Me ha parecido justo terminar este especial a Stanley Kubrick con una obra que fue durante muchos años uno de los proyectos más queridos por el autor de ‘Senderos de gloria’ (‘Paths of Glory’, 1957). El realizador siempre estuvo fascinado por el mundo de los ordenadores, hasta el punto de que en su casa tenía los últimos modelos fabricados, que eran reemplazados cuando otro nuevo salía al mercado. El relato corto ‘Los superjuguetes duran todo el verano’ (‘Supertoys Last All Summer Long’, 1969) de Brian Aldiss había impresionado fuertemente a Kubrick y éste empezó a trabajar en la adaptación a finales de los años ochenta ayudado por el propio escritor, que se retiró del proyecto cuando Kubrick le dijo que debía introducir la historia de ‘Pinocho’ en la trama, una de las razones por las que ‘A.I.’ suele ser tan atacada por cierto sector del público, alegando una sensiblería que no existe por ningún lado, sino todo lo contrario.

Durante buena parte de los 90, Kubrick se dedicó intensivamente a la escritura de un guión, que a cada año que pasaba se iba complicando más y más debido al ansia de perfeccionamiento del realizador. Para empezar, Kubrick quería que la película estuviese interpretada por un robot de verdad, y mandó llamar al artista Chris Cunnigham, entre cuyas proezas se encuentra la de convertir a la cantante Björk en un robot, al que le pidió la hazaña de crear un robot que interactuase con los demás actores, labor prácticamente imposible aún a día de hoy. La inevitable necesidad de utilizar a un actor real preocupaba a Kubrick debido a lo largos que solían ser sus rodajes, y el tiempo hiciese mella en el joven actor. Joseph Mazzello fue una de las posibilidades que se barajaron en los 90, probablemente aconsejado por Steven Spielberg, quien mantuvo largas conversaciones con Kubrick durante años hablando sobre ‘A.I.’.

Fue precisamente el visionado de ‘Jurassic Park’ (1993) el que abrió los ojos a Kubrick, que le hizo llegar a la conlusión de que Spielberg era el director adecuado para la odisea del niño robot llamado David. Su experiencia con niños y sobre todo en el campo de los efectos visuales, convencieron al director de ‘Lolita’ (id, 1962) de que él debía permanecer como productor y guionista, mientras que el apodado Rey Midas se haría cargo de la dirección, dejando su impronta en el relato. La Warner había dado el visto bueno para que ‘A.I.’ fuese la siguiente película de Kubrick después de que éste realizase cierto título con Tom Cruise y Nicole Kidman, que se convertiría en la obra póstuma del realizador. La repentina muerte de Kubrick hizo que Spielberg, a petición de la familia del fallecido, dejase de lado todos sus proyectos y se dedicase por completo a ‘A.I.’, cuyo estreno sería en pleno 2001, un año más que significativo en la vida de Kubrick.

‘A.I.’ supone el regreso de Spielberg a la escritura de guiones tras casi 20 años desde el que había sido su último libreto, ‘Poltergeist’ (id, Tobe Hooper, 1982), y en él trató de seguir en la medida de lo posible la estructura del propio Kubrick, aunque algunos pasajes, probablemente debido a lo complicado que sería filmarlos, fueron sustituidos por otros. Sin ir más lejos, en su periplo David se encuentra con una sociedad oculta de robots que aspiran a convertirse en seres humanos de verdad, y son los que le indican que debe viajar a la ciudad de los muertos, una Nueva York inundada por las aguas. Independientemente de que ver eso en pantalla podría haber sido una gozada —como la muerte de Gigoló Joe a manos de un robot gigantesco en una sangrienta batalla en un bosque—, no hay duda de que Spielberg sintetizó la historia conservando la esencia de la misma, y hay que decir en su favor que hizo algo inesperado en su carrera: se volvió increíblemente cruel con el espectador, sin caer en una sola concesión, ni la más mínima. El resultado: la obra más adulta de su director y que abrió un nueva etapa de madurez en su filmografía.

