‘Dirty Girl’ (2010), escrita y dirigida por Abe Sylvia, se ha estrenado únicamente, por el momento, en países de habla inglesa. Esta comedia semiautobiográfica nos habla de una chica promiscua, Juno Temple, que sale en busca de su padre biológico, acompañada de un compañero de colegio con el que tiene que participar en el proyecto de cuidar un saco de harina como si fuese su hija. El chico, un gordito marginado, resulta ser gay y vivir atormentado por un padre incomprensivo y una sociedad represora. Estos dos seres solitarios y descarriados encontrarán el uno en el otro la compañía perfecta e iniciarán una aventura, en forma de road movie, de Oklahoma a California, que les ayudará a madurar y a encontrarse a sí mismos.

Me quedaría corta si dijese que esta historia de búsqueda del progenitor se ha contado mil veces, pues es posible que se haya contado en un millón de ocasiones y con casi todos los elementos y giros que se encuentran aquí. Sin embargo, ‘Dirty Girl’ se aproxima a esta fábula de maduración de una manera especial. El comportamiento de sus personajes y el acercamiento de la realización del director, con muchos toques indies, no se corresponden ni con la comedia adolescente ni con el culebrón de tres y media de la tarde sobre familias desmembradas. De manera cercana y personal, con mucho cariño hacia los protagonistas, pero sin complacencia, nos adentra en sus desubicadas psiques para que comprendamos por lo que están pasando. El diario que escribe la supuesta hija de este matrimonio imposible va apuntando en off los sentimientos que rodean a la pareja, sirviendo de contrapunto, casi siempre; de remate, en otros momentos.

Por mucho que sea aficionado a los musicales o piense en Crawford en lugar de en Jett cuando se le menciona el nombre de Joan, el personaje de Clarke no responde únicamente a los tópicos. En él tenemos el retrato de un joven que vive en el conflicto, pero no por estar asolado por sus propias dudas, que es lo que se suele presentar en cine en casos como este, sino por su enfrentamiento a lo que le rodea. Clarke tiene muy claro lo que le gusta y solo necesita la libertad para dejarse llevar por ello y expresarlo. Esta es la faceta de la cinta más autobiográfica para Sylvia, que también estuvo rellenito a esa edad y creció en Oklahoma. El conflicto, no obstante, se consigue gracias a elementos de ficción, ya que el padre del autor era comprensivo y no pensó ni por un instante mandar a su pequeño a una academia militar.

Por el camino, al igual que Thelma y Louise –en este caso, Luis–, los protagonistas conocerán a un vaquero atractivo que los desplumará, aunque aquí con otras artimañas. El joven, no obstante, se habrá ganado el dinero, ya que dará la primera satisfacción a cada uno de los personajes: Geena Davis en la de Ridley Scott o Jeremy Dozier en ‘Dirty Girl’. Va en contra de la probabilidad estadística que todas las personas con las que se topen –el matrimonio que vive ahora en la casa que perteneció al padre, el cowboy stripper o los parroquianos del bar– sean homosexuales, pero esta falta de verosimilitud se la aceptamos a Sylvia porque lo que nos interesa es lo que nos quiere contar con ello y no el realismo de las situaciones. Sabemos que la absoluta fidelidad a lo real no está perseguida, ya que los cambios de humor del saco de papel, que suponen un guiño simpático, desafían cualquier explicación lógica.

El rencor que pudiese sentir Sylvia hacia el ambiente en el que se crio no se refleja en el film, ya que las tintas no están cargadas en el reflejo de seres prejuiciados o irracionales. En el bando de los padres se sitúan los obstáculos para el desarrollo de estos dos chiquillos, pero no se los pinta como antagonistas, pues el guion es capaz de llevarnos a comprenderlos incluso a ellos. Milla Jovovich encarna a la madre de Danielle, que tuvo a su hija demasiado joven, ya que su comportamiento no se diferencia casi nada del que hoy en día lleva la protagonista. Si está decidida a casarse con un mormón no es por inconsciencia, egoísmo o estupidez, sino porque piensa que es lo mejor para darle a la adolescente la estabilidad que nunca ha vivido. Este hombre, a quien da vida William H. Macy tampoco encierra maldad, sino que se deja llevar por unos férreos ideales. El padre del Clarke, único personaje negativo, interpretado por el músico Dwight Yoakam, no se retrata como un monstruo. Y la madre, Mary Steenburgen, es el personaje que más evolución presenta, ya que resuelve sus propios problemas gracias a la situación que se le presenta con su hijo.

(Spoiler): La reacción del padre biológico, comprensiva, pero en absoluto como ella esperaría, resulta un palo muy inteligente por parte de la película. De esta forma, el final parece feliz, pero esa consecución jovial a modo de canción, aplausos y triunfo, a lo que sigue es a un fracaso total de los planes que tenían ambos chicos: ni ella consigue irse a vivir con el padre o evitar el matrimonio con el mormón, ni él se libra de la academia militar. No han resuelto ninguno de sus problemas. Pero, de alguna forma, a pesar de todo ello, encuentran la forma de lidiar mejor con lo que tienen (fin del spoiler).

El debut de Abe Sylvia, después de dos cortos, ‘Dirty Girl’ es una película sentida y más profunda de lo que su título o imágenes puedan indicar. Debido a que carece de estrellas rutilantes, pues Jovovich solo cuenta con un papel secundario, se quedará en el ostracismo que provoca la decisión de no exportarla. Sin embargo, considero que podría funcionar mejor que algunos productos que nos llegan. O, al menos, tener un recorrido en festivales como el Lesgaicinema, el Idem u otros similares. El acompañamiento musical de la película, ambientada en 1987, así como la recreación del vestuario y los peinados suponen otro aliciente a esta historia divertida a veces, descarada por momentos, nostálgica en el fondo, emotiva sin blanduras, realista y a su vez fantástica… y muy lograda en su conjunto.

‘Cars 2’

Título original, nacionalidad y año: ‘Cars 2’, EE. UU., 2011.

Dirigida por: John Lasseter, Brad Lewis.

Sinopsis: La estrella de los coches de carrera, “Rayo” McQueen, y la incomparable grúa Mate, llevan su amistad hacia emocionantes destinos en Cars 2, cuando cruzan el océano para participar en el primer “Grand Prix Mundial”, en el que se determinará cuál es el automóvil más veloz del mundo. Pero el camino hacia el campeonato se llena de baches, desvíos y desopilantes sorpresas cuando Mate se ve atrapado en una misteriosa aventura de espionaje internacional.

Crítica en Blogdecine:

‘Cars 2’, la peor película de Pixar, por Juan Luis Caviaro.

Características de las ediciones: Características del Blu-ray: Contenido: 1 Blu-ray + 1 DVD. Imagen: 2.39:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 7.1 Inglés. DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS-HD High Resolution 7.1 Castellano. DTS-ES 5.1 Castellano. Dolby Digital 5.1 EX Portugués. Subtítulos: Inglés, Castellano, Portugués, Inglés para sordos. Contenido Extra: Vacaciones en Hawai. Comentarios del director. Air Mate.

‘Parque Jurásico’

Título original, nacionalidad y año: ‘ Jurassic Park’, EE. UU., 1991.

Dirigida por: Steven Spielberg.

Intérpretes: Sam Neill, Laura Dern, Richard Attenborough y Jeff Goldblum.

