La adaptación de ‘One Shot’ se pone interesante. Ya habíamos hablado aquí antes de esta producción que cuenta con Tom Cruise en el papel de Jack Reacher, el personaje de una serie de libros muy vendidos escritos por Lee Child (seudónimo de Jim Grant). Esta pasada semana se anunció la incorporación de Werner Herzog, pero no para dirigir, sino para actuar. El cineasta alemán, cuyo último trabajo de ficción (‘My Son, My Son, What Have Ye Done’, 2009) sigue aún inédito en España, se suma a un reparto que completan Robert Duvall, Richard Jenkins, Rosamund Pike, David Oyelowo, Alexia Fast, Jai Courtney y Michael Raymond-James. No suena mal.

También inspira confianza saber que Christopher McQuarrie está al mando de la adaptación (al menos a priori, esperemos que no tenga con lidiar con esa clase de productores que imponen sus ideas). McQuarrie es coautor del guion de ‘One Shot’ (junto a Josh Olson) y se encargará de la puesta en escena, algo que no hacía desde que debutara hace once años con ‘Secuestro infernal’ (‘The Way of the Gun’), una comedia negra muy recomendable. Aunque el rodaje comienza este mes, todavía queda más de un año para el estreno, fijado para el 8 de febrero de 2013. En cuanto a la trama, se centra en un policía militar retirado que decide ayudar a un francotirador del ejército acusado de provocar una matanza; pronto descubre que el caso es más complejo de lo que parece y que no han capturado al verdadero culpable. Él lo hará, claro.

PD: Uno de los vídeos de la semana, alguien reta a Cruise en un duelo de bailes, y pasa esto:

Vía | ComingSoon

Habiendo entrado ya de lleno en la década de los ochenta con ‘Excalibur’ (íd, John Boorman, 1981), toca hablar ahora de otra película de inconfundible producción europea que, a su vez, ha influido bastante en cierta concepción del cine de aventura como obra de arte, o al menos como pieza de autor, pero también de una película que es casi un documental, y que por lo tanto también ha aportado bastante a una nueva forma de entender la aventura. Dice Werner Herzog que la mayoría de sus ficciones son en realidad documentales, y que todos sus documentales tienen algo (o mucho) de ficción. ‘Fitzcarraldo’ (íd, 1982) no es una excepción. Considerada por muchos, incluso por él mismo, como lo más importante que ha filmado jamás el realizador germano, estamos ante un filme hacia el que por una parte (la ya comentada) es fácil aproximarse, pero que por otra parte resulta absolutamente inclasificable, irrepetible, y bastante difícil de analizar, pues en sus imágenes late un extrañamiento que la vuelve impenetrable.

Toca entrar, por tanto, en un cine aventurero muy diferente al que hasta ahora habíamos comentado, ya que esta pesadilla alucinatoria no podría haberse filmado jamás en los años cuarenta y cincuenta (por múltiples razones, no sólo técnicas, sobre todo temáticas) y que entronca debidamente con una concepción del cine como vehículo de ideas y emociones y como instrumento de combate contra lo socialmente establecido y lo políticamente correcto. Toca también introducirnos en la locura y en la frondosidad de lo desconocido, pero de forma muy diferente a las ya comentadas ‘King Kong’ (íd, Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack no acreditados, 1933) o ‘Apocalypse Now’ (íd, Francis Ford Coppola, 1979), ya que allí donde los cineastas encontraron fascinación y tenebrismo, como en el primer caso, o existencialismo y barbarie, como en el segundo, aquí en ‘Fitzcarraldo’ obtenemos el placer de descubrir que todo significa nada, que ni siquiera la locura significa algo, que no hay respuestas, ni conquistas, ni soluciones. Que los cuentos de hadas se acabaron. Que no hay genios. Sólo hay mezquindad, cólera, actos inservibles, desesperación y muerte.

Por eso el título que Herzog eligió para sus memorias sobre el rodaje de este puñetazo visual es tan acertado. ‘Conquista de lo inútil’ es un volumen imprescindible (y magníficamente editado por Editorial Entropía) en el que Herzog desnuda literalmente su alma explicando los avatares y los agónicos esfuerzos necesarios para hacer la película. Pocas veces he sentido como en estas páginas la complejidad de un rodaje. Se puede decir que esas memorias son cine en sí mismas. Y es que la filmación de esta gran narración de aventuras es una película dentro de la película, de forma similar a lo que vivió Coppola en jungla filipina, y es desde la casa de Coppola donde empieza precisamente el recuerdo de Herzog. Filmada en localizaciones de Iquitos, Perú, esta película está inspirada en la personalidad de Carlos Fitzcarrald, comerciante de caucho y eventual explorador, cuya documentada brutalidad con los indígenas iba pareja con su egolatría y su desmesura: capaz de remontar un enorme barco de vapor por una cresta de quinientos metros de altitud. Pero la locura de Herzog no fue menor: repetir exactamente la misma hazaña, elevando con poleas el casco del barco (si bien de menor tamaño), sin recurrir jamás a maquetas ni efectos de ninguna clase, hiriendo a varios actores, cruzando el umbral de lo humano e instalándose en el de animal sin raciocinio.

Una ópera selvática

En realidad, la trama se reduce a eso, a la de un perturbado que quiere reclamar nuevas rutas de caucho…y establecer una ópera al mismo tiempo, dada su obsesión por Caruso. No hay nada más, pero Herzog enriquece la peripecia con cientos (literalmente) de detalles sobre la vida indígena, la confrontación entre la locura de lo civilizado frente a lo irracional de lo preindustrial, la mirada del hombre sobre lo que no comprende: la vida y la muerte en la naturaleza pura. Jason Robards fue el primer elegido para interpretar a Fitzcarraldo, pero cayó enfermo cuando se llevaba rodada gran parte de la película y se vio obligado a abandonar. Le sustituyó Klaus Kinski y Herzog se vio obligado a pactar con el diablo y a comenzar de nuevo. Cuenta que Kisnki quería demostrar lo duro y feroz que era, y que quería dormir en tiendas en plena jungla, armado con material de escalada para sus ratos libres. A la segunda noche, se fue a un hotel de lujo a emborracharse. Es imposible pensar en otro Fitzcarraldo. Kinski estaba completamente loco, y las peleas con Herzog pasaron de lo normal a la amenaza y hasta el ataque físico. Pero no se puede negar que este hombre era una fuerza de la naturaleza, y que Herzog supo entregarle la cámara para que simplemente pusiera en ella su inexplicable rostro.

Y aunque llegamos a odiar con toda nuestra alma, como espectadores, a este individuo capaz de empujar a su gente a una empresa descabellada, lo que más nos estremece es que en el fondo sentimos una cierta admiración por un hombre capaz de llegar todo lo lejos que haga falta para hacer realidad su sueño. En la tenacidad arrolladora, inexpugnable, de Fitzcarraldo encontramos la fuerza colosal de conquistadores, descubridores y todo tipo de sujetos capaces de mover montañas, de doblegar la naturaleza a sus designios…para ser doblegados luego por ella. Y en su caída, en su fracaso sin paliativos, les compadecemos por su soledad, por haberse atrevido a desafiar a los dioses. En esa belleza oscura es en la que se mueve ‘Fitzcarraldo’, narrada con una gelidez, y al mismo tiempo con una pasión, indescriptibles. Extrayendo toda la belleza y la fuerza, y también todo el horror y la ausencia de romanticismo de la jungla. Ambivalente en todos sus elementos, significa la cumbre de la percepción del hombre por parte de Herzog, la expresión definitiva del arte por el arte. Con magnífica fotografía de Thomas Mauch y aún más magnífico diseño de sonido de Juárez Dagoberto y Zezé D’Alice, quienes con sensibilidad y talento supieron dotar al filme de una admirable riqueza sonora.

