster en la nueva estrella de la compañía.

En 1920, Buster Keaton rodó su primer largometraje, ‘Pasión y boda de Pamplinas’ (The Saphead, 1920) , pero antes de seguir por este camino, y dado el empujón que le dio la película, Joseph Schenck prefirió foguear al equipo, ya entendía las dificultades que suponía el rodaje de las comedias de Buster, compró los Estudios Chaplin a Charles Chaplin que acababa de fundar United Artist, y se lanzó a la realización de varios cortometrajes para que todo el mundo cogiera la suficiente experiencia.

Es decir, para entender las grandes largometrajes que luego interpretó Buster Keaton, siempre en su época muda, es necesario valorar en su justa medida todos los cortometrajes que realizaron entre 1920 y 1923, justo hasta ‘The Three Ages’ (Las tres edades, 1923). Y la verdad es que están repletos de hallazgos: una realización perfeccionista, con planos muy calculados y una comicidad basada en la sorpresa. Lo importante, que Keaton consigue completar a la perfección la etapa de aprendizaje, en esta fase le ayudó en la dirección de los cortometrajes Eddie Cline, y vistos con calma, lo que se puede afirmar con todas estas obras es que Buster Keaton prometía algo gordo con sus largometrajes. Disfrutadlos, que esto es difícil de ver por televisión, y valorar su necesaria compra, que es la razón final de esta entrada. A continuación las 19 obras.

‘El guardaespaldas’ (The High Sign, 1920)

Buster interpreta a un vagabundo al que echan de un tren junto a un parque de atracciones en la costa. Allí encuentra trabajo en una galería de tiro que pertenece a un jefe de una banda mafiosa llamada Blinking Buzzards, donde le encargan cargarse a un rico hombre de negocios. Sin embargo, termina protegiéndolos a él y a su bella hija, ayudándoles a amañar su casa con escotillas, pasadizos secretos, y trampillas mecánicas.

Como anécdota contar, que Keaton tuvo en cuarentena esta obra un año. ¿La razón? Que no se sentía muy satisfecho con ella, ya que la veía muy parecida a los trabajos que rodó con Arbuckle, y su búsqueda de la perfección le hacía querer deslumbrar a la audiencia con su primera película cómica.

‘Una semana’ (One Week, 1920)

Buster Keaton se casa con una guapa joven y los dos reciben los parabienes y felicitaciones de los invitados. También agradecen los regalos, entre los que se encuentra una casa prefabricada para montar pieza por pieza, pero su rival en amores le cambia la numeración de las distintas cajas y Buster une los bloques equivocadamente.

‘Pamplinas presidiario’ (Convict 13, 1920)

Pamplinas juega al golf en un campo situado en las proximidades de un presidio. Un prisionero fugado intercambia con él la ropa, a resultas de lo cual, tras varias peripecias, los guardias le atrapan y encierran. Lo peor es que el destino que le aguarda es la horca.

Aquí es donde a Buster Keaton, se le empieza a notar que está depurando su estilo, aguantando a la cámara su variedad de registros faciales en las escenas que le enfrentan a un fornido prisionero. Contiene gags desternillantes: Keaton burlando a los guardianes, los del ahorcamiento con una cuerda de goma y los presos como salvaje público, o los de Keaton convertido en improvisado vigilante de los prisioneros.

‘El espantapájaros’ (The Scarecrow, 1921)

Dos amigos, pero rivales en el amor, comparten casa y trabajan en el campo. Su casita es muy apañada, tiene todo tipo de ingeniosos mecanismos para poner la mesas, lavar la vajilla, deshacerse de los desperdicios… Pero la hija del granjero les ha robado el corazón, y ambos se la disputan.

‘Vecinos’ (Neighbors, 1920)

Es una versión pícara de la historia de Romeo y Julieta, ambientada en un bloque de pisos sin glamour alguno. Buster y su novia, Virginia Fox, viven en edificios colindantes. Sus patios traseros están separados por una valla de madera desvencijada, y sus familias, que siempre están peleándose, pretenden mantener a los jóvenes amantes separados.

‘La casa encantada’ o ‘Pamplinas y los fantasmas’ (The Haunted House, 1921)

Unos ladrones atracan el banco en el que trabaja Buster Keaton, aunque el director piensa que ha sido él quien ha cometido el robo. Keaton huye del banco y se esconde en una casa que parece encantada y que resulta ser la guaridad de los ladrones.

