Pues parece que las tres dimensiones –espaciales pues, si contamos con la temporal, el cine siempre ha tenido tres– no solo han llegado para quedarse, en contra de aquellos pronósticos que nos hacíamos de que sería una moda pasajera; sino que van a tener un efecto retroactivo, pues está en marcha la reedición de varios títulos con la incorporación de este efecto de profundidad. Algo así como cuando se colorearon las películas en blanco y negro.

La Disney, dado el apabullante éxito económico de su relanzamiento de ‘El rey león’, ha decidido continuar con otros de sus títulos, incluyendo los de su rama Pixar. Así, ‘La bella y la bestia’ (‘Beauty and the Beast’, 1991), ‘Buscando a Nemo’ (‘Finding Nemo’, 2003), ‘Monstruos S. A.’ (‘Monsters Inc.’, 2001) y ‘La sirenita’ (‘The Little Mermaid’, 1989) volverán a verse en grandes pantallas para que los niños y niñas que no habían nacido cuando se produjeron los estrenos originales tengan la oportunidad de ver como es debido estas películas y para que los que disfrutaron mucho con ellas ya entonces, ahora puedan verlas con una dimensión añadida. Los reestrenos comenzarán el enero próximo con ‘La bella y la bestia’, como ya anunciamos, y se repartirán hasta septiembre de 2013 con una separación de ocho o cinco meses. ‘Monstruos S. A.’ saldrá seis meses antes de su “precuela”, ‘Monsters University’, que se espera para junio de 2013.

“Las grandes historias y los grandes personajes son atemporales –declaró Alan Bergman, presidente de los Walt Disney Studios–, y en Disney tenemos la suerte de atesorar ambos. Estamos emocionados de ofrecer al público de todas las edades la oportunidad de experimentar estos queridos cuentos de una forma novedosa y emocionante con las 3D”.

¿Maniobra económica pura y dura y una manera más de demostrar que faltan ideas y proyectos originales o amor y reivindicación de los clásicos modernos? Se podría considerar de las dos maneras.

Vía | L. A. Times.

Dijo el gran Fernando Vallejo, uno de los pocos que dice las cosas como son y como él las siente (por muy radical o contradictorio que resulte a veces), que la literatura es muy poca cosa comparada con la música, que es el arte más perfecto y más sublime de todos. Y que cuando la literatura tiende a ser música, es decir, a potenciar la musicalidad de las palabras y de la narración, es más literatura que nunca. Creo que del cine se puede decir lo mismo: olvidarse de las reglas dramáticas del teatro y de la representación teatral, de significados morales o psicologismos, puede ser el camino hacia la imagen cinematográfica pura, tendiendo a los valores musicales como exaltación de la sensorialidad. Desde el principio del cinematógrafo, la relación entre las películas y la música se ha desarrollado de muchas, y a menudo apasionantes formas, y las conquistas y las derrotas de esta relación son un tema no menos apasionante del que hablar. Algunos dicen que el cine no necesita música, otros precisan de la música (sinfónica, jazzística, rockera, o de cualquier clase) para alimentar su propia imaginación y crear un mundo propio. Supongo que ambas vertientes son válidas, siempre que el cine se convierta en algo más que en un cuentacuentos obsoleto.

Y algunos hitos del cine han tratado de convertir sus imágenes, su puesta en escena, y hasta sus colores, en música. Con mayor o menor fortuna, pero han buscado la hazaña. Una de esas es, claro, ‘Fantasía’ (‘Fantasia’, 1940) dirigida por casi una docena de realizadores de animación no acreditados, orquestados todos bajo la batuta de Walt Disney, quien en un principio había pensado en un gran cortometraje, o quizá futura película, con la que relanzar a un personaje en horas bajas y al que él guardaba un cariño reverencial, el icónico Mickey Mouse. Como todos sabemos, a ese corto se añadieron otros muchos cuando decidieron producir un gran largo de animación compuesto de diferentes segmentos, sobre todo gracias a la insistencia del célebre director de orquesta Leopold Stokowski, que trabajó intensamente en la película y sin cobrar ni un dólar por ello, buscando un homenaje a la música mal llamada clásica (el término música culta o música docta es mucho más apropiado, me parece), y acercarla a su vez a las nuevas generaciones, incluidos los millones de niños que tenían en las películas Disney un aprendizaje emocional tan enorme.

