Sé que no debo, pero no puedo evitarlo. Las preferencias personales me marcan demasiado el visionado de una película. ¡Qué confidencia más sorprendente! No, ya, os pasará a todos (los que lo reconozcáis). Esto viene al caso de ‘Desafío en la Ciudad Muerta’, de John Sturges, que vi anoche, aunque es posible que esté hablando de algo personal cuando realmente no lo es; quiero decir, que mi impresión es la misma que tendrá cualquiera que vea la película. Me refiero al desigual duelo entre los dos actores protagonistas, donde, a mi parecer, el héroe está muy por debajo del villano.

‘Desafío en la Ciudad Muerta’ (‘The Law and Jake Wade’, 1958) nos presenta a Jake Wade liberando a Clint Hollister, condenado a la horca, quien pronto se descubre como un hombre con facilidad para apretar el gatillo y disparar a todo el que se mueva. Tras discutir sobre cuentas saldadas y un dinero oculto, se separan. Jake resulta ser un respetado marshall que va a casarse y que cree que ha dejado atrás su oscuro pasado. Nada más lejos de la realidad, Clint y su banda le encuentran y le obligarán a desvelar el lugar donde ocultó el suculento botín.

La cuestión de la que hablaba es que en esta película hay una rivalidad dramática entre dos personajes, uno marcadamente bueno y otro, digamos, con tendencias criminales. El primero lo encarna Robert Taylor y el segundo Richard Widmark, quien vuelve a hacer de villano, que es por lo que es más popular, a pesar de también brilló en otros papeles (como en ‘Pánico en las Calles’ o ‘Brigada Homicida’). Personalmente, no pude dejar de sentir cariño por Widmark y ponerme del lado de su personaje, aunque el honrado y el bondadoso (y el que no busca matar a nadie) lo interpretase Taylor.

La relación entre los dos protagonistas es lo que mantiene la película, es el eje de una trama muy sencilla pero muy bien expuesta y narrada por John Sturges, que, como en otras de sus películas (por ejemplo, la impresionante ‘Conspiración de Silencio’), consigue dotar de una gran tensión las relaciones de los personajes, logrando que el espectador esté expectante, esperando la producción de esa chispa que amenaza con romperlo el equilibrio en cualquier momento, provocando un dramático incendio. Precisamente, la resolución de todo este cúmulo de tensión y amenazas entre los diferentes personajes es un tanto decepcionante. Desde el principio se nos anticipa que veremos un duelo a muerte entre Taylor y Widmark, y uno sabe que es así, y si ha visto al menos un western, ya sabe cómo va a concluir el mismo.

Los apaches son el gran obstáculo de la segunda parte de la película, y los responsables de ir eliminando personajes secundarios, además de ser el típico elemento que no suele faltar en un producto del género. Se le resta bastante emoción al tramo final, carente de garra, cuando todo queda en desenterrar el tesoro y disputar el duelo final. Ya digo, como fan de Widmark, esto me supuso asistir a los últimos minutos con un aire amargo, en plan “ya sé, que acabe pronto”. Supongo que los fans de Taylor quedarían satisfechos. Ese incendio metafórico del que hablaba, que podría afectar a todos los personajes la asemeja bastante a ‘Colorado Jim’, magnífico thriller psicológico en forma de western donde también un grupo debe llevar como carga a un hombre y a su mujer; al igual que en ese film, Sturges hace que el prisionero provoque tensión entre los miembros del grupo poniendo en duda la figura del líder que les guía y mantiene unidos.

A diferencia del film de Anthony Mann, la “carga” explosiva aquí es el “bueno”, obligado a exprimir su ingenio para provocar una situación que le permita huir. En este sentido, creo que Mann lograba explotar mucho mejor la tensión entre los diferentes personajes. En ‘Desafío en la Ciudad Muerta’, al ser los “malos” quienes tienen el control, creo que el prisionero tiene más facilidades de las que debería, restando mérito a su tarea de dividir al grupo y poder escapar con su amada (¿por qué la llevan con ellos?). Sin embargo, esto sólo lo digo comparándola con la magistral obra de Mann, que conste. Sturges tiene en sus manos una historia con muchos elementos para entretener y ofrecer una estupenda película, llena de suspense y aventura; a esto hay que sumarle su labor como narrador y el trabajo de los actores, todos en su sitio, salvo Widmark, que destaca sobre el resto.

