La película es bastante simple, de hecho su argumento es de una delgadez conceptual encomiable: un hombre, cansado de la guerra, se refugia en las montañas para descubrir que una epopeya de supervivencia todavía peor le espera, incluyendo problemas con otros hombres y sobre todo con una naturaleza con la que cabe llevarse bien sin esperar antes un proceso de adaptación cuanto menos arduo. Ese hombre es un veterano de aquella guerra mejicana que ocurrió entre 1846 y 1848 y que enfrentó a América con su país vecino por aquella independencia tejana que tanto indigestó a los mexicanos. Las montañas, claro, son un contraste a ese pasado que el protagonista huye, pero también son un gran ejemplo de romanticismo.

Pero no hablo del romanticismo europeo, ni inglés ni francés, sino de un romanticismo americano, que viene a ser el enfrentarse a la naturaleza, es deicr, el ser violento contra los peligros de un mundo por colonizar. Me sorprende que la película no la dirigiera John Huston, pero el trabajo de Pollack es correcto y respetuoso con el pathos de su historia, acentuando en los paisajes y en esa fotografía impresionante, obra de Duck Callaghan, luego operador de ‘Conan el Bárbaro’ (Conan the Barbarian, 1981) dirigida por John Milius que, no es casualidad, es el guionista de esta película junto a Edward Anhalt. Aunque aquí el diálogo está de más, es una película de acción, en el sentido más literal de la palabra.

Desconozco si Milius escribió la escena final, pero me parece digna de su poética, él que tanto se ha definido como un anarquista zen. Una vez el guerrero encuentra la paz, ya no hay más antagonismos posibles: me parece un final interesante, nada grandilocuente, que convierte al viaje en una especie de oda zen al espíritu asilvestrado. Creo que esta película se ve agradablemente, se admira sin problemas y es un fiel ejemplo de un cine de aventuras que no temía entonces a ser más violento, más imprevisible. Tan solo Peter Weir, cineasta australiano que despuntó en los setenta, parece haber recogido ese testigo.

Dos rostros más para ‘Django Unchained’, el esperadísimo western de Quentin Tarantino. Hoy se ha sabido que el cineasta se ha decidido por Kerry Washington para el papel de Broomhilda, la esposa del protagonista, Django, a quien dará vida Jamie Foxx. Curiosamente, ambos actores ya estuvieron casados en otra película, ‘Ray’ (2004). Se dice que Tarantino tenía a Washington en mente desde el principio, pero quiso iniciar un casting por si descubría a otra actriz más apropiada para el personaje. No ha sido así.

La incorporación de Joseph Gordon-Levitt era una duda la semana pasada, hoy ya se da por segura. Lo que no se sabe es qué papel ha reservado Tarantino para uno de los intérpretes del momento, recientemente premiado en Hollywood como “mejor actor revelación del año” (!!??) por su papel en ’50/50’ (en la imagen de arriba sostiene el galardón); algunos que han leído el guion creen que Gordon-Levitt dará vida a un joven tímido que se enamora de Broomhilda, esclava en la plantación de algodón que dirige con mano de hierro el villano Calvin Candie, encarnado por Leonardo DiCaprio. Aparte de los mencionados, en el reparto figuran Christoph Waltz, Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Gerald McRaney, Dennis Christopher, Laura Cayouette, M.C. Gainey, Don Johnson y Tom Savini. Si la dirigiera cualquier otro, también llevaría la etiqueta de imprescindible.

Estaba previsto que el rodaje de ‘Django Unchained’ arrancara el mes que viene, pero finalmente lo hará en enero, al parecer por una lesión de Waltz mientras preparaba su papel montando a caballo. En principio, el estreno sigue fijado para el 25 de diciembre de 2012, esperemos que no lo retrasen.

PD: En la misma gala de premios de Hollywood, ‘Harry Potter y las reliquias de la muerte. Parte 2’ fue elegida la mejor película de 2011.

