Como, a raíz del repaso a los directores de fotografía nominados este año a los Oscar, algunos comentaristas de Blogdecine insinuaron que sería interesante que hiciéramos una especie de compendio de los fundamentos de la fotografía en el cine, me he decidido a hacerlo en varias partes, para no redactar unas entradas demasiado extensas. Con ellas, espero que el lector no iniciado en esta disciplina, y que tenga curiosidad por ella, pueda introducirse un poco en algunos conceptos y nociones sobre la imagen cinematográfica en general y sobre la labor del cámara y del director de fotografía en particular, y yo aprovecharé para repasar lo que ya sé y para profundizar en cosas que todavía no. En el cine la técnica tiene mucho de arte, y el arte mucho de técnica. Robert McKee, por ejemplo, llamaba a los grandes artistas, de cualquier tipo, “maestros de la técnica”, y no le falta razón. Para llegar a ser un gran artista, en literatura, en música, en pintura o en cine, hay que dominar la técnica hasta en sus aspectos más superficiales.
El director de fotografía es una figura importantísima dentro de un rodaje y, muchas veces, en postproducción. Es fundamental que él y el director encuentren una buena sintonía creativa y que se comprendan mutuamente durante la filmación de la futura película. Como es lógico, esto no ocurre a menudo, y por eso muchos directores, cuando encuentran un operador jefe con el que se sienten a gusto, suelen repetir con él varias veces y hasta se hacen amigos. Un rodaje es una guerra, literal, y los amigos vienen bien en las guerras. El director de fotografía (al que también se le llama operador, u operador jefe, aunque no necesariamente ha de operar con la cámara), también suele confiar en un equipo habitual, compuesto por el cámara, el ayudante de cámara, el auxiliar y hasta los eléctricos. Cada uno tiene su estricta función, y cuando hay más de una cámara, hay otro equipo (no confundir con segunda unidad), pero el director de fotografía es el que se encarga del aspecto puramente visual de la película, de hacer realidad la visión del director, con independencia de que éste posea mayor o menor formación fotográfica.
A grandes rasgos, durante un rodaje, el director de fotografía se encarga de iluminar el plano (la toma), mientras que el director artístico o el diseñador de producción se encargan de elaborar los elementos puramente escenográficos. Mientras, el cámara, se encarga de “componer” el plano con ayuda del ayudante de cámara y de los auxiliares, siguiendo las instrucciones previas del director. Dicho así suena sencillo, pero es un proceso complejo. A fin de cuentas, del operador depende la calidad, profundidad y pertinencia de la imagen, y en cine se habla con imágenes. Una vez el director ha dado las instrucciones a su equipo de cámara (instrucciones que ya venían aprendidas en parte), y ha dado las últimas directrices a sus actores, se sienta a esperar que el equipo haga el trabajo. Pero de la elección de las “luces” (tipo, intensidad, distancia, efectos, rebotes y un largo etc…), de la elección de las lentes y objetivos, de la emulsión, de la velocidad de la película, del formato, del soporte, de la altura y posición de la cámara, del estilo, del movimiento de los actores (o de la carencia de él), y de muchas cosas más que en parte iremos viendo, depende lo que se define, a “grosso modo”, como puesta en escena.
El formato cinematográfico
Cuando nos referimos a formato cinematográfico, nos referimos sobre todo a la película fotográfica (16 mm, 35 mm, 70 mm, etc) y a la proporción entre el ancho y el largo del negativo (el “aspect ratio” o “relación de aspecto”). Ya en los primeros años del cinematógrafo se empleaba sobre todo el 35 mm (pues Hannibal Goodwin descubrió en 1887, casi al mismo tiempo que la Eastman Kodak, las propiedades fotoquímicas del celuloide), y se ocupaba todo el ancho y el alto disponible en el fotograma (sin banda de sonido lateral) que dejaban libre las perforaciones necesarias para que la cámara enganche la película y tire de ella. Hasta 1927, año del nacimiento del cine sonoro, las películas se filmaban, mayoritariamente, en un aspect ratio de 1.33:1 (1.33 de ancho por cada 1 de alto), con cuatro perforaciones laterales. Para muestra, un fotograma de la película de John Ford ‘El caballo de hierro’ (‘The Iron Horse’, 1924):
El plano es casi cuadrado. Curiosamente, con la llegada del sonido, y el añadido de la pista óptica lateral en el negativo (de ahí el nombre de “banda sonora”) comenzaron a plantearse algunos cambios, aunque en un principio, al perder anchura, algunas películas, como ‘Amanecer’ (‘Sunrise: A Song of Two Humans’, F. W. Murnau, 1927) o ‘M, el vampiro de Düsseldorf’ (‘M’, Fritz Lang, 1931), tuvieron un aspect ratio aún más cuadrado, de aproximadamente 1.20:1.