Ya he hablado de Taylor y de Widmark, pero hay otros actores a destacar en este film. Así, tenemos a Patricia Owens, Robert Middleton, Henry Silva, DeForest Kelley, Burt Douglas y Eddie Firestone. De todos ellos, comentar lo gratuita de la presencia de Owens, que es casi un florero, y las estupendas aportaciones de Silva, como el forajido más inquieto de la banda de Widmark, y de Kelley, más famoso posteriormente por su trabajo en la saga de Star Trek.

‘Desafío en la Ciudad Muerta’ destaca por la dirección de John Sturges y por la composición de Richard Widmark, resultando un western de lo más entretenido, que habría ganado con un mayor pulido en los conflictos personales y un protagonista más carismático. Lamentablemente, esta película no está aún disponible en DVD.

Robert Downey Jr. es otro que sigue acumulando proyectos. Tras el rotundo éxito de ‘Iron Man’, su nombre aparece unido al de numerosas películas en preparación, desde otra película sobre Sherlock Holmes a encarnar a Hugh Hefner. Aunque se ha barajado la posibilidad de su ausencia, es más que probable que le veamos en ‘Iron Man 2’ y en la posterior de ‘Los Vengadores’ (podría estallar la III Guerra Mundial en caso contrario). Contando con eso, el carismático actor tendrá que ajustar su agenda para trabajar en otras producciones, y poder darse así un respiro entre tanta armadura y frase chulesca.

Según parece, Downey Jr. está negociando con la Universal para protagonizar ‘Cowboys & Aliens’, adaptación del cómic de Fred Van Lente y Andrew Foley. Como es de suponer por el título, la historia mezcla el western y la ciencia ficción, centrándose en la llegada de una raza alienígena a la Tierra; en concreto, aterrizan en el mítico lejano oeste, reflejado en numerosas ocasiones en la gran pantalla a través de títulos como ‘La Diligencia’, ‘Winchester 73’ o ‘Sin Perdón’. El protagonista de ‘Zodiac’ encarnará a Zeke Jackson, un cowboy que debe liderar una alianza entre pieles rojas y blancas para poder sobrevivir a los malignos planes de los extraterrestres. ¿Alguien nos puede decir algo sobre el cómic? ¿Lectura recomendable?

Vía | Las Horas Perdidas

En los meses de Mayo y Junio, la mejor revista de Cine publicada en español, Dirigido Por, hace uno de sus excelentes estudios a los que tan bien nos tienen acostumbrados. Esta vez le toca el turno a John Ford, aclamado por muchos como el mejor director de todos los tiempos. Con críticos tan expertos en el tema, como el excelente Quim Casas, autor del estupendo libro John Ford: el arte y la leyenda, hacen un viaje por toda la filmografía del director, separando, lógicamente su etapa muda de la sonora, y a su vez dividiéndolo por temas.

Así pues, llega hora de una de esas listas ya conocidas por todos vosotros, en las que he procurado resumir en diez películas lo grande que era Ford, uno de esos directores a los que recurrir cuando uno empieza a perder la fe en el cine debido a los pésimos estrenos que nos llegan (salvo excepciones, por supuesto). Aclarar que sólo me he centrado en las películas de su etapa sonora, ya que en la muda muchas de ellas no las he visto por ser difíciles de encontrar, aunque me gustaría citar films como ‘Tres Hombres Malos’ o ‘El Caballo de Hierro’ (de reciente edición en dvd en nuestro país), obras maestras de un director que curiosamente en su etapa muda no tuvo tanta repercusión como otros directores de la talla de Fritz Lang o King Vidor.

Las películas están en orden cronológico. Y cuidado, hay SPOILERS.