Conclusión a una película como no hay otra

No sé exactamente si ‘Fitzcarraldo’ es una película, un documental, una locura o una gigantesca inutilidad. Quizá lo sea todo al mismo tiempo, pero no podría asegurarlo. De lo que sí estoy seguro es de que es una experiencia sensorial obligatoria para todos los amantes del cine (a los que puede fascinarles o repugnarles, sin término medio, y puede que ambas cosas a cada minuto) y una cita imprescindible para todos aquellos que crean que el arte es eso que, precisamente, más nos pone nerviosos. Una aventura sin regreso a casa. En la próxima entrega de este particular ciclo de aventuras, una muy diferente, de nuevo norteamericana, protagonizada por un hombre corriente, muy diferente al loco de Fitzcarraldo.

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Ahí le tenemos, riéndose ante uno de los ataques de locura (o una de sus poses mediáticas, quién sabe…) de Klaus Kinski, durante el brutal rodaje de la ineludible ‘Cobra verde’ (id, Werner Herzog, 1987), un rodaje que, como el de ‘Fitzcarraldo’ (id, 1982), y otras aventuras del director germano, rivalizan con la dureza que supuso la creación de ‘Apocalypse Now’ (id, Francis Ford Coppola, 1979). De su legendaria relación con Kinski, Herzog dijo una vez: “ni nos amábamos ni nos odiábamos, simplemene nos respetábamos, mientras planeábamos la forma de matar al otro”. Es una de las muchas historias de una vida tumultuosa y de una carrera creativa apasionante, trufadas ambas de luces y oscuridades, de anécdotas inolvidables y de títulos desmesurados, de humor, de miseria, de bondad, de lucha y de búsqueda. También de conquistas estéticas e intelectuales. Un hombre que, además, tiene poco que ver con la figura habitual que todos tenemos del director de cine.

Gracias a una noticia del periódico global de nuestro país, me entero de que el festival Documenta Madrid 2011, va a proyectar este fin de semana su último documental, filmado en 3D, en algunas salas de Madrid. Es una excusa tan válida como cualquier otra para llevar a cabo una indagación en una de las figuras cinematográficas europeas más relevantes de las últimas décadas, tanto por su enorme aportación al género documental, como por varios grandes títulos de ficción que atesora en su filmografía, sin olvidarnos de su labor intelectual, prácticamente contracultural, que ha llevado a cabo en libros, ensayos, declaraciones, seminarios (muchos de los cuales en su itinerante escuela de cine Rogue Film School). Werner Herzog es, ante todo, un hombre coherente con su forma de ver la vida y el cine, y un cineasta entregado a una actividad que ama con todas sus fuerzas, y a la que ha dedicado por entero su vida y sus aparentemente inagotables fuerzas creativas.

Infatigable es el adjetivo que le cuadra mejor, porque desde que debutara como cortometrajista en 1962, este hombre no ha parado, tanto en cine como en televisión, llegando a filmar una docena de trabajos en una década (y en la década pasada más aún), entre cortos y largos, documentales y ficción (para él son la misma cosa, y llega a decir que algunas ficciones suyas son documentales, mientras que algunos documentales son ficciones), el bélico, el policiaco, el cine de aventuras (su particular concepción de la aventura, con la que me siento más identificado que con otras…), el terror, el cine político. Es decir, estamos hablando de un cineasta poliédrico, en constante cambio y búsqueda de nuevas formas de expresar sus inquietudes y sus ideas, que jamás queda satisfecho por una particular conquista y sí con el hallazgo de nuevos retos, rincones inexplorados por una cámara en cualquier parte del mundo, desafíos como arrastrar un barco a través de la jungla, gesta filmada en ‘Fitzcarraldo’ que realmente llevaron a cabo en la película y que es la visualización perfecta de la capacidad de lucha y la fuerza de voluntad de Herzog, obsesionado con los grandes soñadores, lunáticos perdedores que llevan a cabo empresas más grandes de lo que jamás podrían alcanzar con el mayor de los esfuerzos.

Recomiendo fervientemente la lectura del libro, de reciente publicación, ‘Conquista de lo inútil’ (Blackie Books, 2010), en el que Herzog, gracias al diario de rodaje de ‘Fitzcarraldo’ (un diario tan apasionante como la propia realización de la película, o la película en sí misma), lleva a cabo un viaje al interior de sí mismo como pocas veces he leído, llegando casi a experimentar un delirio extático de ideas, imágenes, sueños y reflexiones. Para Herzog, la confesión es el acto supremo, y en esa figura se concentra gran parte de su obra. No es casualidad que le atrayera la confesión filmada que es ‘Grizzly Man’ (id, 2005), o la confesión en forma de aventura que es ‘Aguirre, la cólera de dios’ (‘Aguirre, der Zorn Gottes’, 1972), en la que su alter-ego Kinski, que ha sido el que mejor ha representado el furioso interior de Herzog a lo largo de cinco películas, a cual más furibunda. ¿Mi preferida? La magnífica nueva versión del genial ‘Nosferatu’ de Murnau, titulada ‘Nosferatu, el vampiro de la noche’ (‘Nosferatu: Phantom der Nacht’, 1979).

De esa espeluznante película, con soberbia fotografía de Jörg Schmidt-Reitwein, se deducen otras casi igual de tenebrosas, como la magistral ‘Corazón de cristal’ (‘Herz aus Glas’, 1976) o ‘Invencible’ (‘Invincible’, 2001), mientras que de sus incursiones en la jungla se deducen otro tipo de aventuras como ‘Grito de piedra’ (‘Cerro Torre: Schrei aus Stein’, 1991), o la más reciente, e infravalorada, ‘Rescate al amanecer’ (‘Rescue Dawn’, 2006). No hay límites para un hombre que se comió su propio zapato, o llegó a lanzarse a un bosque de cactus para demostrar a su equipo que estaba dispuesto a dejarse la piel en terminar la película, y que esperaba que ellos hicieran lo mismo. Un director que jamás se ha considerado un artista, sino más bien un artesano, al estilo medieval, que entra en contacto con materiales parecidos a la piedra o la madera, y entra en íntimo conocimiento con ellos. Que, como Tarkovski, no cree en la felicidad en este mundo, sino en la lucha. Que está seguro de que los documentales modernos “están tan cerca de la verdad como un glaciar de tirarse un pedo”.