Aunque ‘A.I.’ posea varios instantes en los que es un completo espectáculo para los ojos —la llegada a Rouge City, en la que se utilizaron por vez primera técnicas de digitalización más tarde empleadas en la famosa trilogía de Peter Jackson, la feria de la carne, o la impresionante parte final en un mar helado—, la película rehuye en todo momento los tics del actual cine comercial, rechaza por completo la etiqueta de blocksbuster y se convierte en un film mucho más íntimo, y adulto de lo que parece a simple vista. La precisa puesta en escena de Spielberg, llena de detalles ingeniosos que muestran a un David fragmentado, a través de cristales, de objetos, de espejos, de puertas, de repisas, etc. nos revela un autor que alcanza la cima de la expresividad haciendo algo que el espectador suele rechazar: que le hagan pensar, y mucho menos si viene de la mano de un director mundialmente conocido, probablemente el más conocido de toda la historia del cine.

‘A.I.’ se divide en tres parte bien diferenciadas. La primera nos presenta la tristeza de unos padres al tener que aguantar como su único hijo no despierta de un coma profundo, por lo que comprarán un niño robot para que sustituya en cierto modo al hijo perdido. Este tramo, que concluye con el abandono de David en el bosque —una de las escenas más terroríficas del cine actual— es el más cercano a Kubrick en cuanto a puesta en escena se refiere. Evidentemente no es casual, y creo que es más un homenaje por parte de Spielberg al mítico realizador que otra cosa. El segundo, que alcanza unos niveles de crueldad casi insoportables, es el que define el periplo de David —impresionante Haley Joel Osment—, acompañado de Gigoló Joe —un sorprendente Jude Law— hasta alcanzar su destino: el fondo del mar frente a una estatua que representa los sueños de David. Y el último —el más criticado injustamente— es una vuelta de tuerca hacia el centro mismo de la soledad, y en el que Spielberg realiza un doble salto mortal sin red, exponiendo temas que debido a su incomodidad, nadie quiere oír. Tras el amor de una madre y la búsqueda incansable de los sueños imposibles se esconde la despiadada y desalmada verdad: no hay esperanza de supervivencia para nadie en esta vida, sólo queda la soledad y la muerte es la única compañera que tendremos. En el guión de Kubrick, la madre de David, Mónica (Frances O´Connor) sobrevivía más de un día y se quedaba bailando con aquél entre risas. Creo que el ideado por Spielberg es mucho mejor.

Demasiado he leído sobre la inutilidad del tercer tramo, y no puedo estar más en desacuerdo con las opiniones que lo tildan de innecesario. Toda la película gira en torno a esos veinte minutos finales tan atacados, y Spielberg desde el inicio nos va introduciendo pistas sobre el mismo. La primera aparición de David frente a sus padres no puede ser más significativa, el plano está desenfocado y la figura del niño adelanta en qué se convertirán los de sus clase dentro de 2.000 años —algunos se empeñan en ver extraterrestres en esta parte, sólo porque la inteligencia artificial del futuro recuerda un poco a los aliens de ‘Encuentros en la tercer fase’ (‘Close Encounters of the Third Kind’, 1977), algo que siempre me ha hecho mucha gracia—. Por otro lado el proceso de deshumanización que sigue el film está perfectamente definido, comienza con una cálida familia marcada por la desgracia, y termina con la ausencia total de humanos, en un mundo helado poblado por máquinas que buscan desesperadamente el significado de la humanidad, y en el que a pesar de todos los avances científicos, la resurrección de un humano a través de su ADN —Teddy, un osito de lo más carismático es uno de los detalles de guión más inteligentes del film, pues gracias a él David tendrá lo que desea— sólo permite que aquél viva durante un día pereciendo durante la siguiente noche. En otras palabras, la felicidad no dura.