‘Pamplinas nació el día 13’ (Hard Luck, 1921)

Al quedarse sin trabajo Pamplinas intenta suicidarse. Para ello bebe de una botella de veneno que en realidad contiene alcohol. El presidente de un club deportivo habla de la necesidad de promover el club, y el pobre ebrio se hace con el puesto, para lo cual deberá aprender a pescar, a cazar y a montar a caballo.

‘El chivo’ (The Goat, 1921)

Buster es, sin saberlo, confundido con el famoso forajido Dead Shot Dan, siendo perseguido a través de la ciudad por el jefe de la policía local. Allí encuentra a Virginia, una jovencita a la que va a visitar buscando dónde esconderse, descubriendo poco después que el padre de la chica es el jefe de la policía.

‘El gran espectáculo’ (The Playhouse, 1921)

Buster Keaton recrea el mundo del espectáculo desde todos sus ángulos. Los espectadores, la orquesta, los artistas, los técnicos o el productor son protagonistas de los numerosos “gags” de esta cinta.

‘La barca’ (The Boat, 1921)

Buster Keaton construye un barco con el que él y su familia pretenden emprender un viaje. Sin embargo, la navegación se verá afectada por continuos desastres desde el principio.

‘Rostro pálido’ (The Paleface, 1922)

Un sicario de un rico empresario del petróleo roba la escritura de propiedad de las tierras de una tribu india y éste les da veinticuatro horas de plazo para abandonar el lugar. Pero el jefe indio dice a sus súbditos que maten al primer hombre blanco que atraviese la puerta de la Reserva. El primer hombre blanco que entra en la Reserva es Buster Keaton, quien interpreta el papel de un naturalista despistado, que lleva un cazamariposas para atrapar insectos. Los indios le siguen a todas partes con ánimo de cazarle, pero el resultado será bien distinto.

‘La mudanza’ (Cops, 1922)

Buster Keaton intenta devolverle una cartera a su dueño, lo que provoca un equívoco que desencadenará multitud de situaciones absurdas y cómicas.

‘Las relaciones de mi mujer’ (My Wife’s Relations, 1922)

Buster Keaton se casará por error con una mujer que le dobla en tamaño y carácter, con cuatro hermanos y un padre sumamente quisquilloso que le harán la vida imposible. Esto es así, hasta que se descubre el contenido de una carta que guarda Keaton.

‘El herrero’ (The Blacksmith, 1922)

Buster Keaton sobrevive trabajando en una fragua, que también hace las veces de taller de reparación de automóviles y en la que se sucederán continuos desastres.

‘Pamplinas en el Polo Norte’ (The Frozen North, 1922)

La última estación de metro de Nueva York está en el Polo Norte. Pamplinas se apea allí. Al llegar a casa se encontrará con una desagradable sorpresa, su mujer besando a otro hombre. La tragedia está servida.

‘La casa eléctrica’ (The Electric House, 1922)

Tras graduarse como Botánico, Buster Keaton es contratado, por error, por un hombre rico que desea instalar la electricidad en su mansión. Cuando la familia regresa de las vacaciones, Keaton le ha preparado innumerables mecanismos automáticos para hacerles la vida más fácil.

‘Los sueños de Pamplinas’ (Daydreams, 1922)

Buster Keaton desempeñará los más distintos trabajos para conquistar al padre de su novia y conseguir el permiso para celebrar la boda.

‘Pamplinas aeronauta’ (The Balloonatic, 1923)

Tras montarse accidentalmente en un globo, Buster Keaton aterriza en mitad de la campiña, donde intentará enamorar a una chica mientras sortea toda clases de imprevistos con los animales que se encuentra.

‘Pamplinas lobo de mar’ o ‘Nido de amor’ (The Love Nest, 1923)

Buster se despide de Virginia y del resto de mujeres y se dispone a navegar con su barco, “Cupido”. Cuando se queda sin comida ni bebida, es rescatado por el “Love Nest” capitaneado por un hombre malvado y mezquino.

Nota: Hemos dejado fuera todo el cine sonoro de Buster Keaton porque la intención de la entrada era seguir, como ocurrió con el caso de Charles Chaplin, la obra muda. Además, en la Filmoteca de Andalucía, hay varios estudios de algunos de los cortometrajes que aquí os reseñamos muy interesantes, y con vistas a aquellos que quieran aumentar el conocimiento de esos cortometrajes.