Sinopsis: El multimillonario John Hammond tiene una idea para un espectacular parque temático: una isla retirada donde los visitantes puedan observar dinosaurios reales. Con la última tecnología en el desarrollo de DNA, los científicos pueden clonar braquiosaurios, triceratops, velociraptors y un tiranosaurio rex, utilizando para ello la sangre fosilizada en ámbar contenida en insectos que los mordieron hace millones de años. Los paleontólogos Alan Grant, Ellie Sattler y Ian Malcolm visitan el parque y quedan muy sorprendidos con los resultados obtenidos. Pero cuando un problemático empleado manipula el sofisticado sistema de seguridad los dinosaurios escapan, obligando a los visitantes a luchar por su supervivencia.

‘El mundo perdido’

Título original, nacionalidad y año: ‘The Lost World: Jurassic Park 2’, EE. UU., 1997.

Dirigida por: Steven Spielberg.

Intérpretes: Jeff Goldblum, Julianne Moore, Pete Postlethwaite y Vince Vaughn.

Sinopsis: Ingen se ve sumida en una profunda crisis, debido a los gastos y a un inesperado ataque de un grupo de Compsognathus a una niña en la Isla Sorna, criadero de dinosaurios de la compañía. El sobrino de John Hammond, Peter Ludlow, nuevo presidente de InGen, decide reflotar la economía de la empresa con el dinero que recaude exhibiendo a los animales en un zoológico de San Diego. Para ello contrata a Roland Tembo, un cazador experto, y a todo un pequeño ejército de mercenarios, con los que se embarca en un safari para capturar a las enormes bestias prehistóricas de Isla Sorna. John Hammond intenta convencer a Ian Malcolm de unirse a un equipo que recabe la información necesaria para elaborar un dossier para convencer a la opinión pública de que los dinosaurios deben permanecer ajenos al ser humano dentro de la isla.

‘Parque Jurásico III’

Título original, nacionalidad y año: ‘Jurassic Park III’, EE. UU., 2001.

Dirigida por: Joe Johnston

Intérpretes: William H. Macy, Sam Neill, Téa Leoni y Alessandro Nivola.

Sinopsis: Paul y Amanda Kirby contratan la ayuda del experto paleóntologo Alan Grant para recorrer la isla Sorna en avión, como celebración de su aniversario. Desoyendo la queja Grant, deciden aterrizar y sufren un accidente, por el que quedan atrapados en el interior de la isla. Grant descubre más adelante que, en realidad, los Kirby buscaban a su hijo desaparecido hace dos meses. La película abre paso a una nueva especie de carnívoro gigante, el Spinosaurus, que gana atención al derrotar a un Tyrannosaurus debido a su mayor tamaño. También existe la amenaza de una nueva especie de Velocirraptor, que persigue a los protagonistas durante todo el film. Además es destacable la aparición de los grandes reptiles voladores llamados Pteranodones, que habían escapado de la isla al quedar abierta por accidente su jaula en la escena final de la película anterior.

Opinión de las tres de ‘Parque Jurásico’: Desde antes de que apareciesen las películas, ya me encontraba a favor de ‘Parque Jurásico’ con la lectura del libro de Michael Crichton. Cuando vi la primera entrega de Spielberg, sufrí, como cualquier lector sufre, las decepciones clásicas de ver plasmado en imágenes lo que había imaginado en mi mente. Pero, pasado el tiempo, me queda la idea de una gran película, sumamente entretenida, que cuenta con algunas escenas memorables, que pueden haber pasado a la historia de la tensión creada por una amenaza monstruosa. Si bien las dos siguientes no estaban exactamente a la altura, no quedaban tan alejadas como muchas veces se comentó y podían disfrutarse casi con igual deleite, dentro de unas aspiraciones de entretenimiento sin más. La que no dirigió Spielberg está claro que aún baja más en calidad, pero no se podría considerar del todo prescindible. No soy muy partidaria de poseer películas en DVD o en Blu-ray, pero en el caso de este Jurassic “pack”, sí considero que tiene sentido su compra, no solo porque se cuentan entre esas películas que no importa cuántas veces se vean, sino también por lo que han significado para el divertimento de esta generación.

Características del Blu-ray de las tres de ‘Parque Jurásico’: Contenido: 3 Discos. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 7.1 Inglés.DTS 5.1 Castellano, Japonés, Alemán, Francés, Italiano. Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Holandés, Inglés para sordos. PVP Recomendado: 49,95 €. Contenido Extra: Todo el contenido extra de la anterior colección en DVD más: Exclusivo Blu-ray: El Regreso a Parque Jurásico: Documental en 6 partes jamás visto con nuevas entrevistas a los directores Steven Spielberg y Joe Johnston más entrevistas al equipo técnico y artístico.Tras las cámaras 13 reportajes de archivo.

‘El castillo en el cielo’

Título original, nacionalidad y año: ‘Tenkû no shiro Rapyuta’, Japón, 1986. Título de estreno español original: ‘La fortaleza celeste’.

Dirigida por: Hayao Miyazaki.

Sinopsis: Una aeronave se desliza sobre un mar de nubes, en una noche de luna llena. Muska, un agente secreto del gobierno, acompaña a una chica llamada Sheeta a la fortaleza de Tedis. Repentinamente la nave es atacada por los piratas que, al igual que el gobierno, buscan el secreto de la piedra mágica de levitación que Sheeta lleva alrededor del cuello. La piedra es la llave que abrirá las puertas de La Fortaleza celeste, una isla flotante en medio del cielo creada por una misteriosa raza que hace mucho tiempo desapareció del planeta. Pazu, un joven muchacho, se hace amigo de Sheeta, le ayuda a escapar de sus seguidores y juntos se disponen a resolver el misterio de la Fortaleza Celeste.

Opinión: Como todas las obras de Hayao Miyazaki, esta película está llena de poesía y de momentos mágicos e inolvidables. Sus personajes son tan arrebatadores como complejos y su historia está cargada de significado. La única pega que se podría poner es también común a otras obras del japonés y se ha convertido tan en marca de autor que podría considerarse, ya, no como un aspecto fallido, sino como una forma de narrar. Me refiero a su larga duración, dentro de la cual, la historia se va ligeramente de las manos de su creador, al que le cuesta trabajo encontrar el camino hasta un final con el que cerrar la película. No obstante, se trata de un cuento maravilloso que merece la pena poseer, tanto para ponérsela a los niños, como para verla los adultos.

Características del Blu-ray: Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD 2.0 Castellano, Japonés. Subtítulos: Castellano. Contenido Extra: La historia de “El Castillo en el Cielo”. Storyboard completo de la película con multiángulo. Animación de principio y fin. Promo Studio Ghibli. Tráilers originales. Tráiler subtitulado en castellano.

‘El cabo del terror’

Título original, nacionalidad y año: ‘Cape Fear’, EE. UU., 1962.

Dirigida por: J. Lee Thompson

Intérpretes: Gregory Peck, Robert Mitchum y Polly Bergen.

Sinopsis: Sam Bowden es un abogado de una pequeña ciudad cuya pero pesadilla se hace realidad cuando el criminal al que él ayudará a encarcelar, Max Cady vuelve para acechar a su mujer, y su hija adolescente. A pesar de la ayuda que le ofrecen el jefe de la policía local, Sam se encuentra legalmente impotente para evitar que Max se aleje de su familia.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 2.0 Inglés. DTS 2.0 Castellano, Japonés, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Español latino. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Holandés, Español latino, Inglés para sordos.

‘El cabo del miedo’

Título original, nacionalidad y año: ‘Cape Fear’, EE. UU., 1991.