• ‘La Diligencia’

La película que lanzó a la fama a John Wayne, y también empezó a cimentar la condición de maestro de John Ford. Obra cumbre del western y un film casi claustrofóbico, algo impensable para la época, por poner a todos los personajes metidos en una diligencia. En todos ellos está representado el ser humano con sus distintos matices. Casi podríamos decir que es un film coral, de esos que tanto gustan ahora, pero en un espacio reducido. Curiosamente en el film hay saltos de eje, en la persecución de los indios a la diligencia. Ford se defendió de ello diciendo que quería enfrentarlos. En cualquier caso es uno de los trabajos más representativos de su autor, con unas interpretaciones prodigiosas, y aún hoy desprende una gran fascinación.

• ‘Las Uvas de la Ira’

La obra de John Steinbeck dio lugar a un buen puñado de grandes películas, y ésta es sin lugar a dudas una de ellas. El propio Steinbeck se declaró fan de la película, diciendo que la portentosa interpretación de Henry Fonda le hacía creerse sus propias palabras. Esta historia de unos campesinos que cultivan uvas y que buscan un lugar donde establecerse durante la represión de los años treinta, está narrada impecablemente, gracias a la total falta de maniqueísmo, con su típico gusto por el detalle y el lirismo. Por supuesto que la mencionada interpretación de Fonda, y la maravillosa fotografía de Gregg Toland hicieron mucho. Segundo Oscar como director para Ford (el primero fue por ‘El Delator’).

• ‘La Ruta del Tabaco’

Una de las primeras películas que un servidor vio de Ford,y con la que se quedó completamente embobado, aunque a lo mejor, la salvaje belleza que Gene Tierney desprende en el film, tuviese mucho que ver. Durante mucho tiempo sufrió el ser comparada con la anteriormente citada película, pues guarda mucho puntos en común con ella. Sin embargo, hoy día es bien visible que no tiene nada que envidiarle al film protagonizado por Henry Fonda. Ford acentúa su extrema sensibilidad para narrar, con esos toques nostálgicos tan típicos de él. Además, añadió un humor que hace que el film también sea muy divertido, cuando la historia que cuenta es de lo más triste. Imperdonable que aún no la tengamos editada en dvd.

• ‘¡Qué Verde era mi Valle!’

Ford ganó su tercer Oscar por esta impresionante película costumbrista que refleja la vida minera en el Gales del siglo XIX. Dotada de una extrema sensibilidad, jamás cae en la sensiblería. Roddy McDowall en el papel más recordado de su niñez, excelentemente dirigido por Ford, sirve como nexo de unión a las distintas historias que se cuentan, protagonizadas por los distintos miembros de una familia. Un prodigio en todos los aspectos, tiene ese sello inconfundible que tiene muy pocas películas: cuando la vez por segunda vez, o tercera, o cuarta, o vigésimo sexta, es como si fuera la primera vez.

• ‘Pasión de los Fuertes’

Uno de los mejores westerns jamás hechos, relata el famoso duelo del O.K. Corral, en la que probablemente sea la mejor versión del mismo, pues Ford se basó en mucha documentación de la época, además de conocer en su juventud al famoso Wyatt Earp, quien le narró los hechos, y el director procuró ser fiel, añadiendo leves cambios. Una vez más, la fuerza lírica del relato es evidente, y Ford fue capaz de arrancar una interpretación sobresaliente de Victor Mature, actor muy mediocre. Eso sí, nunca volvió a trabajar con él. La desconocida Cathy Downs, preciosa como la Clementine de su título original, y Fonda como siempre, inmenso.

• ‘El Hombre Tranquilo’

Cuarto y último Oscar para Ford por uno de sus títulos más famosos entre el público de todas las generaciones. Mil veces imitado y homenajeado (el homenaje más famoso, el de Spielberg en ‘E.T.’). Un boxeador que mata a un rival en un combate se retira del deporte y se marcha a su Irlanda natal para intentar rehacer su vida. Una vez más, costumbrismo, serenidad, historia de amor, humor socarrón (genial Barry Fitzgerald) y todo mezclado de una forma que sólo Ford sabía hacer, dando la sensación de que hacer una película era algo fácil (aunque él siempre decía que sí). La química entre John Wayne y Maureen O´Hara pocas veces ha sido igualada.