Vía | Deadline

Continuamos con el ciclo del western, en el que en un principio pretendía llevar cierto orden. Sin embargo, y teniendo en cuenta que esto no es un especial sino prácticamente una sección, os voy hablando de los westerns que tengo más frescos o reviso recientemente. ‘A Lawless Street’ es una producción Columbia de 1955 dirigida por el gran desconocido Joseph H. Lewis, uno de esos genios a los que la fama y el prestigio no acompañaron tanto como otro ilustres apellidos, tales como Ford o Hawks, por citar pesos gordos del western. No obstante, Lewis destacó por su labor dentro del Film Noir, género en el que dejó obras como las imprescindibles ‘Relato criminal’ (‘The Undercover Man’, 1949) y ‘El demonio de las armas’ (‘Gun Crazy, 1950), su film más famoso. Uno de los reyes de la serie B, películas de bajo presupuesto, pero que nada tenían que envidiar a las de serie A.

Curiosamente en algunos de los westerns de serie B de los años 50 se pueden encontrar paralelismos con la época del marcathysmo y su famosa caza de brujas que tanto daño hizo en aquellos años, convirtiendo a muchos cineastas importantes (Elia Kazan) en chivatos, y condenando a otros, obligados a esconderse tras un seudónimo (Dalton Trumbo). Las consecuencias en la sociedad americana de entonces no se hizo esperar. Todo el mundo era sospechoso de ser enemigo, incluso los propios amigos. Y si bien en el Noir, donde Lewis destacó, esos drásticos acontecimientos tuvieron su reflejo y de forma muy sonada, en el western pasó como más desapercibido, quien sabe si por ese desprecio que muchos le han tenido al género a través de las décadas. Afortunadamente el tiempo pone las cosas en su sitio, y ‘A Lawless Street’ sin ser una gran película, contiene el suficiente interés como para incluirla en este ciclo.

‘A Lawless Street’ llegó a conocer un título español, ‘La ciudad sin ley’, titulo en castellano demasiado utilizado, ahí están la película de Howard Hawks ‘Barbary Coast’ de 1935 o la de Don Siegel de 1969 ‘Death of a Gunfighter’, más famosas que la que nos ocupa. Randolph Scott produjo la cinta que da comienzo con una escena muy curiosa: un hombre aparece en el fondo del plano que enmarca una polvorienta calle, se acerca hacia la cámara y ésta hace destacar su revólver. Y es que la violencia estará muy presente en un relato que además habla de traiciones, sospechas infundadas y el valor de la justicia. Calem Ware —Scot en uno de sus típicos papeles— es el sheriff de una localidad en la que no todo el mundo le mira con buenos ojos. Famoso por no tener precio de compra, Ware tiene un montón de enemigos, sobre todo un grupo de empresarios que quieren ver a Ware fuera de juego mientras reabren las minas, se contrata mano de obra barata y los bares sirven de olvida problemas. Una historia típica, tal vez, pero que en manos de Lewis alcanza cotas un poco más altas.

Joseph H. Lewis se caracterizaba por contar mucho con pocos elementos. Su capacidad de síntesis ligado a su virtuosismo daban como producto una claridad de ideas apabullante. ‘A Lawless Street’ está llena de matices, y aunque no puede evitar determinados convencionalismos, Lewis se las ingenia para crear una atmósfera de opresión en la que los pequeños detalles cobran gran importancia. Así pues, todas las mañanas Ware realiza el mismo ritual cuando sale de su habitación mientras la cámara le sigue sin cortar el plano. Queda definida así la personalidad de Ware, inquebrantable y honrado como pocos. Su paseo por el pueblo y las charlas con los vecinos nos descubren miradas secretas de recelo y traición a la vuelta de la esquina. Y serán precisamente los mencionados empresarios los que contratarán a un temible pistolero para que acabe con Ware y así tener vía libre para sus negocios. Para redondear la situación, la mujer de Ware, Tally (Angela Lansbury) regresa al pueblo y es pretendida por uno de los hombres que quieren ver a Ware muerto, y ya no sólo por ser un sheriff incorruptible.