Dirigida por: Martin Scorsese.

Intérpretes: Robert De Niro, Nick Nolte, Jessica Lange y Juliette Lewis.

Sinopsis: Los Bowden son una pareja feliz: Sam es un abogado de éxito y Leig diseñadora gráfica. Tienen una hija de 15 años, Danielle, y acaban de trasladarse a una preciosa casa en una tranquila ciudad. Max Cady acaba de salir de la cárcel, trás pasar en ella 14 años, acusado de violar y apalear a una adolescente. En prisión ha estudiado leyes, y ha llegado a la conclusión de que el responsable directo de su condena fue su abogado, Sam Bowden. Ahora va a dedicar cada minuto de su existencia a hacerle pagar su error. Candy ejecutará su terrible venganza, aterrorizando a la familia Bowden y convirtiendo su vida en una pesadilla.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Japonés, Alemán, Francés, Italiano. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Holandés. PVP Recomendado: 19,95 €. Contenido Extra: Escenas Eliminadas. El Rodaje de El Cabo del Miedo. Tras las Cámaras durante en Rodaje del desfile de julio. En el Plató de la Casa Flotante. Montaje Fotográfico. Pinturas Mate. Créditos iniciales. Tráiler de cine.

Opinión de ‘El cabo del miedo’ y ‘El cabo del terror’: Esta es una de las escasas ocasiones en las que encontramos que un remake o una reinterpretación de una obra ya llevada a la pantalla, tiene razón de ser sin que el original fuese una obra menor. Es decir, una de las pocas veces en las que encontramos dos excelentes películas, tanto la antigua como la moderna, en lugar de una explotación de algo que fue muy bueno o de una enmienda a una previa chapuza. Si bien la primera tiene algunos aspectos que no quedaron igual de logrados en la segunda, tenemos que admitir que, el hecho de estar rodada en los ’90, permite a la más reciente ahondar con mayor profundidad en cuestiones, como la sexual y la psicológica, que le aportan una mayor envergadura. El miedo en la primera puede ser menos palpable y el personaje del malo, aunque en ambas resulta igual de terrorífico, explota otros mecanismos. Nos encontramos con sendos duelos interpretativos, ya que los actores pelean casi como sus personajes y en ambas es difícil determinar cuál gana, como lo es escoger entre un dúo u otro. Sumamente recomendables, tanto para verse por separado, como para organizar una mini-maratón y observar las diferencias y similitudes.

‘Granujas a todo ritmo’

Título original, nacionalidad y año: ‘The Blues Brothers’, EE. UU., 1980.

Dirigida por: John Landis.

Intérpretes: John Belushi, Dan Aykroyd, James Brown, Cab Calloway, Ray Charles, Aretha Franklin, Steve Cropper, Donald Dunn y Murphy Dunne.

Sinopsis: Tras la liberación de Jake Blues (John Belushi) de prisión, él y su hermano Elwood (Dan Aykroyd) van a visitar el orfanato donde fueron criados por las monjas. Allí se enteran de que la Iglesia ha dejado de financiar el orfanato y va a venderlo a no ser que se pague el impuesto sobre la propiedad en el plazo de 11 días. Los hermanos deciden recaudar ese dinero reuniendo a su banda de blues para dar un gran concierto. Quizá tengan una misión divina, pero tienen enemigos por donde quiera que van…

Opinión: Para mí, se trata de una de esas películas que cada uno de nosotros atesoramos como recuerdo feliz de la infancia. Es una de las comedias con las que mejor me lo he pasado y que más veces he visto, sin que la cantidad de risas que me producía disminuyese. Las desmesuradas persecuciones y los desastres que acompañaban a los dos insólitos personajes que hacían el mal allá donde pisaban, pero por una buena causa, han provocado que me desternille todas y cada una de las veces. No podría determinar si el suyo es un humor demasiado infantil, pues yo disfrutaba el film cuando era niña y, por lo tanto, es posible que, si su primera oportunidad se la diera ahora, no la encontrase tan hilarante. Pero estoy segura de que muchos de sus momentos me seguirían encandilando.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Polaco. DTS 2.0 Ruso. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Holandés. PVP Recomendado: 19,95 €. Contenido Extra: Las historias detrás del Rodaje de Granujas a Todo Ritmo. Transponiendo la Música. Recordando a John.

‘Desmadre a la americana’

Título original, nacionalidad y año: ‘Animal House’, EE. UU., 1978.

Dirigida por: John Landis.

Intérpretes: John Belushi, Kevin Bacon, Tom Hulce, Stephen Furst, Mark Metcalf y Mary Louise Weller.

Sinopsis: Esta destartalada y estrafalaria parodia de la vida universitaria en los años sesenta, nos muestra a Bluto (John Belushi), Nutria (Tim Matheson), Pinto (Tom Hulce) y Rodaballo (Sthepen Furst) marcando, con su extravagante conducta, el rumbo de la definitiva comedia universitaria.

Opinión: Otra de John Landis que, a pesar de gozar de mayor fama y reconocimiento, para mí tiene un significado menor. Es más que lógico y casi diría que hasta necesario, reestrenar ahora esta película, aunque sea en formatos domésticos, ya que el género desmadre adolescente –y no tan adolescente, pero con un comportamiento similar– está muy de moda en las comedias descerebradas de hoy en día. La gente más joven así podrá comprobar de dónde viene esta corriente o, al menos, acceder a otra propuesta más de este tipo que quizá aún no había disfrutado. Yo misma podría utilizar esta ocasión para revisarla ya que, por mucho que hable de que servirá a generaciones siguiente para conocerla, cuando salió era muy pequeña y, aunque la viese algo más tarde, estoy segura de que no la entendí por completo.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. Dolby Digital Mono Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Español latino. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Español latino, Inglés para sordos .PVP Recomendado: 19,95 € Contenido Extra: ¿Dónde están ahora? El anuario.

‘Las Aventuras de Priscilla, reina del desierto’

Título original, nacionalidad y año: ‘The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert’, Australia y Reino Unido, 1994.

Dirigida por: Stephen Elliott

Intérpretes: Terence Stamp, Hugo Weaving, Guy Pearce y Bill Hunter.

Sinopsis: Tanto Bernadette como Tick y Adam tienen motivos personales para querer abandonar la seguridad de Sydney, cuando consiguen un contrato para actuar en un espectáculo de transformismo en un lugar remoto del desierto australiano. Tras bautizar el viejo autobús en el que realizan la gira con el nombre de Priscilla, estas divertidas y extravagantes drag queens se dirigen al desierto, donde sus insólitas aventuras serán tan espectaculares como su vestuario.

Opinión: No desprecio en absoluto el significado reivindicativo y normalizador que tuvo la película en su momento y el icono que aún hoy en día sigue siendo, pero la consideraría poco interesante si pensase que todo lo que tiene se queda ahí. Además de su capacidad posicionadora, ‘Las Aventuras de Priscilla, reina del desierto’, ofrece un contenido interesante para cualquier tipo de público, dado su humor, su entretenimiento y las insólitas imágenes que retrata. La banda sonora y unas interpretaciones magistrales completan esta road-movie diferente a todas las otras.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano. Dolby Digital 2.0 Portugués. Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Holandés, Inglés para sordos. PVP Recomendado: 17,95 €. Contenido Extra: Comentario del director Stephen Elliott. El nacimiento de una Reina. Escenas eliminadas. La llegada al Checkers Motel. Cómo Trumpet adquirió su apodo.