• ‘Cuna de Héroes’

Muchos la tratan como una obra menor, y sin embargo en ella se encuentran todas las virtudes de su director, aunque tratadas de forma un poco más grandilocuente, lo cual no le resta calidad. Inspirada en hechos reales, sobre la vida de un hombre que fue toda una leyenda en la Academia de West Point, el film es también un tributo a la vida militar, tan del agrado de Ford. El muchas veces endeble Tyrone Power realizó una de las interpretaciones de su vida, aguantando muy bien las más de doras de metraje. Acaba de salir editada en dvd en nuestro país, así que es una buena ocasión para redescubrir este film, injustamente denostado en la filmografía del maestro.

• ‘Centauros del Desierto’

Para muchos, la mejor película de su director. Son varios los elementos que la engrandecen. Primero, el hecho de que Wayne realice un papel algo atípico en su carrera, con un desarrollo psicológico sobre el mismo de los que hacen escuela, y eso que el director no le quería para el personaje por considerarlo un poco mayor. Luego, Ford en su puesta en escena se aparta un poco de su estilo, componiendo un film, rico en matices pictóricos, y con un uso del color extraordinario. Una road movie con múltiples lecturas, y uno de los mejores finales de la historia.

• ‘El Sargento Negro’

Muy atacada por cierto sector de la crítica, debido entre otras cosas al uso de flashbacks que pueden dar lugar a confusiones en el argumento, hay que observarla detenidamente, para darse cuenta que dentro de su falsa sencillez se encuentra un film extraordinario, con una historia que engancha, la del falso culpable que las tiene todas contra él. Ford dirige a los actores impecablemente, y hasta Jeffrey Hunter está a la altura. Los escenas de exterior, rodadas en escenarios naturales, se emparejan con el provecho que Ford le saca a las escenas de interior, la mayor parte de ellas en una sala de justicia. Hace poco se editó en dvd en nuestro país.

• ‘El Hombre que Mató a Liberty Valance’

Para mí la obra cumbre de Ford, la obra maestra entre sus obras maestras. La filmación pura y dura, sin lugar para las concesiones, del equilibrio entre realidad y leyenda, más toda una declaración a una época que se estaba acabando, en claro tono crepuscular. John Wayne y James Stewart, que con más de 50 años daba vida a un joven licenciado en derecho, se disputan a Vera Miles, y de paso representan el pasado y el futuro, la verdad que permanecerá oculta y la mentira que será mucho más bonita. Los tres encabezaban un enorme reparto, lleno de secundarios míticos, pertenecientes muchos de ellos al universo del director, y gloriosa fotografía de William H. Clothier. Indispensable.

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Zinnemann alcanzó con este título y su siguiente obra ‘De aquí a la eternidad’ su cenit, y demostró su sobrado talento y su enorme capacidad para manejar el tiempo en la narración. Junto a su brillante dirección, hay que destacar de forma sobresaliente a su protagonista, un Gary Cooper crepuscular y colosal, así como un montaje perfecto (obra de Elmo Williams) acompañado de la inconfudible música de Dimitri Tiomkin. Todo ello bajo la producción del avispado Stanley Kramer.

Además de sus valores puramente cinematográficos, este título es emblemático porque ayudó sobremanera a estimular el género, alcanzando la cumbre del western psicológico, que naciera con ‘La diligencia’.

Si recordamos, la película nos cuenta la historia de un sheriff a punto de jubilarse al que vemos contraer matrimonio con su dulce esposa (una bellísima Grace Kelly), y que tras la breve ceremonia conoce como una banda de tres forajidos han llegado al pueblo esperando que su jefe, el temido Frank Miller regrese en el tren de las doce a Haydeville, para vengarse. Tiempo atrás el sheriff Kane le atrapó y el juez lo mandó a prisión. Ahora se encuentra libre y el pánico se adueña de todos y cada uno de los habitantes del lugar, pronosticando drásticas consecuencias que acabarán con la tranquilidad cotidiana.