Pero cambiar el formato implicaba problemas con los proyectores de los cines, y se hacía necesario un formato común para todos. Así nació, en 1930, el llamado Formato Académico (Academy Standard Flat), que sobre un soporte de 35 mm empleaba un aspect ratio de 1.37:1 (rebajando la altura de la imagen), que sería el formato universal durante casi veinte años. A principios de los años cincuenta, y ya con las películas a color muy desarrolladas, llegó la doble revolución del Cinerama y el CinemaScope. El Cinerama, como muchos lectores sabrán, era la técnica consistente en rodar con tres cámaras sincronizadas, y luego proyectadas a través de tres proyectores también sincronizados. Era muy espectacular, pero no se implantó por sus altos costes, y sólo llegaron a hacerse nueve películas completas con este formato, quizá la más famosa ‘La conquista del Oeste’ (‘How the West Was Won’, John Ford, Henry Hathaway, George Marshall, 1962):
Si el lector se fija puede encontrar las dos marcas que delatan tres fotogramas distintos. El CinemaScope significó, sin embargo, una revolución mucho más importante, al emplear lentes anamórficas. Estas lentes comprimen la imagen un 100% en el negativo, por lo que un fotograma de 35 mm puede obtener un aspect ratio de 2.66:1, justo el doble, aunque con la inclusión de cuatro pistas de sonido, pasaba a ser un máximo de 2.55:1. Dado que las salas de exhibición sólo necesitaban lentes nuevas anamórficas (que a su vez, al proyectar, volvían a estirar la imagen) y nuevas pantallas, se implantó con mucha mayor rapidez que el Cinerama. Actualmente, se llama imagen Scope a cualquier formato de imagen ancha, que en general se considera propio de películas épicas o de westerns. Sobre todo de este último género, ya que con imágenes de 2.35:1 se aprecian mucho mejor las interminables líneas horizontales de los paisajes americanos.
En años siguientes aparecerían otros formatos, como el VistaVisión (que aprovechaba mejor el negativo de 35 mm al correr de manera horizontal por la cámara, con aspect ratio de entre 1.66:1 y 1.96:1), el Todd-AO (sobre negativo de 65 mm, con un aspect ratio de hasta 2.21:1), el MGM Camera 65 de la Metro Goldwyn Mayer (película de 65 mm pero con lentes anamórficas para el aspect ratio más ancho de todos, de 2.76:1, utilizado en ‘Ben-Hur’ (id, William Wyler, 1959)) o Super Panavision 70 (65 mm pero sin lentes anamórficas, por ejemplo ’2001: Una odisea del espacio’ (‘2001: A Space Odyssey’, Stanley Kubrick, 1968)), entre varios formatos. Todo este baile de anchuras y alturas provocó un cierto caos que derivó en proyecciones inapropiadas de las películas, tanto en cine como en televisión, con recortes nefastos de la imagen, o la desaparición arbitraria de las bandas negras en la exhibición televisiva (de las que tanto se quejaban nuestros abuelos…), adulterando de manera espantosa, gracias al Pan & Scan, el trabajo de los directores de fotografía.
Finalmente, el avance más importante ha sido la implantación del formato Super 35, presentado en 1983, y que ahora es el habitual en casi todas las producciones. Con un aspect ratio de hasta 2.39:1 y dos perforaciones y media de uso, bastante más ancho que el ahora académico 1.85:1. Así, a grandes rasgos, y para ir resumiendo, podemos ver un fotograma en 35 mm, y sus diferentes usos:
A continuación, un ejemplo del fotograma en su formato académico, llamado Widescreen, de aspect ratio 1.85:1:
He aquí el uso del fotograma en Super 35, en el que el marco rojo serían los márgenes reales de la imagen, y el verde su aproximado Pan & Scan:
Y finalmente, un diagrama que nos enseña hasta qué punto es importante decidir el tamaño de la imagen dentro del negativo:
Por supuesto, dependiendo del tipo de cámara, de la cantidad de imagen en el negativo, y de otros aspectos ya mencionados, dependerán otros temas como la cantidad de grano (ya hablaremos de ello), la profundidad de campo (ídem), la iluminación necesaria (ídem de ídem), la emulsión… Pero espero que con esta introducción breve al formato el lector se haga una idea más general, y sepa a qué nos referimos en blogdecine cuando hablamos de aspect ratio, de scope y de otros términos, y de la continua evolución de la técnica cinematográfica hasta la era digital actual. Así como espero que se de cuenta de que la dirección de fotografía, aplicada a la puesta en escena, es realmente compleja, y depende de muchos factores que iremos viendo en sucesivas entregas.