‘Candyman: el dominio de la mente’

Título original, nacionalidad y año: ‘Candyman’, EE. UU., 1992.

Dirigida por: Bernard Rose.

Intérpretes: Virginia Madsen, Tony Todd, Vanessa Williams y
Ted Raimi.

Sinopsis: La estudiante Helen Lyle (Virginia Madsen) queda atrapada por la leyenda local de Candyman. Un asesino en serie con un garfio que aparece cuando repites su nombre delante de un espejo cinco veces. Sus investigaciones sobre la leyenda le llevan hacia los orígenes de la historia, pero cuando ignora las advertencias locales, comienza una serie de sangrientos asesinatos.

Opinión: Una película que se convirtió en un icono al ser capaz de transmitir más allá de las pantallas el miedo a pronunciar cuatro veces, ante el espejo, el nombre del antagonista principal, Candyman, un malo de una pieza, cruel y despiadado, pero con una motivación. Rodada en unos espacios urbanos que producían casi más pavor que la propia historia, contaba con momentos de gran tensión. Con una narración muy clásica de superación del contrincante, no por ello carecía de fuerza dramática. Desconozco cuál sería mi opinión reciente en una revisión actual, pero basándome solo en mi recuerdo, la declararía como una película recomendable, más terrorífica que muchos de los estrenos de miedo del momento.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 2.0 Inglés. Dolby Surround Castellano, Japonés, Francés, Italiano, Español latino. Subtítulos: Inglés, Castellano, Francés, Italiano, Portugués, Holandés. PVP Recomendado: 19,95 €.

Vía | Zona DVD.

Ayer se estrenaba ‘El inocente’ (‘The Lincoln Lawyer’, 2011), una película de Brad Furman de la que podría llamar la atención el reparto, compuesto por Matthew McConaughey, Marisa Tomei, Ryan Phillippe, William H. Macy, Josh Lucas, John Leguizamo, Margarita Levieva, Frances Fisher, Bryan Cranston y Michael Peña.

Este thriller judicial nos habla de un abogado con métodos poco ortodoxos, que busca sus clientes donde puede y que los atiende al teléfono desde el asiento trasero de su cochazo —el Lincoln del título original—, conducido por un tipo de dudosa calaña, como lo son el resto de los colaboradores y defendidos del protagonista. La suerte de este picapleitos de tres al cuarto parece que podría cambiar cuando una adinerada familia le pide que se encargue de la defensa del joven heredero, un playboy de Beverly Hills. Lo que en apariencia es un caso de libro, que no tendría por qué dar problemas, irá mostrando un cariz cada vez más complicado y llegará a poner en peligro la integridad del abogado.

Furman, un director casi novato —en 2007 rodó ‘The Take’, que fue directa al DVD, y ya prepara su siguiente proyecto: ‘Cry Macho’—, nos lleva a través de la forma de operar del protagonista y de sus conocidos a base de una realización actual y dinámica, que utiliza la cámara en mano y los cortos zooms de recolocación. La banda sonora con canciones bien escogidas nos va introduciendo con mucho ritmo en este mundillo que, ya desde el principio, nos despierta una curiosidad. Personajes peculiares, encarnados con credibilidad por sus actores —nunca McConaughey había estado tan convincente—, completan esta atrayente presentación que predispone con ganas de ver el resto del film, tanto como predispondría a ver una serie basada en estos individuos si estuviésemos ante un capítulo piloto.

Giros y ardides

Lo que más destaca de este film es el guion firmado por John Romano basándose en la novela homónima de Michael Connelly. Nos quejamos de que se escriben casi más adaptaciones que guiones originales, pero si el resultado es superior, entonces habrá que conformarse con ello. Entre los alicientes hallamos unos diálogos con brío y fuerza y buenos personajes.

La base argumental, es decir, el caso judicial que ocupa al protagonista, así como los giros y sorpresas que se van suscitando a medida que avanza la historia están urdidos con genialidad. Este tipo de astucia a la hora de desarrollar un guion o una novela parece que se está apreciando cada vez menos y que, por ese motivo, comienza a desaparecer del cine y mantiene su lugar en televisión. Personalmente, me recreo mucho estos cambios de rumbo de la historia, así como las estratagemas ingeniosas llevadas a cabo por los personajes y considero que su escritura requiere inteligencia por parte de los creadores, por lo que me alegro de que no se haya perdido por completo la posibilidad de disfrutarlos.

Otro de los aportes curiosos es la inclusión de flashbacks narrados desde dos miradas diferentes, en los que se cuenta una mentira y la verdad. No indico con ello que nos encontremos ante una estructura en varios puntos de vista, como la que Kurosawa imprimió a ‘Rashomon’ o la del ‘Hero’ de Zhang Yimou, sino ante una forma diferente de introducir estos recuerdos: por parejas, uno real y otro falso. Hasta no hace demasiado tiempo, se consideraba que un flashback solo podía decir verdad, por ser un recurso que parecía provenir de la objetiva mirada del supuesto narrador —no hablamos de voces en off, sino de perspectiva de la historia—. Hoy en día es habitual insertar retazos del pasado que no se corresponden a la realidad. ‘El inocente’ lo que hace como novedad es aportar las dos versiones.

Conclusión

A pesar de haber pasado un rato sumamente entretenido durante el visionado de ‘El inocente’, no puedo afirmar que me dejase una huella imborrable en la memoria. Por lo tanto, no concluyo que se trate de una obra maestra, ni de la renovación del género ni ninguna otra consideración grandilocuente que pudiese justificar instar ferviente e impacientemente a que os acerquéis al cine. No obstante, creo que sí cabe la tranquila recomendación, con la seguridad de que dejará satisfechos a los amantes del subgénero de juicios, pues se trata de un film más que correcto dentro de sus pretensiones.

Mi puntuación:

En mi personal concepción del cine, tiendo a clasificar las películas que veo (y veo las que considero importantes, no me hace falta ver la mayoría de las películas que se estrenan para saber que no merecen la pena) según los directores. Y al igual que en un libro de arte renacentista de finales del siglo XV y principios del XVI, en el que se nombraban a los grandes escultores o pintores, y después a los menos grandes pero también importantes, y finalmente a los simplemente dignos de mención, ignorando a todos los demás, imagino un libro de arte cinematográfico (que nunca escribiré...) en el que se nombra a los colosos de finales del siglo XX y principios del XXI, después a grandes directores, y finalmente a directores valiosos pero no grandes, cada uno contribuyendo al desarrollo del arte del cine con su estilo particular y con el talento, la fuerza y la originalidad que llevan dentro. En el último de estos grupos podría situar a gente valiosa como David Fincher, en el segundo a gente grande como John Carpenter o Clint Eastwood, y en el primero a colosos como Francis Ford Coppola, Zhang Yimou, Terrence Malick, Roman Polanski, Martin Scorsese y desde luego a Paul Thomas Anderson.

