Otro remake para Brian de Palma. Si en diciembre os hablaba de ‘Passion’, la nueva versión de ‘Crime d´Amour’ que el realizador prepara con Rachel McAdams y Noomi Rapace, ahora le toca el turno a ‘Heat’, pero tranquilos, que os veo venir, no se trata de la película de Michael Mann. El nuevo proyecto que tiene entre manos De Palma es una actualización de un film estrenado en 1986 que dirigió Dick Richards con Burt Reynolds en el papel principal; en España le pusieron el título de ‘Acorralado en Las Vegas’, porque eso de ‘Calor’ podía sonar a cine erótico… Jason Statham, uno de los actores favoritos de los aficionados al cine de acción (odiado por dormir con cierta chica con nariz de boxeador), ha sido confirmado como el protagonista de la nueva ‘Heat’, cuyo rodaje está previsto para finales de este año o principios de 2013, en ese país donde, al parecer, no gusta ver ganar a los deportistas españoles.

En la nota de prensa que ha facilitado la compañía Sierra/Affinity se habla de un remake de ‘Heat’, si bien es probable que más adelante, cuando avance la producción, se modifique la versión oficial y se empiece a vender como “nueva adaptación”, que suena mejor. Y es que el material del que partía la película original era una novela de William Goldman (ganador del Oscar por los guiones de ‘Dos hombres y un destino’ y ‘Todos los hombres del presidente’) que él mismo se encargó de trasladar a la gran pantalla. Lo curioso es que Goldman se ha comprometido a escribir, otra vez, la misma historia para De Palma. Bueno, un trabajo fácil. ¿Y de qué va el asunto? De un ex adicto al juego que se gana la vida como guardaespaldas en el mundillo de las apuestas; este peculiar protector, que no usa armas de fuego, se mete en problemas cuando defiende a una vieja amiga que es brutalmente golpeada por un importante mafioso. Desde luego encaja Statham ahí, y con el responsable de ‘El precio del poder’ (‘Scarface’) encargado de la puesta en escena puede salir una película intensa y entretenida. Ya veremos, aún queda mucho.

PD: El último estreno de Brian de Palma es ‘Redacted’ (2007).

Vía | ComingSoon

Hay películas destinadas a marcar una etapa determinada de nuestra vida como los clásicos Disney durante nuestra más tierna infancia (me cuesta creer que haya alguien que de niño no cantase cada dos por tres alguna de sus canciones). El problema es que no todas las películas resisten igual de bien el paso del tiempo o, si preferéis llamarlo así, nuestra evolución como personas. Lo que un día nos emocionó puede que años después nos parezca una tontería de mucho cuidado, o también lo que en cierto momento de nuestra vida no supimos asimilar como es debido acabe convirtiéndose en una de nuestra películas favoritas. La cuestión es que el cine permanece inmutable (salvo cosas raras rollo George Lucas), por lo que el concepto de la objetividad a la hora de valorar una película es, como mínimo, discutible. Puede ser un tipo de humor con el que no comulgamos, un drama personal con el que no somos capaces de empatizar o ese cine diferente que busca únicamente crear sensaciones en el espectador, pero que no tiene porqué lograrlo.

Todo lo anterior viene a raíz de que me cuesta creer que alguien que vea ‘Willow’ por primera vez en la actualidad y no sea un niño llegue a disfrutar de verdad. De hecho, ya tengo dificultades para creer que un niño llegue a disfrutarla como la pequeña legión de fans que tiene la cinta de Ron Howard. Y es que ‘Willow’ es un exponente de película elevada por la acción de la nostalgia, ese elemento que nos hace sobrevalorar cosas de nuestro pasado que en realidad no eran para tanto. Ojo, no creáis que ésta es la primera vez que la veo y por eso vaya a optar por una aproximación cínica ante vuestra petición de hablar sobre ella, pero tampoco me voy a dedicar a alabarla futilmente. Lo primero que tengo que dejar claro es que ‘Willow’ ya no me convenció en un primer visionado, y eso que esté sucedió en horas de clase y me permitió pasar un poco de asuntos escolares. Ni por esas disfruté la película cuando parecía la situación ideal (la única salvedad es que tuve que verla doblada al euskera, la única cinta que recuerdo haber visto así), así que id imaginando lo que pasó con este revisionado ex profeso para hablaros de ella.