Fueron finalmente ocho segmentos los que se dibujaron y se orquestaron para dar forma a esta película mítica. Los enormes costos se tradujeron en un mimo casi sobrenatural por el detalle y por una animación tradicional que todavía no ha sido superada. Sin embargo, ‘Fantasía’ adolece de dos defectos que limitan muchísimo su capacidad de arrastre. Por un lado, como en toda película de segmentos hilvanados de forma caprichosa, el espectador no puede acceder a una comprensión anímica de un conjunto tan deslavazado. Por otro, aunque hay no pocos instantes en que no solamente música e imagen se funden, sino que la imagen llega a surgir de la música, hay muchos otros en los que el espectáculo se limita a “ilustrar” la pieza musical, con la consecuente pérdida de fuerza expresiva, convirtiéndose en una película mucho más convencional y hasta aburrida, que naufraga en sus pretensiones de manera casi total, pues en esos momentos sólo se puede hablar de una película “bonita”, expresión que a mi juicio no indica nada bueno. Eso sí, no puede dejar de admirarse, incluso de entusiasmarse, con el coraje suicida de unos creadores que, ya en 1940, proponían un cine de animación como nunca antes había visto o creado nadie, aunque eso significase trabajar a espaldas del público.

Romanticismo y barroquismo

No es de extrañar, por otra parte, que el fragmento más recordado sea, precisamente, ‘El aprendiz de brujo’. No solamente porque contiene algunas de las imágenes más valiosas de la película (esas pequeñas escobas surgiendo de la masa de astillas, después de que Mickey las machaque sin compasión con su hacha, que es tremendamente violenta y pone la carne de gallina hoy día), quizá porque en realidad es el episodio más narrativo de todos. El resto alterna entre lo romántico y lo barroco con delectación, pero con desiguales resultados. Es el problema de abarcar demasiado, de ofrecer tantos registros tonales, que terminan por cristalizar un batiburrillo de ideas y sensaciones dispares. Al sentimiento ominoso, de arcaico temor, del episodio de ‘Una noche en el monte pelado’, con la espectral música de Modest Petróvich Músorgski, se une la liviandad de la Sinfonía Pastoral de Beethoven, con toda suerte de criaturas mitológicas en un paraíso soñado. Y a eso el larguísimo tramo de El Cascanueces, de Piotr Ilitch Tchaïkovski, en el que cabe el surrealismo de cocodrilos bailando con hipopótamos, y el lirismo de un ballet de peces, y hojas celebrando la llegada del invierno con su danza.

Y no solamente eso: un alucinante viaje hacia el periodo de los dinosaurios que deja con la boca abierta. Pero es demasiado. Lo que se consigue así es que el orgasmo visual se interrumpa una y otra vez cuando se encuentra en su clímax, y que la imaginación y el ánimo del espectador deba transformarse continuamente, de modo que cuando aún permanecen los restos de una imagen en la retina, se sustituyen por otros, y el cansancio coge el relevo al entusiasmo. Creo que muchos de estos episodios merecerían una película completa en la que llevar hasta el final sus propuestas. De este modo sólo se asiste a un conjunto de cortometrajes muy diferentes entre sí, que nos desorienta y que resulta insatisfactorio. Y tampoco puede decirse que todos los episodios gocen de una inspiración visual semejante, pues algunos son furiosamente vanguardistas mientras otros se anclan en un pasado que, a fuerza de querer ser revisionado de cuentos o formas que ya incluso a mediados de siglo estaban anticuados. ¿Consecuencia?: ‘Fantasía’ es una película en la que cada espectador acaba quedándose con una secuencia, y es la que programa en su reproductor, despreciando las otras. Es decir, no es un conjunto, sino un capricho que se acerca demasiado a la autocomplacencia creadora.

Dicen que su lógico batacazo comercial (al menos para las expectativas, aunque con el paso de los años y los reestrenos, ha recaudado muchísimo más de lo que costó) fue causa de una profunda depresión para Walt Disney. Por suerte para el estudio, acababan de estrenar la maravillosa ‘Pinocho’ (‘Pinocchio’, 1940), y aún les quedaban muchos años de esplendor creativo e industrial, antes de su actual decadencia y pérdida de personalidad. Pocas películas existen tan desequilibradas, y a su modo tan hermosas y audaces, como ‘Fantasía’, a la que sin duda se puede catalogar de rareza mítica, que posee imágenes que dejan alucinado, y otras que invitan a un bostezo involuntario, verdadera joya de la imperfección hecha cine, que nos invita a reflexionar sobre la capacidad del cine de reinventarse a sí mismo, más que una “summa artis”, en su eterna condición de arte balbuciente y por tanto joven y con todo su futuro por descubrir y roturar.