Su tercer largometraje, tras el rotundo éxito de la tremebunda ‘Boogie Nights’ (id, 1997), que a golpe de talento le situó en la órbita de los directores más importantes de su generación, rivalizando además con los más célebres de la generación del New Hollywood, a quienes tanto ama y tanto debe, llegó cuando su creador contaba, tan solo, con veintinueve años. Y siendo ‘Magnolia’ (id, 1999) no solamente la mejor película norteamericana del año en que vio la luz, sino probablemente una de las más bellas, profundas, enigmáticas, singulares y poderosas películas norteamericanas en muchas décadas, empezamos a hacernos una idea de lo que Anderson consiguió siendo todavía tan joven. Existen pocos placeres comparables a escribir sobre las películas de nuestra vida (y el único superior es volver a verlas), porque haciéndolo no solamente se les rinde homenaje y veneración, sobre todo uno aspira a contribuir en algo a que universalmente sean reconocidas entre lo más hermoso y emocionante que se puede ver en una pantalla, y así uno pueda formar parte de ellas, aunque sólo sea dejando por escrito la propia, e infinita, admiración.

Lo verdaderamente grandioso parece tocado por una serie de milagros entrelazados, que en realidad son lo que un gran poeta definió una vez como “obligar a la naturaleza, casi al universo, a plegarse a tu talento”. Que finalizando el siglo, un siglo marcado por el cine, en un año que además trajo películas tan importantes como ‘El sexto sentido’ (‘The Sixth Sense’, M. Night Shyamalan), ‘Hoy empieza todo’ (‘Ça commence aujourd’hui’, Bertrand Tavernier), ‘American Beauty’ (id, Sam Mendes), ‘Una historia verdadera’ (‘The Straight Story’, David Lynch), ‘El club de la lucha’ (‘Fight Club’, David Fincher), aparezca ‘Magnolia’ situándose por encima de todas ellas es, de por sí, una hazaña asombrosa. Y se sitúa por encima no por unas pocas, sino por muchas razones, que incluyen uno de los mejores guiones narrativos que se han escrito jamás, uno de los más asombrosos repartos de intérpretes en estado de gracia que posiblemente nadie haya disfrutado en una pantalla, una de las puestas en escena más audaces y valientes a las que cualquier realizador pueda aspirar, y una de las historias más ricas en matices y personajes, y más originales en desarrollo y ejecución, que imaginar quepa. Vamos por partes, pero vamos a por ella ¿os parece?

Un concurso televisivo, una docena de vidas cruzadas

‘Magnolia’ narra unas pocas horas de vida de una serie de personajes que, sin saberlo, están profunda e inevitablemente ligados en sus, a veces trágicos, a menudo patéticos, destinos. Pero antes de zambullirse en ese relato, obtenemos un prólogo en el que se nos cuentan tres increíbles casualidades, narradas por Ricky Jay (que también encarnará al director del crucial concurso televisivo, no por capricho), casualidades que nada tienen que ver, temáticamente, con la historia que se nos va a contar, pero que establecen el tono moral y cómicamente trágico (o trágicamente cómico) de ‘Magnolia’. No pueden tomarse de otra forma la historia de tres asesinos cuyos apellidos, unidos, formaban el nombre de la calle donde vivía su víctima; la del homicidio disfrazado de salvamento por parte de un piloto de hidroavión contra el submarinista/crupier que le dejó sin blanca; o la del adolescente que quería suicidarse y terminó muriendo por homicidio asistido gracias a las peleas de sus padres. Sólo es el principio. Con el enérgico ‘One’ de Aimee Mann arrancando a toda potencia, llega el primer momento magistral de la película: la presentación de todos y cada uno de los personajes principales. Presentación presidida por un dinamismo visual que envidiaría el propio Scorsese, con una precisión a la hora de definir a los personajes gracias a un golpe de vista que ni Elia Kazan sería capaz de igualar, y con una ironía y un descaro adolescente que convierten al vivo ingenio de Billy Wilder en un talento casi corriente.

Seguiremos al presentador de un mítico concurso televisivo que acaba de enterarse de que se está muriendo, a un exaltado seminarista que ayuda a los hombres a follarse a cualquier mujer que deseen por muy difícil que les parezca, a un policía lleno de buenas intenciones pero solitario y lleno también de complejos, a un moribundo al que le quedan pocas horas de vida, a la atractiva y caótica esposa de ese moribundo que debe afrontar el hecho de que va a perderle de forma inminente, al enfermero compasivo de ese moribundo, a un chaval que es la estrella del concurso televisivo antes nombrado y cuyo padre es un tipo despreciable, a un antiguo concursante de ese mismo programa y ahora hombre maduro cuya vida es gris y solitaria y cuyas inclinaciones sexuales le llenan de dudas y de sufrimiento, y finalmente a la hija del presentador del concurso cuya miserable existencia sólo se ve alterada por el consumo desenfrenado de drogas y el sexo con desconocidos. Ya ‘Boogie Nights’ se erigía en un relato coral realmente notable y lleno de vida, pero aquí Anderson llega más allá, enriqueciendo y dignificando mucho más a sus caracteres. Y, lo que es más importante, construyendo un laberíntico collage en el que la ordenación y la suma de los acontecimientos nos conduce, inexorablemente, hacia la salida de ese laberinto: una salida que no por imprevisible es menos conmovedora e inolvidable, pues, como si de un demiurgo se tratara, teje una plausible predestinación con tanta destreza que nos parece normal que una rana en caída libre impida que un hombre se suicide de un disparo.

P. T. Anderson, que asistió un solo día a la escuela de cine y se largó de allí porque se aburría mortalmente (exactamente lo mismo que tendríamos que haber hecho muchos con según qué escuelas de cine…), alguien a quien por tanto se puede considerar un autodidacta ejemplar, desempeñó numerosas funciones en la industria televisiva y cinematográfica antes de dirigir su famoso primer corto y de convertirse en cineasta. Uno de esas funciones fue la de asistente de dirección en un concurso televisivo muy parecido al de ‘Magnolia’. Y una vez confirmado el éxito de crítica y público de ‘Boogie Nights’, Anderson tuvo libertad para hacer la película que él quisiera, y se encerró durante meses, alejándose de la vorágine de todo lo que estaba significando su segunda película, a escribir el que sería, según sus propias palabras, “uno de los cinco mejores guiones de todos los tiempos”. Afirmación apasionada e inocente que así debe ser tomada, más que como un acto de prepotencia, pues Anderson ama a todos y cada uno de sus imperfectos personajes, y ama el cine más allá de todo lo concecible, y ama su condición de cineasta y la posibilidad de escribir y dirigir el cine que lleva dentro, pues ‘Magnolia’ es la confluencia de una serie de talentos enormes y de una época de plena y feliz creatividad.

Perdónate, sálvame

Decir que Tom Cruise está formidable como Frank T. J. Mackey sería faltar a la verdad. Cruise está en el papel de su vida. Nunca se le vio mejor, ni antes ni después de este personaje. En ningún momento existe el menor fingimiento en su trabajo, viviendo la escena al límite. Hay un momento en que, con su máscara de tipo duro resquebrajándose, la cámara aguanta con él durante varios minutos sin cortar el plano, en primer término, y en los ojos abismales de Cruise, en su energía de actor de raza, vemos a un gigante de la interpretación. Su viaje, el del hijo que ha de perdonar a un padre lamentable, es el tema principal de la obra de Anderson: la orfandad, la paternidad como algo monstruoso pero digno de la oportunidad del perdón. Cruise pasa absolutamente por todos los estados de ánimo imaginables: la exaltación, la confianza, la furia, la duda, el arrepentimiento, la culpa, el odio, el amor como única salida. Pero sería injusto no citar a todos los actores, pues todos ellos están como jamás estuvieron. ¡Qué precioso homenaje al gran Jason Robards, que moriría precisamente de cáncer de pulmón como su personaje en la película! Qué patético el personaje de William H. Macy (uno de los habituales de la “troupe” de Anderson), escuchando continuamente y no por casualidad ‘Dreams’ de Gabrielle, quien sabes que jamás podrá conseguir unos sueños irreales pero que ha de perdonarse sus muchos errores, como los de todos los personajes de la película.

