Sabes, hay días en que me siento como un perro apaleado. Un día empezaré a morder, te lo juro.

Hoy volvemos a recuperar en Blogdecine la sección de “críticas a la carta” (en la que comentamos las películas que vosotros nos pedís) con un relato tan frío y contundente como un duro invierno, cuya historia se centra en las raíces violentas de un hombre que no puede evitar convertirse en la persona que más odia en el mundo: su padre. No es la mejor película para ver durante las navidades. ‘Aflicción’ (‘Affliction’) es un drama de 1997 escrito y dirigido por Paul Schrader, basado en la novela homónima de Russell Banks. Lo protagonizan Nick Nolte, Willem Dafoe, Sissy Spacek, Holmes Osborne y James Coburn, premiado con un Oscar (mejor actor de reparto) por un oscuro y terrible personaje que se queda grabado en la retina, uno de los mayores villanos que nos ha dejado el cine desde la década de los 90.

‘Aflicción’ está narrada con la voz en off de Rolfe Whitehouse (Dafoe), quien desde el principio nos anuncia que vamos a conocer la extraña historia de violencia protagonizada por su desaparecido hermano mayor. Wade (Nolte) es el sheriff de una pequeña localidad norteamericana que desea pasar la noche de Halloween con su hija. Pero es un hombre torpe con las emociones y las relaciones personales, que no comprende a la pequeña y que no tiene paciencia; aprovechando que su padre la abandona para fumar un porro con su colega, la niña aprovecha para llamar a su madre y pedirle que vaya a recogerla. Wade se muestra irritado y violento cuando su exmujer y el nuevo marido de ésta le “arrebatan” a su hija, que estaba deseando volver al que considera su hogar; Wade se tranquiliza gracias a su cálida amiga Margie (Spacek), pero no puede evitar sentirse derrotado, fracasado en su intento por ser un buen padre. En estos primeros minutos se nos ha presentado de manera sencilla y eficaz al protagonista, sus conflictos y su entorno. Nos falta saber por qué es así y a qué se refiere su hermano cuando habla de la conducta criminal de Wade.

Una muerte alterará la tranquilidad del pueblo y acelerará la transición a la locura de Wade. Lo que se considera un accidente de caza en el que está implicado su mejor amigo, Jack (Jim True-Frost), es visto por Wade como un asesinato a sangre fría. Jack jura que el fallecido, un tipo importante, tropezó y se disparó a sí mismo; pero Wade no le cree, le considera sospechoso. Poco a poco, y tras hablar con su hermano, llegará a estar convencido de su propia versión de los hechos y obsesionado con demostrar que tiene razón. El espectador no llega a ver cómo se produce el disparo pero sí la caída de la que habla Jack, por lo que no puede estar seguro de lo ocurrido. ¿Tiene razón Wade? Schrader juega con el misterio y el deseo por parte del público de creer a Wade, de considerarlo un héroe en potencia, uno de esos valientes justicieros de western que pese a tenerlo todo en su contra consigue acabar con los malos a tiros, y devolver la paz a un agradecido pueblo, no un pelele que solo sirve para quitar la nieve o dirigir el tráfico. La imagen heroica está más o menos en la cabeza de Wade, pero no es ‘Aflicción’ una historia convencional de redención. Habrá violencia y veremos más cadáveres, pero no será nada agradable.

Un motivo para desconfiar de la trama que se está creando Wade en la cabeza es la anécdota que se cuenta en un bar del pueblo relacionada con la crueldad de su padre. La primera vez que vemos a Glen Whitehouse (Coburn) es en lo que parece ser un flashback (visualmente diferenciado del resto, como si fuese un extracto de una vieja película casera) de la infancia de Wade donde vemos que ya desde pequeño se resistía a aceptar la dominación de su brutal padre, un amargado machista borracho, defendiendo a su hermano pequeño, más débil, y a su madre. Más adelante, Rolfe, que presume de no haber sido afectado por la violencia de su padre, revela que el episodio no sucedió exactamente tal como lo cuenta Wade, algo que desconcierta a su hermano. La familia Whitehouse (“Casablanca”) se reúne después de mucho tiempo (aparece la hermana de Wade, una fanática religiosa que habla del infierno, y Rolfe responde de manera sarcástica) a causa del segundo fallecimiento de la película, el de la madre del protagonista. La secuencia en la que se descubre el cuerpo inerte de la mujer es una de las más brillantes del film, tanto por puesta en escena como por la fuerza y la elocuencia de las imágenes y los diálogos. Otro de los mejores momentos tiene lugar en los minutos finales, cuando Wade entra en casa y se sienta a beber tras su último enfrentamiento con Glen.

Es una lástima que Schroeder, mejor guionista (‘Toro salvaje’, ‘Taxi Driver’...) que realizador, no esté tan inspirado en el resto de la película, a la que le sienta mal la narración en off (uno de los mayores errores al adaptar un libro, explicar en lugar de mostrar) y la torpeza de las escenas donde se manifiesta la violencia (mucho mejor retratada cuando está contenida). En cualquier caso, las virtudes pesan más que los defectos de ‘Aflicción’. La recreación atmosférica del pueblo y la realidad emocional de Wade (que como todos ve el mundo a su manera), el progresivo deterioro mental del protagonista (impresionante la escena de la muela), el retrato de la virulenta violencia masculina (que infecta y destruye a su alrededor) así como las formidables interpretaciones (destacan especialmente unos imponentes Nolte y Coburn) hacen del film una experiencia inolvidable. Es una película difícil, incómoda, triste, angustiosa y devastadora.