A partir del instante en el que Ware es dado por muerto, en una secuencia que sorprende por su planificación, cuando la película muestra su cara más interesante. La ciudad sin ley del título español es enseguida un nido de borrachos, jugadores y pistoleros que convierten el pueblo en un auténtico lugar de excesos en el que la ley no tiene lugar. La anarquía en el peor sentido de la expresión, por un lado, y por el otro, Ware como el último eslabón quizá de la bondad y honestidad del ser humano, representante de una ley cada vez más corrupta y menos merecedora de que la defiendan. Randolph Scott está más o menos como siempre, esto es, cumpliendo físicamente para el papel y poco más. A su lado Angela Lansbury, una mujer que aún de joven ya era vieja, dando vida a la esposa que abandonó a Ware tiempo atrás y que ahora se debate entre su amor y volverse a ir.

Una de las mayores bazas de ‘A Lawless Street’ es la fotografía de Ray Rennahan, cuya cima como artista fue el ser el director de fotografía de ‘Duelo al sol’ (‘Duel in the Sun’, King Vidor, 1946), siendo una de las primeras veces que Lewis filmaba en color. Los resultados no pueden ser más óptimos, sobre todo en lo que respecta a las secuencias nocturnas, aquellas en las que curiosamente se desarrollan los hechos más importantes del film. En poco más de hora y cuarto, Lewis narra con economía de medios, y aunque es evidente que la historia posee elementos de lo más previsible, es ese gusto por el detalle lo que la diferencia de otros films de similar índole. Si las armas cobran relevancia ante la cámara de Lewis, como símbolo indiscutible de la violencia, al final Ware entrega su revólver, filmado en primer plano de forma majestuosa, para dejar su vida de sheriff atrás. Una vida normal sin sobresaltos le espera.

Aún inédita en nuestras pantallas ‘The Ward’, la última película del gran John Carpenter, éste ha desvelado en una entrevista una de esas noticias que de vez en cuando nos alegran el día. El director de películas tan inolvidables como ‘La cosa’ (‘The Thing’, 1982) o ‘Starman’ (id, 1984) filmará un western gótico titulado ‘In His Dreams’. Aquel que conozca un mínimo la filmografía de Carpenter sabrá que el western es una parte fundamental de su obra. La influencia del cine de Howard Hawks, y en concreto de ‘Río Bravo’ (id, 1959), en su cine es más que evidente. El propio director afirma que se metió en el negocio del cine para filmar westerns, pero que al final se especializó en films de horror. Si echamos un vistazo a películas como ‘Vampiros’ (‘Vampires’, 1998) —de próximo análisis en el especial de vampiros— vemos que el western está omnipresente.

En cuanto al proyecto, Carpenter ha hecho hincapié en el hecho de que lo gótico nada tiene que ver con el horror —imagino que hay alguien que necesita le expliquen la diferencia—, y que le encantaría trabajar con la actriz Amy Adams, sobre la cual se ha deshecho en elogios. No puedo estar más de acuerdo con el director en su valoración sobre la actriz. Creo que Adams es una de las mejores actrices de su generación, con un registro que ya les gustaría a muchos. Verla protagonizando un western gótico a las órdenes de John Carpenter sería simple y llanamente una fantasía hecha realidad.

Vía | Las horas perdidas

A Dios no le importa lo que eras, sino lo que eres.

(Meacham / Clancy Brown)

En un capítulo de la exitosa serie ‘Friends’, Rachel intenta impresionar a todos con un postre para el día de Acción de Gracias, pero al estar pegadas varias páginas del libro de cocina que estaba usando, hace una extraña mezcla entre dos recetas. El resultado es un desastre, todos se inventan excusas para no comerlo o tirarlo, excepto Joey, que devora su ración con placer; cuando se le pregunta cómo es posible que le pueda gustar tal bazofia, él responde: “¿Cómo no iba a gustarme? La nata, me gusta. La mermelada, me gusta. La carne, me encanta”. Quizá una película como ‘Cowboys & Aliens’ (2011) puede espantar a mucha gente, sonar ridícula o una pésima idea, pero a mí me pasa como a Joey: “El western, me gusta. La ciencia-ficción, me gusta”. No era uno de los títulos más esperados del año, pero no tenía ninguna intención de dejarlo pasar, y es que a la inusual propuesta hay que sumar un reparto de lo más interesante encabezado por Daniel Craig y Harrison Ford (James Bond e Indiana Jones juntos).