Comentarios
brillante
Plas,plas,plas,plas,te aplaudo Adrián,eres un máquina.
Aunque no coincido con algunas de tus críticas te mereces el aplauso de drvenkman . Un excelente artículo que a cinefilos/cinefagos como yo nos interesa y mucho. Iniciativa de 10
Eres un genio Massanet, retiro todos los insultos que haya podido decir sobre ti! xD
Ahi queda mi comentario en el post de directores de fotografia nominados al oscar (que acabo ganando Wally Physter, mi preferido), que aunque muy largo, no se compara con esto!!
Me ha gustado, una lectura muy amena y nada academicista!!
Gracias por mostrarnos esas pequeñas cosas que pasan a veces tan desapercibidas.
Una entrada exquisita.
Edit: Esperamos mas post como este . :)
-- editado por última vez a las 17:24
Este tipo de entradas son de verdad muy valiosas
Post/Delicatessen
Interesante... aunque tienen pinta de serlo aun mas futuras entregas.
Buena iniciativa, y muy interesante ¿Qué tal un repaso a los grandes maestros de la fotografía? Estaría bien.
Saludos.
Sin duda ha sido una de las mejores entradas que he leído en este blog de cine.
Edit: Un abrazo amigo Harry!
-- editado por última vez a las 19:05
A mí también me ha gustado mucho este post, la verdad es que es muy interesante.
Un abrazo Alberto.
Excelente iniciativa. Habria que hablar de composicion para hablar de direccion fotografica, supongo que esto lo dejas para alguna de las partes posteriores. El directo de fotografia, junto al director de arte, creo que son de las partes que mejor deben estar alineadas con el directo de cine -todo el equipo debe estarlo, pero mas estos principalmente-, es que estos tienen una responsabilidad visual de primer orden y esto es de lo mas determinante en un film.
Tambien espero apasionadamente ver como se va desenvolviendo esta en el medio digital, hay directores como David Lynch que ha dicho que jamas vuelve a usar celuloide. El film tradicional tiene una magia que las camaras digitales no tienen, pero por asuntos de costos, creo que se justifica bastante el formato digital, principalmente para gente con pocos recursos y paises subdesarrollados.
El formato digital aparte de abaratar los costes, el director puede comprobar la toma al instante y no necesita esperar 2 días para ver como ha quedado. Aunque en ciertas películas la fotografía digital estropea un poco la película como sucede en Enemigos Públicos. En cambio en películas como Zodiac o La Red Social, la fotografía digital es perfecta.
El celuloide se lleva a revelar justo después de exponerlo con objetivo de que no se estropee, y el proceso de revelado, tampoco es extremadamente largo. Antes, ya cada vez menos, se hacían visionados después de rodaje para que todo el equipo viera el material que se había rodado. Además, el director ve la toma por combo en el momento de rodar, no necesita mirarla de nuevo, y si no, los buenos montadores graban el combo para hacer un pre-montaje después de rodar. En cuanto a vuestros halagos al digital, Lynch puede decir misa, es muy buen director pero no es director de fotografía, y ahora mismo el digital esta muy por detrás de las posibilidades del celuloide. Ya no hablamos del 'look' que ofrece este, si no de temas como la latitud (aquí hay una diferencia abismal), así como la respuesta a los colores (con digital es mas fácil manejar el color, pero no responde ni mucho menos igual de bien que el celuloide).
yujuuuuuuuuuuuuuuuu aprendo aprendo aprendo aprendo! gracias adrián!
Un BRAVO con mayusculas por ti! EXCELENTE curro! Muchas gracias
Guau! Muchísimas gracias Adrián, es una iniciativa estupenda!
Infinitamente interesante, gracias! Con ganas me quedo de la próxima entrega... :)
A esto le llamo yo dar la respuesta al premio que os han concedido. Siseñor. Ovación.
Me ha gustado la entrada, está muy bien aunque debo reconocer que con tanta medida y tanto tamaño me hice la picha un lío ajjaja, aver si con los próximos post me lo voy releyendo tranquilamente para entender un poco el tinglao
Sería muy bueno como dicen por ahí mas entradas de este tipo, no solo en fotografía, sino en sonido, color etc. para ver como ha ido evolucionando la historia del cine
interesante
Poco a poco, muchacho. Ya iremos poniendo más cosas.