Aquí os traigo nuevo material promocional de la esperada ‘John Carter’, a solo un día de que aparezca en la red el nuevo tráiler. Recordemos que se trata de una superproducción de Disney basada en la obra de Edgar Rice Burroughs, escrita para la gran pantalla por Mark Andrews, Michael Chabon y Andrew Stanton, que se ha encargado de la puesta en escena (previamente dirigió las animadas ‘‘Buscando a Nemo’, ‘WALL·E’). Se estrena el próximo 9 de marzo en EE.UU., en salas 2D, IMAX y 3D; a España llegará un poco después, el día 23.

El que tenéis arriba es el segundo póster que lanza Disney de ‘John Carter’ (aquí podéis ver el primero), y tampoco me entusiasma, la idea es buena, pero la manera en la que han pegado al protagonista me parece desastrosa. Más abajo os he dejado las últimas fotos oficiales, donde podemos echar un vistazo a otras de las fantásticas criaturas que se encuentra el protagonista, otro John Smith que se enamora de una indígena y vive grandes aventuras en un mundo diferente al suyo. En principio cabe temer que se trate de un simplón espectáculo sin alma repleto de efectos visuales, pero creo que ante todo hay que tener confianza en la dirección Stanton. Lo que menos me convence es que el papel principal esté en manos de Taylor Kitsch, tanto en el teaser como en las imágenes parece que se limita a posar, sus reacciones no resultan creíbles. Espero que en la película ofrezca una interpretación convincente, no todos los años tenemos la oportunidad de ir a ver una superproducción de fantasía…

Kitsch, Lynn Collins, Samantha Morton, Mark Strong, Willem Dafoe, Ciarán Hinds, Dominic West, James Purefoy, Polly Walker, Thomas Hayden Church y Bryan Cranston protagonizan ‘John Carter’, aunque a algunos no los veremos ya que interpretan a personajes creados por ordenador (veremos sus movimientos y oiremos su voz, en la versión original). Se supone que la película ha costado en torno a 250 millones de dólares, y que si triunfa, como es de esperar, será la primera entrega de una saga. ¿Qué os parece, queréis verla?

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Después de ‘John Carter’, el siguiente estreno protagonizado por Kitsch es ‘Battleship’ (verano de 2012), o sea, la adaptación del juego ‘Hundir la flota’.

Vía | Impawards

Este fin de semana se ha estrenado, con dos años de retraso con respecto a su país de origen, pero en un número bastante considerable de salas; ‘El caso Farewell’ (‘L’affaire Farewell’, 2009), la adaptación escrita y dirigida por Christian Carion del libro ‘Bonjour Farewell’, de Serguei Kostine. La novela reproduce el caso real de espionaje que acabó con la guerra fría a principios de los años ochenta del siglo pasado. Un agente de la KGB, interpretado por el director Emir Kusturica, decide que su sistema necesita un cambio y trata de provocar la caída desde dentro pasándole información a un francés que trabaja en la Thompson de Moscú, a quien da vida el también director y actor Guillaume Canet.

Antes que en las implicaciones globales de la decisión de Grigoriev –a quien la DST dio como nombre en clave Farewell (“adiós” en inglés), para que las sospechas recayesen e la CIA–, la película se centra en la tragedia humana y el riesgo personal que provocaron los hechos para estos dos hombres y sus familias. Uno despreocupado por seguir ningún protocolo de espionaje para cubrir sus espaldas y el otro inexperto, el coronel ruso y el ingeniero francés no supieron protegerse de las consecuencias de sus actos. ‘El caso Farewell’, por lo tanto, se aprecia más como un drama en el que los conflictos matrimoniales de confianza, fidelidad y miedo o los paterno-filiales de admiración y respeto están mejor representados que en un gran número de cintas que se dedican a estas cuestiones con exclusividad. Los intérpretes, magníficos en cada uno de sus papeles, destilan su sufrir más allá de la pantalla.

En su narración de lo político, ‘El caso Farewell’ es tan sobrio que resulta parco. La progresión histórica se despliega sin más, como quien resume o extrae fragmentos del libro o de un supuesto informe Farewell. La representación de los líderes políticos –Fred Ward como un Ronald Reagan obsesionado con ‘El hombre que mató a Liberty Valance’, entre otros– se ve caricaturesca, rígida y falsa. Willem Dafoe como director del FBI o Diane Kruger en un cameo como espía, completan un reparto más insólito que portentoso.

Se contrarresta esta austeridad de Carion [‘La chica de París’ o ‘Feliz Navidad (Joyeux Noël)’] con curiosas estampas paisajísticas y escenas gratuitas a ritmo de Queen –en la banda sonora, también Pink Floyd o Simple Minds, además de Léo Ferré– que, lejos de estar de más, le aportan al film el toque personal y diferenciador que necesita para alejarse del estigma de recreación televisiva. La ambientación de época, con un Moscú semidesértico y esa tensión que imprimía la conciencia de que los agentes del bloque podrían estar vigilantes o surgir de cualquier rincón para efectuar una detención, se confeccionan con acierto.

Podría criticar que el “punto de no retorno” del personaje de Pierre Froment no está bien planteado, ya que no se produce el momento en el que, inconscientemente, se va sumergiendo en un peligro mientras el riesgo le resulta desconocido para darse cuenta de lo que está en juego demasiado tarde, cuando ya no puede dar marcha atrás. Aunque él quiera aparentar lo contrario ante su mujer, ante Grigoriev e incluso ante sí mismo, la película demuestra, sin decirlo abiertamente en ningún momento, que el padre de familia está tomando esta decisión consciente y voluntariamente. Se ha convencido de la pretensión utópica del ruso, pues le han embaucado la ilusión y el carisma de este hombre, como probablemente embaucarán a cualquier espectador. Así, un personaje que podría parecer demasiado pasivo o víctima es, en realidad, un participante activo cuya reticencia no es más que una pose.