Pero aún hay más, esa limitada felicidad queda remarcada por un hecho terrible: Mónica ha vuelto a la vida sin ser consciente de donde está y quién es realmente. Se le ha dado la vuelta a la situación, ella es una autómata que responde a las necesidades de David dándole todo su amor, como éste en un principio estaba programado para quererla eternamente. Pero la eternidad es algo que no se conocerá. Spielberg lo sabe muy bien y lo deja patente en su obra más personal. Casi toda la crítica se rindió ante la evidencia, pero el público dio la espalda al director más mediático. Tal vez tengamos que sumergirnos en nuestra propia soledad y soñar, como lo hizo David rompiendo todas las barreras existentes, para que un día, tal vez dentro de 2.000 años, cuando seamos sólo un recuerdo muy borroso en las mentes de quienes habiten este planeta, ‘A.I.’ sea apreciada con el mismo calor que una madre arropa a su hijo, intentando con ello salvarle de la única gran verdad: no hay esperanza. Kubrick estaría orgulloso.

Otra crítica en Blogdecine:

• Steven Spielberg: ‘Inteligencia artificial’, relato personal pero irregular

Especial Stanley Kubrick en Blogdecine:

• Una pretenciosa ópera prima
• ‘El beso del asesino’
• ‘Atraco perfecto’
• ‘Senderos de gloria’
• ‘Espartaco’
• ‘Lolita’

• ‘¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú’

• ‘2001: Una odisea del espacio’

• ‘La naranja mecánica’

• ‘Barry Lyndon’

• ‘El resplandor’

• ‘La chaqueta metálica’

• ‘Eyes Wide Shut’

Acaba de estrenarse ‘Cisne negro’ (‘Black Swan’, 2010), de Darren Aronofsky, la esperadísima película protagonizada por Natalie Portman, Vincent Cassel, Mila Kunis, Barbara Hershey y Winona Ryder.

Aronofsky realiza una cinta muy cerrada, opresiva, que se desarrolla en tres o cuatro escenarios y apenas presenta personajes. La trama, al mismo tiempo, es igual de limitada, pues cuenta con un único hilo argumental y es muy sencilla, casi básica. Pero, partiendo de estos escasos elementos, argumentales o físicos, el director lleva la historia mucho más allá, elevándola en niveles de profundidad, es decir, verticalmente en lugar de horizontalmente.

Utilizando todos los recursos del terror tradicional, como los sustos de sonido, las apariciones o visiones repentinas, las confusiones… Aronofsky crea numerosas situaciones de miedo que, unidas a la interpretación y marco dramáticos del resto del film, pueden parecer fuera de tono. La película está en el límite y, con un golpecito hacia un lado, podría desequilibrarse y resultar grotesca o ridícula. Sin embargo, la elegancia de la fotografía, ambientación y vestuario de ‘Cisne negro’ consigue que todo sea tomado con la seriedad que requiere para que no se salga de esa angustia y esa desesperación que llevan, en ocasiones, al estremecimiento.

Aviso: la crítica puede contener algún atisbo de información sobre el desarrollo de la trama en sus primeros minutos.

Nos encontramos ante un film de terror psicológico, uno de los géneros que recibo con mayor agrado, pero en el que resulta más difícil hallar productos capaces de retratar con credibilidad la mente enferma, sus causas y consecuencias. El abultado equipo de guionistas ha realizado un excelente trabajo al haber sido capaz, no solo de retratar la locura y contagiar la desesperación, sino también de explotar al máximo las posibilidades, pero sin llegar a pasarse, a pesar de que, como digo, se encontraban cerca de la línea divisoria.