En blogdecine:

• Películas gratis a puñados (III): Descubriendo a ‘Buster’ Keaton
• Charlot, Chaplin en imágenes, sus grandes cortometrajes y Wall-E
• ‘Wall-E’, poesía cinematográfica

Hijos míos, hoy quiero volver a hablaros de Dios. Quiero hablaros de Stanley Kubrick. Dicen que su recipiente físico, su cuerpo, se quedó quieto para siempre en 1999, justo después de acabar el montaje definitivo de ‘Eyes Wide Shut’ (¿qué opináis de eso?), y que fue enterrado en el jardín de su propia casa, por expreso deseo, a pesar de que legalmente está prohibido. También dicen que las obras maestras nunca mueren, que el verdadero arte es inmortal…

Dejando a un lado creencias personales (leyes, en ciertos lugares exclusivos), Kubrick quizá no fue el mejor director de cine de todos los tiempos, pero lo que es innegable, para todos los que aprecian este arte, es que sus películas siguen vivas, que las imágenes y los mensajes de sus películas siguen resultando fascinantes hoy día. Es innegable, en resumen, que Kubrick sigue influyendo hoy día, y lo seguirá haciendo hasta el fin de los tiempos. Cuando, en su misericordia, decida que ya es hora de apagar la luz que alimenta este planeta.

No me propongo descubrir nada con esta entrada, sólo comentar con vosotros algo que me ha llamado mucho la atención, como kubrickiano que soy. Hasta el momento, los dos estrenos mejor valorados de lo que llevamos de 2008 son ‘WALL·E’ y ‘El Caballero Oscuro’ (‘The Dark Knight’); a unos les parece mejor la primera y a otros nos parece mejor la segunda, y aún hay gente que no vio ni una ni otra, pero por algo creemos en la vida extraterrestre. Ahora bien, ¿es casualidad que en ambas películas haya influencias, homenajes y hasta personajes sacados de la obra de Stanley Kubrick? Puede que sí, puede que no, pero ahí están. Las hemos visto todos. Echemos de nuevo un vistazo a las pruebas.

Empecemos por la que se estrenó antes, ‘WALL·E’, de Andrew Stanton (mi crítica, aquí). Vamos a ver primero unas imágenes y ahora las comentamos:

Bien, más claro, agua de manantial paradisíaco. Los chicos de Pixar buscan una inteligencia artificial, acuden a ‘2001: Una Odisea del Espacio’ (1968) y se llevan a HAL (curiosidad: las letras anteriores a IBM). Pero no sólo la imagen, también, en gran parte, su comportamiento, el motivo de su comportamiento (supuestamente, la ocultación de la verdad), y, claro, su desenlace.

Al margen de este obvio “homenaje” a la que muchos consideran la mejor película de ciencia ficción de toda la Historia (yo no consigo decidirme entre ésa y ‘Blade Runner’), también encontramos que la estética de las naves (tanto por dentro como por fuera) en ‘Wall·E’ y el movimiento rítmico de los objetos en el espacio, o cuando se ponen los dos robots enamorados se ponen a jugar/bailar, no son más que reminiscencias de la inmortal secuencia con la que Kubrick traslada al ser humano al futuro, posterior al lanzamiento del hueso, en, sencillamente, la elipsis más brutal y perfecta de toda la Historia del cine.

Turno ahora para ‘El Caballero Oscuro’, de Christopher Nolan (mi crítica, aquí). Como antes, veamos primero unas fotografías:

En este caso, tenemos que referirnos a dos títulos: ‘Atraco Perfecto’ (1956) y ‘La Naranja Mecánica’ (1971). Del primero no creo que tenga decir nada, las imágenes hablan por sí mismas. Quizá tampoco tenga que añadir nada sobre la segunda, pero hagámoslo, que si no se acaba esto. Todos quedamos impresionados con la interpretación de Heath Ledger como el Joker. Un personaje que se ha convertido en toda una figura de culto en internet desde el momento de la muerte del actor; un trágico suceso trágico que se ha querido, morbosamente, vincular al intenso trabajo que Ledger realizó para meterse en la piel del terrible payaso, enlazando unas palabras de Jack Nicholson (el otro Joker) justo después del accidente.

