“¿Quieres ser el responsable de la completa extinción de la raza humana? ¿Podrás llevar esa carga?”

Carl Anheuser (Oliver Platt), lo creáis o no, esperando una respuesta.

Ayer vi una de las peores películas de los últimos años. Estábamos advertidos, dice el cartel, y es cierto. Sabía que no me iba a entusiasmar, desde luego, pero cuando me senté en la butaca, con mi refresco y mis palomitas, dispuesto a intentar pasar un buen rato viendo lo nuevo de Roland Emmerich, una superproducción de 200 millones de dólares y más de dos horas y media de duración, no me imaginaba que la película iba a ser tan estúpida, que iba a estar tan mal escrita, dirigida e interpretada. No me esperaba algo tan vergonzoso, más que un espectáculo es un despropósito increíble.

Y ahora viene la pregunta del millón. La que muchos estáis pensando ahora mismo. Si es tan mala, ¿por qué ha arrasado en taquilla? Bueno, es tan simple como que ha seguido una fórmula que funciona. Por muy mal que lo hagas, si gastas una cantidad obscena de dinero en efectos especiales, actores conocidos, publicidad, y tu película ocupa dos salas de los multicines de cada ciudad, prácticamente tienes asegurado el éxito en taquilla. Al menos el primer fin de semana. Por eso es tan importante que se estrene en todas partes al mismo tiempo, haciendo el máximo ruido posible, para que todos caigan en la trampa. No suele fallar, pero una semana después, una vez que la gente habla, el castillo de arena se va descomponiendo. Vamos a ello.

La verdad es que intentar relatar lo que ocurre en ‘2012’ sin tomártelo a cachondeo (véase el tronchante artículo de Rafa Martín en Las Horas Perdidas), es una tarea que se me antoja prácticamente imposible. Sencillamente, no puedo concebir que dos personas, adultas y profesionales del cine, como son Roland Emmerich y Harald Kloser, hayan escrito un guión tan demencial, con la intención de llevarlo a la pantalla convertido en una gran superproducción. Y que después de las carcajadas de los productores a los que se les propuso la idea, no les partieran la cara, por insultar al cine, al negocio del cine y, de forma más o menos directa, al público que potencialmente iría a ver la cosa cuando se estrenara.

Pero vamos a intentarlo. La película comienza mostrándonos cómo se produce el alineamiento planetario y el crecimiento de la actividad solar que, según el guión, ya adelantaron los mayas hace siglos, lo que provocaría que el 21 de diciembre de 2012 se produciría el fin del mundo. Pero ahora estamos en 2009, así que todavía tenemos algo de tiempo. Un científico de la Casa Blanca (Chiwetel Ejiofor) descubre, gracias a un colega que trabaja en una mina en la India, que el Sol está calentando el núcleo terrestre a una velocidad alarmante. La raza humana está condenada. El científico habla con su superior (Oliver Platt) y éste le pone en contacto con el Presidente (Danny Glover, que interpreta en realidad al Presidente de todos los seres humanos). Por el momento, nadie quiere que se sepa la verdad, mientras preparan un plan, y si alguien lo descubre, da igual quien sea, se le elimina por el bien de todos (Emmerich da a entender que por eso murió Lady Di).

Pasamos ya al año clave. Emmerich ha visto el remake de ‘La guerra de los mundos’ que hizo Spielberg hace unos años y le gustó mucho el rollo familiar. De este modo, tenemos a John Cusack como el padre desastroso con dos hijos (uno de los cuales no le soporta, porque así debe ser) que es incapaz de hacer nada bien, hasta que llega la hora de convertirse en el héroe de película y, mientras da lecciones de humanidad y moralidad, salvar a todos de los constantes peligros que van sucediéndose allá por donde pasan, cada vez más escandalosos y ridículos. Tenemos una imposible huida en limusina por las calles de Los Angeles, una vez que Cusack ha convencido a todos de que el mundo se hunde (por cierto, un imitador de Schwarzenegger muere en directo), o una serie de aún más inverosímiles trayectos en avión, donde un cirujano ejerce de experto piloto. Una de las cimas es la ya típica secuencia en la que todos van a morir, a menos que alguien se embarque en una misión suicida y dé su vida por los demás, entre lágrimillas y palmaditas en la espalda (no os cuento cómo acaba, por si acaso).

A lo largo de las más de dos horas y media, Super-Cusack, que está en plena forma y no necesita ni beber agua (de hecho, la respira), se va cruzando con todo tipo de personajes que de alguna forma le conocen y/o le ayudan, hasta que puede llevar a sus dos hijos y a su mujer hasta el sitio donde los gobiernos de todo el mundo han escondido unas arcas capaces de soportar todos los desastres naturales ideados por los guionistas, incluyendo también el ataque del Air Force One, que de tanta chorrada que ha pasado a su alrededor, se le han cruzado los cables y se ha vuelto malvado (bueno, más o menos). Al final… bah, ¿acaso no sabéis cómo acaba? No, si esperas un gran desenlace desolador y pesimista, no lo vas a tener, créeme, me llevé un chasco hasta en eso.

Sé que esto da mucha pasta, pero aun así me sigue sorprendiendo que tantos actores con cierto prestigio se hayan metido en esta pesca, que hayan aceptado trabajar para Emmerich en su nuevo atentado al cine. Especialmente, me sorprende lo de las actrices, que Thandie Newton y Amanda Peet interpreten a esos personajes huecos y segundones, sin ninguna importancia, y siempre a la sombra de los hombres, es increíble. Ojo a las memorables frases en torno a los pechos de Peet, y fijaos en quiénes toman siempre las decisiones relevantes; ninguna mujer. Pero bueno, la cantidad de escenas y diálogos que alcanzan la categoría de vergüenza ajena es tan elevada, que puede suponer un gran divertimento repasarlas a la salida del cine, si es que uno aún conserva el buen humor tras el maltrato recibido por sus retinas, y la más que probable destrucción de millones de neuronas durante el visionado.

Dicho todo esto, entiendo que hay un público para ‘2012’. Sin ir más lejos, a mi compañera Beatriz le pareció muy entretenida. Pero yo no le veo la gracia a esto. Para mí un buen espectáculo debe, para empezar, ser creíble, verosímil, también contar con buenas interpretaciones y, fundamentalmente, no tomarme por idiota. En realidad, creo que es por este tipo de productos por lo que se muere el cine, no por la piratería o la falta de talento de las nuevas generaciones. Estas mastodónticas superproducciones, que consumen tanto dinero, y que lo único que dan a cambio son interminables secuencias imposibles repletas de efectos especiales, hacen daño. Dominan el mercado y amenazan con ocuparlo por completo. Por mi parte, a menos que Emmerich se dedique a otras historias, es la última suya que veo. Ni un euro más. Demos oportunidades a otros, nos piden mucho menos y nos dan mucho más.