Esto ocurre sobre las diez y media y al mediodía llegará a la estación el tren con Miller. A partir de aquí la película está narrada en tiempo real y vamos contagiándonos de la agonía del protagonista, que abandona sus pensamientos de marcharse de luna de miel para hacer frente a la situación y defender a los conciudadanos a los que les debe su honor.

En una desesperada peregrinación en busca de ayuda, el sheriff se va encontrando como todos le dan la espalda (incluso su reciente esposa), temiendo lo peor y dejando a Kane en una crítica situación moral y ética, que afronta con valor, dudas, miedo pero con profunda convicción. Vivimos con enorme tensión, cada conversación, cada intento de reclutar ayuda, mientras las manecillas del reloj nos van mostrando periódicamente el tiempo restante hasta que el tren fatítico llegue. Atmósfera asfixiante y agónica, que genera una enorme emoción. Sublime narración que genera un suspense que te atrapa, contando sólo con la interpretación de Cooper (y los impresionantes secundarios, destacando la latina Kathy Jurado), el montaje y la partitura.

El sheriff se debate en un conflicto moral que Cooper sabe demostrar con simples gestos (miradas dudosas, limpiándose el sudor provocado por el calor asfixiante,...). Una desgarrada lucha interior entre el cumplimiento del deber y el instinto de conservación. La precisión en la narración consigue que nos quedemos sin parpadear y que los permanentes planos del reloj nos incremente el sudor que compartimos junto al protagonista.

Hay mucha secuencias inolvidables en la hora y media de metraje. Pero, si me tengo que quedar con alguna, que además destaca por antológica, y su enorme síntesis esencial de la historia, es ese plano donde vemos, ya desesperado a Cooper, acercándose la hora de llegada del tren, en medio del poblado. El escenario es silencioso, polvoriento y desolador, el sol calienta y es su única compañía. Vemos su semblante sereno, pero palpamos su indefensión, traicionado y asumiendo las irreversibles consecuencias de su situación mientras mira a su alrededor. Y, en el plano siguiente, con un gran movimiento de cámara que se aleja, lo vemos solo ante el peligro.

Hay muchas interpretaciones de la película, como que se trata de una punzante parábola sobre el maccarthismo: una comunidad paralizada por el miedo que ha perdido su sentido moral y capacidad de acción. El guionista fue procesado en la caza de brujas por su supuesta vinculación comunista y también se vio, como el protagonista, completamente solo.

Pero lo cierto es que se trata de una película que uno no se cansa de ver, es de esas que concentra en su corta duración, una intensa carga psicológica, un suspense y un ritmo inolvidables.

Avalon pone a la venta esta semana la edición para coleccionistas. Una inmejorable opción para revivir este sensacional western.

Seguimos con el western, el considerado como el género cinematográfico por excelencia. Si fuera un producto alimenticio, cada clásico del western debería llevar una etiqueta que dijera: “sólo tienes que probar uno”. El resto, claro, viene solo. Es increíble lo que llegan a atrapar las buenas historias de pistoleros, a pesar de que muchas son similares y juegan con los mismos elementos. El otro día os hablaba de la grandeza de ‘Juntos Hasta la Muerte’, de Raoul Walsh, y hoy le toca el turno a la impresionante ‘El Pistolero’, de Henry King. El orden es por un ciclo de un estupendo cineclub (granadino) al que voy a menudo.

En ‘El Pistolero’ (The Gunfighter, 1950), Gregory Peck encarna al forajido Jimmy Ringo, considerado el pistolero más rápido del viejo oeste. A pesar de que dejó de buscar “problemas”, Ringo se ve obligado a escapar de todas partes, acosado por otros pistoleros, decididos a acabar con él y lograr fama. Tras haber matado, en defensa propia, a un arrogante oponente, y huyendo de los tres hermanos de éste, Ringo se refugia en la localidad de Cayenne. Su llegada causa conmoción y aunque el marshall del lugar, viejo amigo suyo, le pide que se marche, Ringo pide tiempo, esperando poder hablar con una mujer de su pasado…

No quiero repetirme, no al menos con tan poco tiempo entre una crítica y otra (con los pocos que hay interesados en cine clásico como que para colmo se me aburran), así que iré al grano: de nuevo, aplaudir que en apenas hora y media (83 minutos en esta ocasión), se nos cuenta de todo y con un buen puñado de personajes interesantísimos. No deja de sorprenderme, por culpa del “cine moderno” que se saque tantísimo provecho a tan poco tiempo. La culpa la tienen el excelente guión de William Bowers y William Sellers y, sobre todo, la exquisita y precisa dirección de Henry King (responsable de otros westerns como ‘Tierra de Audaces’ o ‘Vengador sin Piedad’). Por supuesto, el reparto también brilla a gran nivel, especialmente la estrella, Gregory Peck, que compone un personaje fascinante.