Uno de los primeros puntos que hay que comentar sobre ‘Willow’ es la importancia de la implicación de George Lucas como creador de la historia, ya que ésta guarda varios puntos en común con la mitología de Star Wars. Eso sí, el primer error que cometió fue delegar su historia en manos menos competentes de loa habitual, ya que confiar en las habilidades como director del insulso Ron Howard esperando encontrar en él a un complice del nivel de Steven Spielberg es el primer gran error de ‘Willow’. Howard no es un realizador que sepa imprimir personalidad a un proyecto, y eso es algo que puede pasarse por algo en según que tipo de producciones, pero una cinta de aventuras sin un director que sepa qué hacer con el material de base suele estar condenada a ser una memez de mucho cuidado. Y ‘Willow’ no es un oasis en su carrera, ya que se muestra incapaz de dotar de auténtica emoción a la aventura, un ritmo vibrante que lo compense o de un apartado visual fascinante. Y es que, soy consciente de que ‘Willow’ se hizo en 1988, pero cuesta entender la firmación de Lucas sobre que tardó tanto (el germen de la película data de 1972) en conseguir llevar su idea a la pantalla porque era entonces cuando los efectos visuales habían alcanzado una evolución suficiente.

No tengo problemas en reconocer en el hecho de que me encantan las escenas de combates con espada (los sables láser, al ser básicamente lo mismo, también me sirven), y es que, en su mejor nivel, creo que transmiten una épica especial que los peleas a golpes o los tiroteos no llegan a alcanzar. Por eso, mi decepción con ‘Willow’ fue más notoria, ya que nos ofrece nada relevante en este apartado cuando lo tenía todo de cara para dar el do de pecho. En el apartado de magía y hechicería tampoco mejora la cosa, ya que los animales parlantes, si bien no resultan particularmente ridículos (eso hay que dejárselo a cintas como ‘Zooloco’), no logran transmitir misticismo a la historia, sino que casi parecen sacados de una capa de comedia que la película nunca llega a remarcar lo suficiente. El combate de hechizos y todo lo relacionado con el uso individual de la magia es un fracaso categórico, ya que nunca te transmite la sensación de poder que debería, y ya mejor no hablemos de la batalla final. Por el camino, sí que aparece alguna criatura curiosa en el camino de Willow para completar su misión personal, pero ninguna trasciende lo suficiente para permanecer en la memoria colectiva.

Ya he atacado a Ron Howard, pero tengo que hacer justicia y comentar que es en el guión de Bob Dolman donde surgen las principales deficiencias de la película, algo que llegó a ser reconocido con una nominación a los Razzie. Creo que todos recordaréis la existencia de una película llamada ‘La princesa prometida’, otro relato con un marcado componente de cuento infantil que se estrenó un año antes que ‘Willow’. ¿Cuál es la diferencia? El primero la estructura, y es que la cinta de Rob Reiner acierta sobremanera a la hora de presentarnos la historia como un relato que un abuelo cuenta a su nieto, ya que esa cercanía emocional es algo con lo que cualquiera puede empatizar. Lo segundo es que la diferencia como guionistas entre William Goldman y Bob Dolman es similar a la que hay entre un bistec y una hamburguesa, ya que el primero construye un relato mágico con grandes personajes (puede gustar o no la película, pero cierta frase de la película ha pasado a la historia por méritos propios) y que funciona en casi todo lo que se propone. Eso no es lo que pasa en ‘Willow’, donde la todopoderosa villana nunca infunde temor, los héroes carecen de suficiente empaque y la historia se desarrolla de forma monótona y previsible en el mal sentido de la palabra. Si hay algo que merece salvar es a Val Kilmer y su Madmartigan, ya que la escena en la que el camino del protagonista se cruza con el suyo es lo más disfrutable de la función, y lo es gracia al carisma y socarronería de la que Kilmer dota al personaje. Luego, por desgracia, el personaje decae y nunca llega a estar a la altura de ese momento, pero con eso le sobra para comerse con patatas a Warwick Davis (un héroe no demasiado insulso, pero sin la capacidad para liderar una historia como la que nos cuenta ‘Willow’ y a cualquiera que se cruce en su camino.

En definitiva, ‘Willow’ es un clásico menor, pero ese concepto (el de ‘clásico’) no va necesariamente asociado al hecho de ser una buena película. Sí que sucede más menudo que cuando hablamos de una película de culto, algo que también podríamos asociar a este film, pero no es garantía de nada. Personalmente, creo que estamos ante un divertimento que nunca llega a enganchar al espectador, que tiene una duración desproporcionada y que únicamente el personaje de Madmartigan llega a ser interesante. El resto, una aventura un tanto monótona con ecos de Star Wars, pero sin siquiera llegar a igualar el nivel de la más floja de sus seis entregas, y unos elementos de hechicería que carecen de garra. Vamos, una película muy prescindible.