PD: En Sitges pude ver una comedia dramática con catástrofe que deja a ‘2012’ en pañales. Se titula ‘Haeundae’. El “problema” es que es coreana y probablemente no se estrene en España antes del año… 2012.

Parece que fue ayer cuando llamaba a los despachos de la temible Filmax —¿puede haber en España una productora peor que ésta?— para asegurarme de que la segunda entrega de ‘[Rec]’ se iba a filmar. La respuesta fue un “aquí no sabemos nada” —nunca estarán tan acertados de describirse a sí mismos como con esa expresión—, y fue justo un día antes de que Paco Plaza anunciase en su blog que empezaban a rodarla. Ahora, la película ya ha pasado por Sitges y por las carteleras españolas, repitiendo más o menos el éxito de su predecesora, aunque sin llegar a armar tanto revuelo. Y eso que sus autores decidieron hacerla simple y llanamente porque el público lo pedía, no porque tuviesen algo pensado desde el principio. Una operación parecida a la que realizan al otro lado del charco cuando una película tiene éxito, léase las insulsas continuaciones de ‘Matrix’ o ‘Piratas del Caribe’, perfectos ejemplos de cómo tomarle el pelo al espectador y hacerse rico con ello.

Afortunadamente Plaza y Balagueró no han llegado a extremos tan infames como en las películas señaladas. Han sabido aprovechar lo mejor de una primera entrega excelente, intentando aportar cosas nuevas en una secuela tan entretenida como innecesaria, y si bien han perdido todo el factor sorpresa, al menos nos han ofrecido un producto por encima de la media de los films de terror salidos de nuestras tierras, lo cual ya es mucho.

‘[Rec] 2’ comienza justo después de los acontecimientos narrados en la primera entrega. En el edificio puesto en cuarentena entra una unidad de los GEOS para determinar qué está sucediendo y si pueden controlarlo. Con ellos irá un médico que sabe más de lo que dice, y muy pronto empezarán a temer por sus vidas. El terror en forma de virus contagioso se adueña de nuevo del lugar, y nuestros queridos soldaditos —entre los que se encuentra el cámara que acompañaba a Manuela Velasco en el anterior film, a modo de cameo gracioso— tendrán serias complicaciones para llevar a cabo su imposible misión.

Paco Plaza y Jaume Balagueró han confesado haberse visto todas las películas de zombies que hay, siendo evidente que de alguna de ellas se han dejado influenciar un poco. Referencias podemos encontrar miles, sobre todo al cine reciente en títulos como ’28 días después’ (‘28 Days Later…’, Danny Boyle, 2002) o ‘Amanecer de los muertos’ (‘Dawn of the Dead’, Zack Snyder, 2004), de las que cogen el elemento de que los zombies corran, lo que incrementa el temor hacia ellos. Pero de lo que nada se ha dicho, o al menos un servidor no lo ha visto por ahí, es de su descarada copia de ‘Aliens, el regreso’, la magistral película de James Cameron, con la que guarda numerosos parecidos, tantos que su primeros 20 minutos son prácticamente iguales. Sustitúyase a los marines por GEOS, a los aliens por infectados, súmesele las cámaras en los cascos de los soldaditos, idénticas reacciones ante el drama, y la comparación es innegable. Transcurrido un poco del corto metraje, la película toma otros derroteros, pero no evita caer en homenajes a films muy conocidos, como por ejemplo ‘El exorcista’ (‘The Exorcist’, William Friedkin, 1973), algo que muchos interpretarán como una broma o chiste.

Y es que ‘[Rec] 2’ camina peligrosamente por un humor que hace que el espectador no se tome demasiado en serio los acontecimientos del film, cosa que no ocurría en la primera entrega. Incluso los sustos parecen provocar ahora más risa que otra cosa, aunque los directores se reservan alguna que otra buena secuencia de miedo, que sin llegar a niveles excelentes logran levantar el vuelo de una segunda entrega en la que se notan sobre todo las prisas, y el haber resuelto la papeleta de continuar una historia con una explicación un poco cogida por los pelos, y que salvando las distancias, recuerda algo a la premisa de ‘Fallen’ (Gregory Hoblit, 1998). Si hace dos años, Balagueró y Plaza no podían presumir precisamente de poseer un buena historia, a la que afortunadamente le sacaban el máximo partido, ahora el problemas es mayor. Las referencias a otros films se disparan, los lugares comunes se repiten, y por si fuera poco, el film empieza por segunda vez, cuando decide cambiar su punto de vista a tres jóvenes que se ven metidos en el drama, personajes éstos metidos con el mayor de los calzadores.

No obstante, Balagueró y Plaza consiguen imprimir cierto ritmo al film, y sobre todo entretenernos, que es la principal intención de este tipo de films. Un entretenimiento que no le falta al respeto al espectador —como sí hace Filmax con el 90% de las cosas que produce—, y donde también podemos apreciar cómo los actores involucrados se lo han pasado en grande rodando el film, aunque rayan todos en el histrionismo, algo que acentúa un humor no deseado. Desafortunadamente, tenemos que soportar la presencia de Manuela Velasco —de lejos, lo peor de la anterior entrega—, en una intervención afortunadamente breve, que a parte de demostrar lo mala actriz que es, deja al espectador con cara de idiota siendo el único momento en el que nos preguntamos si no nos habrán querido tomar un poco el pelo.

‘[Rec] 2’ no pasará a los anales de la historia de nuestro cine, y tampoco lo pretende. Si uno logra pasar por alto algunas de las insensateces de su argumento, es muy posible que pasemos un rato de lo más entretenido, algo muy de agradecer en los tiempos que corren. Eso sí, Balagueró y Plaza deberían dirigir más películas juntos, parece que se entienden a la perfección y demuestran saber cómo se dirige una película. Por separado es otro lamentable cantar.

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘[REC] 2’, un nuevo enfoque de un mismo acontecimiento

Me hicieron llegar esta noticia ayer, bien temprano, pero me pareció algo tan increíble que quise ser prudente, y no publicar lo que bien podría ser un error, que se solucionaría a lo largo del día. Hoy las cosas siguen igual, así que os lo cuento. Este viernes se debía estrenar en nuestro país la sexta parte de la saga ‘Saw’, pero el Ministerio de Cultura ha entendido que es una película que debe recibir la calificación X, y esto hace imposible proyectarla en las salas comerciales. La única opción, por tanto, es verla en uno de los llamados cines eróticos.