Según declaraciones de Nolan, para preparar su personaje, Ledger tomó como referencia a Alex de Large (Malcolm McDowell), llegando a definir al Joker como “un anarquista punk sacado de La Naranja Mecánica”. Desde luego no hay más que acudir a la película más polémica de Kubrick para darse cuenta de los parecidos entre el Joker y Alex de Large. Los gestos fríos, inhumanos, el uso de la violencia como forma de diversión, la falta de moralidad en sus acciones y la filosofía que envuelve a ambos personajes son, a mi parecer, muy similares.

Y hasta aquí llega mi intervención, espero que os haya entretenido. Que Kubrick os bendiga a todos. Tenéis la palabra.

Casi siento la necesidad de poner mal esta película. Es tal la cantidad de sujetos que la califican de maravillosa, genial, obra maestra, etc, etc, que uno casi siente el deseo de darle la vuelta a todo, empezar a sacarle fallos en todas partes, y declarar a los cuatro vientos que… ¡¡no es para tanto!! Algo parecido a lo que pasa con ‘El Caballero Oscuro’. Tras el aluvión de críticas poniéndola por las nubes, toca ahora lo contrario, decir que Nolan no sabe encuadrar, que la película está mal estructurada y cosillas similares, dichas por gente que no sabrían ni montar una cajita de lego, sobre todo en España, el país donde la envidia siempre se cotiza muy alto, donde parece que la gente desayuna restos de café con vinagre y tostadas quemadas untadas con paté caducado, y especialmente los que trabajan en el sector de los transportes y la hostelería. Pero no es la cuestión.

He dicho “casi”. En más de una ocasión me he tomado con sentido del humor, quizá poco respetuoso, quizá demasiado, la crítica de una película. Con ‘Wall·E’ no quiero hacerlo. No se lo merece, pero sobre todo no lo haré porque no sería sincero si ahora me pusiese a sacarle punta, con el sacapuntas burlón, a todos los errores de la película. Pero lo cierto es que los tiene, lo cierto es que esta película, realmente, no es para tanto, así que me voy a tomar la libertad de comentarlos. Eso sí, como la gran mayoría de seres humanos con corazón, disfruté como un niño pequeño con la nueva obra salida de esa compañía semidivina que parece ser Pixar. Hay que desconfiar de todo lo que huela a divino. De hecho, ya se prepara otra secuela de ‘Toy Story’ cuando la 2 era a todas luces totalmente prescindible, y la secuela de ‘Cars’, la peor película de todas las que han salido de esta compañía de animación, con ‘Bichos’ muy cerca. ¿Está empezando la corrupción del anillo? Esperemos que no y en cualquier caso, no podemos esperar que todo lo que salga de ellos sean joyas.

Animación. El futuro del cine, dicen. Buf. A mí me parece que es la moto que nos quieren colar. Es la tontería fácil que se vende y se extiende bien. Por el bien del séptimo arte, espero que la animación se quede donde está, que todos los que defienden esta idea y mantienen una sonrisa mientras lo hacen, se lleven el mayor chasco de sus vidas después de descubrir que no podían aguantar tanto como otros en cierto género del cine que, precisamente, nunca va a prescindir del ser humano. Bromas aparte, y ya que estamos con conejitos, el corto que precede a ‘Wall·E’, titulado ‘Presto’, evidencia a pequeña escala lo que luego podrá comprobarse mejor con la historia del robotico basurero que se enamora de un misil buscador de plantas.

No es que no me ría con el conejo y el mago, no es que no me ría con los robots, me río y mucho. Pero no dejan de ser dibujos animados. No deja de ser cine para todos los públicos. No deja de ser un bicho que engloba en sí mismo todo lo bueno que se supone tiene el ser humano y que recorre un viaje para descubrir el destino de su existencia. No deja de ser otra vez más de lo mismo. ¿Y esto lo dice un fan absoluto de Woody Allen? Pues sí. Pero es que un autor se repite siempre o, dicho más adecuadamente, tiene sus obsesiones, sus temas y recurre a ellos constantemente para trabajar otros aspectos de los mismos. Y como cuando se trata del cineasta neoyorkino, o de cualquier otro artista, hay que decir las cosas claras. Pixar se repite. ¿Es malo? Ni de lejos. Ahí está la cuestión. Pero sí es cierta una cosa, o al menos para el que escribe, hay detalles y situaciones que ya empiezan a cansar. Como pasa con Woody Allen. La diferencia es que mientras éste habla de historias humanas, con actores humanos, Pixar habla de historias superhumanas con actores fabricados en ordenadores. No es lo mismo, y yo siempre me voy a quedar con lo primero. Es mi sagrada opinión, que he visto todo de los dos creadores de los que hablo, entendiendo Pixar como una unidad creativa, lo cual es injusto para el señor Andrew Staunton (que hasta ahora sólo había codirigido ‘Bichos’ y ‘Buscando a Nemo’), que realiza una labor magnífica.