Espías como nosotros

Existe toda una escuela de grandes películas de espionaje que son pausadas, dan predominancia al diálogo y cargan de densidad de información sus minutos. ‘El caso Farewell’ no está claramente ahí, pero se acerca más a esta vertiente que a las cintas de acción de la Guerra Fría. Es un film de espías tranquilos, que no corren, pelean ni son perseguidos. Son espías que sufren por mentir a sus esposas, que buscan abandonar la misión porque no se trata de su oficio, que no tienen la astucia para improvisar engaños ni el entrenamiento para representar papeles o imitar acentos –en una de las frases se hace, de hecho, mención sarcástica a James Bond–. Son lo que podríamos imaginar que fue un espía en el mundo real y no en ese mundo ficticio que el cine nos ofrece para nuestro deleite y entretenimiento. En definitiva, son espías humanos, con los mismos problemas que tendría cualquier otra persona de su edad y en su situación.

‘El caso Farewell’ no es una película perfecta ni cuenta con ningún aspecto concreto llevado a cabo de manera grandiosa. Pero tiene la virtud de sostener la curiosidad durante sus casi dos horas de duración. Con algún momento especialmente logrado y unas interpretaciones sentidas y auténticas, funciona como drama y como recuerdo de una época que parece más pasada de lo que es.

Mi puntuación:

El cine ha cambiado porque todo el mundo tiene acceso a una cámara y puede hacer películas. Pero cómo hacer buenas películas no ha cambiado. Las buenas películas salen del corazón, no de las cámaras.

(Abel Ferrara)

El mundo se acaba otra vez, en la gran pantalla. Esta pasada semana terminó el rodaje de la nueva película de Abel Ferrara, un drama centrado en el último día de la vida en la Tierra. Se titula ‘4:44 – Last Day on Earth’, está protagonizada por Willem Dafoe y Shanyn Leigh y por el momento no tiene fecha de estreno, a la espera de encontrar distribuidores. Curiosamente, Dafoe protagonizó ‘Antichrist’ de Lars von Trier, quien también ha tratado la posibilidad del fin del mundo en su nuevo trabajo, ‘Melancholia’ (se presenta en breve durante el festival de Cannes). Seguro que resulta interesante ver el enfoque de este tema desde el punto de vista de dos autores tan poco comerciales. Que la de Roland Emmerich ya la conocemos.

En ‘4:44 – Last Day on Earth’ (‘4:44 – Último día en la Tierra’) un actor y una pintora deben aceptar el final de todo aquello que conocen, a las 4:44 de la mañana, decidiendo pasar sus últimas horas de vida juntos en su apartamento de Nueva York. Como podéis imaginar (más que nada por falta de presupuesto) Ferrara no tiene intención de mostrar tsunamis, explosiones, volcanes y terremotos a lo largo del planeta, sino que se centrará en las reacciones y el drama de la pareja en su piso, mientras se acerca la hora del título. Al parecer, a través de Internet (no me imagino la cantidad de mensajes que se escribirían en un día así) permitirá a los personajes no solo saber qué ocurre fuera sino también despedirse de sus seres queridos; mientras la pintora afronta el fin del mundo con una sensación de paz, el actor no consigue soportar la idea y esperará un milagro hasta el último momento. Ya veremos si llega.

PD: El padre del personaje de Dafoe ha sido interpretado por su verdadero, William Alfred Dafoe, cirujano.

Vía | Empire, Elpais y Filmannex

El escritor y director estadounidense Paul Schrader, conocido por firmar los guiones de ‘Taxi Driver’ y ‘Toro salvaje’ (‘Raging Bull’), ha conseguido que las compañías Maya Entertainment y Open Window Films se interesen por su nuevo proyecto, por lo que podrá comenzar el rodaje el próximo mes de marzo. La película parte de un guión suyo titulado ‘The Jesuit’, y contará con un reparto encabezado por Willem Dafoe, Michelle Rodriguez, Paz Vega y Manolo Cardona.

Pese al título, y a que Schrader ha escrito previamente historias relacionadas con la religión (lo más destacable, el guión de ‘La última tentación de Cristo’, también para Scorsese), su nuevo largometraje no va por ahí, es un thriller de acción cuya trama podría servir a Robert Rodriguez para emprender la secuela de ‘Machete’. Todo gira en torno a un hombre apodado ‘El Jesuita’, que tras salir de prisión decide comenzar una nueva vida y alejarse del crimen. Sin embargo, su mujer es asesinada y su hijo secuestrado y llevado a México, lo que acaba con los buenos propósitos del protagonista, que se embarca en un sangriento viaje de venganza. Veremos qué sale de aquí, si queréis ver algo dirigido por Schrader os recomiendo su ópera prima, ‘Blue Collar’.

PD: Rodriguez es estadounidense (de origen dominico-puertorriqueño), Vega española y Cardona colombiano.