Sabéis que están en marcha tres producciones sobre Blancanieves: ‘The Brothers Grimm: Snow White’, de la que se está encargando Tarsem (Singh) para Relativity, y que estará protagonizada por Lily Collins; la de Rupert Sanders para Universal, ‘Snow White and the Huntsman’, con Kristen Stewart y Chris Hemsworth, y ‘Blancanieves’, de Pablo Berger, con Maribel Verdú en el papel de la madrastra, acompañada por Ángela Molina, Daniel Giménez Cacho, Pere Ponce, Josep María Pou y dos jóvenes actrices que interpretarán a la protagonista.

Pues, por si fuera poco, la Disney también quiere resucitar a su bella envenenada para contar una historia muy diferente a la que ya nos entregaron en 1937. Esta nueva visión minimizaría la parte familiar de cuento de hadas de los hermanos Grimm para convertirse en una aventura épica de acción con el título ‘The Order of the Seven’ (“la orden de los siete”).

‘Order of Seven’ tendrá lugar en el siglo XIX y nos mostrará siete ronin de distintas nacionalidades y con diferentes técnicas de lucha, que pertenecen a una orden milenaria, pero acabada. Estos guerreros se encuentran en China con una mujer inglesa que es víctima de una maldición ancestral. Esto supondrá para ellos una ocasión para recuperar su gloria pasada y hallar la redención.

Esta versión la dirigirá Michael Gracey, premiado realizador de spots publicitarios y especialista en efectos especiales (‘Happy Feet’). La reescritura de guion más reciente la firma Michael Arndt, responsable de ‘Toy Story 3’.

Gracey comenzará los diseños de los personajes y los storyboards en cuanto firme el contrato. La producción principal de la película podría comenzar el año que viene y el estreno llegaría, como muy pronto, en 2013.

En todos sus aspectos, ‘The Order of the Seven’ me recuerda más a un manga o un anime que a la historia europea que originariamente es. Pero ya sabemos el enorme éxito que tienen las largas épicas japonesas y la influencia que están ejerciendo sobre Occidente, especialmente en animación, por lo que esta mezcla me sorprende bien poco y me atrae bastante. Por otra parte, siete ronin… siete samuráis… Puede que el número sea solo una coincidencia y la idea no vaya por ahí, pero esta historia tantas veces adaptada no deja de ser atrayente para los creadores, así que no sería raro que también quedase algo de eso. En cualquier caso, darle un giro tan gigantesco a un cuento que tenemos tan asimilado, me suena muy valiente y, además, la trama, tal como ha la narran en las sinopsis, tiene visos de poder dar un resultado apasionante y espectacular.

‘Snow and the Seven’

El proyecto lleva fraguándose en la casa Disney desde 2002 con el título ‘Snow and the Seven’. En febrero, se anunció que la dirigiría Francis Lawrence (‘Agua para elefantes’, ‘Soy leyenda’), y se llegó incluso a especular que Natalie Portman podría estar en conversaciones para interpretar el papel de la hechizada, pero estos rumores no se llegaron a confirmar.

El guion, que vivió versiones escritas por Michael Chabon y Jayson Rothwell, entre otros; por entonces, se decía que nos mostraría a una mujer inglesa que se trasladaba a Hong Kong para heredar la fortuna de su padre fallecido y sufría un intento de asesinato por parte de su madrastra, por lo que pedía protección a siete guerreros.

Los cambios que se han introducido ahora tienen la intención de distanciar el proyecto de las tres películas sobre ‘Blancanieves’ que se están llevando a cabo. O, al menos, de las dos que ellos conocen, que son las angloparladas.

Vía | The Hollywood Reporter.

Desde este jueves y hasta el 8 de mayo, el Teatro-Museo de Figueres (Girona) alberga una exposición sobre la relación entre Dalí y los Disney en la que se pueden ver un óleo, una acuarela, 15 dibujos preparatorios —10 de ellos inéditos— y nueve fotografías.

Pero la joya de la exposición es el cortometraje titulado ‘Destino’, una pieza de animación que el artista Salvador Dalí había creado junto con Walt Disney y que se incluirá en las versiones diamante de las películas ‘Fantasía’ y ‘Fantasía 2000’, es decir, en el combo de cuatro discos en Blu-Ray que se lanzarán a la venta el 7 de diciembre.

Hace ya más de cuatro años, en Blogdecine os contábamos que en 1946 Walt Disney encargó a Salvador Dalí la realización del cortometraje ‘Destino’, basado en la canción homónima de Armando Domínguez. El proyecto no salió adelante por problemas de presupuesto y dicen que por la Segunda Guerra Mundial. Sólo llegaron a rodarse 20 segundos de prueba. Roy Disney y el productor Baker Bloodworth decidieron sacarlo adelante en 2003, partiendo de los bocetos e instrucciones que había dejado Dalí.