Ahora, con casi setenta años, ha cumplido su anhelo de filmar en las cuevas de Chauvet, en Francia, sus tesoros rupestres, que tanto tienen para Herzog de cine arcaico. Unos pocos días de rodaje, con un equipo reducísimo, después de conseguir la hazaña de que el gobierno francés les dejara bajar allí, con sus cámaras de 3D. Dijo Herzog que no rodaría en ese formato (yo lo oí en persona en cierta rueda de prensa en Berlín), pero que se lo ha pensado mejor, porque la experiencia de ver esas pinturas alcanza su plenitud con el 3D, y es lo que espera alcanzar con ‘La cueva de los sueños olvidados’ (‘Cave of Forgotten Dreams’, 2010). ¿Os lo vais a perder? Juan Luis Caviaro ya la vio en Berlín este año. Una cosa está clara: Herzog, en su madurez total, tiene interés en seguir sorprendiendo con cada proyecto, sea en el formato que sea, convencido de que el cine es mucho más que un entretenimiento para los fines de semana, y la aventura mucho más que un héroe de cartón piedra repartiendo tiros o bofetadas para defender valores falsos o caducos. Más bien el cine, y él lo ha demostrado bastantes veces, es un combate contra lo anodino de la vida, y la aventura es mirar a la muerte con los ojos bien abiertos, muchas veces inyectados de locura. De hecho, él se considera a sí mismo un lunático.

Vía | El País

Página oficial | WERNER HERZOG

Con este segundo bloque termino de repasar todas las películas que pude ver durante la Berlinale 2011. En la última entrada os hablé de tres películas, de las cuales recomendaba especialmente la alemana ‘If Not Us, Who’; en este post os comento cuatro títulos, entre ellos ‘Offside’. La ganadora del Gran premio del jurado en 2006 se proyectó en esta 61ª edición para rendir homenaje al cineasta Jafar Panahi, encarcelado en Irán por un delito de conspiración contra el régimen islámico. De esta tanda que os traigo, creo que todas tienen algo por lo que podrían ser recomendadas, seguid leyendo y comprenderéis por qué.

‘Cave of Forgotten Dreams’, misterios del pasado

Ya os conté que este año el festival de Berlín dedicó una jornada al cine en 3D. Por supuesto, no vimos nada parecido a ‘Avatar’ o ‘Lluvia de albóndigas’, sino propuestas a priori poco comerciales, diferentes, usando el novedoso formato estereoscópico para algo más que el simple entretenimiento. Una de esas obras venía firmada por el prestigioso realizador alemán Werner Herzog, presidente del jurado en la pasada edición de la Berlinale. Proyectado fuera de concurso, el documental ‘Cave of Forgotten Dreams’ (EE.UU., Francia, 2010) nos permite la entrada a la cueva de Chauvet, al sur de Francia, donde se esconden las pinturas rupestres más antiguas del mundo. El lugar fue descubierto en 1994 por los espeleólogos Éliette Brunel-Deschamps, Christian Hillaire y Jean-Marie Chauvet, y gracias a sus afortunadas características se han podido conservar dibujos realizados hace más de treinta mil años, la obra de los primeros artistas humanos.

Gracias al uso del 3D, la experiencia resulta muy interesante, mucho más cercana a lo que sería estar realmente en la gruta, que con la imagen en 2D. Como sugiere su precioso título (en español, ‘Cueva de sueños olvidados’), la cámara de Herzog busca con entusiasmo en cada rincón el rastro de la imaginación de nuestros antepasados, el espíritu de quienes dejaron sus huellas o sus pinturas en las paredes de esta extraordinaria cápsula del tiempo, tratando de hallar una respuesta a los numerosos enigmas que aún mantienen ocupados a los científicos. Es la única manera de disfrutar este viaje de hora y media, pues por desgracia hay muy poco que ver.

Lo cierto es que uno puede sentirse estafado al descubrir que repetidamente se muestran unas pocas partes de la cueva, una y otra vez, cambiando el ángulo o el enfoque de la cámara, y la explicación o la interpretación del narrador, como modo de distracción. Incluso se habla sobre zonas a las que no se puede acceder con la cámara, por lo que puede resultar un documental un tanto decepcionante. Para compensar, se incluyen intervenciones de personajes peculiares relacionados con la cueva, como un señor que usa su olfato para explorar las cuevas u otro que intenta recrear cómo se cazaba hace miles de años, lo que resulta muy divertido aunque no sea la intención de éstos (no es que Herzog se burle, solo los retrata). En definitiva, un título imprescindible para los espectadores más curiosos, y prescindible para los que se aburren en los museos.

‘Submarine’, afortunado debut de Ayoade

‘Submarine’ (Reino Unido, 2010) es la ópera prima del inglés Richard Ayoade, popular por dar vida a uno de los tres protagonistas principales de la desternillante serie ‘The IT Crowd’ (‘Los informáticos’ en España). Presentada en los festivales de Toronto o Sundance antes de formar parte de la sección Forum de la Berlinale, la película es una adaptación de la novela homónima de Joe Dunthorne cuya historia gira en torno a Oliver Tate, un peculiar adolescente que pasa demasiado tiempo reflexionando sobre sí mismo, soñando, por ejemplo, con un fantástico funeral en el que todos llorarían desconsolados por su muerte. Mientras vive la intensidad del primer amor, y debe superar los primeros conflictos de su recién iniciada relación con la chica de sus sueños, tratará de salvar el delicado matrimonio de sus padres, cuya ruptura parece inminente tras los encuentros de su madre con un raro vecino que se las da de místico consejero espiritual, y la incapacidad de su padre para afrontar cualquier dificultad. El muchacho se da cuenta, quizá ya tarde, que su cómodo mundo se tambalea y puede derrumbarse de un momento a otro.

Craig Roberts, Yasmin Paige, Sally Hawkins, Noah Taylor y Paddy Considine encabezan el acertado elenco de esta ácida comedia dramática que recuerda al cine de Wes Anderson o Noah Baumbach, por los temas (la familia disfuncional), el sentido del humor (tan fino que a veces se confunde con lo dramático), y la extravagancia con la que se disfrazan personajes y situaciones que en el fondo son de lo más corrientes. Si bien dudo que alguien pueda sentirse totalmente identificado con este protagonista, se entienden con facilidad sus deseos y sus esperanzas, sus dudas y sus miedos, pues básicamente, en mayor o menor medida, son los mismos que hemos vivido en nuestra adolescencia. La película no es otra cosa que el relato de los tropiezos y los descubrimientos de un chico (impecablemente encarnado por Roberts) al que le cuesta entender el mundo que le rodea, y trata de solucionar los cabos sueltos, empezando por unos padres que resultan ser más inmaduros que él mismo. Ayoade se muestra imaginativo y certero con el material de Dunthorne, y apoyado en las interpretaciones y la música de su amigo Alex Turner (de Arctic Monkeys), firma una película sencilla, divertida y honesta, cuyo mayor hándicap es que ya hemos visto muchas historias similares.

‘Almanya: Bienvenido a Alemania’, entre dos tierras

La primera generación de turcos encuentran respeto en Alemania, más que en Turquía, pese a que era la gente que llevaba dinero. Han sido abandonados por su propio país.

(Vedat Erincin)

A algunos periodistas les sorprendió que ‘Almanya: Bienvenido a Alemania’ (‘Almanya: Wilkommen in Deutschland’; Alemania, 2011) no fuese incluida en la sección de competición, pues gustó mucho y recibió la primera ovación de la Berlinale. Debut de la turco-alemana Yasemin Samdereli, la película relata la historia de una familia cuyo corazón, como el suyo, pertenece a dos tierras. A caballo entre un retrato adulto y un cuento infantil, inspirada por la propia familia de la realizadora, asistimos por un lado a la llegada de Hüseyin Yilmaz (Fahri Yardim), un ilusionado joven turco, a la Alemania de los años 60, respondiendo a la necesidad de mano de obra extranjera, enviando dinero a su mujer y sus hijos, a los que apenas ve; la otra trama sucede en la actualidad, y se centra en el deseo de este mismo hombre (Vedat Erincin) por realizar un viaje con toda su familia, tres generaciones que ya han asimilado el moderno modo de vida germano, de vuelta a la tradicional Turquía, donde ha comprado un pequeño terreno. De este modo, su pequeño nieto, muy confundido con la doble nacionalidad, podrá conocer sus raíces.