Vía | ComingSoon

“Consideré que se trataba, en cierto modo, de una señal religiosa, que Dios había dicho que yo no estaba preparado para hacer la película y necesitaba sufrir más humillaciones. Es cierto, estoy convencido de ello’

- Martin Scorsese, 1994

Cuatro años después de la primera intentona de levantar este proyecto, Scorsese tenía pocas esperanzas de que algún día se hiciera realidad. Eso sí, seguía intentándolo con resignación y paciencia. Para un hombre como él, proveniente de una tradición tan católica, que incluso se había planteado hacerse cura en su juventud, esta película era algo así como un desafío personal. Más aún cuando la novela de Nikos Kazantzakis le proveía de un punto de vista muy afín a su idiosincrasia artística, con el que podía elaborar un discurso sobre Jesús mucho más personal y alejado, en cierta forma, de lo que se podría esperar de un relato de estas características. Pero las mejores opciones no daban frutos debido a las presiones de los grupos católicos más integristas, que lograban complicar las cosas todavía más. Todo cambió para él cuando, a comienzos de 1987, Michael Ovitz (que por entonces gozaba de un considerable poder en la industria) se convierte en su representante y le presenta a Garth Drabinsky, propietario de la más importante franquicia de cines en Norteamérica y Canadá, que le asegura la distribución en esos países a pesar de la amenaza de boicot, y al que le gusta tanto el proyecto que pone sobre la mesa la mitad del dinero necesario para hacerla realidad.

De tal modo que Scorsese, de una vez por todas, se lanza decidido a por la película. Eso sí, debe afrontar una drástica reducción de la producción inicial, pues de las necesidades y el presupuesto previsto cuatro años atrás, apenas puede contar con aproximadamente la mitad. Pero procura soslayar estas limitaciones con profesionalidad y pasión, llevando a cabo la que puede calificarse, sin lugar a dudas, como una de sus películas más arriesgadas, sinceras y apasionadas. Personalmente, yo nunca la colocaría entre sus grandes obras maestras, pues está lejos de ello, pero sí entre sus obras notables, la mayoría de las cuales se encuentran en esa convulsa e intrincada década de los años ochenta, en la que este cineasta hizo un pulso apasionante a los imperativos de una industria cada vez más intratable, saliendo victorioso de esa pugna.

El actor que iba a interpretar a Cristo, inicialmente, era Aidan Quinn, pero en el último momento se echó atrás, aduciendo que le habían aconsejado, debido a la enorme presión integrista, que no participara en la película. Scorsese no se amilanó y enseguida se puso a considerar otras opciones como Christopher Walken, Eric Roberts o Willem Dafoe, que finalmente se quedó con el papel. Ahora, resulta inimaginable cualquiera de ellos como Cristo, porque Dafoe lleva a cabo una de las interpretaciones más desgarradas y fascinantes de toda su carrera. Respecto a las presiones de los grupos católicos más intolerantes, huelga decir que en la mayoría de los casos no se habían leído el libro de Kazantzakis, ni sabían absolutamente nada del proyecto, y toda la controversia que montaron con el motivo del rodaje y estreno de esta película resulta, a día de hoy, bastante absurda, tal como suele pasar con estas cosas. Algunos años antes había tenido lugar otra enorme polémica con ‘La vida de Brian’ (‘Life of Brian’, Terry Jones, 1979) y todo se repitió con ‘La última tentación de Cristo’ (‘The Last Temptation of Christ’, 1988).

Entre lo humano y lo divino

La excelente novela de Kazantzakis, que murió en 1957, no era precisamente un material de fácil condensación para un guión cinematográfico, pero el gran Paul Schrader, que colaboraba con Scorsese por tercera vez, entregó un libreto que sintetizaba de manera admirable el corazón de la historia: la intensa dualidad de un Cristo al que se le ofrecía la posibilidad de vivir una vida muy alejada de su lado divino, en una existencia casi paralela. Una vez más, por supuesto, Scorsese llevó a cabo una serie de reescrituras con ayuda de su amigo Jay Cocks, aunque finalmente ninguno de los dos figurara en los créditos como guionistas, ya que Schrader se negó rotundamente a ello. Sea como fuere, se rodó un material puramente scorsesiano, en el que el protagonista lucha aparentemente con todo el mundo, cuando su mayor y más feroz lucha es contra sí mismo. Un Cristo que advierte en su interior una debilidad, una fragilidad, que le hace indigno de convertirse en el mesías y en el portador de un mensaje de esperanza, y que por ello renuncia a esa vida y tiene la oportunidad de experimentar otra.

Es precisamente la confrontación entre lo humano y lo divino, la lucha interna entre lo que vive en nuestro interior de espiritual y de material, la esencia misma del cine de Scorsese, un cine profundamente existencialista y atormentado. Su Cristo mira en su interior con un salvajismo inusitado, y las heridas de su cuerpo, su sufrimiento físico, es al mismo tiempo espejo y representación de su aflicción y angustia interior. Cristo como parábola y metáfora del sufrimiento del mundo, más que como vehículo de fe. Y en esa metáfora, se une lo abstracto y lo carnal. No caben, por tanto, aquí las quimeras integristas y simplificadoras de otros acercamientos a la mítica figura de Jesús. En primer lugar, para Scorsese, Jesús era humano, atrozmente humano, y esto otorga una nueva dimensión, más real y más poderosa, a su condición divina o celestial. Narra los episodios de Jesús de manera incluso ortodoxa, pero la dimensión humana que Dafoe y Scorsese impregnan al personaje convierten a esos episodios tan conocidos en algo mucho más sincero y auténtico, como si nunca los hubiéramos visto antes. El tercio final, realmente magnífico, hace por fin pedazos la figura y la mitología del personaje, para deconstruirla y hacerla más verdadera, más dolorosa, más bella.