Entonces sólo contábamos con la posibilidad de visionar fragmentos del corto. Sin embargo ahora, ‘Destino’ se puede ver al completo a continuación:

La breve historia animada, de algo más de seis minutos, cuenta los amores de una bailarina por un jugador de béisbol. Se conocen, se gustan, pero el tiempo, representado por el dios griego Cronos, se impone. No se puede escapar al destino, concluye el cuento animado.

El resultado de ‘Destino’ es una amalgama curiosa entre dos estilos que parecen opuestos, pero que gozan de tal flexibilidad que no han sufrido para al ser fusionados. Un rostro parecido al de Gala se anima con rasgos de las princesas de Disney y baila con un vestido de ensueño, mientras el mundo se destruye a su alrededor en pesadillas dalinianas. La música lo es todo en esta creación poética que parece un recorrido por los grandes éxitos del pintor surrealista pensado para la divulgación.

La infructuosa relación entre Dalí y Disney

Dalí y Disney se conocieron durante el rodaje de la película ‘Recuerda’, de Alfred Hitchcock (‘Spellbound’, 1945) para la que el artista había dibujado los fondos de la secuencia onírica. La directora del Centro de Estudios Dalinianos, Montse Aguer cuenta que «se quedaron impresionados el uno con el otro». Al año siguiente, Dalí firmó un contrato para trabajar durante dos meses en la factoría Disney. Aquí se fraguó el proyecto de ‘Destino’. La colaboración tenía más visos de amistad que de relación laboral: en 1957, el matrimonio Disney viajó a la casa de los Dalí en Portlligat (Cadaqués, Girona).

Nada más salió de este contrato y así finalizó el sueño hollywoodiense del arista. Dalí no quedó contento con el recorte que hizo Hitchcock para la versión final de ‘Recuerda’ —las escenas diseñadas por Dalí se pueden ver más arriba—. El cine ya le brindó decepciones similares al catalán, por ejemplo, su guión para Harpo Marx de la película ‘Jirafas en ensalada de lomos de caballo’ nunca llegó a rodarse.

Lo que sí ha quedado de este amago de colaboración son las fotografías, bocetos y otras documentaciones, que ahora se exhiben en Figueres.

En la fotografía: Salvador Dalí y Gala en el jardín de la casa de Walt Disney en Brentwood (California).

Vía | El País.

Después de varios meses hablándoos de las consecuencias de la huelga de guionistas en Hollywood –que se calculan en pérdidas de 2.000 millones de dólares—, se empezaba a adivinar que llegábamos al final del proceso con la noticia de que los directores habían firmado acuerdos sobre el tema que preocupaba más a los escritores: los derechos en Internet y otros medios alternativos; y también con la nueva que indicaba que algunas productoras firmaban acuerdos unilaterales con los guionistas en huelga.

El sábado de madrugada, los líderes del WGA (Writers Guild of America), es decir, el Sindicato de Guionistas Norteamericanos, acordaron con la Alianza de Productores de Cine y Televisión (Alliance of Motion Picture and Television Producers) un contrato que incluye pagos a los guionistas por la difusión de sus obras en Internet, además de doblar los ingresos que se obtienen por la explotación de cintas y programas de televisión descargados de la red mundial.

Este contrato se sometió a votación y el 92’5% de las 3.775 papeletas que se recontaron en el auditorio del Writers Guild en Beverly Hills y en el Hotel Crowne Plaza de Gotham, así como por fax, estaba a favor de terminar con la huelga que comenzó el 5 de noviembre del pasado año.

“La huelga ha terminado”, declaró oficialmente ayer martes Patric Verrone, presidente del ala Oeste del Sindicato de Guionistas, sin demasiado entusiasmo. “Los miembros han votado. Los guionistas pueden volver al trabajo”.

Verrone añadió que los encargados de escribir los guiones para la ceremonia de los Oscar, que tendrá lugar el 24 de febrero, se pusieron manos a la obra anoche mismo. Disponen únicamente de once días, el tiempo justo para escribir unos textos que les suelen llevar varias semanas. Mañana por la mañana, Sid Ganis, presidente de la Academia del Arte y la Ciencia Cinematográficos y Gil Cates, productor ejecutivo de los Oscar, concederán una rueda de prensa para hablar de sus planes para el espectáculo.