Lo curioso es que, si se buscasen referentes para este film, podrían hallarse en géneros muy dispares de la historia del cine. Podríamos mencionar ‘Eva al desnudo’ y su versión contemporánea ‘Showgirls’, tanto como se podría suscitar ‘Carrie’, especialmente por la relación de la protagonista con su madre, una excelente Barbara Hershey, que produce más terror que los espejismos de Nina. Pero las verdaderas referencias se encontrarían en un cine de terror psicológico más europeo, como la ‘Repulsión’ de Polanski y otras cintas de semejante acercamiento a la locura.

Obsesión por la perfección

La exagerada disciplina que exigen algunas carreras artísticas se ha explorado ya en films anteriores, como ‘La pianista’, de Michael Haneke. Si esta educación restrictiva que la ha convertido a la protagonista casi en una frígida inhumana, sin capacidad para vivir, fuese el único sustento argumental de ‘Cisne negro’, nos encontraríamos con una cinta más sobre un tema ya muy visto. No obstante, en este caso es solo un complemento a todo lo demás y, para ser únicamente un aspecto secundario, está estudiado con equivalente acierto.

Se lleva más allá esta exploración al hablar de interpretaciones que aquí se aplican a la danza, pero que valdrían igualmente para el cine, el teatro y la televisión. ‘Cisne negro’ nos habla de lo que debe sacrificar un intérprete para encarnar un papel. Dejar salir el lado negativo porque el guion lo exige puede ser una forma de abrir una caja de Pandora que era mejor que permaneciese bajo siete llaves.

Protagonista absoluta

‘Cisne negro’ es una cinta de protagonista absoluta. Contamos con un único punto de vista, el de Nina o Natalie Portman, quien sostiene el film, espléndida en todas las facetas de su personaje y sorprendente en su transformación. El esfuerzo de la actriz por encarnar el papel más rico y complicado al que se ha enfrentado se ve más que recompensado. Los premios que ya ha obtenido y aquellos a los que aspira son y serán, sin duda, merecidos.

Los demás personajes sirven cada uno un propósito diferente dentro de la involución que va sufriendo la reina cisne. En este sentido, el más interesante lo encarna Mila Kunis, quien sorprende con una brillantísima interpretación, que funciona en ocasiones de contrapunto y en otras de alter ego de la principal. Vincent Cassel está perfecto en un enigmático personaje que acarrea la función de catalizador para desencadenar todo el fuego que Nina llevaba dentro: él es la motivación para que ella sufra su metamorfosis. Ryder supone ese futuro al que la protagonista odiaría acercarse… y así el resto de los personajes que, perfectamente, podrían vivir en la mente confusa de Nina.

Conclusión

Si confieso la verdad, me acerqué ayer tarde al cine para ver ‘Cisne negro’ un poco con esa idea de «hay que verla» porque está nominada, porque todo el mundo habla de ella… pero sin demasiadas ganas. Y la película me sorprendió gratamente al entrar dentro de ese género que tanto me gusta, pero que tan pocas veces se hace bien y también al estar tan bellamente rodada y maravillosamente interpretada.

Mi puntuación:

Desde que, la semana pasada, se estrenó ‘Valor de ley (True grit)’, de Ethan y Joel Coen, tengo esta crítica escrita y siempre encuentro que alguno de mis compañeros ha publicado la suya y debo retrasar la mía para no saturar con el mismo tema.

Esta nueva adaptación de la novela de Charles Portis, en la que ya se basó en 1969 Henry Hathaway, comienza con una escena excepcional en un solo plano muy abierto, tanto que es difícil «leer» lo que en él se ve al menos en los primeros segundos, pero que va desvelando su contenido con lentitud. La voz en off de la protagonista nos introduce de forma concisa y bella en la historia hasta que, por fin, distinguimos el cadáver del padre de esta mujer, años atrás, cuando ella tenía catorce años.

Con ese mismo buen gusto está rodada toda la película. Los hermanos Coen realizan un espléndido trabajo al que no le caben reproches en ningún aspecto que se refiera a la realización. De la labor del resto del equipo técnico nada malo puede decirse. La fotografía acompaña de maravilla a los encuadres y la puesta en escena de los hermanos. Del equipo artístico tampoco diría nada en contra, pues todos los personajes están interpretados a la perfección.