En otras palabras, se ha censurado ‘Saw VI’ en España. Si echáis un vistazo a la web del Ministerio podréis comprobar que ésta es la única película no pornográfica que sido considerada X. Teniendo en cuenta que ‘Saw VI’ no incluye escenas de sexo explícito, la única explicación posible es que se ha entendido que el film realiza apología de la violencia, según se establece en el Real Decreto 1067/1983, de 27 de abril, regulador de las salas especiales de exhibición cinematográfica (desarrollando el título primero de la Ley 1/1982, de 24 de febrero).

Esta fórmula suena más a otros tiempos, de dictadura y represión cultural, pero todavía sigue vigente, y a mí me parece bien, siempre y cuando esté apoyada en argumentos sólidos y razonables. Cosa que aquí, por lo que veo, no ocurre. Se la califica X, suponemos que es por incitar a la violencia y ya está, se acabó el asunto. No hay papel para imprimir unas sencillas explicaciones. Por otro lado, el absurdo es mayor si tenemos en cuenta que es la sexta parte de una saga que si se ha caracterizado por algo es por su contenido sangriento, por los macabros juegos que prepara un personaje y que suelen acabar en grotescas muertes.

O sea, ‘Saw VI’ hace apología de la violencia, pero ‘Saw’, ‘Saw II’, ‘Saw III’, ‘Saw IV’ y ‘Saw V’ no, por eso recibieron otra calificación. ¿Dónde está la lógica? ¿Acaso esta nueva entrega lanza eficaces mensajes al público sobre lo estupendo que resulta para el cutis descuartizar seres humanos?

Quizá lo más sorprendente de todo este asunto es que esta medida es más restrictiva que la adoptada en Estados Unidos. Es decir, siempre nos burlamos de lo mojigatos que son los norteamericanos, pero resulta que ‘Saw VI’ se va a estrenar en salas comerciales allí, este mismo viernes, con una calificación R; que quiere decir que pueden entrar mayores de edad y los menores siempre que vayan acompañados por sus padres o un tutor. Los motivos de la MPAA son los de siempre: la extrema violencia y el lenguaje “inapropiado”. Repito, no hay porno, no hay sexo explícito en ‘Saw VI’. Podríamos discutir la estupidez restrictiva en torno al sexo, pero lo cierto es que se sale del tema central.

Así que, ¿qué explicación, más allá de la insuficiente que señala la ley, puede haber aquí? ¿Apoyo al cine español, eliminando una fuerte competidora? Puede ser. Y de ser así, ¿se puede ser más burro? Me cuesta creer que la gente que quería ver la nueva entrega de ‘Saw’, al privarle de esta oportunidad, vaya a entrar a ver ‘After’ o ‘Yo, también’. Eso puede funcionar con otro público, pero no con el de esta saga. No me cuadra mucho esta explicación. Pero algo debe haber pasado. Y queremos saberlo.

No por la calidad de la película en cuestión (que yo ni siquiera pensaba ir a ver), sino porque la decisión huele a podrido, y puede ser un peligroso precedente. ¿Será el inicio de una vergonzosa práctica por parte del Ministerio? Si es así, podrían haber empezado por la televisión, donde se puede ver de todo a cualquier hora, y que luego metan mano en Internet… Pero si lo que ha pasado es que hay unos currantes incompetentes en el Ministerio, que no saben lo que han hecho, entonces que se diga claramente, se tomen medidas (hay mucha gente en el paro esperando una oportunidad) y se solucione el asunto. Cuanto antes, que el viernes está aquí al lado.

Claro que, si ahora cambian de decisión, y la estrenan… con todo el lío montado, se pueden ahorrar dinero en publicidad, la decisión de la Administración española les ha hecho todo el trabajo, y gratis. En fin, a continuación, por si aún no lo habéis visto, os dejo el tráiler de la película (que ya había sido doblada al castellano, por cierto, trabajo que ahora se puede ir a la basura), que ha sido dirigida por Kevin Greutert, el frenético montador de anteriores entregas. La sinopsis de ‘Saw VI’ es la siguiente: Tras la muerte del agente especial Strahm, el detective Hoffman se convierte en el heredero del legado de Jigsaw. Sin embargo, a medida que el FBI va acercándose a descubrir su identidad, Hoffman se ve obligado a poner en marcha un plan que, por fin, permitirá explicar el gran plan de Jigsaw…

PD: Según me cuentan, la decisión ha sido convenientemente recurrida. Ya veremos si sirve de algo.

Sitio oficial | Ministerio de Cultura | Gracias a todos los lectores que nos habéis avisado, en especial a Juanlu R.

Termino con la novena jornada de Sitges 09. Como os dije, el sábado fue el “día zombie”, y la programación estaba centrada en esa temática. Excepto ‘Solomon Kane’, todo lo que vi estaba protagonizado por muertos vivientes. Ya os hablé de ‘Zombieland’, que fue lo mejor que vi ese día, y ahora os comentaré las otras: ‘George A. Romero´s Survival of the Dead’, ‘La Horde’ y ‘Colin’. Tres películas muy diferentes, tres acercamientos al subgénero zombie, pero ninguna verdaderamente valiosa, destacable.

George Romero ya me decepcionó con su anterior trabajo, la insufrible ‘El diario de los muertos’ (¿se puede hacer una película de terror más aburrida?), y la nueva no parecía tener mejor pinta, a tenor de las críticas que leí en Venecia, donde sorprendentemente fue proyectada. De ‘Colin’, una película amateur, hecha con cuatro duros, tampoco esperaba gran cosa. Así que de las tres, la que más me llamaba la atención era la francesa ‘La Horde’, sobre un grupo de policías que quieren vengar el asesinato de un compañero, pero cuando encuentran a los responsables se desata un infierno, y todos deben colaborar para poder sobrevivir. Es un film agresivo y desagradable, totalmente centrado en la violencia, dejando de lado a los personajes, a los que se presenta y se despacha con la mayor rapidez.

A mí me parece imprescindible, en una buena película de terror, sentir el miedo en la carne de los protagonistas. Y esta regla, que creo que es básica, no la veo por ninguna parte en casi todo lo que se estrena. Desde luego, cada vez menos. En momentos aislados se consigue algo de esa tensión, de ese horror por lo que pueda pasar, pero enseguida se pierde, casi siempre por la estupidez de cambiar el punto de vista de la víctima y apostar por enseñar lo que da miedo. En la gran mayoría de productos del género uno no consigue ponerse de parte de ninguno de los personajes, resultando que al final todo se basa en recrearse en sus muertes, o la de los monstruos o psicópatas que les persiguen, cuanto más sangrienta y horrenda, mejor.