Pero todo esto no es más que situar mi criterio en la selva de opiniones que hay sobre ‘Wall·E’, que me parecen demasiado excitadas. Yo prefiero ‘El Caballero Oscuro’, ya que el caso está siendo similar. De hecho, he visto la película de Batman dos veces y la revisión de la del robotico la dejaré para el DVD (que la tendré fijo). Es lo de antes, prefiero ver rostros humanos, debo estar muy anticuado. Las películas de Pixar me divierten muchísimo, me parecen técnicamente alucinantes, pero a la hora de la verdad, siempre me voy a reír más con actores de carne y hueso, siempre me van a emocionar más los rostros de personas. Precisamente, la película de Pixar bebe, mama, sabiamente, de las comedias del cine mudo, de Charles Chaplin y Buster Keaton, imita a estos señores. Qué queréis que os diga, yo me quedo con Chaplin y con Keaton. Pero sí, antes me compraría un peluche de Wall·E que de estos dos, desde luego.

Por otra parte, y continuando con esta separación del clamor popular hacia el robotico que no sabe clasificar los cubiertos ni para qué sirve un sujetador (aunque en ambas cosas se parece a muchos humanos), debo decir que hay otras películas de Pixar que me parecen superiores a la que nos ocupa. Para mí, están por encima ‘Toy Story’, que fue la primera de todas y aún sigue siendo insuperable, y ‘Ratatouille’, con un Remy que es por lo menos tan divertido y entrañable como Wall·E, aunque muchos parecen haberle olvidado, y que sólo por el momento del crítico probando el plato que da título a la película, ya la prefiero a la de los robots del futuro desolado por la basura.

Se ha hablado, por cierto, del mensaje de ‘Wall·E’, y es más que curioso. Resulta que ahora hay que sacar un mensaje para que una película sea magistral, sensacional o maravillosa. Porque si no, es simple y no puede alcanzar ese nivel. Eso piensan. Y así están, concentrados en sacar zumo de las piedras, buscando mensajes y críticas hasta en las escenas en que vemos saltando a la cucaracha (digo que es eso, aunque no se parece mucho a las que dan tanto asco al 99% del planeta). Tal como lo veo, toda esa parte del ser humano inflado y pegado a las pantallas es, sí, una estupenda y divertida broma sobre los peligros que conlleva la vida que llevamos los que tenemos la suerte de contar con esos recursos (¿Pixar se olvida del resto de la humanidad o suponemos que están muertos?). Nada de crítica feroz, seria, real. Lo mismo sobre la basura en el planeta. Por no hablar del Presidente, interpretado por el único actor real de la película. Si eso no es una versión chistosa de la realidad, que baje Kubrick y nos dé una hostia a todos los que creemos que ‘Barry Lindon’ es un pelín larga. Por cierto, aunque no iba por ahí, lo de Kubrick viene como anillo al dedo, ¿no es una pasada el homenaje que le hacen a Dios los de Pixar?

Llegado al final de esta entrada, os dejo con lo importante, con lo que vengo diciendo cada vez que alguien me pregunta por ‘WALL·E: Batallón de Limpieza’: divertidísima comedia fantástica protagonizada por unos personajes animados adorables. Esto es muchísimo, es un producto que está en otra dimensión respecto a la gran mayoría de películas (se llaman películas pero muchas merecen otro nombre) que se estrenan desde hace años, pero es lo que es, buscarle más me parece un ejercicio de mera individual, como jugar al solitario con las cartas o con cierta partes de tu anatomía, no algo que realmente tenga entidad ni valor en la propia película. Conclusión, si no has ido a verla, ya tardas.