Peck encarna a Ringo, del que nos dicen en la introducción de la película que es el pistolero más rápido del oeste. Dicho esto, uno espera encontrar un film épico, de acción, de duelos, de rápidos asesinatos a sangre fría, de peleas, amplios paisajes, etc. Un poco de circo con pistolas. Pues no. Al revés. Dramón. Un hombre encerrado que espera su muerte. El pistolero más habilidoso del lejano oeste es un hombre cansado, arrepentido, desencantado, harto de todo, que va de pueblo en pueblo huyendo. ¿De qué? De nada concreto. De su sombra. De su destino. De todo lo que ha ido sembrando y ahora le amenaza con estallar en pleno rostro. El western se cubre de humanidad; no hay sitio para la gloria del que empuña el revólver.

‘El Pistolero’ es un drama pero, ante todo, es lo que suele catalogarse comercialmente como un film de suspense psicológico (o un thriller). En este caso, un western psicológico. Un par de años más tarde, Fred Zinemann rodaría ‘Solo ante el Peligro’, deudora hasta la médula del título que nos ocupa. Ringo huye de tres hombres y se queda en el “saloon” de un pueblo, donde sabe que, tarde o temprano, vendrán a buscarle. Y nadie va a estar a su lado, puede estar seguro. El tiempo juega, por tanto, un papel fndamental y en ese sentido tenemos dos recursos a los que King recurre con frecuencia y con acierto: el reloj, que nos dice que Ringo se está retrasando, y los tres hombres avanzando, el peligro que no se detiene.

Sin embargo, el peligro no sólo le llega a Ringo desde ese lado. Su llegada a Cayenne produce un sonoro revuelo y esto, para un forajido famoso, es el principio de una larga serie de problemas que, de una forma u otra, pueden acabar con su preciada vida. La tragedia se intuye y se teme desde el principio; se mastica y nos hace torcer el gesto, pues sabe mal, a pesar de que el film comienza con un plano precioso que nos hace pensar en leyenda, en gloria. Nada que ver. Como señalaba, el protagonista es un hombre que debe huir de todas partes; pues en todas partes hay siempre alguien que desea su popularidad, llegar a ser el hombre que mató a Jimmy Ringo. Lo mismo que ocurría con Jesse James, disparado a traición por ya sabéis quién, acción que no tuvo, al parecer la repercusión deseada por el pistolero; en el sentido contrario, estaría, por ejemplo, el personaje de James Stewart en cierto film imprescindible para todo amante del cine.

Así pues, tenemos a un pistolero agobiado por su propio nombre, perseguido por hombres sedientos de fama y venganza. La tensión va en aumento, conforme los enemigos de Ringo van creciendo y el tiempo avanza sin piedad. Pero, ¿qué hay del protagonista? ¿Qué hace en Cayenne y por qué se comporta así? Las preguntas tienen respuesta, y todo en beneficio de un film que va mejorando constantemente. En este sentido, el desenlace es un auténtico disfrute que deja sin respiración, emoción en estado puro. Todo se cierra a la perfección, incluyendo un memorable plano final cargado de simbolismo.