Disminuye mi emoción ante la película un detalle que no se puede achacar como defecto, ya que responde a una elección deliberada, pero que a mí personalmente me provoca la pérdida del interés. Se trata del tono ligero o superficial con el que se cuenta la historia. No me refiero al hecho de que haya humor, pues eso podría estar muy bien, pero sí al estilo de humor concreto, tirando a pueril, que presenta el film en determinadas ocasiones, llegando a aportar una sutil —porque no todo el mundo lo ha percibido así— aproximación informal hacia el asunto.

El conflicto podría ser de envergadura. Sin embargo, rápidamente se abandona como tal: la venganza del padre pasa a ser un McGuffin y la relación entre los protagonistas cobra el lugar de asunto principal. No supondría un problema dejar de fondo esta cuestión y centrarse en la personal, pues la épica no es el único componente posible con el que conmover y, muchas veces, esa antiépica de los antihéroes es superior. Pero, para dejar de lado la venganza y quedarse con lo humano, sería necesario hallar una mayor profundidad en el trato de las interacciones entre los personajes.

Sin ello, nos quedamos con una concatenación de situaciones más o menos impactantes, jocosas o arriesgadas que funcionan de forma demasiado aislada. La manera tan episódica en la que van apareciendo los demás personajes responde a esa sucesión de anécdotas con poco nexo que, si bien será intencionada, personalmente la encuentro torpe. Esto se produce especialmente con el hombre encarnado por Josh Brolin. La confusión con respecto a él puede deberse a que le dé vida un actor tan famoso, que esperaríamos una intervención más duradera y significativa. Pero incluso aunque se tratase de un desconocido, su participación parece inconclusa y absurda.

El elemento más atrayente y original de ‘Valor de ley’ se halla en el comportamiento de la niña, que podría no esperarse en la época siquiera en mujeres adultas. Se hace gozoso escucharla desde los primeros minutos, durante su trato con el comerciante y hasta su negociación con el alguacil. Por desgracia, este efecto de sorpresa se agota fácilmente, ya que no puede llevarse más allá y tampoco se busca darle un contrapunto o una evolución. El resto de los personajes se debaten entre tópicos o caricaturescos. Este último epíteto iría que ni pintado, especialmente, al de LaBeouf, del que, tal como está presentado en esta versión, se podría haber prescindido.

La joven intérprete Hailee Steinfeld está magnífica, Jeff Bridges realiza una gran labor y tampoco lo hacen mal Matt Damon o Josh Brolin, pese a contar con papeles poco sólidos. Pero estas grandes interpretaciones, si bien se disfrutan como actuaciones en sí, no penetran en el relato para enriquecerlo en su profundidad.

En conclusión, diría que se trata de una cinta de aventuras muy bien interpretada, rodada con sabiduría, pero a la que no puedo considerar grandiosa debido a que su tono hizo imposible que compartiese ni la épica de la historia ni la emoción de la relación entre los protagonistas.

Mi puntuación:

Otras críticas en Blogdecine:

• “Berlinale 2011: ‘Valor de ley’ (‘True Grit’), grandiosa aventura, por Juan Luis Caviaro.

• ‘Valor de ley’ (‘True Grit’), un western olvidable, por Adrián Massanet.

• ‘Valor de ley’ (‘True Grit’), rehaciendo una adaptación y Western: ‘Valor de ley’, de Henry Hathaway, por Alberto Abuín.

Cuando, el otro día, vi ‘RED’ estaba emocionada, sobre todo durante su inicio, pensando que me encontraba ante un film muy divertido, con gran ritmo y que podría contarse entre las películas más destacadas de la temporada. Sin embargo, han pasado unos días en los que he estado muy ocupada y no me he podido poner con su crítica y, en este corto periodo de tiempo, prácticamente me he olvidado de ella, lo cual no puede ser una buena señal.