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Trece años después del estreno de ‘Toy Story’, la supremacía de Pixar en el campo de la animación está más que probada. En cada nueva película siempre intentar ir un paso más hacia delante, arriesgándose en todo momento y dejando el listón a unas alturas inalcanzables para el resto de los mortales. Tanto es así, que cuando un film de Pixar no es una obra perfecta, como lo son muchas salidas de la factoría, ya tenemos la sensación (equivocada) de estar ante una mala película, cuando en realidad no es así. Me explico con un ejemplo: para un servidor la peor película salida de la Pixar es ‘Bichos’. Pero es que ‘Bichos’ es una gran película, un magnífico film lleno de vida y entusiasmo, que no alcanza el nivel de por ejemplo ‘Toy Story 2’ o ‘Ratatouille’.

Le sucedió algo parecido a ‘Cars’, deliciosa de principio a fin. Y lo mismo creo que sucede con ‘WALL-E’. Y ojo, en ningún momento hablo de malas películas, todo lo contrario. Pero hay algo en el nuevo trabajo de Andrew Stanton, tras la perfecta ‘Buscando a Nemo’, que se me antoja reprochable, e incluso puede verse como una pequeña señal de alarma para futuros proyectos. ‘WALL-E’, siendo una grandísima película, a ratos (bastantes) magistral, ofrece una muy innecesaria concesión al espectador, que mira tú por donde son niños a los que no hay que defraudar (Pixar choca de frente con su principal público y cede ante él).

SPOILER. Y me voy directamente a lo que particularmente me ha molestado sólo un poco. En esa parte final en la que Eve reconstruye a WALL-E se plantea la posibilidad de que éste haya perdido toda su memoria. Impactante, increíble, de aplauso. Pero se comete el error (visto desde cierto punto de vista argumental, porque desde la perspectiva de un niño, al que va dirigido principalmente la película, es totalmente lógico) de despachar el tema precipitadamente, devolviendo todos sus recuerdos al robot en una escena que casi es un pegote. FIN SPOILER.

Y nada más. Repito hasta la saciedad, reitero una y otra vez que me parece un fallo minúsculo en una obra donde todo lo demás es absolutamente perfecto y de un riqueza en matices asombrosa. Pixar demuestra haber alcanzado una madurez plena a la hora de plantear sus proyectos, lo cual puede convertirse en un arma de doble filo en el futuro (si cada vez intentan satisfacer más a los adultos, ¿qué pasará con los niños?). La primera media hora del film es una prueba de ello. Sin diálogos, que no sin sonido, ‘WALL-E’ nos muestra un mundo desolado, destruido por nuestra propia desidia y descuido hacia la naturaleza. En él, un pequeño robot no ha dejado de trabajar durante 700 años, y en su soledad ha creado su propio mundo, lleno de objetos inservibles a primera vista, y las imágenes de un musical que le hacen añorar lo que añoramos todos: el cariño de otro ser a nuestro lado.

El dibujo de Wall-E, prodigio de diseño (mezcla del famoso número 5 de ‘Cortocircuito’ y los robots de la inolvidable ‘Naves misteriosas’, una de las películas que han tenido presente durante el rodaje los responsables del film) hace que el robot sea uno de los personajes más carismáticos de todos cuantos han salido de la factoría Pixar/Disney. Su comportamiento, totalmente humano (yo diría incluso más que humano) hace que nos sintamos identificados enseguida con él. Como un verdadero Chaplin del futuro, Wall-E nos roba literalmente el corazón, y nos habla a través de su aventura de multitud de cosas: desde el amor, la amistad, la superación personal, el no rendirse jamás, y hasta se permite una brutal crítica al ser humano en general. Dicha crítica, repito, brutal, va de la mano con la ansiedad del personaje central por coger de la mano a Eve. Si en lo primero, el cuidado de una pequeña planta puede salvar toda la naturaleza (mensaje que un niño pillará sí o sí, aplauso para su guionista), en lo segundo, el simple hecho de cogerle la mano a alguien puede colmar todos los deseos y sueños de todo aquel que busca cariño. Dicho en otras palabras, basta muy poco para ser feliz y hacer las cosas bien. Simplemente hay que molestarse en hacerlo.

‘WALL-E’ posee un ritmo maravilloso, perfecto. Si en la primera media hora, todo transcurre con una aparente lentitud necesaria, donde el robotico deja bien claro cómo es y trabaja, en una segunda parte, el film coge la velocidad de otras producciones Pixar, y aunque exista cierta sensación déjà vu, el film no ofrece el más mínimo respiro. La crítica al ser humano se hace más terrible, la aventura culmina por todo lo alto, y el espectador asiste con lágrimas en los ojos, a un espectáculo de primera y que tardará mucho tiempo en borrarse de nuestras retinas. Una vez más, Pixar, con Andrew Stanton esta vez al frente, pone en marcha todos sus mecanismos para hurgar en las emociones del espectador como pocas veces han hecho.