Contando por tercera vez consecutiva con el operador Michael Ballhaus, él y Scorsese trabajaron a destajo en un rodaje lleno de tensiones y con poco tiempo para imprevistos o nuevas tomas. El ambiente de la película, seco, áspero, sencillo, creo que es el adecuado para transmitir este torrente sensorial y emocional, esta angustia incontenible de Jesús. En ese sentido, el formidable trabajo musical de Peter Gabriel, no podía ser más pertinente no solo como acompañamiento a las imágenes, también como catalizador de emociones cuando la imagen ya no llega más allá, cuando los actores (todos estupendos, no solamente Dafoe, también Keitel, Verna Bloom, Barbara Hershey...) no pueden exprimirse más. Todo ello para ofrecer al espectador una experiencia que transita por lo místico sin perder nunca pie en lo terrenal, construida para darle la oportunidad a Cristo de ser una persona capaz de elegir, de sufrir, de dudar… y de triunfar muriendo.

Escena predilecta y conclusión

Posiblemente, cuando Jesús le pide a Dios que le perdone. Creo que jamás vi a Dafoe tan arrasado y desgarrado. Tachada de blasfema por el mismísimo Juan Pablo II, ‘La última tentación de Cristo’ es un compromiso de su autor consigo mismo, y una cita obligada para todos sus incondicionales. Lo que los fanáticos que se manifestaron contra ella (sin verla) no sabían, es que la polémica que montaron sirvió para que la película consiguiese un notable éxito, dentro de los límites de una producción de este tipo. Scorsese, a sus cuarenta y seis años, había filmado uno de sus más grandes sueños, y estaba preparado para pasar a una nueva etapa. No sin antes filmar un notable mediometraje, dentro de un filme de episodios en compañía de un par de amigos. Mediometraje del que hablaremos en unos días.

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-Sr. Fox: “¿Por qué un zorro? ¿Por qué no un caballo, un escarabajo, o un águila? Lo pregunto más como algo existencialista, ya sabes. ¿Quién soy? ¿Y cómo puede ser feliz un zorro sin, perdóname la expresión, un pollo entre sus dientes?

-Kylie: “No sé de qué estás hablando, pero suena ilegal”.

Tras un retraso considerable, por fin llegará a nuestras pantallas el próximo viernes ‘Fantástico Sr. Fox’ (‘Fantastic Mr. Fox’), escrita y dirigida por Wes Anderson. Tras cuatro películas basadas en ideas originales (tres de ellas co-escritas con Owen Wilson), el cineasta estadounidense optó por adaptar un relato ajeno, uno de los cuentos más populares de Roald Dahl (editado en nuestro país bajo el título de ‘El superzorro’), sobre un zorro muy listo que debe enfrentarse a tres granjeros, lo que le obligaba también a emprender su primer trabajo animado.

Puestos a tirarse a la piscina, Anderson lo hizo a lo grande, eligiendo la artesanal, complicada y lenta técnica del stop-motion, una decisión que le trajo más de un problema (el especialista Henry Selick le abandonó para trabajar en ‘Coraline’, y uno de los técnicos le acusó públicamente de no estar nunca en el set y no tener ni idea de animación), pero que finalmente, viendo el resultado, se revela como un enorme acierto, especialmente ahora que casi todo se tiene que hacer por ordenador (hay aquí escenas “trucadas” de esa forma, pero ya me entendéis), se expande la locura del 3D y el público, o buena parte de él, echa de menos algo más tradicional. Las críticas han sido muy positivas y aunque sea lo de menos, cabe señalar que ‘Fantástico Sr. Fox’ fue una de las cinco nominadas al Oscar a la mejor película animada (premio que se llevó justamente ‘Up’), siendo también finalista la estupenda banda sonora de Alexandre Desplat.

Una adaptación trabajada y personal

El cuento infantil de Roald Dahl, que con una letra muy grande y muchas ilustraciones llega a las 150 páginas, gira en torno a un zorro y tres granjeros, a los que el animal roba constantemente (para alimentar a los suyos, desde luego). Un día los tres hombres deciden unir sus fuerzas y acabar de una vez por todas con el zorro y su familia, tras descubrir el árbol bajo el que viven. Poco más hay en el relato de Dahl, y esto lo toma Anderson no sólo para trasladarlo a su terreno sino también para extenderlo considerablemente, dando como resultado una película completamente suya de unos noventa minutos.

La base de la historia sigue siendo la misma, casi todo lo que sucede en la obra original pasa también en la película, y por supuesto los animales están ahí, tal y como los imaginó Dahl, pero Anderson, con la ayuda de Noah Baumbach (con quien ya había trabajado en ‘Life Aquatic’), les inventa un pasado, los dota de una mayor personalidad, los hace más contradictorios, y los lleva por un camino diferente, ya que la película no termina donde lo hace el libro, lo que se agradece muchísimo, pudiendo haberse conformado simplemente con añadir algún detalle personal y dejar todo lo demás tal y como estaba. De hecho, se ha incluido demasiada trama nueva, siendo uno de los defectos de un film en general muy entretenido, fresco, atípico.

Desde la primera escena, uno comprende varias cosas; que esto se lo han tomado muy en serio, que no se está ante una película corriente y que la firma Wes Anderson. Todo arranca con un libro que se abre, y siendo la adaptación de un cuento es algo comprensible, pero hay que decir que así es justo como comienza ‘Los Tenembaum’ (lo mejor de este realizador hasta el momento), para luego mostrar al protagonista mascando una ramita y escuchando música, apoyado en el tronco de un árbol mientras espera a su novia. Tras unos diálogos rápidos marca de la casa, se lanzan a robar comida y en el intento quedan atrapados, momento en el que ella aprovecha para confesar que está embarazada; la cara del zorro os la podéis imaginar. Años después (más para los animales que para los humanos), ya tenemos la clásica familia disfuncional del cine de Anderson.