Claro que, por supuesto, esto es a lo más que aspiran muchos de sus responsables, incapaces de ofrecer otra cosa. La cuestión es que hay un público para esto (nada que objetar a los fans del gore, como tampoco a los zoofílicos o a los de novelas históricas), y el problema es que gracias a eso se justifican todo tipo de atropellos cinematográficos. Está bien que se haga de todo, pero es que la evolución es muy triste. ¿Por qué es tan difícil encontrar una película que genere la ansiedad y el mal cuerpo que deja ‘Alien’? Bien, la respuesta es obvia. ‘La Horde’ no tiene nada de especial, puesto que se basa en lo de siempre, en ver a zombies agresivos matando personas, y a personas agresivas destrozando zombies. No hay más.

¿Es que eso es todo lo que se le pide? Quizá. Pero si veis ‘Amanecer de los muertos’, el brillante remake de Zack Snyder, encontraréis todo eso y mucho más, una película con sangre, violencia, pero también con personajes y emoción. Yannick Dahan y Benjamin Rocher se quedan en la superficie, en lo fácil del film de Snyder, pero no consigue, como el director de ‘300’, ir más allá, que nos sintamos identificados con quienes están sufriendo viendo cómo explota el temible día del juicio final. Dicho todo esto, a cada uno lo suyo; ‘La Horde’ está bien realizada, es entretenida y contiene algunas escenas tan violentas que es imposible olvidarlas. Todo eso lo tiene. Y quien lo busque, desde luego que lo va a encontrar.

Otra cosa es lo de George A. Romero. Este hombre, sencillamente, debería retirarse. O, por lo menos, tomarse un descanso y pensar en algo que no implique muertos que resucitan para comer carne humana. No sé, hay muchas ideas por explorar; una versión de ‘Los pájaros’ pero con altramuces mutantes, por ejemplo. Cualquier cosa. Definitivamente, Romero ha perdido el rumbo, pero gracias a las nuevas tecnologías, que permiten hacer cine más barato, y apoyado en su todavía prestigiosa firma, entrega alegremente otra lamentable película de zombies.

‘Survival of the Dead’ nos presenta a un grupo de militares que tras iniciarse el despertar de los muertos, deciden refugiarse en una isla, creyendo que el agua los mantendrá a salvo; claro, pronto descubrirán que no hay ningún sitio refugio posible, y que como siempre, son peores las personas que los zombies. Al principio parece que Romero se toma en serio lo que va a contar, pero pronto nos damos cuenta que ni él tiene ya interés por sus criaturas, que se la trae floja que haya público viendo su nueva tomadura de pelo, y así ofrece una desganada, torpe y soporífera comedia, con momentos verdaderamente vergonzosos. Serie Z. No veo la manera de hacerla peor, la verdad.

Se supone, si hacemos caso a este viejecillo simpático de enormes gafas, que su nueva película da un paso más en la evolución de los muertos vivientes, pero lo único “nuevo” que hay aquí está al final, en los últimos minutos, y dudo mucho que sea algo nunca visto. Claro que él cree que es el inventor del zombie, así que es normal su delirio. Encantador incluso, de no ser porque sus últimas películas huelen peor que los come-cerebros que las protagonizan.

Tras el tostón de Romero, me apetecía terriblemente cambiar de género, ver cualquier cosa que no tuviera nada que ver con muertos. Pero el día anterior no sospechaba que estaría tan harto, y pedí un ticket para ver ‘Colin’, que en teoría daba un giro al subgénero, centrándose en el punto de vista de un zombie. Con una cena basura en el estómago, y las prisas habituales, me desplomé en la butaca con la única idea de tratar de aguantar despierto hasta el final. Eran las once de la noche y ya había visto cuatro películas, así que el reto era más complicado de lo que puede parecer al lector.

Unos minutos antes de empezar la proyección, sin embargo, mis expectativas cambiaron. Se encontraba allí Alastair Kirton, el protagonista de la película. Habló poco, pero se mostró tan divertido, y tan sincero contando cómo habían realizado la película, en la que habían puesto tanto esfuerzo y cariño, que no pude evitar pensar que ‘Colin’ me iba a gustar. Pensé poner todo de mi parte y perdonarle, de antemano, los errores que seguro iba a encontrar, tratándose de un trabajo hecho por aficionados en sus ratos libres, sin presupuesto, sin actores de verdad.

Al poco de empezar, me di cuenta, como en otras tantas ocasiones, que me era imposible pasar por alto todo aquello. Marc Price, el director, cree que rodar una escena de acción es mover mucho la cámara y que no veamos nada; no os miento, parecía que el tipo había colgado la cámara del techo y se había puesto a darle golpes, lanzándola de un lado para otro. Así durante gran parte de los interminables cien minutos que dura su película. Por otra parte, se suponía que esto iba a ser algo nuevo, que la historia se centraría en el zombie, pero no es cierto, muchas secuencias están protagonizadas por humanos, que o bien huyen o bien atacan a los muertos. En fin, salvo el curioso trabajo de Kirton, y la interesante idea de partida, otra tontería más.

A la una de la mañana, con el cuerpo dolorido, cargando con la pesada mochila, y los ojos violados por tanto cine malo, el verdadero zombie que paseaba por Sitges era definitivamente yo. Siete horas después me esperaba una nueva jornada, la última. Menos mal que empezaría con ‘The Road’, que si no…

PD: En el primer post de la novena jornada se me olvidó comentar algo. A la entrada del pase de prensa de ‘Zombieland’ nos regalaron una camiseta de la película, que algunos no dudaron en vestir rápidamente. Es bastante fea, pero oye, fue un detalle y se agradece. De hecho la llevo puesto ahora mismo, para entrar en ambiente.

Mel Gibson ha vuelto. El australiano es el gran protagonista de ‘Edge of Darkness’, un thriller policiaco que ha dirigido Martin Campbell, responsable de ‘Goldeneye’ o ‘La máscara del Zorro’. En esta entrada tenéis el tráiler y el cartel de la película, que tiene mejor pinta de lo que esperaba. O quizá sólo sea un espejismo, lo cierto es que el avance me ha parecido fantástico, trepidante, con un Gibson espectacular. Por cierto, se nota que Campbell dirigió ‘Casino Royale’ antes, hay escenas de acción que parecen sacadas de las últimas películas de la saga Bond (o sea, de la saga Bourne).