Una cuasi-obra maestra en la que brilla con luz propia el impecable trabajo de Ben Burtt, técnico de sonido, que ha creado todo un tapiz de ruidos para la película, cuidando hasta el más mínimo detalle. El creador del sonido del sable luz más conocido de la galaxia cinéfila, bien podría hacerse con el Oscar a los efectos de sonido en la próxima entrega de los premios. Porque el de mejor película de animación, y el ansiado premio para el siempre olvidado Thomas Newman, están más que cantados.

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Comentaba Carlos Baena, a la izquierda en el vídeo, animador en Pixar como Rodrigo Blaas, que vino a España junto a éste y Enrique Villa, derecha del vídeo y encargado de los efectos especiales, a promocionar ‘Wall-E’, lo que para él significa Pixar:

Es un estudio llevado por directores, y eso se nota. Existe un control de calidad muy especial, y además en cada parte del proceso. Lo importante es que estás creando un mundo, ese mundo tiene que ser creíble, y los personajes reales, no sólo para creértelos mientras ves la película, sino para llevártelos a casa, para que pienses que siguen existiendo en ese mundo imaginario paralelo.

Y esa fue una idea que Carlos quiso trasladar a las secuencias que rodó mientras preparó los modelos que utilizó para animar el robot, incluidas varias sesiones de ‘Terminator’. De Enrique Vila, que a diferencia de Carlos que entró en Pixar en 2002, apenas lleva dos años, me quedo con estas palabras suyas: “el efecto en sí no sustituye a la historia, pero puede adornarla o darla un giro”. Y es algo que los dos tienen bastante claro.

De Enrique podemos decir que es un experto de las nubes, el fuego, las colisiones y las explosiones, y que intervino, por poner un ejemplo, en películas como ‘Matrix’, su primer proyecto allá por 1998. En Wall-E se encargó de crear las tormentas de arena o el humo de los cohetes y las naves espaciales cuando aterrizan y despegan (se inspiró en los lanzamientos de los transbordadores de la NASA), y también son obra suya todas las chispas que saltan en las peleas y persecuciones que ocurren en el Axiom.

Carlos Baena, antes de fichar por Pixar, trabajó en ‘Parque Jurásico 3’, ‘La guerra de las galaxias 2: El ataque de los clones’ y ‘Men in black 2’. En Pixar ha intervenido en ‘Buscando a Nemo’, ‘Los increíbles’, ‘Cars’, por la que estuvo nominado a un premio Annie, y ‘Ratatouille’. En Wall-E fue el encargado de realizar los dos primeros planos del robot de cuerpo entero, de una escena de procesamiento de basura, la de la tapa de metal, planos de Wall-E y Eve en la nave espacial, la secuencia en la que Wall-E se quita el ojo y se lo pone, y una importante secuencia al final de la película con Wall-E y una plataforma. Como veis, Carlos le toca animar a Wall-E a lo largo de todo la película, con lo que tuvo que avanzar con él durante todo el rodaje (según esa norma de Pixar de animar secuencias y no personajes).

De lo que me comentaron, me quedo con varias cosas, en especial para conocimiento de aquellos que tienen sana envidia de los dos. Para llegar donde están ellos hay que currárselo y estar en continuo aprendizaje, que un animador se hace no se nace, y que no es necesario para aprender irse a Estados Unidos, que ello se puede lograr en España. Incluso Carlos Baena nos habló de Animation Mentor, una escuela de animación online con sede en Berkeley, California, de la que es co-fundador, y que busca dar la oportunidad de aprender animación a aquellos que no disponen de los medios suficientes para hacerlo (en realidad surge de una frustración del propio Carlos al acabar el colegio). Por último, fijaros en sus películas favoritas, dan muchas pistas sobre por qué hacen lo que hacen, aunque eso sí, en películas animadas barren para casa. Algo fácil de entender.

Más información | El mundo

Nota: Pido por adelantado disculpas por la calidad del vídeo, el sonido y mi voz, sé que no es perfecta, pero como la planteé como una conversación decidí dejarla tal y como fue grabada. Por otro lado, agradecer a Disney España todas las facilidades que nos dieron para poder hacer estas entrevistas

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