Aunque estamos ante un cóctel singular, no es ni mucho menos la primera vez que se intentan combinar elementos cinematográficos que parecen opuestos (en ‘Outlander’ teníamos una “Vikingos & Aliens” y en ‘Sucker Punch’ hay casi de todo…), y tampoco es el primer western donde tienen cabida elementos fantásticos (‘Wild Wild West’ o la reciente ‘Jonah Hex’...). Quizá lo más peculiar de ‘Cowboys & Aliens’ es que se trate de una superproducción de 160 millones de dólares ideada para intentar arrasar en las taquillas de todo el mundo; lo que parecía una locura se ha revelado como una operación mal calculada, un producto demasiado caro para sus verdaderas opciones comerciales. El film llegó a ser número uno en la taquilla de EE.UU. (casi empatado con ‘Los Pitufos’) pero tras cinco semanas en cartelera no ha logrado alcanzar los cien millones, y a sus responsables solo les queda confiar en el mercado internacional y la explotación del formato doméstico para tratar de maquillar el fracaso. A nuestro país llegó este viernes con cerca de quinientas copias y la única competencia de ‘La piel que habito’, que no es precisamente el tipo de cinta que suele llenar salas. Ya vi la de Pedro Almodóvar en Cannes, así que me lancé a descubrir el blockbuster norteamericano. Y, bueno, no es una ruina.

‘Cowboys & Aliens’ es una adaptación de un cómic creado por el empresario Scott Mitchell Rosenberg, creador y director de Platinum Studios, empeñado en vender la idea a Hollywood desde finales de los 90, cuando solo contaba con el título y la portada. Solo eso, no había contenido. Pero allí da igual, y cada vez tienen menos problemas en reconocer que las historias les importan un bledo. En un interesante artículo, BleedingCool desvela la estafa montada por Rosenberg para convencer a los estudios de cine del potencial comercial del producto que les estaba vendiendo; básicamente, una vez que ya existía el cómic (escrito por Fred Van Lente y Andrew Foley e ilustrado por Dennis Calero), logró colarlo en lo más alto de las listas de ventas inundando las librerías con ejemplares que luego se vendían a un precio inferior al coste o incluso se regalaban. Las pérdidas no importaron porque se logró el objetivo, Universal Pictures y DreamWorks picaron el anzuelo y pusieron en marcha la película, con Steven Spielberg y Ron Howard entre los productores.

La historia de ‘Cowboys & Aliens’, reinventada y ampliada para la gran pantalla, nos traslada a Nuevo México en 1875. Un hombre (Craig, en sustitución de Robert Downey Jr.) despierta en medio del desierto, sin recuerdos y con un extraño brazalete en el brazo izquierdo. Cuando esta especie de antepasado de Jason Bourne llega al pueblo más cercano, descubre que se llama Jake Lonergan y que las autoridades piden una recompensa por su captura, estando acusado de robo y asesinato. Cuando están a punto de llevárselo, el lugar es atacado por unos extraños artefactos con forma de insectos mecánicos que surcan el cielo a gran velocidad; entre explosiones y luces cegadoras, algunos de los habitantes del pueblo son raptados ante la impotencia de sus seres queridos, que solo pueden disparar sus inútiles revólveres. Solo Jake, usando el sorprendente brazalete, consigue derribar a una de las asombrosas máquinas. Y así, el forastero buscado por la ley se convierte en la única esperanza de una insólita expedición que seguirá la pista de los visitantes voladores hasta su refugio (su “colmena”), con la esperanza de encontrar sanos y salvos a los abducidos.