¿A qué maliciosa mente se le ocurrió la terrible idea de enfrentar, artísticamente hablando, a Chris O´Donnell con Gene Hackman? Es un completo suicidio, sin más. Hay que tener en cuenta también que ‘Cámara sellada’ es un vehículo para el exclusivo lucimiento de don Hackman, es lo único que merece la pena en una película blanda y aburrida.

‘Cámara sellada’ se filmó en plena efervescencia de las adaptaciones de los best sellers de John Grisham, escritor tan previsible como poco interesante. De aquella moda de la década de los 90, que empezó con la trivial ‘La tapadera’ (‘The firm’, Sidney Pollack, 1992), yo destacaría por encima de todas ‘Legítima defensa’ (‘The Rainmaker’, Francis Ford Coppola, 1997), que si bien se queda algo lejos de los mejores trabajos del director de ‘El padrino’, es precisamente gracias a la labor del mítico realizador por lo que destaca. El film dirigido por James Foley versa sobre un joven idealista (¿qué joven no lo es?) que acepta hacerse cargo de la petición de clemencia de la pena de muerte de un antiguo miembro del Ku Kux Klan. Además, resulta que es su abuelo, con el que nunca tuvo relación. Para el joven abogado será una oportunidad de oro para demostrar su valía, faltando nada más 28 días para la ejecución, aparte de indagar en su origen, haciendo descubrimientos sobre su propia familia.

Resulta sorprendente que uno de los artífices del guión sea William Goldman, entre cuyos trabajos podemos encontrarnos con los libretos de films como ‘Harper, investigador privado’ (‘Harper’, Jack Smight, 1966), ‘Todos los hombres del presidente’ (‘All the President´s Men’, Alan J. Pakula, 1976) o ‘Poder absoluto’ (‘Absolute Power’, Clint astwood, 1996). Películas con historias llenas de matices, y también con un trabajo de dirección que acierta en su interpretación del trabajo de Goldman. En ‘Cámara sellada’, Goldman se hace acompañar por un tal Chris Reese, cuyo currículum contiene sólo otro trabajo más: ‘Ghost Dad’ (Sidney Potier, 1990), y el trabajo de dirección recae en el correcto (y tal vez decir eso sea decir mucho) James Foley. El director de ‘Glengarry Glen Ross’, y también de algunas mediocreces, opta por una puesta en escena totalmente impersonal, con tics televisivos, que no mejora una historia pobre en intenciones.

Pobre porque el film no profundiza en todos los hilos que abre. El tema de la pena de muerte está tratado con pinzas. Un tema tan serio, tratado con inteligencia con anterioridad por directores como Richard Brooks o Tim Robbins, queda, en manos de Foley como algo banal y pueril, con poca sustancia. El problema surge cuando la trama deriva en las relaciones familiares de un triángulo formado por O´Donnel, Hackman y el personaje interpretado por una muy madura Faye Dunaway, quien conoció tiempos mejores. Todo lo perteneciente a ese aspecto daña enormemente al film, que parece convertirse por momentos en un folletín telenovelesco de muy poco interés.

‘Cámara sellada’ es una mala película, que se soporta únicamente por la presencia y el buen hacer de Gene Hackman. Aunque parezca que el film esté construido únicamente para que éste nos regale una de sus portentosas interpretaciones, no podemos evitar rendirnos ante el enorme potencial del actor, uno de los mejores de todo el celuloide. Su trabajo pone los colores que le faltan en el guión a su personaje. Con sólo sentarse delante del personaje de O´Donnell y mirarle como lo hace, expresa mucho más que todas las conversaciones que tienen, anodinas hasta la saciedad. Hackman refleja sin ningún tipo de histrionismo ni falsedad, su dolor, su rabia, su odio, y sobre todo su miedo. Una interpretación impecable. La pena es que esté en medio de una película prescindible y olvidable.

Hay un dicho que dice que una gran película siempre tiene un gran villano. Su poderoso influjo los ha convertido en inolvidables, no sólo dando la réplica al héroe sino atormentando sobremanera al espectador. Y, a menudo, se trata de personajes mucho más fascinantes que el bueno de turno. Su intervención puede transformar una anodina historia en un relato sorprendente, e incluso perder su animadversión preconcebida para alcanzar la simpatía. Muchos son los villanos que me han impactado y fascinado y quería repasar algunos inolvidables, y sus distintas cualidades para desplegar su maldad.