Es fácil entregarse con placer al simpatiquísimo relato construido por Samdereli, que aprovecha muy bien las diferencias culturales, y que pese a su tono amable no disimula crítica ni amargura en la peripecia de esta familia que debe superar no pocos obstáculos para acomodarse en suelo alemán, regresando después a su tierra de origen sintiéndose unos completos extraños. En la rueda de prensa posterior al pase de ‘Almanya’, alguien quiso buscar una similitud con ‘Mi nombre es Khan’, presentada el año anterior en la Berlinale, diciendo que en ambas se mostraba a inmigrantes agradecidos con las autoridades del país que los había acogido; la interpretación fue adecuadamente rechazada por el equipo de la película, respondiendo que nunca fue ésa la intención. Yo tampoco vi que los protagonistas dieran las gracias a Alemania, en todo caso es al revés. Pero no va por ahí el asunto, es un relato que intenta reflejar las alegrías y las tristezas, lo cómico y lo dramático, de una realidad cada vez más actual, de unas gentes que abandonan su país con la esperanza de una vida mejor, pero que no pueden olvidar sus orígenes, borrar como si nada parte de su identidad.

‘Offside’, el absurdo iraní

Como cineasta crítico me siento en la obligación de reflejar los problemas y preocupaciones diarias de mi pueblo. Espero que en veinte años hayan dejado de existir esos problemas y yo pueda hacer filmes sobre la libertad y el bienestar de mi país.

(Jafar Panahi, desde prisión, en una carta dirigida al festival)

Un vehículo paseaba por el centro de Berlín una enorme pancarta que preguntaba dónde estaba Jafar Panahi. El cineasta iraní no pudo ocupar su asiento junto al resto de miembros del jurado de la 61ª edición del certamen, pero su obra sí estuvo presente. Con una mezcla de compromiso y curiosidad, asistí a una proyección especial de ‘Offiside’ (2006) celebrada en un gigantesco Berlinale Palast absolutamente repleto. Tras un breve acto protagonizado por el director del festival, Dieter Kosslick, dio comienzo la película, que arranca con una tensa secuencia en la que una joven trata de hacerse pasar por un chico para poder asistir a un crucial partido de fútbol, de cuyo resultado depende que la selección de Irán pueda acudir al mundial de Alemania. De milagro consigue una entrada en la reventa, pero al tratar de pasar un control de seguridad es descubierta y detenida. Una mujer no puede estar allí, le dicen, hay demasiados hombres. Un militar la acompaña a una zona del estadio donde se retiene a otras jóvenes que también intentaron colarse. Con el público gritando de emoción, y sin posibilidad de ver el partido, los nervios acercarán a detenidas y soldados, que están obligados a cumplir su deber, aun cuando es evidente que los motivos para impedir que ellas accedan al estadio son totalmente absurdos.

La idea de la película se la inspiró a Jafar Panahi su propia hija, que llegó a burlar las medidas de seguridad para reunirse con su padre dentro de un estadio; al parecer, es algo común allí, y cuenta el cineasta que el día del partido murieron siete personas, pisoteadas, y que una de ellas era una mujer disfrazada, siendo su imagen la única que no apareció en los medios. Estoy bastante de acuerdo con la crítica que escribió mi compañero Alberto Abuín hace cuatro años; me entusiasman las interpretaciones, tan auténticas que parece que estemos viendo un documental (no son actores profesionales) y me sorprende la habilidad de Panahi para mantener siempre el interés en un relato caracterizado por un argumento muy sencillo, pocos personajes y apenas un único escenario durante gran parte del metraje. El realizador consigue que el nerviosismo que domina a los personajes, por una situación que escapa a toda lógica, traspase la pantalla, así como la emoción de un partido del que apenas vemos un par de instantes, pero nos basta oírlo y asistir al sufrimiento de las chicas para vivirlo intensamente. Se bebe enseguida este placentero trago de humor y denuncia que funciona por igual en cualquier parte del mundo. Es un cine tan valiente e inteligente como accesible.

“En un año que sea un ‘buen reserva’, se producen cinco o seis buenos títulos en el mundo. No más. Puede estar bien ver esas cinco o seis películas. A veces también puede estar bien contentarse con lo peor, la verdadera mierda, sólo para aprender lo que no hay que hacer. Los malos filmes siempre serán más instructivos que los buenos.”

-Werner Herzog

En sus ciento quince años de existencia, se ha vaticinado la Muerte del Cine, o al menos la muerte del cine tal y como lo conocemos, casi cada año. Presentado de manera más o menos oficial el 28 de diciembre de 1895, en París, fue despreciado en un comienzo como un número de barraca de feria, una atracción que suponía, como mucho, una extensión de mal gusto de la fotografía. Pero ya Edison estuvo muy cerca de inventar el cine, aunque parece poco probable que su eminente ingenio hubiera previsto lo que han significado algunas películas. Ahora, con el cine convertido en una gigantesca industria mundial de entretenimiento, que maneja presupuestos multimillonarios y eclipsa casi por completo otras formas de expresión, parece que los grandes títulos escasean más que nunca, que los grandes maestros son cosa del pasado, que las formas están agotadas.

¿Significa esto que el cine ha entrado en una decadencia irreversible y que afronta sus últimos coletazos? No parece viable que las grandes compañías renuncien a continuar creando productos audiovisuales de masas durante muchos años, y a ganar grandes cantidades de dinero con ello, eso lo asumimos todos. Tampoco parece demasiado viable que el venerado cine de los años treinta, cuarenta y cincuenta vaya a conocer una réplica actual en cuanto a autores importantes y a número de grandes obras. Esto también lo asumimos todos. Pero, y aunque no tengo la menor intención de contestar a ese interrogante, sí se puede hacer una reflexión en torno a las razones que llevan a muchos a hacérselo, y así aprovechamos para hacer un repaso de la compleja situación actual del cine y de la no menos compleja figura del espectador en el siglo XXI.

Hace algunos días, leí un comentario de una entrada de alguno de mis compañeros (confieso que no recuerdo en cuál, lo he buscado y sigo sin encontrarlo…), en la que el autor afirmaba que 2010 no estaba siendo un año tan malo como otros comentaristas aseguraban, y daba varios títulos que apoyaban su idea. A grandes rasgos, estoy de acuerdo con él, porque también estoy de acuerdo con Werner Herzog, cuya cita de arriba del todo es muy ilustrativa de su forma de ser. ¿Por qué queremos, o necesitamos, o creemos que son posibles veinte o treinta grandes películas en un año? ¿Son muchos espectadores capaces de distinguir verdaderamente una gran obra dentro de la enorme masa de obras mediocres? ¿No tenemos el listón demasiado alto, o demasiado bajo en algunas ocasiones? ¿Por qué tanta gente se empeña en considerar las películas como mero entretenimiento y luego protestan cuando al cabo de un año le han entusiasmado verdaderamente muy pocas películas entre todas las que ha ido a ver al cine? Vamos por partes, y prometo que no es mi intención sentar cátedra, ni nada por el estilo. Sólo reflexionar e invitar a la reflexión en los comentarios:

1. Hacer cine hoy es muchísimo más difícil que hacerlo hace cincuenta años. No creo que esto se pueda discutir. Los espectadores y los directores que hacían cine hace medio siglo sólo habían podido ver, y muchas veces muy poco, el cine hecho hasta entonces, lógicamente, mientras que nosotros conocemos (o podemos conocer, al menos) todo ese cine y todo el de después. Es decir, es mucho más difícil sorprendernos, emocionarnos, enseñarnos algo que nunca hayamos visto. Por otra parte, ha de competir con otras formas de entretenimiento como la televisión o los videojuegos. Esto me lleva al segundo punto.