Porque más que el tema del perdón del otro, creo que ‘Magnolia’ va sobre perdonarse a uno mismo (algo mucho más difícil, complicado y doloroso…) y sobre ser capaces de pedirle a otros que nos entiendan y que nos acepten en nuestra deforme humanidad. Así, Linda Partridge (una impresionante Julianne Moore, la actriz predilecta de Anderson, cuya secuencia de la farmacia me pone los pelos de punta) sufre una bestial culpabilidad por haberle sido infiel a su marido, ignorante de que él le ha sido infiel a ella también muchas veces, pero que a pesar de todo sigue amándola tanto como ella sigue amándole a él ahora que se está muriendo. Así, Claudia Wilson Gator (magnífica Melora Walters) es incapaz de perdonar a su padre presentador de concurso por unos malos tratos infantiles más que probables, pero menos capaz aún de perdonarse a sí misma el no respetarse y no quererse como debería, llevando una vida oscura y triste. Pero tampoco su padre es capaz de perdonarse y por eso quizá esté sufriendo un cáncer mortal. Y aunque el chaval concursante es capaz de perdonar una y otra vez al estúpido de su padre, esto le vale de poco porque no va a conseguir que le quiera y respete como merece, así que no le queda más remedio que perdonarse a sí mismo su debilidad y sus sentimientos.

Anderson emplea el concurso como una excusa, como un núcleo a partir del cual se ramifican las experiencias de todas sus criaturas. Y, a diferencia del siempre sobrevalorado Robert Altman en ‘Vidas cruzadas’ (‘Short Cuts’, 1993), película que compartía a Julianne Moore, no se pone por encima de ellas, no las juzga, sino que las comprende y les perdona siempre, aunque a veces esto es realmente difícil. Por ejemplo, Anderson se alinea claramente con Claudia (el plano final de la película es buena prueba de ello), pero no necesariamente comparte su forma de hacer las cosas, ya que no se priva de mostrarla como una chica incapaz de llevar bien su propia vida o de relacionarse con los demás. Pero es en los individuos realmente despreciables cuando Anderson echa el resto. Me refiero al padre de Claudia, Jimmy Gator, interpretado de manera majestuosa por Philip Baker Hall, sobre el que pesa la sombra del abuso infantil (además de sus reiteradas infidelidades a su mujer), y que protagoniza un momento sublime, durante el concurso, derrumbándose definitivamente por la culpa y la pena. No menos sublime es el perdón casi póstumo de Frank a su padre, pese a lo mucho que sufrió por su culpa, con Cruise rompiendo a llorar entre espasmos de odio y furia. Todo esto es indicio de un director de actores superdotado, algo confirmado en sus películas posteriores, capaz de ensamblar con pasmosa facilidad un reparto tan extenso, y de extraer de ellos momentos irrepetibles.

El concurso, por tanto, estallará en docenas de piezas que, como satélites, se comunicarán unos con otros durante tres horas y diez minutos (¡nada menos!) que se hacen cortos. Anderson, en complicidad absoluta con el operador de todas sus películas, Robert Elswit, mueve la cámara sin parar un momento, y cuando por fin se detiene, el tiempo se dilata y se comprime a su antojo. Travellings laterales, de acercamiento, de alejamiento, frontales, quebrados…que se combinan con planos muy serenos, muy estáticos, en los que se percibe cada respiración. Y nada de esto da sensación de arbitrariedad o de capricho (aunque aún se perciben algunos ramalazos del cine indie norteamericano de primeros noventa, con esos interludios que nos informan de la humedad del aire y la probabilidad de lluvia…de ranas), ni en ningún momento deviene en desequilibrio formal. Muy al contrario, asombra la elegancia y la pertinencia de cada decisión formal de Anderson, con una dirección de fotografía magistral de Elswitt, en ineludible aspect ratio 2.35:1, en formato anamórfico de 35 mm en Panavisión. El resultado es una imagen impecable que también cuenta con un prólogo filmado con cámara Pathe de 1909, y con el resto del metraje con grano finísimo y gran colorido y contraste de luz. Basta observar las imágenes que acompañan este texto para hacerse una idea de la perfección alcanzada por Elswit y Anderson.

El relato llega al paroxismo absoluto y Anderson no tiene miedo de introducir una escena netamente musical, con todos sus personajes principales cantando ‘Wise Up’, de nuevo de Aimee Mann, que perfectamente podrían estar escuchando y tarareando gracias a una radio y a una emisora común. Por supuesto, la letra de la canción habla sobre muchos de los temas de la película, como la necesaria madurez emocional, enfrentarse a los miedos, dejar atrás un pasado que, como dice Donnie, siempre vuelve a machacarnos en los peores momentos. Y ya, una vez terminado este homenaje al cine musical, Anderson deja libre su imaginación y propone la famosa lluvia de ranas, a la que tanta gente ha buscado un innecesario significado, más allá de la casualidad suprema, y de la necesidad de Anderson de subir aún más la intensidad, con la despedida silenciosa de Frank a su padre, el precio que debe pagar Donnie por su crimen, o la mirada alucinada de un niño solitario que parece apreciar cosas que nadie puede. De un plumazo, Anderson funde cine surrealista, con musical, con cine indie, con melodramático, con trágico, sin olvidar el guiño a ‘2001, una odisea del espacio’ (‘2001, A Space Odyssey’, Stanley Kubrick, 1968), guiño este último que no creo que sea la única razón por la que Alberto Abuín, por ejemplo, compañero y coordinador de Blogdecine, admira esta película sin límites y la considera una de las mejores de los 90, o por la que ganara, por aclamación, el Oso de Oro del Festival de Berlín. Pero más allá de premios, o de recaudaciones (en Estados Unidos ni siquiera cubrió gastos…), ‘Magnolia’ convoca lo mejor de nosotros mismos y convierte al cine en algo mucho más verdadero e imprescindible de lo que es a menudo.

Conclusiones e imagen favorita

Con casi total seguridad, el techo de la carrera de Anderson, al menos de momento. Pero parece muy difícil que en un futuro vuelva a repetir algo de este calibre. Con su talento, no me parece descabellado esperarlo, pero ‘Magnolia’ se mantiene de momento como su obra magna, dentro de una carrera extraordinaria. Como son nueve películas en una, y cada una de ellas podría haber dado un largometraje independiente de gran potencia, me es muy difícil elegir una sola imagen, pero el rostro desencajado de Cruise en el lecho de muerte de su padre es algo indescriptible.

El 28 de agosto llegará a nuestras pantallas ‘Shorts’, la nueva película de Robert Rodriguez, de la que aquí os traemos su inofensivo tráiler. Una película que nada tiene que ver con trabajos del director como ‘Abierto hasta el amanecer’ o ‘Planet Terror’, y se acerca muchísimo más a la trilogía ‘Spy Kids’ o ‘Las aventuras de dos niñatos insoportables y la madre que los parió’. ‘Shorts’ invadirá retinas en pleno verano intentado atraer muchos niños al cine, cosa que no sé si conseguirá pues Rodriguez hace películas para potro tipo de público. Sus films, ya sean buenos o malos, parecen pertenecer a otra época. El aire de serie B que respiran parece en estos tiempos un anacronismo, a veces aceptado, a veces no.