La película arranca con intensidad; plantea un misterio, el entorno es creíble, huele a western, los personajes son interesantes, hay tensión, acción, humor… Jon Favreau se siente cómodo e inspirado dirigiendo lo que empieza siendo una enigmática película del oeste de impecable diseño, pero el guion, en el que han metido mano demasiados profesionales (entre otros, Alex Kurtzman, Roberto Orci y Damon Lindelof, uno de los creadores de ‘Perdidos’/‘Lost’ e imagino que responsable de situaciones como el hallazgo del barco), se estanca enseguida y no responde con imaginación a las incógnitas del primer acto. A un nudo lleno de irregularidades, donde se empieza a tirar de tópicos y “homenajes” (‘Encuentros en la tercera fase’, ‘Alien’...) para intentar mantener el interés, con los actores y los efectos visuales cubriendo la falta de ideas de los guionistas y el realizador (es decir, se repite el caso de ‘Iron Man’ y su continuación), le sigue un último acto atropellado y previsible, sin interés, en la línea de las mecánicas producciones que se limitan a seguir patrones establecidos, con un clímax donde prima el ruido, el sinsentido y la épica barata, las lecciones aprendidas y las empalagosas despedidas.

Apoyada en la atractiva premisa, la eficaz música de Harry Gregson-Williams, unos formidables efectos visuales y un elenco carismático que hace lo posible por creerse el relato (aparte de los mencionados, destaca la participación de Sam Rockwell, Olivia Wilde, Clancy Brown, Paul Dano, Adam Beach, Keith Carradine y Noah Ringer, el chico de ‘Airbender’), ‘Cowboys & Aliens’ se mantiene en pie hasta que se descubre que las respuestas no son tan interesantes como las preguntas. Decepciona encontrar frases y situaciones tan trilladas, personajes que se simplifican y se contradicen, y soluciones disparatadas (el comportamiento de los alienígenas es un sinsentido, como que se diga que no ven bien de día, ¿pueden viajar por el espacio pero no tienen visores para contrarrestar la luz del Sol?) en una película que ha costado tanto dinero, incapaz de aprovechar un punto de partida que prometía sorpresas, diversión, emoción y espectáculo. Visto el resultado (cinematográfico), puede parecer una mala idea mezclar pistoleros con extraterrestres, pero creo que el problema está en levantar un proyecto a partir del envoltorio de algo vacío y confiar en un cineasta tan limitado como Favreau.

Vaya, los hermanos Scott tienen ganas de marcha. Solo un día después de anunciarse que Ridley Scott ha firmado para dirigir una nueva película relacionada con ‘Blade Runner’, nos enteramos que Tony Scott está interesado en filmar un remake del western ‘Grupo salvaje’ (‘The Wild Bunch’, 1969), posiblemente la película más conocida del gran Sam Peckinpah. ¿Por qué? Pues mira, la versión oficial es que se va a dirigir una película moderna en 3D que puedan disfrutar las nuevas generaciones, con la esperanza de que queden tan fascinados que acudan a ver la original. La realidad es que tienen los derechos para volver a hacer la misma película, con todo ya pensado, así que no pierden dinero y tiempo en crear otra historia que igual no funciona; la que hay ya saben que es buena. Además, interesará a mucha gente, solo por ver si se parece en algo a la de Peckinpah. Con los actores adecuados puede ser un buen negocio.

De todos modos, y a pesar de lo que leáis en algunas webs, la nueva versión de ‘Grupo salvaje’ todavía está lejos de ser una realidad. Ahora mismo la noticia es que Scott está negociando con Warner Bros. la posibilidad de encargarse del proyecto, pero aún no ha sido aprobado. Y no se sabe nada más. Al parecer ya hay un guion de David Ayer (‘Training Day’, ‘S.W.A.T.’) en manos de los ejecutivos del estudio, pero Scott quiere que sea Brian Helgeland (‘El fuego de la venganza’, ‘Robin Hood’) quien reescriba el remake. Ya veremos qué ocurre. No confío nada en este realizador (su actualización de ‘Pelham 123’ es mediocre) pero quiero ver más westerns en pantalla grande, y si se reúne a un interesante elenco, pues oye, igual no es tan mala idea. Hay que ser optimistas, ¿no?