Escrita por William Monahan y Andrew Bovell, a partir del guión de una exitosa miniserie de los ochenta, ‘Edge of Darkness’ se centra en un veterano policía (Gibson) cuya única hija es asesinada en las escaleras de su casa. En su búsqueda de venganza, el policía destapará la vida secreta de su hija y descubrirá un mundo de corporaciones corruptas. Ray Winstone, Danny Huston, Shawn Roberts, Bojana Novakovic, Frank Grillo y Gbenga Akinnagbe acompañan a Gibson al frente del reparto. La fecha del estreno es el 29 de enero de 2010.

PD: Robert de Niro estuvo vinculado al proyecto, pero se retiró poco antes del rodaje y fue sustituido por Winstone.

Vía | ComingSoon | Gracias a Cachicamo por el aviso.

Decir que tras nueve días, estaba cansado, es quedarme muy corto. Pero lo cierto es que la última jornada del Festival se presentaba muy atractiva (no sólo por ser la última), y de hecho, cuando me levanté a las siete y media de la mañana, me sentía con energía, deseando llegar al Meliá y ver una de esas películas por las que había decidido ir a Sitges, la adaptación de ‘The Road (La carretera)’. Como ya os conté, a media mañana tendría lugar la rueda de prensa con Viggo Mortensen y John Hillcoat, algo que me apetecía mucho presenciar (creo que mereció la pena, aunque no creo que las preguntas que se hicieron fueran las más acertadas).

Estaba más despierto de lo habitual, viendo ya el final del túnel, y me permití el lujo de desayunar antes de entrar a la sala, en una de las numerosas cafeterías que riegan el centro del pueblo. Un zumo, un sándwich vegetal y un café después, volvía a encontrarme en una de esas situaciones que me caracterizan: con prisas, mirando la hora y maldiciendo mis grandes ideas. Al final tuve que subirme a un taxi para llegar a tiempo (te cobran un suplemento por ser domingo, y creo que otro por haber perdido el tiempo tontamente).

Al final de la cola me saludó Rafa, de Público, que me dijo que leía mis artículos desde hacía tiempo. Tuvimos una charla agradable y entramos juntos al Auditori. Me sorprendió que nada más empezar el ritual de los spots del Festival, dirigiera su mirada a la pantalla y no hiciera ni un solo comentario más; es una sana costumbre, mucha gente aprovecha la compañía para ponerse a hablar durante la proyección, comentando chorradas que no interesan al resto de los espectadores, sino todo lo contrario (los “shhh” son un clásico).

Y empezó ‘The Road’. Como ya sabréis, se basa en la novela de Cormac McCarthy, editada en España, ha sido dirigida por John Hillcoat, conocido por su western ‘The Proposition’, y está protagonizada por Viggo Mortensen y Kodi Smit-McPhee, en los papeles principales, “el hombre” y “el niño”. La película nos presenta un mundo devastado, un futuro post-apocalíptico, de cielos grises y olor a muerte. El hombre y el niño son los “buenos”, transportan el fuego (no literalmente) y deben sobrevivir mientras tratan de llegar a la costa, con la esperanza de encontrar una salida, un refugio donde escapar al horror.

Hillcoat recupera el tono seco, sucio y realista de su anterior película, mostrándose implacable en el retrato de este mundo muerto, donde los protagonistas parecen condenados a caer rendidos, por falta de alimento, enfermedad o la acción de algunos de los “malos” que se encuentran por el camino; la carretera les lleva por el buen camino, pero a menudo deben huir de los despiadados caníbales. Mortensen ya lo dijo a la prensa, su intención con este trabajo era darlo todo, decir las cosas sin palabras y mostrar un vínculo único con el pequeño que interpreta a su hijo. Todo eso se nota al ver la película, y de nuevo hay que aplaudir a este grandísimo actor.

Tanto el director como él nos dijeron que sin un niño apropiado, no tendrían película, y es cierto. Sin embargo, la suerte les sonrió y encontraron a Smit-McPhee, que está fantástico. Quizá lo único que se le puede reprochar es que no es un niño que dé la impresión de estar pasando hambre, tiene una cara rellenita, pero la verdad es que eso deja de tener importancia cuando la cámara se centra en él y mira, habla, sonríe o sufre. Robert Duvall, Charlize Theron y Guy Pearce también intervienen, interpretando roles muy secundarios, para adornar el cartel y vender mejor la película. Los tres están muy bien, pero sin duda podrían haber elegido a actores de menos nombre para esos personajes.

No me gustó demasiado el libro ‘The Road’, pero me encanta la película. La historia me parece más apropiada para el cine, aunque para eso, claro, hacía falta tomarse en serio el trabajo, y contar con profesionales de talento, que entendieran el relato y supieran trasladarlo a la pantalla. Así ha sido, a mi entender, y aunque la película no es perfecta, sí cuenta con suficientes aciertos como para catalogarla como una de las mejores del año.

De lo mejor que he visto este año también es el trabajo de Paul Giamatti en ‘Cold Souls’ escrita y dirigida por Sophie Barthes, una comedia dramática, con un toque fantástico, de la que ya habíamos hablado en Blogdecine. Las buenas sensaciones que despierta el tráiler se confirman en la película, si bien todo es menos profundo y original de lo que se podría llegar a pensar, leyendo la sinopsis.

‘Cold Souls’ gira en torno al actor Paul Giamatti (se interpreta a sí mismo), que se encuentra bloqueado cuando prepara una representación teatral de ‘Tío Vania’, de Chéjov. El actor está tan obsesionado con el personaje que no puede sacárselo de encima cuando abandona los ensayos, y esto le está amargando la vida. Así que cuando encuentra un anuncio en la prensa, de una empresa que permite extraer el alma y, con ello hacer más feliz a la gente, cree haber dado con la solución. Sin embargo, porque en caso contrario no habría película, nada sale como había previsto, y cuando intenta recuperar su alma, descubre una traficante de almas la ha robado.

Giamatti, que en ‘American Splendor’, ‘Entre copas’ o ‘La joven del agua’ ha demostrado de lo que es capaz, siendo en mi opinión uno de los mejores del planeta, sostiene ‘Cold Souls’ y le da vida, haciéndola más interesante de lo que en realidad es. Barthes no sabe desarrollar el llamativo punto de partida, y no deja de dar vueltas sobre lo mismo, sin avanzar, y tampoco saca provecho a todo lo que sucede con la traficante rusa. Así que, en definitiva, el conjunto se salva gracias al protagonista, que hace de todo (es impecable en la comedia y en el drama), aparentemente con suma facilidad. Es increíble cómo refleja el sutil cambio que sufre su personaje cuando pierde su alma, tenéis que verlo.