2. Vemos, nosotros y los que hacen cine, demasiadas películas. Los grandes maestros del mudo y muchos del sonoro (Lang, Mizoguchi, Griffith, Murnau, Ford, Lubitsch…) inventaron algo que todavía no existía, y ahí radica gran parte de su fuerza. Ya no hay, y es una pena, espectadores ni creadores “inocentes”. Más bien imitadores de formas ya establecidas, en lugar de buscar sus propias formas. Hasta la televisión o los videojuegos imitan las formas del cine.

3. Hablando de formas, existe una gran limitación a la hora de considerar las formas del llamado “cine clásico norteamericano” como las únicas válidas, o por lo menos las mejores y las más perfectas, cuando se trata más bien de una artesanía esquemática, la cual sin embargo es prolífica en grandes títulos porque los grandes autores europeos emigraron allí debido a la Segunda Guerra Mundial o simplemente por ganar más dinero (¡lógico y normal!) y por disponer de mejores medios. Esa plenitud artesanal ha generado muchos prejuicios que arrastramos hoy día, hasta el punto que la mayoría valora una película en relación a lo que sería el modelo clásico, en lugar de valorarla sólo en relación a sí misma y a su director. Hasta que no nos demos cuenta de que el cine sigue cambiando, evolucionando, buscando su forma, seguiremos estancados y el cine seguirá desaprovechado. Así lo veo yo.

4. Se hacen demasiadas películas. No soy nadie para sugerir ningún tipo de criba ni de mínímos profesionales, pero creo que (según unos datos publicados hace pocos años) casi mil películas al año en Europa, más de mil en India, alrededor de medio millar en Estados Unidos, más de trescientas en China, más de cuatrocientas en Japón, cada año, es una barbaridad. Esto, además, provoca una consecuencia directa: que muchas películas que probablemente sean muy valiosas, nunca alcancen una distribución medianamente digna, y pasen al olvido, mientras solamente se potencia la carrera comercial de productos fabricados para entretenimiento de masas, no precisamene el cine de autor, que es el único que soporta el paso del tiempo.

5. Parece que no nos damos cuenta de lo que ha costado conquistar una serie de espacios y derechos para la libre opinión después de que Franco se fuera al otro mundo de una vez. Ha sido un avance lento y lleno de dificultades que, ahora, se ha visto interrumpido y ha conocido un gran retroceso, sobre todo con la llegada de internet. Y el lector dirá: ¿Adrián, qué me estás contando, qué tendrá que ver con lo demás? Muy sencillo: el cine no solamente son las películas, también son los espectadores y los especialistas que las reciben. Sería inútil que se hicieran 50 obras maestras al año si los medios de comunicación valoran más el pepinazo mediático y el morbo fácil, si no hay margen para lo diferente y lo personal, si los foros de opinión arrinconan de forma violenta cualquier punto de vista divergente o rompedor. Ver cine es muy fácil, y escribir sobre cine también (basta con juntar unas cuantas palabras, en realidad) pero elaborar criterios, llevar a la reflexión, practicar la coherencia, mojarse en el punto de vista, aceptar ideas diferentes a la tuya sin ofenderte (???)... eso es muy difícil, y también influye a la hora de ver y de aprender viendo cine. Y es cierto que todos tenemos una opinión, pero no todas las opiniones valen lo mismo. En caso contrario entramos en una dictadura de la opinión sobre la jerarquía del conocimiento.

6. Con la llegada de algunos éxitos 3D (un fenómeno que, creo, va a ser muy efímero) los fatalistas repiten las letanías que ya se oían con la llegada del sonido o del color, “profetizando” un final más rápido aún para el cine. El 3D es solamente una herramienta más, y creo que como tal debe ser empleada. No creo que mejore o empeore una película, y dudo mucho que dentro de unos años todo el cine sea en 3D, ni siquiera un porcentaje considerable lo será.

7. Sería bueno abandonar ciertos fanatismos y ciertas posturas extremas. Al igual que ha pasado con otras artes, la intransigencia y la intemperancia, pueden hacer mucho daño al cine, aunque el cine no sea un arte (y no estoy seguro de que lo sea). Tal como digo más arriba: el cine no solamente son las películas, también sus autores y sus receptores (el público). Todos existen gracias a los otros dos. Y el fanatismo hace mucho más daño del que parece.

8. En el último punto me gustaría retomar la afirmación de arriba del todo de Herzog. Evidentemente, un año en que se produzcan cinco buenas películas, buenas de verdad, es un gran año. Y además estoy seguro de que la mayoría de los años se producen más de cinco buenas, aunque es probable que no veamos algunas de ellas porque lleguen tarde o directamente no lleguen.

Para terminar, y esperando que aportéis vuestras propias reflexiones, dejo dos citas más, muy interesantes, de Carl Theodor Dreyer y de Jean-Luc Godard, que digo yo que “algo” sabían de esto:

“Sin duda, estamos todos de acuerdo en que el cine, tal y como lo conocemos hoy en día, no es perfecto. Pero eso es motivo de alegría, porque lo imperfecto postula la evolución. Lo imperfecto vive; lo perfecto está muerto, fuera de competición, no nos tenemos que preocupar por ello. En lo imperfecto hay miles de posibilidades en conflicto.”

- Carl Theodor Dreyer

“Lo único que necesitas para hacer una película es una chica y una pistola.”

- Jean-Luc Godard

“Moriré por estos animales. Moriré por estos animales. Moriré por estos animales…”

- Timothy Treadwell

Existen documentales que consiguen mucho más que, simplemente, “documentar” algo, y demuestran hasta qué punto el documental es una de las expresiones artísticas más importantes de nuestros días. Y aún más, porque hay documentales que reniegan de plano de lo que se puede esperar de ellos, y se convierten en una pieza íntimamente subversiva, revitalizadora, que destruye cualquier filtro ético y narrativo preexistente, y hacen añicos la estructura secuencial, alcanzando algo mucho más resbaladizo y valioso, mucho más inasible, que se asemeja mucho a lo que debe ser una verdad.

El más sorprendente trabajo de no ficción del célebre director alemán Werner Herzog, ‘Grizzly Man’, pertenece a esta estirpe inigualable, pues es un recio y vigoroso relato sobre una personalidad muy compleja y muy oscura, un hombre al mismo tiempo luminoso y extraviado, sabio e insensato, bondadoso y egocéntrico, un ser de una fuerza sorprendente y de una fragilidad y un lado conmovedor que desarman y dejan estupefacto al espectador que, asombrado, asiste a la improbable, dolorosa, violenta fusión del hombre con la naturaleza, un sueño que muchos soñamos en soledad, adivinando lo utópico que es en verdad.