Familia y amigos del irresponsable señor Zorro

Aun con aspecto de zorro, el protagonista (con la voz de George Clooney) es el mismo personaje inmaduro de las anteriores películas del director, el mismo adulto egoísta, excéntrico y torpe con su familia, que debe afrontar sus fracasos, hacerse cargo de sus responsabilidades y emprender un cambio antes de que sea demasiado tarde y se quede solo el resto de sus días. Está la esposa, Felicity (voz de Meryl Streep), comprensiva pero responsable, que aguanta como mejor puede el comportamiento de su marido, no sólo por amor sino también probablemente porque se siente culpable por haberle despertado de su sueño de juventud eterna, pero que en un momento dado deberá obligarle a elegir: o ella (y su familia) o la puerta, donde puede seguir con sus juegos.

Por otro lado están los vástagos, quienes sufren por las expectativas de su padre y crecen amargados, no perdonando fácilmente a quien les forzó a pelear para conseguir una vida que realmente no deseaban (sigo hablando del cine de Anderson, si bien esto lo habrá vivido más de uno en sus propias carnes). En ‘Fantástico Sr. Zorro’ tenemos a dos pequeños compartiendo el mismo techo, aunque sólo uno es hijo de los zorros (Jason Schwartzman), el otro es un sobrino que debe quedarse con ellos (Eric Anderson, hermano del director); mientras que el primero intenta llamar la atención de su padre pero no hace más que meter la pata, enfadarse y aislarse, el segundo es justo lo que deseaba el Sr. Fox, un atleta que le puede acompañar en los robos, pero claro, no es su hijo.

Puede que Anderson descuidara el trabajado en el set, que no entendiera bien cómo funciona el “stop-motion” y que reciba más mérito del que merece por el magnífico resultado final, pero lo que es indudable es que la película funciona, que el guión, aun partiendo de lo escrito por Roald Dahl, es completamente suyo, y que supo cuidar las voces de sus personajes, consiguiendo para ello un reparto envidiable en el que figuran, además de los ya mencionados, Bill Murray, Michael Gambon, Willem Dafoe, Owen Wilson, Brian Cox y Adrien Brody, entre otros. Una película de precioso acabado, entretenidísima y recomendable tanto para los niños (sigue siendo un cuento protagonizado por zorros) como para los adultos (que pillarán alguna broma más). Se queda en la memoria, o quizá sólo si te encantan los animales.

La invasión de los vampiros a la que nos estamos viendo sometidos desde el éxito de ‘Crepúsculo’ tuvo un nuevo capítulo el viernes 26 de febrero con el estreno en nuestro país de ‘Daybreakers’, casi dos mes después que en Estados Unidos (donde ha recaudado lo suficiente como para cubrir costes). La nueva película de los australianos hermanos Spierig, con un llamativo reparto en el que figuran Ethan Hawke, Willem Dafoe, Sam Neill e Isabel Lucas (la chica que logró eclipsar a Megan Fox en ‘Transformers 2’), llegó a los cines tras varios retrasos importantes, de hecho, la primera imagen oficial salió en verano de 2007. Esto no suele significar nada bueno, y aquí tenemos otra prueba más.

Porque cuando pensaba que no se podía caer más bajo, que ‘Crepúsculo’ era lo peor que se podía hacer dentro del subgénero vampírico (‘Luna nueva’ ni la considero, eso no es cine), los Spierig demuestran que la filosofía de la Ley de Murphy es totalmente cierta. Todo se puede empeorar. Estos directores, que debutaron en 2003 con ‘Undead’, uno de esos churros gore que inexplicablemente se convierten en películas de culto (si fueran más exigentes poniendo esta etiqueta no estaría tan devaluada), dieron el salto a Estados Unidos con un guión que cuenta con un interesante punto de partida: en un futuro cercano los vampiros dominan el planeta, pero se están quedando sin sangre con la que alimentarse. Pero como apuntaba mi compañera Beatriz en su crítica, a Michael y Peter Spierig no les interesa desarrollar las posibilidades de esta idea, sino tener una excusa para mostrar acción y escenas sangrientas.

Claro que si la acción estuviese planificada con inteligencia y rodada con habilidad, y las escenas sangrientas fueran impactantes y desagradables, no habría problema, se puede aceptar que la historia no tenga mucho recorrido y los personajes sean poco más que tópicos. Pero los Spierig no saben rodar acción, son de los que creen que violencia y velocidad equivale a cortar la secuencia en mil trozos ruidosos, del mismo modo que piensan que lo sangriento debe ser divertido, así que sumado a un argumento que son incapaces de extender y a unos actores desganados y mal dirigidos, da como resultado una película soporífera, mediocre, de las peores que he visto últimamente.

He leído decir a Ethan Hawke (en una entrevista “genérica” que los medios pueden copiar y pegar, añadiéndolo a sus contenidos alegremente) que cuando le pasaron el guión no lo leyó, que en lugar de eso se puso a ver la película con la que debutaron los realizadores; reconoce que la apagó a los diez minutos, harto de tanta estupidez. Más tarde la volvió a ver con sus hermanos, más jóvenes que él, y pasaron un buen rato entre risas, decidiéndose finalmente a darle una oportunidad al guión de los Spierig. Dice el actor que además de ser una película de vampiros para adultos (en realidad debería haber dicho con actores adultos), le interesó el tema de la falta de recursos, pudiendo verse como una metáfora de la situación actual que vivimos. Claro que esto es simplemente una vacía respuesta de marketing, no hay nada en ‘Daybreakers’ que se parezca a nuestro presente, y pretender que el film denuncia nuestra exagerada explotación del planeta es como decir que ‘Crepúsculo’ ayuda a prevenir los embarazos no deseados.