Sin creérmelo del todo, transcurrió mi último día en Sitges. Quise darme un buen paseo, antes de hacer la maleta y acudir a mi confortable cama. Recorrí de nuevo las calles del centro, y me acerqué a mirar el mar, echando un último vistazo a las tiendas del Miramar (no llegué a comprar nada, el fantasma del ahorro no me lo permitió). Me acerqué al mirador y respiré profundamente. Se siente uno tan bien ante semejante vista, tan inmensa y natural. Miré la oscuridad de las aguas durante un buen rato. Adiós, Sitges. Adéu.

PD: Tengo pendiente hablar de seis películas que también vi en Sitges, pero que he ido dejando para no recargar más los artículos, ni recortarlos para incluir más texto sobre cine. Dos epílogos, y acabo.

Empiezo a detestar la expresión Obra Maestra. Se usa con demasiada complacencia y, a menudo, con insuficiente modestia o quizá exceso de coraje. También debería ser empleada con algo más de conocimiento. El término alude a películas en las que la diferencia entre lo buscado y lo encontrado es inexistente. Y no sólo a eso, también a dramas que convocan una tensión psíquica y emocional extrema en el espectador, a la vez que extraen de él lo mejor y lo peor de su interior. Nada más y nada menos. Una de las películas de este año que merece tal calificativo es, a mi juicio, y sin ninguna duda, la cuarta realización de Juan José Campanella.

Decía el director que gana mucho más dinero con un solo episodio de la inigualable serie de televisión ‘House M.D.’, para la que ya ha dirigido tres episodios, que con cualquiera de sus películas. Puede que sea cierto. Pero aunque su gran tríptico televisivo es digno de elogio, en la memoria de los cinéfilos de todo el mundo va a quedarse, y para siempre, ‘El secreto de sus ojos’, un melodrama impredecible, conmocionador y apasionante, muy intrincado, pero resuelto con sencillez y precisión admirables. ¿La película del año?

Tuve la oportunidad de ver esta noble película hace pocos días, durante el último Festival Internacional de San Sebastián. Yo estaba allí, y puedo atestiguar que, justo antes de los títulos de crédito, ya comenzó una atronadora ovación que es, o eso se decía, una de las más inolvidables que ha conocido una película en ese certamen. Y he de reconocer que, dada la respuesta colectiva unánime ante ese visionado, tenía mis dudas de que fuera, en verdad, tan magnífica. Pero la he vuelto a ver y es cierto. No sólo es magnífica, además, es bellísima.

Campanella ya había conocido un éxito masivo con el estupendo melodrama ‘El hijo de la novia’, en la que ya mostraba sus armas como buen director de actores, competentísimo realizador y sensible y habilidoso guionista. Sus otras películas conocidas, ‘El mismo amor, la misma lluvia’ y ‘Luna de Avellaneda’ (entre una filmografía no muy extensa, no tuvieron una respuesta tan global, aunque eran tragicomedias bastante interesantes. En todas ellas el protagonista fue Ricardo Darín, quien de nuevo repite en esta última, y que está, a falta de otra palabra mejor, espectacular.

Pero es que todos los actores, hasta el último del extenso reparto, están increíbles. Nunca vimos más guapa y fascinante a Soledad Villamil, y Guillermo Francella borda el precioso personaje sanchopancesco de Sandoval, tan importante en esta historia de perdedores cuyo pasado sentimental quedó unido para siempre con el profesional, y cuyas heridas nunca caducan sino que supuran fantasmas imposibles de redimir si no es con una investigación policial interminable y angustiosa.

De modo que se trenzan, de manera magistral, una historia romántica y una historia criminal, que se alimentan y se repudian mutuamente, y el director se mueve entre ambos tonos como pez en el agua, sin perder jamás el control de la historia, capaz de armar la atmósfera precisa a cada momento, y dando muestras de un nervio narrativo inusitado. Los que ya la hayan visto recordarán un plano secuencia (lógicamente trucado, pero no por ello menos meritorio), que tiene lugar en un estadio de fútbol, que será el decorado de una persecución memorable. Pero es la excepción, porque despliega una elegancia y una contención que no aspiran a impresionar al espectador, sino a conmoverle.

Hay secuencias truculentas, otras muy tensas. Pero en ninguna de ellas Campanella se entrega a lo morboso ni a lo efectista, sino que persigue solamente la verdad y la emoción más primaria, más noble. Este cineasta se convierte, de manera incontestable, en un maestro del melodrama y del cine negro, de la ironía y de la convocatoria más sincera a las lágrimas que dentro de una sala de cine nos liberan del propio pasado, de los propios fantasmas, pues nos coloca un espejo, hermoso y libre, en el que desahogarnos y sentirnos vivos de nuevo.

Entre lo que aparece a la venta esta semana destacan las colecciones y los packs. Los más llamativos son los de Stanley Kubrick y James Bond, con 12 y 22 películas respectivamente. Y también los dedicados a actores clásicos, que se definen con un sustantivo: “el carácter”, “la mirada”, etc… Me parece una chorrada, pero supongo que les sirve para vender. A cualquiera de nuestras madres le encantaría tener el de Gregory Peck o el de Paul Newman… Y a nosotras también, ¿no te fastidia?

Estaría bien que aprovechaseis esta ocasión para echar un vistazo a las páginas de producto y votar. En cada título o nombre os pongo en enlace que lleva hasta ellas.

‘Los Mundos de Coraline’

Henry Selick adapta la novela de Neil Gaiman, célebre autor de cómics que ya ha tenido que ver antes con el cine, por ejemplo, cuando en su novela se basó el guión de ‘Stardust’.

Coraline y sus padres, escritores muy ocupados, se mudan a un caserón donde sólo hay tres apartamentos. Al ser hija única y tener poco con lo que divertirse, la niña deja volar su imaginación y se inventa un mundo perfecto.

Se han volcado con la edición a la venta de ‘Los mundos de Coraline’ o más bien, con las ganas de vender. Aparecerá una versión normal, otra que incluye a una muñeca y otra edición, especial, en 2D y 3D.

La película es una preciosidad, como nos decía Jesús en su crítica, y tan fascinante como explica Alberto Abuín, pero también se puede hacer aburridilla en algún momento, como comentaba en mi reseña.

‘París, París’

Christophe Barratier dirige a Gérard Jugnot y Clovis Cornillac en ‘París, París’ (‘Faubourg 36’): primavera de 1936, un distrito de clase obrera en el norte de París llamado Faubourg: el teatro de variedades Chansonia lleva ya cuatro meses cerrado y sus antiguos empleados Pigoil, Milou y Jacky, se encuentran en paro. Con el apoyo de los vecinos, los tres protagonistas, que a su vez tienen sus conflictos personales, deciden ocupar el Chansonia para producir el musical de éxito que les permita comprar el local.