Desde luego, King no se queda en la superficie del western o del suspense, sino que nos ofrece una película completísima, donde todos los personajes tienen entidad propia, vida. Como dije, destaca Peck, pero también cabe referirse al magnífico trabajo de Karl Malden (el barman que también quiere su parte del botín, en este caso, la fama de Ringo), Helen Westcott (la misteriosa maestra, crucial en el desenlace), Millard Mitchell (el personaje secundario más interesante, antiguo compañero en la banda de Ringo y ahora marshall de Cayenne) y Skip Homeier (en el papel de, como lo describen en el film, el típico imbécil de cada pueblo que necesita cubrirse de fama), entre otros. Todos tienen participación en esta fatalista partida. Dicho esto, a pesar del tono oscuro del film, hay que destacar los no pocos toques cómicos, algunos sencillamente geniales, como el que acontece en la comisaría con un grupo de mujeres ridículas, defensoras de la moral y la honradez, o en plena calle entre dos hombres que, a saber porqué, se retuercen peleando en el suelo.

‘El Pistolero’ no es sólo uno de los títulos imprescindibles del western, es uno de los grandes clásicos dorados de Hollywood; una película maravillosa, de gran tensión, que, sencillamente, hay que ver. Está editada en DVD en nuestro país.

Ya os he comentado anteriormente que aquí, en Granada, tenemos un estupendo cineclub que, cada martes y viernes, proyecta clásicos (la mayoría) en pantalla grande y en versión original subtitulada. El pasado martes, con motivo de un ciclo sobre el glorioso género del western, tuve la suerte de ver ‘Juntos Hasta la Muerte’, una nueva versión de la novela ‘High Sierra’, de W.R. Burnett, que Raoul Walsh realizó años más tarde de ‘El Último Refugio’ (1941). Walsh traslada la historia del cine negro al salvaje oeste y nos proporciona un impresionante, trágico y romántico drama de aventuras sobre cosas tan poco importantes como el amor, la muerte, el honor, la amistad o el destino.

‘Juntos Hasta la Muerte’ (‘Colorado Territory’, 1949) se centra en el forajido Wes McQueen, que tras escapar de prisión debe realizar un último asalto a un ferrocarril, un trabajo fácil del que se espera obtener un gran botín. Sin embargo, Wes encuentra pronto demasiados puntos oscuros en el plan y en los que le acompañarán en el atraco, con la excepción de una bella mujer de origen indio, Colorado Carson.

Discutible podría ser si el señor Raoul Walsh realiza un remake de ‘El Último Refugio’ o una nueva versión de la citada novela de Burnett. Pero este asunto realmente creo que carece de sentido, ¿qué más da? Ambas películas son maravillosas, y aunque cuentan la misma historia, tienen bastantes diferencias, lo que hace que ‘Juntos Hasta la Muerte’ sea tan interesante y fascinante como la que protagonizó uno de los mayores mitos del séptimo arte, el señor Humphrey Bogart (tan pequeño físicamente como grandioso actor).

Como ya dije cuando hablé sobre ‘Pacto Tenebroso’, resulta increíble cómo hay muchos clásicos que en apenas hora y media te cuentan una historia completísima, con abundantes giros en la trama, que nunca se detienen, llena de personajes multidimensionales, todos con algo que aportar. Walsh nos narra de todo en ‘Juntos Hasta la Muerte’. Como he señalado antes, esta película tiene tiempo para hablarnos del amor (Joel McCrea y sus dos “amores”), la muerte (me ahorro los spoilers), la amistad (la que surge entre el personaje de McCrea y el de Henry Hull) o el destino (el memorable desenlace, que recuerda un poco a cierto film de King Vidor).

Como ejemplos de esto, y para destacar momentos de esta magnífica película, cabe referirse a la escena en la que Wes McQueen, tras escapar de prisión, va a buscar a su amada y el hermano pequeño de ésta le dice “se ha ido”; lo que viene a continuación es poco menos que un puñetazo en el estómago. Más adelante, destacar también la llegada de McQueen a Todos Santos, la ciudad abandonada y casi maldita, donde ahora sólo llegan serpientes perdidas. Otra de las mejores partes de la película es la relación que se establece entre los Winslow y McQueen, quien los ayuda en todo lo que puede, pues los toma como símbolo de lo que él aspira, una vez que ya se encuentra cansado de estar al margen de la ley. Pero creo que lo más brillante de ‘Juntos Hasta la Muerte’ llega en el último tramo, del que no voy a contar nada (de hecho, espero no haber desvelado nada a quien haya leído hasta aquí sin ver el film), salvo que, al margen de cierto plano, con unas manos entrelazadas, merece ser recordada la siguiente línea de guión: “Que somos un par de imbéciles soñando en una ciudad muerta en medio del desierto algo que no ocurrirá”. Brutal.