La asociación de productores, AMPTP, emitió el siguiente comunicado en nombre de Leslie Moonves, de la CBS; Harry Sloan, de MGM; Jeff Zucker, de NBC Universal; Peter Chernin, de News Corp.; Brad Grey, de Paramount Pictures; Michael Lynton, de Sony Pictures Entertainment; Robert Iger, de Walt Disney Co., y Barry Meyer, de la Warner Bros.:

“Es un día de alivio y optimismo para todos los miembros de la industria del entretenimiento. La huelga ha sido extraordinariamente difícil para todos nosotros, pero más difícil aún para los miles de empresarios, trabajadores y familias que dependen económicamente de nuestra industria. Esperamos poder centrar nuestros esfuerzos colectivos en lo que esta industria hace mejor: guionistas, directores, actores, equipos de producción y productoras trabajando juntos para producir buenos contenidos para nuestros espectadores del mundo entero”.

Moonves, presidenta y directora general de CBS, expresó su esperanza de que el tono de estas conversaciones se mantenga con los actores, pues este colectivo también amenazaba con una huelga.

Fuente | Variety.

Ahora que Disney y Pixar ha unido fuerzas por fin, algo que nadie dudó nunca que pasaría, van a ser todavía más imbatibles de lo que ya lo eran. Ya sabemos que las películas de animación empiezan a abundar más de la cuenta, que no era como hace más de una década, cuando al año se estrenaba un título importante, dispuesto a arrasar en las taquillas de todo el mundo. Hoy día, todas las productoras tiene su departamento de animación, e intentan comerle algo de terreno a la todopoderosa Pixar, y que rara vez lo han conseguido. ‘Descubriendo a los Robinsons’ está producida por la Disney, y tiene mucho de ella, y también de la Pixar. Esto puede ser visto como algo bueno, pero también como algo negativo.

Su argumento gira en torno a un niño huérfano, que mientras espera ansioso en el orfanato a ser adoptado, desarrolla una creativa mente como inventor. Inventa cosas de todo tipo, pero normalmente sus inventos no funcionan, y terminan en desastre. Un día, recibe una visita del futuro. Un chico de su edad le lleva con él, y le explica que algo desastroso ha ocurrido en su tiempo, algo que podría cambiar terroríficamente la línea de espacio/tiempo, cambiando considerablemente el curso de la historia.

El argumento recuerda muy sospechosamente a la trilogía de ‘Regreso al Futuro’, y más concretamente al segundo título de la misma, una estupenda muestra de lo que sabe hacer, y muy bien, Robert Zemeckis. Las referencias a dicho film son demasiadas, y uno no termina de quitarse de encima la sensación de estar viendo de nuevo una película ya vista mil veces. Porque además, argumentalmente, el film tiene todos los tópicos del cine de animación de los últimos años. Niño solo en la vida, al que nadie parece querer, pero que tiene un gran don para algo. Aparece un problerma en el que demostrará su gran valía para resolverlo, porque entre otras cosas, él es el personaje pincipal de un film de Walt Disney, y evidentemente tiene que acabar bien. Además, la película es un enorme ejercicio de onanismo hacia la propia productora, ya que todo parte de una frase dicha una vez por el mítico Walt, y en torno a la cual gira toda la esencia del film, resultando un poco chirriante, y moralizante de más.

Técnicamente, no llega a la perfección obtenida en las películas de la Pixar, pero desde luego es superior a ‘Chicken Little’. Los avances en este aspecto son cada vez más deslumbrantes. Aunque temáticamente es otro cantar. El film peca por momentos de ser demasiado infantil, hay que recordar que son los niños su público potencial. Pero dichos momentos chocan directamente con otros no tan para niños, al igual que los gags, que también les ocurre algo parecido. Algunos chistes son demasiado evidentes, demasiado facilones, y otros están muy bien pensados y utilizados. Y en alguna ocasión se consigue el perfecto equlibrio entre ambas cosas, como por ejemplo en el personaje del coprotagonista, el cual tiene más carisma que el personaje central, y proporciona algún que otro momento logrado.

No se puede decir que estemos ante un film aburrido, ya que el ritmo está bien empleado, y la película transcurre sin ningún sobresalto. Pero tampoco la vemos con un especial interés, ya que debido a su poco original guión, solemos ir por delante de ella, salvo quizá, en cierta sorpresa argumental que incluso nos puede pillar desprevenidos. Al final se queda en un producto mínimamente agradable, más o menos, de ver, que gustará a los más pequeños, que son los espectadores menos exigentes. Los más creciditos nos divertiremos con las claras alusiones a ‘2001’ o ‘Matrix’, y aún así no descubriremos nada nuevo.