Annie Wilkes es una enfermera que vive aislada en un frío y nevado paisaje, con su enorme fascinación por su escritor favorito y su oscuro pasado. Es un personaje que cuando aparece va dotando a la historia de toda su dimensión, hasta apropiarse del máximo interés y convertirse en la verdadera protagonista. Lo que ya la convierte en una villana muy particular. La podemos ver y sufrir en ‘Misery’, una cinta de 1990 dirigida por Rob Reiner con la adaptación brillante (a cargo del prestigioso William Goldman), la estupenda novela del prolífico Stephen King.

La película nos cuenta como Paul Sheldon (interpretado por James Caan), un afamado novelista a costa de la creación del personaje de Misery, concluye su última obra y cuando abandona su refugio solitario tiene un accidente por culpa de la ventisca y la nieve. Cuando despierta de su inconsciencia se despierta en casa de Annie Wilkes (Kathy Bates), en apariencia una entrañable enfermera que lo cuida con esmero mientras reabren las carreteras tras el temporal. Pero, en seguida, Paul descubre que su cuidadora es su fan número uno, como ella misma se proclama, y su fanatismo empieza a parecer obsesivo, dejando entrever su lado más macabro y sádico.

Lo retiene prisionero en una mezcla de profunda admiración y salvaje brutalidad, capaz de cualquier cosa por retenerle. Annie descubre, para más inri de Sheldon, que la novela que acaba de terminar de escribir supone el fin de Misery, su idolatrado personaje protagonista. Con lo que, empieza a desplegar su artillería pesada de maquiavélicas artimañas para que el escritor, atrapado e inmovilizado por la fractura de sus piernas, destruya su obra y escriba una nueva en su memoria.

Annie le facilita medicación para los dolores, comida y ropa limpia, pero lo retiene aislado, encerrado en su habitación y con brotes psicóticos cada vez más frecuentes que convierten el encierro de Sheldon en una verdadera tortura, lo más parecido a una pesadilla.

Ella, una mujer rústica y huraña, mantiene la tensión de la historia con su bipolar comportamiento, capaz de infringir dolor y al minuto de enternecerse y pedir disculpas, lo que hace todavía más temibles sus apariciones. Memorable es la escena en la que, tras descubrir los ocultos movimientos de Sheldon en su ausencia, decide darle un “toque” a sus tobillos, como castigo y medio para acabar con sus planes de fuga. Una brutalidad cruenta, salvaje y fascinante desplegada por quien, poco después, prepara una sabrosa cena a su admirado enfermo.

La actriz Kathy Bates logró una interpretación sublime, que no pasó desapercibida, logran incluso el Oscar a la mejor actriz por su papel de la despiadada enfermera. El premio en sí sólo supone un meritorio reconocimiento, pero en el fondo supone una forma de darle el valor a un papel de una villana formidable.

Ambas películas tienen de nexo común al guionista William Goldman, y a una historia que él mismo nunca se ha cansado de repetir. Como bien saben los seguidores de ‘La princesa prometida’, la película se basa en la novela del propio Goldman, pero lo que a lo mejor muchos no saben es que la genialidad de la misma se encuentra en el prólogo y en el uso que hizo de una historia que se inventó para dar mayor altura a ‘La princesa prometida’. En el fondo, con ese prólogo lo único que buscaba era recuperar la infancia, aquello que le hizo convertirse en escritor, que lo cuenta mucho mejor Jonás Trueba en una gran entrada sobre la clase encubierta de cine y literatura que es ese prólogo.

Aprovechando esto, quiero destacar unas líneas con las que acababa la introducción a la novela, y que son el motivo de esta entrada, palabras de William Goldman respecto al nexo de unión con ‘Dos hombres y un destino’.

“Cuando muera, si en el Times me llegan a dedicar una nota necrológica, será gracias a ‘Dos hombres y un destino’”. De acuerdo, ¿cuál es la escena de la que todo el mundo habla, el momento único que se graba en la memoria de todos, en la tuya, en la mía y en la de las masas? Respuesta: el salto desde el acantilado. Bueno, cuando escribí esa escena, recuerdo que pensé que los acantilados desde los que saltaban eran los Acantilados de la Locura que todo el mundo intenta escalar en ‘La princesa prometida’. Cuando escribí ‘Dos hombres…’ a mi mente acudían imágenes retrospectivas en las que aparecía mi padre cuando me leía la escena de la escalada con cuerdas de los Acantilados de la Locura, mientras la muerte aguardaba agazapada”.

Pues por raro que le pueda parecer al señor Goldman, si por algo se le va recordar, en la mente de los que recuperaron la infancia gracias a una película, será por los acantilados de la locura.

Más información | Prólogo de La princesa prometida
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