El desierto, la ciudad abandonada, el “último refugio”, es parte fundamental de la película, como si se tratasen de otros personajes de la trama, presencias que dicen mucho del ambiente, la historia y el destino de quienes viven y mueren allí. Casi se siente el sofocante calor y se seca la boca cuando McQueen cabalga hacia el escondite de los forajidos, por no hablar de la parte final, huyendo de los “centauros de la ley”.

En ‘El Último Refugio’, los protagonistas eran Bogart, encarnando a “perro loco”, Ida Lupino y Joan Leslie. En ‘Juntos Hasta la Muerte’, esos papeles son encarnados por Joel McCrea, Virginia Mayo y Dorothy Malone. No creo que deban ser comparados, como he señalado, hay demasiadas diferencias entre las dos historias, quizá de matices, pero diferencias al fin y al cabo. Y si bien es cierto que Bogart y Lupino estén inmejorables, me niego a considerar por debajo a la pareja que forman McCrea y Mayo, aunque sólo sea por ese sueño imposible que ambos pretenden lograr ciegamente, mientras un grupo de pistoleros van a su encuentro en busca de sangre.

Y es que resulta que aquí no hay malos ni buenos. Cada uno cumple con su función/papel y trata de sobrevivir, de salir adelante lo mejor posible. Como en los mejores westerns. En todo caso, se juega a darle la vuelta a los típicos roles. Es decir, si consideramos la ley como motivo de diferenciación, hay quienes la hacen cumplir y quienes la incumplen. Pero en
‘Juntos Hasta la Muerte’ los hombres de la ley no dudan en usar la violencia, engañar y asesinar. Por esto, cuando persiguen a la pareja protagonista, uno no duda que la tragedia hará acto de presencia. El espectador no tiene dudas, se pone del lado de los bandidos, del romanticismo sin sentido ni posibilidad.

Volviendo al reparto protagonista, es cierto que McCrea puede resultar a veces un poco frío, especialmente si tenemos en mente a Bogart en ese rol similar; pero creo que todo forma parte de entender a un personaje que está cansado de todo, harto de su vida, casi sin vida. Por eso, cuando encuentra a la chica que interpreta Malone, y oye la historia del que encarna Hull, recupera cierto brillo, recupera algo de sentido. Este desarrollo del personaje, podría decirse que del desierto al cielo (aunque sea soñado), tiene su culminación en el abrir de ojos que implica la fiel mujer a la que Mayo da vida.

Si queremos encontrar defectos en ‘Juntos Hasta la Muerte’, creo que lo más reseñable es la inclusión de ciertas escenas que no aportan gran cosa y que sólo ralentizan la narración, pero realmente aburrirse en los 90 minutos que dura el espectáculo es altamente complicado. Personalmente, sólo encontré algo “absurdo” cierto mensaje que McQueen escribe en la pared, aunque imagino que sobre el papel tendría su sentido (¿quizá despistar al espectador sobre lo que viene después?).

En cualquier caso, magistral título de Raoul Walsh, un fantástico, romántico, tenso, trepidante, bellísimo y, sobre todo, triste western de antológico desenlace. Imprescindible.

• Críticas de otras películas de Raoul Walsh en Blogdecine:

‘El Arrabal’

‘El Último Refugio’

‘Background to Danger’

‘Al Rojo Vivo’

El western fue en realidad inventado por Homero. Aquiles, Ajax, Héctor son representaciones de los héroes del western: el sentido de la justicia, el valor, la fuerza, la independencia, etc. La única diferencia es que para sobrevivir unos confían en su habilidad para manejar la lanza o la espada y otros en su rapidez para desenfundar el revólver [...] Por esto siempre digo que la dimensión última del western no pertenece a los americanos sino a todo el mundo.

Lo dijo Sergio Leone.

Vía | Cineclub de Granada