Muchas gracias Massanet por explicar tan bien el complejo trabajo de la fotografia en el cine. Es un aspecto que siempre me ha interesado y tu lo has explicado perfectamente. Espero ansioso las proximas entregas
PD: Cuando acabes de explicar este tema (no es mi intencion darte mas curro como hacen otros por aqui xDD) podrias hacer un repaso al gran director de fotografia John Toll
A John Toll? No sé... Es un operador que comenzó de manera fulgurante, con varios trabajos acojonantes, pero actualmente está de capa caída...
Joer, sin querer darle más curro, le das más curro. xD
Si es que cuando uno lee entradas como ésta se emociona de aprender nuevas cosas y de descubrir poco a poco el cómo el cine es cine y no otra cosa. Otra vez muchas gracias por el reportaje
-- editado por última vez a las 00:59
Eso de las rayas negras en los antiguos televisores de 4/3, era un batalla perdida con mi familia cuando emitían películas en formato original. En una edición de VHS del Retorno del Jedi, cuando están en barcazas se ven unos movimientos de cámara que jamas existieron en un dialogo entre Harrison Ford y Mark Hamil. Con lo que se altera la película. Y ademas el color pierde mucho y se ve como decolorado. En cambio cuando se emitían es Scope aunque la se perdía imagen en pantalla esta era mas clara y nítida.
Adrian, aunque no eres santo de mi devoción... sinceramente me quito el sombrero ante este post. Para mí el mejor que se ha escrito en este foro sin duda
Oyeme, pero yo creía que Massanet no sabía un carajo de cine por las críticas que hace. Pero el hombre es una lumbrera, como decimos en mi pais.
interesante
En ocasiones los más sabios son los más cabrones.
Grande, Adrián, grande.
Fijaos bien y veréis como NO es un 'cabrón'. Esa fama es totalmente injusta.
Massanet sabe de cine, a ver si se anima y aplica todo su conocimiento teórico-técnico en hacer aunque sea un corto y que lo cuelgue.
Creo que a falta de un cortometraje, tiene dos hechos. Una vez le pregunté por ello, pero no me contestó.
Me ha encantado, no tenía ni idea sobre este tema y me parece una iniciativa estupenda y muy educativa. Gracias por compartir todo lo que sabes sobre la fotografía del cine, espero que lo sigas haciéndo, estoy segura de que muchos (como yo) esperan impacientes. Un saludo.
-- editado por última vez a las 18:54
Ya era de que en este blog se hablara de como se hace cine. Enhorabuena por el post. Espero poder ver mas de este tipo.
Te felicito Adrián, gran post que te has currado.
Estupenda la iniciativa, sí, señor. Hace falta conocer más directores de fotografía. Gracias por el post, Massanet.
Excelente Post para todos aquellos que quieran conocer un poco mas de los secretos de las cosas esas que vemos en la pantalla. Espero que tenga gran seguimiento. Con lo que me he discutido yo con Adrián!! Un seguidor seguro en esta serie de blogs, eso lo aseguro.
Felicidades Adrián ( me cuestaaaaa, me cuestaaaaa....na es broma!)
Un gran post, de verdad, pero ¿necesario en un blog de cine? No es una reprimenda al firmante de la entrada sino a nosotros los lectores que, parece que nos gusta que nos den todo mascado. Tan sencillo es como que si alguien habla del 'aspect ratio' o de la profundidad de campo y no sé de qué coño hablan y, me interesa, lo busco.
Pero, quizás esto cuesta más trabajo.
Y, repito, me ha encantado el texto.
Necesario no, imprescindible.
Yo creo que la sorpresa de un post así acaba disfrazada en forma de necesidad. Seguiré con mucha atención el resto de capítulos y animo a los editores de blogdecine que se amplíen a otros ámbitos o puestos de rodaje.
Sin ganas de polemizar, después de tantos años de existencia de este blog, y si es tan imprescindible, ¿por qué no se empezó con posts de este tipo, para enseñar a los menos instruidos?
Un saludo kirikin.
No hay nada como ser un Cinematographer, de verdad que si. Pueden inundar a negativos los que crean que soy megalómano. Es que el cine y la fotografía juntos son Dios. Una buena película usualmente tiene una fotografía magistral, y la fotografía es de fácil acceso, nada de FX caros y etc, simplemente arte y pasión, véase la ultmamente muy comentada en blogdecine.com 'Poesía'.
Salud y cine, y en este caso fotografía. ;-)
Realmente interesante, gracias.