Timothy Treadwell (nacido Timothy Dexter) vivió los veranos de sus últimos 13 años (de los 46 que vivió) entre los osos grizzly del Parque Natural de Katmai, en Alaska. Antes de eso, había nacido y vivido en Long Island, y había demostrado ser un buen deportista y un buen estudiante. Sin embargo, un extraño vacío vital le había lanzado a las drogas y a malas compañías, y a punto estuvo de sufrir, según sus propias palabras en el documental, una sobredosis cuya recuperación total se debió a conocer a los osos. Cambiando radicalmente su vida, vivió trece veranos en Alaska y grabó más de cien horas de vídeos que esperaba convertir en el más extenso y mejor detallado documental sobre osos y vida salvaje que jamás nadie hubiera elaborado.

El asombro de la naturaleza

En los primeros minutos de la película, además de asistir al primer material que Treadwell dejó sobre los osos y su interactuación con ellos (un material ya asombroso, pero no tanto como el que está por venir), Herzog se encarga de dejarnos bien claro de que, por lo menos, Treadwell tenía un don especial y muy difícil de encontrar, un don con los animales y la naturaleza, consistente en una misteriosa comprensión de sus resortes y sus mecanismos más ocultos y secretos para la mayoría de los humanos. Sin embargo, es mérito de Herzog no quedarse simplemente ahí, y de dar la sensación de que la razón fundamental para él, de hacer este largometraje, son las ulteriores, las aristas inconsistentes de la personalidad de Treadwell.

Poco a poco, sin prisas, tomando al espectador como un ser paciente e inteligente, Herzog va escarbando en el pasado remoto, en las razones ignotas y en los rasgos de personalidad de un hombre en apariencia cabal y sin falla alguna, y comienza a edificar certezas, y a desmoronar lugares comunes, y a dibujar la atormentada vida de un solitario incurable, de un hombre antisistema enfrentado a la sociedad, al hombre y a la vida. Es decir, que por muy fascinante (que lo es) que sea su relación con la naturaleza, mucho más lo es aún su relación consigo mismo, con su propia naturaleza.

Porque de las cien horas de grabaciones de Treadwell, lo más apasionante para Herzog es su carácter confesional, su indagación en ese terreno que muchos hombres creen recorrer y que pocos tienen el coraje siquiera de pisar de puntillas: conocerse a sí mismos. Pero hay más, mucho más. Porque por muy grande que sea la insensatez de Treadwell, viviendo en una zona tan peligrosa, rodeado de lobos y osos, es una figura romántica, un hombre fundido con la inmensidad indiferente y bestial de la naturaleza, y hermanado así con el autodestructivo Alexander Supertramp o con el anarquista místico Henry David Thoreau.

Es decir, compartía con uno su locura por lo salvaje, y con otro su conocimiento del medio natural. Pone los pelos de punta observar a Treadwell acercarse y tocar el hocico de un oso salvaje, o alejar a otro por medio de órdenes verbales. No es cuestión de azar, vivió allí trece años sin problemas con los osos. Pero para material precioso, irrepetible, ese momento que el mismo Herzog no se priva de tildar de sublime e inalcanzable para la mayoría de cineastas, y es cuando los zorros (si algún lector ha visto uno, sabrá de lo extrañísimo de que esto ocurra) se acercan a Treadwell cuando este se acerca a su vez a un enorme oso, o cuando caminan por encima de su tienda. Para él, encontró los primeros amigos de su vida allí en las planicies heladas de Alaska.

Documental conmocionador, definitivo, arrasador, que deja al espectador exhausto y en soledad respecto a su relación con la naturaleza. El descreimiento de Herzog puede ser verdadero o elaborado, pero en cualquier caso ayuda a que cada uno se forme su propia opinión sobre unas imágenes alucinantes, vivificadoras, dolorosas, que nos devuelven al asiento al que pertenecemos en el espectáculo de la naturaleza: no muy lejos de los gusanos.

El suelo congelado, bajo una capa de hielo. Y sobre el hielo mucha nieve petrificada. Dicen que es la Berlinale más fría de las últimas décadas, pero es uno de los festivales más importantes del mundo. Y acaba de comenzar. Cuando, tras el encuentro con Wang Quanan, la nieve volvió a hacer acto de presencia cayendo del cielo, nadie pareció concederle importancia. Aquí hemos venido, todos, a ver cine.

Con la conferencia de prensa que tuvo lugar a las once menos veinte de la mañana, en la que se presentaron oficialmente a los medios los siete miembros del jurado, comenzó verdaderamente este festival, que en su sesenta edición (un número de esos redondos que tanto apetece emplear como excusa para festejar) pretende ignorar abiertamente a tanta crisis con una programación extensa y generosa. Durante casi una hora, Werner Herzog (el presidente del jurado) y el resto de artistas que con él van a juzgar las obras a concurso, nos hablaron de sus impresiones y sus deseos en este comienzo.

Por supuesto, han elegido a Herzog por su nacionalidad alemana, y por ser un director, si no genial, sí importante e irreductible, dentro del grupo de directores indispensables europeos. Y se le vio entusiasmado de presidir un jurado que, como todos en estos casos, tiene ante sí la difícil tarea de otorgar algunos de los premios más codiciados que existen. Habló mucho, y bien, de su trayectoria, y también de su percepción del cine, aunque me defraudó un poco con determinados temas visuales que no vienen a cuento. Fue al que más preguntaron, como no podía ser menos, aunque también tuvo lugar una buena andanada de cuestiones para Renée Zellweger.

A la guapísima (y delgadísima) actriz, le preguntaron, quizá con un poco de mala intención, qué esperaba encontrar en un festival en el que suelen escasear las historias de amor con final feliz o los dramas lacrimógenos. Ella salió al paso con una elegancia y un saber estar que ya me gustaría a mí percibir en muchos periodistas. Luego, con un poco más de criterio, otro profesional acreditado comentó una película de Zellweger (concretamente, ‘My One and Only’) que no ha conocido una gran distribución y que es una valiente película minoritaria, y ella asintió agradecida por el hecho de que alguien se acordase de que, además de estrella, es una actriz como la copa de un pino, y dijo estar honrada de participar en esta fiesta del cine al lado de esos artistas.

Pero enseguida estaba programada la primera película a concurso, y no había tiempo que perder.

Wang Quanan vuelve con un relato íntimo, duro y sincero

Había una gran expectación por el regreso de Wang Quanan a Berlín, después de ganar el Oso de Oro por ‘La boda de Tuya’ hace tres años. Y, al menos en lo que a mí concierne, no me ha defraudado. Eso sí, debo decir que al concluir la proyección, se hizo un silencio absoluto en la sala mientras salían los periodistas acreditados, lo que puede ser signo tanto de que la película les ha emocionado, como de que les ha dejado indiferentes, y de ahí la gélida recepción.

La fratricida guerra civil que tuvo lugar en China entre 1946 y 1949, y que tuvo como resultado que Taiwan quedara fuera del dominio del partido comunista, también separó a muchísimas familias, que quedaron fracturadas, quebradas irremisiblemente, cuando impidieron que muchos veteranos volvieran de aquella isla al seno familiar. Es una tragedia que pocas veces se ha contado en cine, y que demuestra hasta qué punto el drama de los hombres comunes le importa muy poco, o nada, a la maquinaria gubernamental del mal llamado mundo moderno.