Puede maquillarlo como quiera, pero el papel de Hawke en ‘Daybreakers’ es de pena. Se supone que interpreta al científico encargado de encontrar un sustituto para la sangre humana, que pueda mantener vivos a los de su raza, cada vez más desesperados ante la falta de alimento. Las pintas y la actitud de Hawke en el film podrían encajar en el papel de un vampiro dedicado a la escritura o al automovilismo, pero es de risa pretender que este tipo sea un importante científico con tan fundamental misión. Aparte de esto, que sólo es la punta del iceberg, es de cachondeo que los vampiros, que se muestran como seres racionales, esperen a que la situación sea absolutamente desesperada para ponerse a buscar como locos una solución alternativa. Mientras nadie más hace nada (¿¿en qué y para qué trabajan los vampiros??), salvo gastar la poca sangre que queda, el personaje de Hawke, que tiene la casa menos segura del planeta, encuentra a un grupo de humanos y se va con ellos.

La pandilla de humanos está liderada por los personajes de Claudia Karvan y Willem Dafoe, que enseguida confiesa que es un vampiro “curado”. Gracias a él, el científico descubrirá la clave que buscaba para solucionar el gran problema de la trama (si os lo contara os creeríais que estoy de coña, de lo absurdo que es). Entre los tres, porque aunque hay más personajes a su alrededor no tienen demasiada relevancia (como un senador chupasangre que también quiere la paz entre especies o la chica que interpreta Isabel Lucas, a la que le espera un arrebato de incoherencia increíble por parte de su padre), lo resuelven todo y la película comienza a parecerse bastante a un chicle que llevas masticando aburridamente durante horas.

Los personajes, que no paran de retratarse con diálogos forzados e inverosímiles, y con los típicos recuerdos traumáticos (del tipo desde que murió mi tortuga me siento solo en este mundo cruel), se mueven de un lado para otro sin que importe lo más mínimo, inmersos en una espiral de estupideces que llega a su momento cumbre con la patética escena de la ejecución de un puñado de monstruos, a cámara lenta y con la típica musiquilla que ponen en Hollywood cuando forzar al público que sienta pena. Es para partirse de risa. ¿De verdad esperan que alguien pueda sentir lástima por la suerte de semejantes criaturas?

En definitiva, un título del que huir, otra película que hunde aún más el cine sobre vampiros, que hasta que no se estrene la última parte de ‘Crepúsculo’, va a seguir inundando nuestras vidas. Menos mal que todavía hay gente como Tomas Alfredson (‘Déjame entrar’) o Park Chan-wook (‘Thirst’) que se toman en serio el tema, entienden todo el juego que puede dar y ofrecen propuestas fascinantes, alejadas de las cursis historias de amor, la acción sin emoción y el gore más aburrido.

Desde el éxito de ‘Crepúsculo’ hemos visto cómo han empezado a salir muchas películas y series de vampiros. Tras el arrollador exitazo de ‘Luna nueva’, me temo que la moda va a ir en aumento. Y digo “me temo” porque aunque este fenómeno nos permita descubrir algunas joyas, que de otra forma no habrían visto la luz (nunca mejor dicho), también nos vamos a tener que enfrentar a una incontable marea de productos mediocres, fabricados rápidamente con la única meta de sacar tajada del negocio actual. En este sentido, ‘Daybreakers’ es una completa incógnita.

Dirigida por los hermanos Michael y Peter Spierig, la película está terminada desde , pero su estreno se ha ido retrasando hasta que, por fin, llegará a los cines el próximo 8 de enero, aprovechando lo que hablamos de la saga de la mormona Stephenie Meyer. No es la primera vez que hablamos aquí de ‘Daybreakers’, ya comentamos el primer cartel y el primer tráiler. La semana pasada salió un nuevo avance para televisión, de un minuto de duración, que es lo que traigo en esta entrada. Personalmente, lo encuentro más interesante que el vídeo de dos minutos que ya habíamos visto, pero quizá es porque muestra menos escenas… Ya me diréis vuestra opinión.

En cualquier caso, el punto de partida y el reparto de ‘Daybreakers’ resultan lo suficientemente atractivos como para tenerla en cuenta, al menos, para el público aficionado al cine fantástico y de terror. Ethan Hawke, Sam Neill, Willem Dafoe, Isabel Lucas (la chica que logró eclipsar a Megan Fox en ‘Transformers 2’), Claudia Karvan, Michael Dorman y Vince Colosimo protagonizan la película, cuya historia se centra en un futuro (año 2019) en el que la raza humana se ha transformado casi por completo en vampiros.

Surge así entonces el gran problema de la falta de sangre, y para ello conservan a los pocos mortales que quedan en “granjas” a lo ‘Matrix’, de donde sacan el alimento (quizá un poco avanzadas para ser el año 2019). Pero un virus pone en peligro estas reservas y la raza humana parece condenada a la extinción, hasta que un grupo de mortales se alían con un vampiro “bueno” para intentar buscar una solución, una salida justa para todos. Vampiros y la siempre preocupante falta de recursos. Como dije, puede ser interesante, habrá que comprobarlo.