PD: El próximo 11 de noviembre se estrena en España una nueva versión de otra de Peckinpah, ‘Perros de paja’. El tráiler lo podéis ver aquí.

Vía | Deadline

El actor que ha dado vida a dos de los personajes más míticos de toda la historia del Cine, Han Solo e Indiana Jones, ahora se pondrá en la piel de uno de los emblemáticos personajes del universo del western: Wyatt Earp. Y lo hará en la adaptación de la obra teatral ‘Black Hats’, de Max Allan Collins, en la que un Earp ya mayor descubre que el hijo de su compañero Doc Holliday está en Chicago asociado con la Mafia de Al Capone. El guión es obra de Kurt Johnstad, en cuyo currículum está el haber colaborado en el libreto de la maja ‘300’ (id, Zack Snyder, 2006). Precisamente lo peor de esa película era el guión.

De esta forma Harrison Ford se une a la larga lista de actores —entre los cuales están Henry Fonda, Burt Lancaster, Kevin Costner, Kurt Russell, Joel McCrea o James Stewart— que han dado vida a tan carismático personaje en películas como ‘Pasión de los fuertes’ (‘My Darling Clementine’, John Ford, 1946) o ‘Duelo de titanes’ (‘Gunfight at the O.K. Corral’, John Sturges, 1957), verdaderas obras maestras, ya no del género en sí, sino del Cine en general. Evidentemente ‘Black Hats’ narra acontecimientos muy alejados del famoso duelo en el OK corral, pero será muy interesante ver a un actor con el que todos hemos crecido interpretando a Wyatt Earp.

A continuación, una reciente aparición de Ford en el programa de David Letterman. Sin comentarios.

Vía | Las horas perdidas

Con la intención de llamar la atención sobre su nuevo trabajo, el western de ciencia-ficción ‘Cowboys & Aliens’, en un verano plagado de blockbusters, Jon Favreau ha tenido la estupenda idea de realizar y publicar entrevistas con algunos de los conocidos profesionales que han colaborado en la película. Tras dialogar con Harrison Ford (que no es el protagonista, sino un secundario de auténtico lujo), el director de las dos entregas de ‘Iron Man’ se reunió con los tres productores que le ofrecieron dirigir la adaptación del cómic ‘Cowboys & Aliens’, Ron Horward, Brian Grazer y Steven Spielberg.

De todo lo que hablan estos cuatro profesionales del mundo del cine (podéis verlo aquí), que se ve que se llevan bastante bien, destacan claramente las divertidas y sabias intervenciones de Spielberg, al que es un placer escuchar. Y con diferencia, lo más llamativo que cuenta es la deliciosa anécdota del día que conoció al mítico John Ford, cuando el responsable de ‘Tiburón’ o ‘La lista de Schindler’ era todavía un joven aspirante a cineasta. Por desgracia, solo he encontrado el vídeo en inglés, sin subtítulos; si apareciera subtitulado al español no dudéis en avisarme y lo cambio enseguida.

Por supuesto, tenía que ser una historia peculiar, pero me esperaba algo muy diferente a lo que narra Spielberg. Básicamente (y esto lo cuento para los que no entienden el inglés, los demás debéis ver el vídeo), Ford le enseñó unos cuadros y le preguntó qué veía en ellos; el joven Spielberg respondió que unos indios, unos caballos… y el veterano director lo mandó a callar. Entonces le dijo: “Cuando entiendas por qué el horizonte está arriba o abajo de la imagen, y no en el centro, puede que seas un muy buen cineasta. Y ahora vete al carajo”.

PD: En cierta manera, se estaba refiriendo a la famosa regla de los tercios.

Lanzada con fuerte publicidad en casi 60 países (ha logrado récords históricos en Filipinas o Emiratos Árabes, según la orgullosa distribuidora), ‘Transformers: El lado oscuro de la Luna’ (‘Transformers: Dark Side of the Moon’) es ahora mismo el mayor éxito comercial del año. Curiosamente, uno de los países donde menos ha entusiasmado es el nuestro. Lo nuevo de Michael Bay es el nuevo número uno de taquilla en España, pero sus cifras están lejos de poder ser consideradas como espectaculares.