‘Tuan Yuan’, que vendría a significar algo así como su título internacional, ‘Apart Together’, es el reverso de ‘La boda de Tuya’, lo otra cara de la moneda, pues donde allí dos hombres se peleaban por una mujer, aquí se hacen amigos a pesar de amar a la misma mujer. Es un relato construido con sabiduría, con mucho oficio, con un desprecio más que evidente por las normas de la narrativa de consumo, con placer por el detalle. Los actores están fenomales, sobre todo los tres protagonistas, aunque es cierto que la historia acaba pecando de autocomplaciente, debajo de tanto pundonor en la puesta en escena.

En la subsiguiente rueda de prensa, que fue extensa y prolija, Wang, un hombre de modales suaves y mirada enérgica, habló mucho de los problemas que afectan a un país en desarrollo y en constante cambio como es China, así como de la necesidad de que el arte hable, siempre, del hombre común, lo que le certifica como un cineasta enfrentado para esta gran verdad. A su lado, los magníficos actores con los que ha contado tenían un algo de orgullo en la mirada por participar en una película de un hombre que puede presumir, por derecho propio, de ser parte de la así llamada sexta generación de cineastas chinos, después de la legendaria quinta generación.

Con este largometraje empieza bien una sección oficial plagada de incógnitas que, esperemos, esté a la altura de la celebración del 60 aniversario de tan prestigioso certamen. Mañana, entre otros alicientes, llega la película que Polanski ha terminado de montar desde la cárcel y desde la íntimidad de su casa de Suiza. Lamentablemente, él no podrá estar aquí para hablarnos de ella.

Berlín, 11 de Febrero de 2010

El (absurdo) remake de ‘Teniente corrupto’ es uno de los estrenos de la semana. Aquí os dejo con unas declaraciones de su protagonista, el inigualable Nicolas Cage:

A mí me encantan todos los animales, especialmente los peces, los pájaros, los reptiles y los insectos. Mi dieta se basa en la dignidad que tienen los animales cuando practican sexo. Los pájaros y los peces tienen una forma de copular muy digna. Los cerdos no, así que no como cerdo.

Otro de los estrenos del pasado viernes es la comedia ‘¿Qué fue de los Morgan?’, con Hugh Grant. Cuando le preguntan al actor, sutilmente, si va a seguir haciendo siempre lo mismo, responde:

Hacer comedias es mucho más difícil y exigente que hacer dramas.

Ruben Fleischer, el director de ‘Bienvenidos a Zombieland’, también defiende la comedia, pero desde otro punto de vista:

La risa debe ser liberadora. Pasamos por momentos muy duros y debemos ayudar a la gente a superarlos. Esa es la misión básica del cine.

A Natalie Portman la vienen acosando desde que filmó ‘Leon: el profesional’, siendo una adolescente. Dice que no quiere rodar una escena de sexo para no aparecer en Internet, y tiene claro quién es su ídolo:

Miras a Meryl Streep, que es un fenómeno, monstruosamente hermosa y, en cierto modo, es muy extraño que nunca fuera un símbolo sexual. Pero siempre fue ella y ahora no importa que esté envejeciendo porque sólo queremos seguir viéndola como una persona interesante. Por el contrario ves actrices que comercializan sus cuerpos y que podrían ser buenas, pero con el tiempo lo pierden, porque ese tipo de cosas no duran.

La española Elena Anaya, sin embargo, no está nada de acuerdo con Portman. Sobre su último trabajo, ‘Habitación en Roma’, de Julio Médem, ha dicho esto:

Estar desnuda durante casi toda la película es complicado. Al final, quitarse las bragas es siempre quitarse las bragas, y una actriz no posa, se entrega a lo que hace y ya está. Al final, lo importante es cuidarte a ti misma, ser coherente contigo y con tu desnudo. A lo mejor a tu lado está una actriz más potente, pero tú eres así, con tus pelos y tu tamaño.

‘Capitalismo: Una historia de amor’ es otra de las novedades cinematográficas del pasado viernes. Su director, Michael Moore, nos habla de mezclar cine y política:

Los directores de cine que ponen el mensaje político primero por lo general terminan haciendo películas muy aburridas que no contribuyen a la causa. Yo quiero llegarle a la gente como director de cine. Si quisiera hacerlo como político, me presentaría en las elecciones.

Ya queda menos para que podamos ver en España lo nuevo de Clint Eastwood, ‘Invictus’. Aquí os dejo una de sus declaraciones sobre cómo plantearon la historia, verdadera, que protagonizó Nelson Mandela (Morgan Freeman):

El hecho de que fuera un poco mujeriego, bueno, damos una pequeña pincelada de eso, y mostramos un poco que tenía problemas con su familia, terreno en el que no tuvo mucho éxito, pero todo el tiempo nos atenemos a lo importante, que fue un gran presidente. Podía haber existido la tentación de elaborar un gran documento histórico que durase horas, muchas horas, pero ésta, ésta es una gran historia.

‘Un tipo serio’ es lo nuevo de los hermanos Coen, y también se estrenó este fin de semana. Sobre su ritmo de trabajo, Ethan Coen nos aclara lo siguiente:

Eso de que somos una máquina de trabajar es una falsa impresión. La realidad es que somos bastante vagos. Es cierto que en los últimos tres años hemos estrenado un filme para más o menos la misma fecha, pero la verdad es que previamente nos habíamos tomado dos años sin filmar en los que nos dedicamos a escribir guiones. Eso explica la velocidad con la que hemos estado trabajando últimamente.

Michael J. Bassett parece muy contento con su (lamentable) versión cinematográfica de ‘Solomon Kane’. Aquí nos desvela en quién se fijó:

He querido hacer lo mismo que Christopher Nolan con Batman, algo muy realista. Se podría decir que Solomon Kane es el primer caballero oscuro de la Historia.

Sharon Stone quiere volver a actuar y, dentro de lo posible, ser la de antes. En una reciente entrevista habló sobre errores y soluciones:

Cuando estaba casada con Phil [Bronstein], me obliga a hacer películas en la costa Oeste para que de este modo no viajara lejos de casa. Destruí mi carrera por mi matrimonio; por eso considero que casarme ha sido lo peor que he hecho en mi vida. Nunca debe perderse el respeto en una pareja, pero en aquellos años yo funcionaba por desesperación. [...] He descubierto que el verdadero amor es calma, paz, paciencia y amabilidad. También es cierto que una mujer necesita el sexo, porque que una cincuentona tenga deseos es algo maravilloso. Además, para que una pareja permanezca felizmente unida tienen que ser buenos amantes.

PD: Si ya habéis visto ‘Teniente corrupto’ (2010) y os preguntáis de dónde han salido tantas chorradas, como la escena de la iguana o el alma que baila breakdance, Werner Herzog os da la respuesta: “Todo eso me lo inventé sobre la marcha, ni siquiera estaba en el guión“.

Vía | Lavanguardia, Elperiódico, Telecinco, Larazón, Público, Elpaís, Elmundo

Exacto, Nic ha vuelto. Con motivo de la proyección de la película en el Festival de Venecia ha aparecido en la red el cartel de ‘Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans’, cortesía de la web que ha podido evitar dejar su marca en la imagen.

Como sabéis, se trata de un remake de la ‘Bad Lieutenant’ de Abel Ferrara, titulada aquí como ‘Teniente corrupto’; vuestro queridísimo Nicolas Cage sustituye a Harvey Keitel en esta nueva (e innecesaria) versión, que ha sido dirigida por el prestigioso Werner Herzog, porque él también necesita el dinero.