De nuevo una película a la que le puse una nota bastante mala porque me pareció tópica y larga de más, mientras que Juan Luis Caviaro la encontró deliciosa.

‘Destellos de Genio’

‘Destellos de genio’ es una pésima traducción de ‘Flash of genius’, que quiere decir es “genialidad”, “ocurrencia”, “chispa”, “inspiración”.

El film trata sobre Robert Kearns, un hombre a quien las empresas automovilísticas le roban el invento del limpiaparabrisas de diferentes velocidades. Por ello, se ve envuelto en juicios sobre patentes. El título original hace referencia a una cuestión legal: en los juicios por patentes en EE. UU. se estableció una doctrina por la que el juez podía echar mano de lo que se llamaba el test del “flash of genius”, que se podría traducir por el “test de la ocurrencia”. Determinaba que, si al inventor se le había ocurrido la idea en un destello de inspiración, se le otorgaría la patente; mientras que, si hubiese llegado hasta ese invento por habilidad artesanal, no tendría derecho a ella.

Alberto Abuín, en su crítica, nos dice que puede ser prescindible.

‘MR73’

En su crítica, Juan Luis nos dice que le gustó, pero que podría haber estado mejor y también que peca un poco de esos defectos que sabemos que suele tener el cine europeo, es decir, que hablan mucho y resulta algo pretenciosa.

La trama nos habla de un policía atormentado por el desafortunado accidente que le dejó sin familia, por las atrocidades que debe presenciar en su profesión y por la corrupción del cuerpo policial. Con todo en contra, Louis está decidido a concluir su último caso.

‘Séraphine’

Edición especial de una película ‘Séraphine’, dirigida por Martin Provost y protagonizada por Yolande Moreau.

Narra la relación entre Séraphine Louis, una pintora desconocida, que trabajaba como empleada del hogar de un marchante de arte alemán, que la descubre.

No la he visto, pero me han comentado que, a pesar de que te puede bajar la moral, podría valer la pena verla, ya que es buena. Pero también me decían que se hace pesada.

The Stanley Kubrick Collection

¿Hay algún tópico mayor que decir que alguien no necesita presentación? ¿Y algún absurdo mayor si luego lo vas a presentar? Pues me da lo mismo: Stanley Kubrick, en un blog sobre cine y en casi cualquier otro sitio, no necesita presentación. Y, por si alguien necesitase saber más, en Blogdecine hay todo un especial sobre el desaparecido director.

De lo que sí se puede hablar es de la colección de Stanley Kubrick (1955-1999), que aparece a la venta esta semana. La caja incluye todas las películas de Kubrick desde el ’55, que son ‘El beso del asesino’, ‘Atraco perfecto’, Senderos de gloria’, ‘Espartaco’ (2 discos), ‘Lolita’, ‘Teléfono rojo volamos hacia Moscú’, ’2001, una odisea del espacio’ (2 discos), ‘La naranja mecánica’, ‘Barry Lyndon’, ‘El resplandor’, ‘La chaqueta metálica’ y ‘Eyes Wide Shut’ (2 discos).

Colección James Bond

Sale a la venta una Edición Especial con 22 películas de 007, James Bond. Podremos verlo encarnado por Sean Connery, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan y Daniel Craig.

‘Madame de…’

Dirigida por Max Ophüls en 1953, esta película está protagonizada por Danielle Darrieux, Charles Boyer, Vittorio DeSica, Jean Debucourt, Lia de Lea y Mireille Perrey.

Louise vende los pendientes que le había regalado su marido, un general, el día de su boda, para pagar sus deudas. El marido recompra los pendientes y se los regala a su amante. Ésta se marcha a Estambul, donde se los vende a un diplomático, que más tarde conocerá a Louise y ella encontrará el amor con él.

Packs de actores

Pack Bette Davis: El Exotismo, Cary Grant: La Elegancia, Gene Tierney: La Perfección, Gregory Peck: El Carácter, John Wayne: La Personalidad, Paul Newman: La Mirada, Tyrone Power: El Romanticismo.

Vía | Zona DVD

Esta obra, adaptada por Peter Morgan, quien hace poco nos brindó la magnífica ‘El desafío: Frost contra Nixon’, cinta con la que guarda alguna relación, y no sólo por protagonizarla uno de los mismos actores, posee suficiente dramatismo como para retratar un capítulo del fútbol, que si bien pertenece a un pasado reciente, resulta especialmente estimulante y notable como para convertirse en una de las mejores películas sobre el fútbol que recuerde.

Ambientada entre finales de los sesenta y comienzos de los setenta, ‘The Dammed United’ nos cuenta la poderosa rivalidad entre dos entrenadores de fútbol con caracteres antagónicos y una visión del fútbol que no podía ser más diferente. Don Revie es el paternalista entrenador del Leeds United, un equipo que ha conseguido alcanzar la cúspide del fútbol británico y que lidera las clasificaciones. Brian Clough es un joven preparador que trabaja duro en un club modesto como del Derby County, pero que consigue catapultarlo desde la segunda división a la Premier League a base de esfuerzo, estrategia y fútbol deportivo.

La rivalidad germina, cuando el Leeds se enfrenta al Derby en un partido de copa y les pasan por encima con prepotencia y desplante incluido. Es suficiente para que el odio de Brian Clough se convierta en orgullo y alimente sus ganas de triunfo, empujado a lograr algún día la revancha.

Con una narración brillante, apoyada en interpretaciones sobresalientes de todo el reparto, pero en especial del inspirado y sobresaliente Michael Sheen, vamos conociendo como la rivalidad toma caminos inesperados, pero igualmente enfrentados. Cuando Revie acepta la designación como seleccionador de Inglaterra, el todopoderoso Leeds le ofrece a Clough la oportunidad de su vida. Sin embargo, su opuesta visión y actitud, hacen que el recelo de directivos, y en especial, de jugadores se haga sumamente manifiesta, hasta el punto de hacerle el imposible a Clough. Que no puede imponer su criterio, ni hacer olvidar a Revie, para llevar al Leeds por su camino, también el de la victoria, pero alcanzada de forma muy distinta.

Los jugadores del Leeds, plenos de coraje, dureza y que se han servido del juego agerrido, duro e incluso antideportivo para cosechar sus triunfos, se niegan a aceptar a Clough. Éste, que incluso en sus aspiraciones ha dejado de lado a Peter Taylor, su fiel ayudante de siempre, y parte importante de su éxito como entrenador, se topa con la sombra demasiado alargada de Revie.