Alcanzó solo dos millones y medio de euros durante el pasado fin de semana y no llegó a los tres y medio desde el miércoles, día del estreno, pese a proyectarse en más de 800 pantallas y contar con la ayuda extra del 3D. Las dos primeras entregas no contaron con eso y sin embargo obtuvieron recaudaciones similares. Pese a que en Estados Unidos la tercera entrega de ‘Transformers’ sí ha logrado datos excelentes, allí se sigue diciendo que el 3D tiene los días contados, descendiendo cada vez más su porcentaje de público. ¿Qué os parece, se avecina el final del formato que puso de moda James Cameron?

Tras liderar nuestra taquilla en su estreno, ‘Resacón 2: ¡ahora en Tailandia!’ (‘The Hangover Part II’) cae solo un puesto en su segunda semana, manteniéndose con mejores cifras de las esperadas; ya ha alcanzando la barrera de los 4 millones de euros en diez días, siendo probable que supere las cifras de la primera parte (se quedó en 5,8 millones de euros). La sorpresa negativa de la semana la protagoniza el western español ‘Blackthorn (Sin destino)’, que entra en el “top ten” de milagro con un total de 147.000 €. Aunque se habló mucho del segundo trabajo como director de Mateo Gil, no llegó a alcanzar los mil euros de media en las 159 salas donde se proyectó. Espero que no culpen al género de los pobres resultados.

PD: Hoy se estrena ‘Cars 2’ en España. Veremos qué cifras consigue Pixar con la que dicen que es una de sus peores películas.

Datos | Boxoffice.es

Era osado: Cassidy había sido encarnado por Paul Newman en una película legendaria, y para todo el mundo era él. Así de guapo, con Robert Redford al lado… Pero ojo con Sam Shephard. Con esa cara, esa planta y esa voz, es Cassidy.

(Eduardo Noriega)

Once años después de debutar como director con la fallida ‘Nadie conoce a nadie’, Mateo Gil, guionista de Alejandro Amenábar, vuelve a situarse tras la cámara para orquestar la puesta en escena de ‘Blackthorn (Sin destino)’, una peculiar producción que en su momento fue anunciada como una secuela de la famosa ‘Dos hombres y un destino’ (‘Butch Cassidy and the Sundance Kid’, 1969), con Sam Shepard en la piel del personaje que encarnó Paul Newman. El western, rodado en Bolivia con un presupuesto de 4 millones de euros, se estrena mañana en nuestras salas, con la esperanza de quedarse con todos los espectadores que deseen huir del blockbuster en 3D que va a arrasar en taquilla, ‘Transformers: El lado oscuro de la Luna’ (‘Transformers: Dark Side of the Moon’, 2011).

Escrita por Miguel Barros, ‘Blackthorn (Sin destino)’ cuenta con un elenco internacional encabezado por Shepard, a quien acompañan Eduardo Noriega, Stephen Rea, Magaly Solier, Nicolaj Coster-Waldau y Padraic Delaney, entre otros. La fotografía es de J.A. Ruiz Anchía y la música la firma Lucio Godoy. En cuanto al argumento, parte de que la versión oficial sobre la muerte del legendario forajido Butch Cassidy en 1908, tiroteado junto a su amigo Sundance Kid, no se corresponde con la realidad; Butch no murió en aquel tiroteo, se ha pasado veinte años escondido y ahora quiere volver a casa, pero en su camino se cruzará con un joven ingeniero español que acaba de robar la mina en la que trabajaba, y que pertenece al empresario más importante de Bolivia. ¿Os apetece ver esto?

PD: A sus 38 años, Gil ha ganado ya cuatro premios Goya: mejor guión original por ‘Mar adentro’ (2004), mejor guión adaptado por ‘El método’ (2005), mejor corto de ficción por ‘Dime que yo’ (2010) y mejor guión original por ‘Ágora’ (2009).

Vía | Labutaca y 20minutos