Ese arranque tan rabioso y original —la curiosa forma en la que se conocen el personaje de Bruce Willis y el de Mary-Louise Parker— que tanto me impactó en los primeros minutos supone, claramente, lo mejor del film de Robert Schwentke. La estética bebe del cómic, ya que la cinta está basada en una novela gráfica —de Warren Ellis y Cully Hamner— y, gracias a eso, tenemos un despliegue de recursos y virguerías de rodaje y montaje que se disfrutan mucho. Esto significa que la película no aspira precisamente al realismo de sus escenas de acción, aunque tampoco se rueda ésta con excesivo delirio.

Bruce Willis, haciendo más de Willis que nunca, explotando al máximo su gesto torcido de sarcasmo, nos devuelve al humor negro que le conocemos y aporta un tono cómico que convierte a la cinta en aún más animada.

Reivindicación de la madurez

Las siglas del título resumen «retirado, extremadamente peligroso» («dangerous» en inglés) y hacen referencia al personaje de Willis, Frank Moses, quien ha abandonado su oficio de matón, pero aún no ha perdido ninguna de sus habilidades. La reflexión sobre agentes que quieren dejarlo y aspiran a una vida tranquila e incluso convencional no se hace aquí por primera vez. Esas ansias por retirarse chocan siempre contra los intereses de las agencias, que temen que se vayan de la lengua, pero en un terreno más psicológico, con el enganche al peligro y a la adrenalina que pueden sentir estas personas acostumbradas a la aventura. ‘RED’ hace hincapié en este último aspecto.

El elenco es espectacular, así que, cuando el grupito de viejales va reclutando a nuevos miembros, se siente la admiración de ver a otro intérprete grande. John Malkovich, Morgan Freeman, Brian Cox y Helen Mirren se van sumando paulatinamente al equipo. Supongo que no se inicia el film con todos ellos ya unidos para potenciar el efecto de la aparición de cada uno de ellos ante sus admiradores. Y el efecto se consigue.

Sin embargo, argumentalmente, el tema de ir recogiendo personas reviste escaso interés. De esta forma, al contrario de lo que suele suceder, ‘RED’ es menos interesante una vez arranca su trama principal, porque empieza a ser repetitiva. Esto se suma a que ha perdido la capacidad de sorprender con los recursos del inicio y por lo tanto, el tiempo restante, se ve con agrado, pero sin que nada destaque especialmente.

La reivindicación principal de la película, que radica en una defensa de las personas de edad y de sus capacidades, se pone en boca del personaje de Ernest Borgnine, más anciano aún que todos los mencionados, que interpreta a un vigilante de los archivos, que custodia físicamente lo que defiende moralmente: el pasado y las formas antiguas de proceder. Así, Karl Urban, que es el más joven del reparto, aunque tampoco sea un pipiolo, representa a los malos y la actitud desacertada.

Pero es que el elenco no se acaba ahí, pues también cuenta con Richard Dreyfuss, Julian McMahon y Rebecca Pidgeon, a quien conocemos gracias a los films de su marido, David Mamet.

En definitiva, ‘RED’ es una película muy divertida, con humor y acción bien rodada. Puede que no resulte memorable, pero sí produce ganas de que se convierta en franquicia y de que sus personajes y estilo de realización repitan en nuevas entregas para volver a hacernos pasar ratos tan entretenidos.

Otra crítica de ‘RED’ en Blogdecine | ‘RED’, añorando viejos tiempos, por Alberto Abuín.