PD: Ésta es la segunda película de los hermanos Spierig, tras ‘Undead’, una comedia de culto, sobre zombies, que a mí particularmente me pareció una total pérdida de tiempo. Conste en acta.

Vía | TrailerAddict

Puede que a muchos les sorprenda ver ‘Antichrist’, la última película del gran Lars von Trier, en esta sección infinita de films ridículos —un día voy a tener que explicaros bajo qué parámetros elijo los films, pero es más divertido que lo adivinéis, mis queridos niños—, y es que dicha sección no está sólo para hablar de películas de bajo presupuesto, de blockbusters absurdos, o de films de evasión que no evaden ni a una piedra, no. También tendrán cabida ciertos pretenciosos títulos —más de uno ya está preparando el hacha, seguro—, de ciertos reputados autores —o no—, como es el caso. Y vaya por delante que el incluir ‘Antichrist’ aquí me duele más que a nadie, ya que soy pro von Trier de cabo a rabo.

Después de haber salido muy mosqueado del cine, y de leer detenidamente algunas de las críticas que le han dedicado varios medios al film, he hallado una reflexión muy apropiada por parte de Diego Salgado en su conciso texto sobre ‘Antichrist’, y cito textualmente:

todavía no hemos sido capaces de determinar si Anticristo es la obra de un genio, o la de un perturbado

He ahí el quid de la cuestión. El misterio que hay que desentrañar para sacar algo en limpio de lo que parece una tomadura de pelo por parte de alguien que además de prepotente, ahora nos quiere hacer partícipes de sus demonios interiores.

‘Antichrist’ narra la historia de una pareja, Ella y Él —aquí me imagino que no hablamos de una mujer y un hombre concretos, sino de todas las mujeres y todos los hombres, que cada cual se haga su propia gallarda mental, que para eso está cierto tipo de cine—, que tras la terrible pérdida de su único hijo, deciden irse a una cabaña en un bosque, donde recuperarse de las consecuencias de tan pesada pérdida. Eso, en apariencia, o en la superficie si se prefiere decir así. Y le llega, debajo no hay absolutamente nada que sea merecedor de ser mencionado. ‘Antichrist’ es la bobada de un genio en horas bajas —él mismo reconoció que la había filmado para salir de una fuerte depresión en la que se hallaba sumido—, una vil ida de olla, que subraya innecesariamente el egocentrismo del autor. Soy el mejor director del mundo, declaró en Cannes, y aquí tenemos el premio: una paranoia desagradable, que sin duda provocará merecidos rechazos.

Porque a Lars von Trier, en esta película, no le llega con provocar —lo cual no es nada malo, al contrario, la provocación en el arte despierta mentes dormidas—, además tiene que ser asquerosamente desagradable, vilmente explícito. Tras un excelente prólogo, filmado con un gusto increíble —y que nos remonta a los comienzos artísticos del director—, von Trier intenta adentrarse en los demonios de la locura a través del desesperante personaje femenino. De repente, cuando uno ya está harto de tanto jueguecito visual, y de tanta metáfora con bosques, animales y la madre que los parió, al artífice de ‘Dogville’ se le ocurre la brillante idea de cambiar de tono drásticamente, pero no con una intención concreta, o porque la lógica interna del relato lo requiera, sino porque le da la real gana. Porque sí y punto.

Del drama psicológico —realmente lo que pretende von Trier que sea— se pasa al cine de terror puro y duro, al horror más visceral, con connotaciones de posesión incluidas —lo que nos remontaría a ‘La posesión’ (‘Possession’, 1981) de Andrzej Zulowski, film con el que ‘Antichrist’ guarda algún parecido—, brujería, y hasta una investigación de ribetes policíacos, culminada por una orgía de lo desagradable, donde una amputación vaginal representa un fuerte sentimiento de culpa femenino que va más allá de lo meramente anecdótico —la muerte del niño—, instantes éstos en los que se nos descubre, a modo de flashback, la trampa argumental con la que von Trier juega todo el rato. Todo ello mientras no sabemos si reír o llorar. Hay quien asegura que a von Trier le ha salido con esta película una excelente comedia, y puede que razón no le falte, una comedia grotesca y absurda.

Sólo la labor de los actores merece ser destacada, aunque uno se pregunta qué narices vieron los implicados para sumergirse en un proyecto de semejante características —es probable que si von Trier te invita a una de sus películas, no se necesite nada más—. Willem Dafoe está excelente, pero se queda pequeño al lado de la verdadera estrella del film, Charlotte Gainsbourg, quien pone toda la carne en el asador para dar lo mejor de sí misma y más. Un tour de force brutal que alcanza momentos sublimes —la desenfrenada masturbación al pie de un árbol—, la desnudez total como actriz, dispuesta a todo, pero que lamentablemente no compensa los desvaríos del que se cree mejor director que nadie, que cuando está depre, quiere hacer a la humanidad partícipe de su estado de ánimo, y para ello tenga que declarar a los cuatro vientos que todas las mujeres son malas por naturaleza, que la culpa siempre es de ellas. Misoginia por un tubo conectado a esta especie de edén —no por casualidad la cabañita de marras se llama así— con sus muy particulares Adán y Eva. ¿Será por eso que no me dejan hablar en la Cope de esta película?

El cachondeo llega justo en su final, cuando se descubre que von Trier le dedica la película a Andrei Tarkovsky, el cual evidentemente no puede defenderse de tamaña ofensa. Es como si Michael Bay le hubiese dedicado una de sus películas a Howard Hawks, o Raoul Walsh, o John Frankenheimer. Para partirse.

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘Anticristo’, los demonios de Von Trier