‘Shorts’ narra la historia de un niño y una piedra mágica, y la que ésta monta en una urbanización norteamericana. Entre los adultos nos encontramos con William H. Macy y James Spader. Entre los jóvenes, una ascendente Kat Dennings, y entre los niños un montón de renacuajos conocidos en su casa a la hora del bocata.

‘Shorts’ es el “descanso” que se ha tomado el señor Rodriguez antes de embarcarse de lleno al lado de su colega Frank Miller en el rodaje de ‘Sin City 2’, a la que parece ya se le ha dado luz verde.

Vía | Trailer Addict

El pluriempleado Robert Rodríguez, capaz de hacérnoslo pasar bien con películas como ‘Abierto hasta el amanecer’ y ‘Sin City’, o de hacernos sufrir con cosas como ‘Las aventuras de Sharkboy y Lavagirl’ y ‘Planet Terror’, está dirigiendo un nuevo film, que lleva por título ‘Shorts’. Se trata de una producción Warner para toda la familia (temo a Rodríguez), y narra una historia situada en una urbanización en las afueras de una ciudad, en la que todas las casas son iguales, y todo el mundo trabaja para la misma empres: Black Box. Un día se armará un buen lío cuando un niño se golpee la cabeza contra una piedra que contiene todos los colores del arco iris (temo doblemente a Rodríguez) y que concede deseos.

‘Shorts’, de la que aquí os traemos sus primeras imágenes oficiales, está interpretada por William H. Macy y James Spader, entre los actores adultos, y entre la retahíla de actores infantiles nos encontramos con Rebel Rodriguez (adivinad de quién es hijo). Ya veremos si Robert Rodríguez consigue con esta película un gran éxito o fracasa estrepitosamente como en alguna que otra ocasión. Teniendo en cuenta que hace films como churros, y que no suele abusar de presupuestos desorbitados, no creo que le preocupe demasiado.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Vía | Worstpreviews

‘Shorts’ es una película familiar que ha escrito y va a dirigir y producir Robert Rodríguez. Estará situada en un barrio de la periferia, en el que todas las casas son iguales y en el que todo el mundo trabaja para la misma empresa, Black Box. Se desatará el caos cuando un niño se golpee la cabeza con una piedra que tiene los colores del arco iris y que concede deseos.

Pero a pesar de lo ridículo del argumento, el reparto que ha accedido a unirse a eso es muy interesante: William H. Macy, que es el marido de Felicity Huffman y que suele trabajar para David Mamet; John Cryer, genial como el hermano de Charlie Sheen en ‘Two and a Half Men’ e igual de cómico en papeles secundarios o terciarios en algunas películas; James Spader, que creo que no necesita introducción, y Leslie Mann, actriz de reparto habitual en las películas de Judd Apatow y esposa del productor. Jimmy Bennett, Kat Dennings, Trevor Gagnon, Leo Howard, Devon Gearhart, Rebel Rodriguez, Jake Short y Jolie Vanier son otros de los intérpretes.

Toe (dedo del pie) Jackson, el protagonista, comienza diciendo que tiene una historia que contar y la película rebobina y avanza rápido hasta encontrar el momento en el que va a dar comienzo. Cuando lo encuentra, aparece un cartel que nos dice que éste es el capítulo 4 y que se llama “El enorme moco”. Conocemos a Nose (nariz), otro niño, cuyo padre, el dr. Noseworrthy, tiene fobia a los gérmenes y limpia todo lo que toca. A Nose no se le permite salir a la calle y sólo puede visitarlo su tutora Stacey, que es la hermana de Toe.

Stacey encuentra una piedra con los colores del arco iris y se la lleva a Nose, no sin que antes el padre la desinfecte. El dr. Noseworthy ha inventado un regulador de células y, sin que se dé cuenta, el hijo ha dejado un moco sobre él. Cuando Stacy le da la piedra, Nose dice que desea que el invento del padre funcione y entonces el moco empieza a crecer.

Toe y su amigo Loogie quieren robar la piedra y se cuelan en la casa, pero entonces el moco gigante y malvado los ataca.

La película de Rodríguez está dividida en cinco episodios y por eso lleva el nombre de ‘Shorts’ (cortos). Después de que veamos el cuatro, aparecerán el dos, el uno, el tres y el cinco. Dicen que los demás fragmentos son mejores que el que se ha descrito. La piedra con colores del arco iris aparecerá en todos y en cada uno de ellos diferentes personajes descubrirán que puede conceder deseos. Hay naves espaciales, escarabajos, gente tostadora, cocodrilos y mucho más.

La producción se llevará a cabo en la productora de Rodríguez Troublemaker, que está situada en Austin, Texas.

Más información en Blogdecine sobre Robert Rodriguez.

Fuente | Latino Review.

Recientemente, con motivo de un trabajo para la facultad, sobre comunicación persuasiva, revisé ‘Gracias por Fumar’, la primera película de Jason Reitman, más popular ahora por su segundo film, ‘Juno’. A diferencia de lo que pensé cuando la vi en el cine (se estrenó en España en septiembre de 2006), sigue resultando (ácidamente) divertida, inteligente y contundente en un segundo visionado. Revisaré ‘Juno’ uno de estos días, a ver si pasa lo mismo, porque me pareció una exageración que estuviera nominada al Oscar como mejor película; bueno, también me lo pareció sobre las otras, exceptuando ‘No es País para Viejos’ (que en todo caso creo que no merecía ser elegida mejor película del año, como ya dejé claro en varias ocasiones anteriormente).

‘Gracias por Fumar’ (‘Thank You For Smoking’, 2006) nos presenta centra en Nick Naylor, el portavoz o relaciones públicas de las poderosas compañías tabacaleras. Cuando desde el senado se intenta poner una pegatina en las cajetillas, señalando el tabaco como veneno, Nick propone como solución acudir a Hollywood y recuperar el prestigio de los cigarrillos. Al mismo tiempo, intentará estrechar lazos con su hijo Joey, al que cada vez ve menos.

Por tanto, el protagonista tiene dos frentes o dos grandes conflictos principales: su polémico trabajo, donde es el mejor pero debe demostrarlo ante un grave peligro para su empresa (poner “veneno” en cada cajetilla de tabaco), y su problemática vida privada, Nick está divorciado y tiene un hijo al que está perdiendo poco a poco. Ambas vías se cruzan constantemente y ofrecen al protagonista numerosas posibilidades de demostrar su talento. Y su talento es la palabra. Afortunadamente, aunque haya mucho diálogo, mucho discurso y mucha palabrería barata, ‘Gracias por Fumar’ no resulta pesada ni aburrida en ningún momento, todo lo contrario.

En apenas 90 minutos, Jason Reitman, director y autor del guión, basado en la novela de Christopher Buckley, tiene tiempo para todo, no lo desperdicia con secuencias innecesarias o subhistorias de relleno. Va al grano, como el protagonista de la historia. Reitman le imprime un ritmo magnífico al film, que hace que no despeguemos la mirada de la pantalla. El único “pero” que se le puede poner a la realización es que comete en varias ocasiones el mismo error que critica; se cae en la obviedad, en el mensaje fácil. También se acude a lo tópico especialmente en la parte final de la película, traicionando un poco el tono descarado y a contracorriente del que hace gala la mayor parte del tiempo. Desde luego, no es una obra redonda, pero sí muy disfrutable.