‘Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans’ gira en torno un trastornado policía (Cage) adicto a las drogas y al sexo que debe investigar el asesinato de unos inmigrantes. Eva Mendes, Val Kilmer y Alvin “Xzibit” Joiner acompañan a Cage al frente del reparto. La fecha del estreno es el próximo 20 de noviembre, en Estados Unidos.

Actualización: La película se estrena en España con el título de la película de Ferrara, ‘Teniente corrupto’.

PD: Como nos ha informado Jesús León recientemente, la película no ha gustado en Venecia, entre otras cosas porque Herzog no ha querido ir tan lejos como fue Ferrara. Lo esperado.

Vía | Caminsún

‘Rescate al amanecer’ es el título español de ‘Rescue Dawn’ (2006), una película que misteriosamente no llegó a estrenarse en nuestro país, siendo distribuida directamente en DVD tras un considerable retraso. Eso a pesar de que está protagonizada por Christian Bale, dirigida por Werner Herzog y que haya obtenido excelentes críticas, posibilitando esa fórmula publicitaria tan común (y tan fea) que consiste en llenar el cartel de la película de frases entusiastas sobre su calidad (algunas incluso sacadas de contexto). Nada se tuvo en cuenta. Pero es que si además consideramos el nivel de los estrenos que suelen poblar la cartelera, la cosa se vuelve aún más incomprensible.

Dicho esto, no vais a encontrar aquí otro de esos comentarios que ponen la película por las nubes, tengo intención de dejarla en su sitio. ‘Rescate al amanecer’ es un trabajo interesante, pero en general fallido, descontrolado, que será más recordado por las circunstancias de su estreno que por sus aciertos cinematográficos o sus valores artísticos. Es inevitable acordarse de ‘Equilibrium’, que aún permanece inédita en España, elevada a la categoría de obra de culto cuando no deja de ser, simplemente, una entretenida y atípica propuesta de acción y ciencia ficción. Como sabéis, su reparto también está encabezado por el señor Bale; a ver si es que los distribuidores de este país tienen menos idea de cine, y del negocio del cine, de lo que pensábamos.

La película arranca en 1965, cuando Estados Unidos está ya enfrascado en la guerra de Vietnam, pero a Herzog no le interesa mostrarnos el conflicto, sino la experiencia que va a vivir, y sufrir, una persona en particular. Se trata de Dieter Dengler (Christian Bale), un piloto alemán nacionalizado norteamericano que sobrevuela la jungla de Laos durante una misión secreta, cuando su A-1 Skyraider es derribado; Dengler sobrevive al impacto, pero es capturado, torturado (por negarse a denunciar a su gobierno) y finalmente llevado a un campo de prisioneros, donde conocerá a otros que corrieron su misma suerte, algunos de los cuales llevan ya años encerrados. Ahí comienza la aventura de supervivencia de Dieter, que intentará fugarse junto con los amigos que hace en el infernal campamento.

‘Rescate al amanecer’ es la segunda aproximación del realizador alemán a la figura de Dengler, al que ya retrató en su documental ‘Little Dieter Needs to Fly’ (1997). El origen común de ambos hombres interesó en un principio a Werner Herzog, pero lo que le va a importar realmente es plasmar todo lo que le contó el piloto, con quien llegó a tener una estrecha amistad, en una película de ficción donde no estuviera limitado por la fidelidad a los hechos y pueda dar rienda suelta a su imaginación, volviendo a los temas que siempre le han fascinado, por lo que no es difícil encontrar paralelismos con otros de sus trabajos anteriores, siendo quizá más evidente la comparación con ‘Aguirre o la cólera de Dios’; precisamente, el cineasta ha tenido problemas por llevar la historia a su terreno, a pesar de que no se toma licencias artísticas escandalosas, habiéndose creado una campaña de información en contra de su película, por no reflejar lo que ocurrió realmente en ese campo de prisioneros.

La película es una recreación espectacular (la primera vez que Herzog recurre de forma a los efectos visuales, aunque el presupuesto apenas llegaba a los diez millones de dólares) y más cruel de los hechos, reinterpretados por un cineasta que se busca a sí mismo en la historia de Dengler. ‘Rescate al amanecer’ es un drama duro y descarnado, sin concesiones al espectador, con un protagonista obsesionado por una idea, la de escapar y volver a ser libre, a pesar de todo, de la crueldad del entorno y de sus circunstancias, de estar rodeado por la locura y la desesperación; esto, por cierto, da pie a que Jeremy Davies vuelve a ofrecer otra de sus características actuaciones, lo que hace sospechar de su verdadera cordura.

Como puede verse en las fotografías, Werner Herzog contó con unos actores totalmente comprometidos con la película, llegando a ser representados por cuerpos esqueléticos (algo a lo que Bale ya nos tiene acostumbrados), sombras delgadas de unos hombres atrapados en la inmensidad de la jungla; un paisaje hostil y precioso, captado de forma sensacional por la labor fotográfica de Peter Zeitlinger, que nos permite disfrutar de escenarios reales de una forma que parecen sacados de otro mundo, aunque en realidad están en Tailandia. Dice Herzog que Dengler, desde lo alto, veía el mundo de una forma extraña e irreal, como si fuera un sueño. Esto se intenta plasmar en la película, y se logra, pero no con el protagonista en los cielos, sino en la tierra, en ese paraíso que asiste indiferente a su particular odisea.

Es interesante cómo está retratado Dieter Dengler, al que da vida un esforzado (aunque no extraordinario) Christian Bale, un alemán transformado en piloto del ejército norteamericano, porque adora volar, aunque eso le lleva al mismo infierno; a los ojos de Herzog, era un hombre que vivía fuera de la realidad, en su propio mundo, o en su propio cielo. Duane Martin, su mejor amigo en el campamento, interpretado por un convincente Steve Zahn (no tenía ni idea de que este tipo era capaz de actuar bien), se sorprende cuando Dengler le cuenta por qué quiso ser piloto, relatándole una experiencia que tuvo de niño, más cercana a un sueño que a un hecho verídico, cuando un avión de las fuerzas aliadas apareció de pronto surcando el cielo (y lo cuenta Bale, que de niño protagonizó una escena parecida en ‘El imperio del Sol’). Martin le responde: “Eres un pájaro extraño, Dieter. Un hombre intenta matarte y tú quieres su trabajo“.

Los aciertos de producción, de fotografía, del reparto y del propio Herzog al abordar los hechos, se vienen abajo parcialmente cuando la acción se vuelve repetitiva, y nada parece tener sentido, más allá de mostrar lo mal que lo pasan los supervivientes del campamento. El realizador no entiende de sutilezas y se recrea en la miseria de los prisioneros, de una forma que llega a resultar agotadora, aburrida. Tampoco contribuye en absoluto el conocer el verdadero destino del protagonista, que en todo caso es fácilmente deducible por cualquier espectador (creo que hasta en el DVD se sugiere el final), restando emoción a la preparación de la fuga y la posterior travesía por la jungla. ‘Rescate al amanecer’ entusiasmará a los más firmes seguidores de Herzog y de Bale, así como a los espectadores que disfruten de duras historias de supervivencia, basadas en hechos reales, pero al resto, puede que logre incluso tumbarlos, y facilitarles un reconfortante sueñecito.