El de nada era para tí...lo malo del móvil...
Qué grande es el cine,mecachis... Y qué sabios sois vosotros.
De nada
El tema fotografía en el cine, es comos i estuvieras viendo una segunda peli en paralelo,ya que es todo un mundo. Incluso los que experimentan,otros a los que llaman pretenciosos,etc,es genial ver lo que cada uno quiere hacer o decir con la imagen. Poderosísimos blancos y negros se han visto almenos los últimos 15 años,blancos y negros de nueva generación,como los llamo yo,pero que rinden tributo a lo añejo y bueno,como dead man(1.995),por poner solo un ejemplo. Es genial el tema de la fotografia en el cine,gran post!! Y ya que hace solo unos posts se ha vuelto a hablar y mucho de salvar al soldado rayan,quería esmentar(de los muchos que hay)a uno que almenos ha intervenido en 2 obras maestars como es Janusz Kaminski(munich,la terminal,A.I,salvar al...,Minority report(para el que escribe una obra maestra de la sci-fi),guerra d elos mundos,la escafandra,incluso él era lo mejor de su ópera prima(lost souls). en fin,buen post.
Aún así,no podía irme sin mencionar también la EXTRAORDINARIA fotografía de mi querida érase una vexz en América a cargo de Tonino Delli Colli,el que la haya visto lo entenderá.
Muchas gracias por este especial. Justamente hoy estaba pensando proponer en los comentarios que empezaran a hacer especiales sobre los aspectos técnicos del cine (había pensado, por ejemplo, en un análisis sobre la creación del ritmo).
Hace unos días vi por primera vez "Once Upon A Time In The West", y me di cuenta de que el ancho de la imagen cumple la función de mostrar las grandes praderas en toda su amplitud. Aunque Leone lo usa también en los close-ups, donde las praderas son reemplazadas por el ala del sombrero, quedando en el centro la cara del pistolero.
Que articulo tan interesante Adrian, me ha servido bastante. Tengo una clase de Cinematografía e Iluminación y estamos viendo cosas como las que abordaste en este articulo y que al parecer seguirás desarrollando. Me encanto.
¡Excelente! Esto es lo que estaba buscando.
¡Muchas gracias Adrián!
Saluods.
Estupendo post, Adrián. Gracias :)
Bravo.
Magnífico post. La verdad es que la labor del director de fotografía es mucho más compleja de lo que pensaba. Yo creía que se limitaba a manejar el fotometro y poco más.
-- editado por última vez a las 21:16
Y esto es sólo el principio, chaval...
Que feo te quedó eso de 'chaval' con lo elegante que sueles ser.
Realmente muy interesante, tanto el tema como la información expuesta por el amigo Adrián. Como aficionado al cine a veces me averguenza saber tan poco sobre la técnica para llevarlo a cabo, que al fin y al cabo está directamente relacionado con todo lo que acaba fascinándome, impactándome o emocionándome en pantalla. Espero con gran interés el siguiente post.
Saludos.
Asombroso post, y lo digo desde dentro del mundillo. Soy (o pretendo ser) técnico de imagen, aspirante esporádico a director de fotografía (de momento de cortometrajes medianamente serios), y has recogido absolutamente todo lo que se lleva a cabo en un rodaje. Una información exquisita que difícilmente encuentras tan bien recopilada en internet. Esperaré con ansia las siguientes entregas.
Gran artículo- y eso que sólo ha sido la introducción- Espero con ansia los siguientes artículos.
Excelente articulo. Venga con mas entradas asi. Gracias.
Qué pedazo de artículo, prefiero a Massanet como articulista que como crítico
interesante
Y yo.
Pues yo no,sobre todo cuando te apasiona un film...
Aunque he de reconocer que es un gran post.
Saludos.
Yo tampoco, por muy polémico que sea, sus opiniones siempre son muy interesantes. Saludos, richardford.
Gracias Adrián. Estaré muy atento a los próximos posts del tema y espero que luego podamos también aprender de otros aspectos técnicos del cine.
¡Bra-vo! Éste es el tipo de posts que deseo ver en Blogdecine. ¡Por fin! Mil gracias por las explicaciones. El cine es una industria y un arte complejo, por lo que es básico tener unas mínimas nociones.
Interesantísimos conceptos que se aprenden de la fotografía cinematográfica. Precisamente estudié esto el trimestre pasado en Modos de representación cinematográfica y la importancia del aspecto, los márgenes en la imagen es fundamental. No nos podemos ni imaginar como repercute esto en la ley de los tercios en el cine.
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