Y ahora vayamos al protagonista, porque es el rey de la función, lo más destacado de la película. Nick Naylor es Aaron Eckhart. Naylor es el rey. Eckhart es el rey. Este actor, cuando quiere, cuando se aleja de su físico, apropiado para papeles de soso guaperas para sosas películas, puede ser realmente bueno. Algunos lo descubrimos gracias a las dos mejores películas de Neil LaBute, sus estupendas ‘En Compañía de Hombres’ y especialmente ‘Amigos y Vecinos’ (su mejor título hasta el momento, en el que, desgraciadamente, parece muy perdido). Creo que Eckhart demostró en ambos títulos y, luego, en el que nos ocupa, que es un actor que puede hacer cualquier cosa. Pronto le veremos “subir de nivel”, al haber participado en el rodaje de ‘The Dark Knight’, encarnando a Harvey Dent (posteriormente, Dos Caras).

Sigamos con Naylor, un héroe/villano contemporáneo. Resulta de lo más refrescante. Es un tipo que normalmente estaría en el bando de los “malos”, sería el rival del protagonista, honrado, moralista, recto y lleno de valores. Aquí es el héroe. Es el personaje con el que el público tiene que identificarse. Jodido asunto. Sin embargo, entra Eckhart y asunto resuelto. El actor está sencillamente perfecto, inmejorable. Con esa sonrisa encantadora y esa mirada de chico bueno, es capaz de soltar la mayor chorrada de la Historia y hacerla creíble para el público.

Siguiendo por esta senda, la película puede verse como un estupendo manual de técnicas de persuasión y de manipulación masiva. Cómo colarle a la opinión pública que tienes razón aunque la empresa para la que trabajas esté destrozando la salud de millones de personas. Sólo un genio para la palabra y la persuasión sería capaz de hacerlo. Naylor lo es. Y en ‘Thank You For Smoking’ se muestra buena parte de su arsenal para convencer y mover a cualquiera a modificar su actitud. El carisma, la rapidez y seguridad de sus razonamientos, la simplicidad de los mismos, y la identificación de los intereses de la audiencia son algunas de las bases de su estrategia.

Las secuencias de la película más destacables, en este sentido, son las siguientes: desde luego, el comienzo, en ese talk-show (magnífica, por cierto, la crítica a estos programas) donde Nick está solo y acaba por estrecharle la mano al niño enfermo de cáncer; la secuencia del colegio, donde Nick expone su profesión; la charla con su hijo sobre el helado de vainilla (“si tú estás equivocado, yo tengo razón”); la secuencia con el enfermo vaquero al que debe sobornar; y, por último, el enfrentamiento final entre Nick y el senador que encarna William H. Macy, representante de la agria sociedad puritana estadounidense, donde se habla de la libertad del individuo y de la no necesidad de tratarle como un niño pequeño al que hay que sobreproteger. Esto está muy bien, pero tampoco deja de ser una manipulación.

A Nick, a las tabacaleras, le conviene hablar de libertad y de la inteligencia del individuo para saber qué es malo para su salud y para decidir si quiere consumirlo o no. Pero si el público es así, entonces, ¿qué importa la pegatina? Lo cierto es que ellos pierden dinero si se pone el aviso explícito de que el tabaco es veneno. Quieren asociar libertad con fumarse un cigarro. Hay una gran masa de gente ahí fuera que es vulnerable a este tipo de mensajes. Así que es preferible, para los de este negocio, que sigan pensando que las consecuencias dañinas de este tipo de productos es algo lejano, ajeno, que no va con ellos. Viva la libertad y hacer lo que uno quiera. Como con los accidentes de tráfico y el alcohol o las armas y la protección. Sí, libertad, pero sobre todo educación. Algo que hoy día escasea de forma alarmante y es, sin embargo, la mejor forma para combatir las estrategias persuasivas de este tipo de compañías (o de los dirigentes políticos).

El reparto de ‘Gracias por Fumar’ está lleno de caras conocidas, siendo éste uno de los habituales recursos para que un film al margen de los grandes estudios tenga publicidad y sea atractivo para el gran público. De esta forma, al margen de Eckhart, tenemos a Maria Bello, Sam Elliott, Cameron Bright, Adam Brody, Katie Holmes, David Koechner, William H. Macy, J.K. Simmons, Rob Lowe y Robert Duvall. Evidentemente, y como pasa siempre, tantos nombres no tienen espacio suficiente en el metraje. Es, como digo, más bien una forma más de hacer llamativo el producto. Una forma de vender, de persuadir al público; los famosos son garantía. ¡Mira la cantidad de actores famosos, tiene que ser una buena peli! Un razonamiento muy propio de los que van al cine o al videoclub a ver algo, cualquier cosa, porque no tienen información (ni les interesa, para eso preguntan a sus amigos/familiares). También resulta, hay que reconocerlo, un elemento demasiado jugoso para los que nos apasiona el séptimo arte, tanto actor famoso junto… tiene que verse, al menos para poder opinar (maldita mitología).

De todos los actores secundarios, cabe destacar especialmente a Macy, que borda el papel del senador conservador que reta a Nick. También destacar la labor de Elliot, que protagoniza una secuencia de gran tensión, Duvall, que casi siempre está bien, Simmons, que borda los papeles de jefe/padre malhumorado, y Lowe, que interpreta a un divertido directivo de Hollywood; por el contrario, Holmes no pega en el papel, no es muy verosímil que maneje a Nick de esa forma. En cuanto a los otros miembros del “escuadrón de la muerte”, es una pena que no se les aproveche más, sus trabajos daban mucho juego.

En definitiva, calificar ‘Gracias por Fumar’ como una interesante y divertida comedia, crítica, inteligente y con un ácido sentido del humor, donde brilla un persuasivo Aaron Eckhart.

• Otra crítica de la película en Blogdecine:

‘Gracias por Fumar’, gracias por hablar

“A different kind of romantic comedy” es la frase con la que nos quieren vender ‘The Deal’, lo nuevo con Meg Ryan de protagonista. Junto a ella, el gran William H. Macy, al frente del reparto de una película dirigida por Steven Schachter; ambos, Macy y Schachter han escrito el guión. Basada en la novela de Peter Lefcourt, ‘The Deal’ gira en torno a un productor de Hollywood y su ayudante que deberán hacer todo lo posible para que una película salga adelante, a pesar incluso del secuestro de la estrella protagonista. No hay fecha de estreno oficial, aunque el film ya ha podido verse en el festival de Sundance.

Vía | Impawards

Christian Slater (‘Bobby’) es uno de esos actores que me parecen tan malos, tan inexpresivos, que, finalmente, me resultan simpáticos; en cuanto a Elisha Cuthbert (‘Captivity’), aún no ha demostrado nada salvo que tiene muy buen físico. Ellos, Slater y Cuthbert, forman la extraña pareja de la curiosa ‘Él Era Un Hombre Reservado’ (‘He Was a Quiet Man’), un drama con estética de videoclip que recuerda un poco (visualmente) a las historias de Michel Gondry, y que ha sido dirigido por Frank A. Cappello (llevaba más de diez años alejado de esta tarea); el guión es también suyo. Al parecer, la historia gira en torno a un trabajador normal y aburrido que un buen día salva la vida a una atractiva joven. El polifacético William H. Macy (‘Cerdos Salvajes’) completa el trío protagonista. No he encontrado fecha concreta de estreno en España, pero por ahí he leído que piden el Oscar para Slater. Todo es posible en esta vida…

Vía | Ktarsis