En una entrevista en directo con ambos entrenadores, se pone patente el odio y las diferencias, pero que acaban evidenciando el fracaso y la soledad en la que Clough ha terminado al aceptar su cargo en el Leeds. Tan sólo 44 días estuvo a cargo del equipo, hasta que fue destituido. Su intento de acabar con el juego sucio, de imponer criterio deportivo no surte efecto resulta en balde.

Esta rivalidad, retratada con gran interés y ritmo frenético (sin renunciar a profundizar con pasión en el drama planteado) por Tom Hooper, queda excelentemente representada en las interioridades de los vestuarios. Allí, donde el entrenador arenga a sus jugadores e intenta elevar el ánimo y la esencia de su particular visión del fútbol. En liza, también entran valores como la lealtad y la amistad, que finalmente son los verdaderos protagonistas de este drama futbolístico, excelentemente ambientado en una época crucial del deporte rey en Inglaterra. Una época de cambios y en la que finalmente (con un epílogo emotivo con imagenes reales y televisivas de los protagonistas) Clough parece triunfar con su personalidad, aunque en la cinta se destile más el sabor amargo de la derrota. La mejor lección para un espíritu deportivo, que sigue luchando con ambición para alcanzar las metas.

Mi puntuación:

Son las once de la mañana. Me encuentro ahora mismo en la sala de prensa del hotel Meliá. Tecleo con rapidez. Mi cabeza quiere que escriba. Lo que sea, ya. ‘Mr. Nobody’ tiene la culpa. Acabo de verla y necesito decirlo: me ha emocionado tanto, me he sentido tan dentro de la película, que he sentido la necesidad de llorar, de aplaudir, de gritar. Me ha dejado clavado en la butaca. Aún no he podido asimilar lo que he visto, ni que dentro de un rato podré charlar con el director de esta impresionante, preciosa, única obra de arte.

Como el protagonista de la historia, hace unas horas tuve una especie de visión del futuro. Me vi a mí mismo en esa butaca, fascinado por las imágenes de la película. Estaba frente al espejo, mojándome el pelo, y me quedé un momento quieto, pensando en eso, mirando mis enrojecidos ojos y teniendo claro que eso que tenía en mi cabeza iba a ocurrir. Me acordé también de ‘La fuente de la vida’ (‘The Fountain’). No sé si porque Jared Leto, el señor nadie de Jaco Van Dormael, trabajó antes para Darren Aronofski, o porque la película con Hugh Jackman me dejó en el mismo estado en el que me encuentro ahora. Ya sabéis, como cuando miras al horizonte y te sorprende la imagen que forman las nubes, el Sol y la luz. No, no he fumado nada. Cine, en todo caso.

El cine puede ser mágico, una increíble cura. Al terminar los créditos, acompañados por una delicada melodía, me he encontrado prácticamente solo en la gran sala que es el Auditori (los demás debían tener prisa, incluso los que han aplaudido), y he empezado a notar mi cuerpo. Como sabéis los que leísteis mi anterior artículo sobre el Festival, anoche estuve escribiendo hasta las cinco y media de la madrugada; no me acosté hasta un rato después, y a las ocho menos cuarto ya estaba sonando la alarma del móvil. Me ha dolido todo, desde que puse el pie derecho en el suelo. Desde el apartamento hasta el Hotel hay una media hora, pero lo he recorrido en quince minutos, porque llegaba tarde. Imaginad el estado en el que llegué al pase de prensa. Sólo la película ha logrado interrumpir el cansancio y las molestias. Que ahora vuelven, poco a poco…

Son las once y cuarto. Me distrae la gente de mi alrededor, hablando en varios idiomas. Dos italianos hablan a gritos a medio metro de donde me encuentro. Me doy cuenta del ruido de la sala. Sólo bebí un soso zumo de naranja envasado, no comí nada. Tengo la entrevista con el señor Jaco van Dormael a las doce y cuarto. En el jardín del Hotel. Probablemente, como siempre, tendré que esperar. A la una y cuarta proyectan ‘Bronson’ en el Prado, a unos quince minutos de aquí, caminando con prisa. Veremos si llego a tiempo. A las cuatro debo volver aquí para recoger los “tiquets” de mañana. Oh, esto es un asunto especial. Ya os comenté cómo funcionaba. Pero no os dije nada de la educación de quienes, como un servidor, han venido a Sitges para ver películas y escribir sobre ellas.

Veréis. El horaro es de cuatro (16:00) a nueve (21:00). Uno llega pronto, porque no puede perderse determinadas películas. Así que a las cuatro y algo, cuatro y diez, cuatro y cuarto, uno llega allí y descubre que ya hay una cola de otros que pensaron lo mismo que tú, pero se pusieron en marcha antes, por lo que sea. Te pones el último. Llega más gente. La cola aumenta. Y en esas llegan otros, normalmente entre risas, como si nada, y no respetan la fila, sino que se van hacia delante. Hacen dos cosas: buscan a alguien a quien conocen, que llegó pronto, y se sitúan a su lado, alegremente; o bien ni eso, hablan con ese alguien que ya estaba allí, a veces con alguien más, y poco después, como por arte de magia, reciben las invitaciones que deseaban, sin moverse, sin perder tiempo, sin colas. Sin respeto alguno por todos los demás que estamos ahí, esperando, cumpliendo las normas.

Con todo lo que he visto y lo que veo, me sigue sorprendiendo que haya tanta gente que se comporte tan estúpidamente con los demás, porque gana más dinero, porque lleva una maldita acreditación, porque es director o actor, o porque sencillamente cree que es más valioso que todos esos individuos que tiene frente a sus narices. Y ya no hablemos del respeto a los animales… ¿Decirles algo? ¿Para qué? Les dará igual, y sólo me sentiría más insultado aún. Porque no cambiará nada, y no, nadie más moverá un dedo en seguirme, no soy Luis Tosar en medio de un motín. Pero que se sepa. Que quede aquí. Hay niñatos sinvergüenzas dentro de cuerpos adultos con una acreditación colgando del cuello, ahora, en Sitges. Doy fe.

Lo dejo aquí. Voy a ir adelantando trabajo, os prometí entrevistas y aún no he publicado ninguna. Me pongo a ello. Pero antes, permitidme un café con leche. De esos tan caros que ponen aquí, ya sabéis. Esta noche os hablaré de las otras películas que veré a lo largo del día, ‘Bronson’ y… bueno, ya os contaré, todavía no sé cuál será la tercera. Espero tener más suerte que cuando decidí apostar por ‘The Countess’ en lugar de por ‘Summer Wars’. Son las once menos veinte. Bon dia.

PD: ¡He estado a punto de perder el texto entero! He guardado el borrador y un segundo después se ha quedado la pantalla en azul, con mensajes de error que suenan a chino. Gracias mariposa. Me duele la cabeza…