Mi puntuación:

‘Le Corbeau’ es uno de los films inéditos por estos lares de Henri-Georges Clouzot, uno de los directores franceses más atrevidos que ha dado el cine. Clouzot es conocido entre nosotros por haber dirigido ‘El Salario del Miedo’ (film de culto donde los haya y que en un futuro os hablaré de él) y ‘Diabólicas’, que es probablemente su pellicula más famosa, y que a mí, a pesar de que me parece un film estupendo, siempre me pareció que estaba un poco sobrevalorado (lo del remake con Sharon Stone vamos a dejarlo a un lado porque me dan arcadas).

A saber por qué extraño motivo, muchos de los films de este genial cineasta francés no se estrenarón jamás en nuestras salas. ‘Le Corbeau’ es uno de ellos, y sinceramente uno entiende el porqué de esa falta de estreno: nuestra querida censura española no lo hubiera permitido jamás. Aún así, cuando los tiempos de la represión se acabaron, el film siguió sin estrenarse. Menos mal que en el siglo XXI hay inventos que nos permiten disfrutar de obras que en otro tiempo fueron vetadas por algún inútil descerebrado y prejuicioso.

‘Le Corbeau’ narra las vicisitudes de un pequeño pueblo francés en el que un día la gente empieza a recibir cartas que desvelan secretos de todos ellos, algunos de los cuales son verdaderamente escandalosos. Dichas cartas vienen firmadas por alguien que se hace llamar El Cuervo, y que parece conocer todas las intimidades de los habitantes. Pronto todos comenzarán a ponerse muy nerviosos y se mirarán los unos a los otros desconfiando.

Clouzot compone una película realmente agobiante en la que poco a poco va examinando la naturaleza humana, pasando prácticamente por todos los estados de ánimo, haciendo especial hincapié en lo miserables y ruines que todos podemos llegar a ser cuando se trata de juzgar a los demás. La ambigüedad con la que la película juega hasta casi su resolución es realmente ejemplar. Absolutamente todos los personajes tienen algo que ocultar, y nunca terminamos de saber si sus razones son buenas o malas, aunque sí vemos que todos son capaces de hacer lo que sea por ocultar sus más oscuros secretos, sean del tipo que sean.

Es increíble, por maravilloso, y está perfectamente mostrado, cómo todo se va enredando cada vez más a partir de uno simples trozos de papel con unas palabras escritas, y como el miedo general se va extendiendo. El espectador es testigo asombrado de las secretas reacciones de algunos de los personajes, como por ejemplo, todo lo que concierne a una muchacha que siempre anda pidiendo dinero. El atrevimiento que el director tiene con ella es demasiado escandaloso para la época, y su fuerza es brutal. Igual de atrevidas e impresionantes son otras escenas, como aquella en la que cierto personaje huye por las calles vacías del pueblo “perseguido” por el murmullo del gentío, escena realizada con una precisión técnica que asusta. O aquella en la que se mantiene una conversación sobre la línea que separa el bien del mal, y lo fácil que es cruzar dicha línea; la metáfora que se usa en dicha escena es simplemente de lo mejor del film.

Tal vez pierde un poco de gas en su parte final, cuando los acontecimientos se aceleran y todo sale a la luz, con más de una sorpresa. Pero atañe únicamente al ritmo de la película, el cual parece detenerse un instante y luego se acelera demasiado. Todo lo demás es una maravilla, desde las más que convincentes interpretaciones de todo su elenco sin excepción, a la pulcritud visual de Clouzot, que maneja como nadie al espectador logrando que éste se incomode muchísimo, llegando a cuestionarse toda lo que la película cuenta, en definitiva, ponerse a pensar. La película ataca directamente a la conciencia del público sin ningún tipo de manipulación ideológica. Un film para el debate. Una gran película.

El 4 de marzo se estrenará ‘Mañana, cuando la guerra empiece’, título que han dado en español a ‘Tomorrow, When the War Begun’, que en realidad quiere decir ‘Mañana, cuando la guerra empezó’, supongo que con algún significado que nos perdemos con la traducción.

Stuart Beattie, guionista de ‘Collateral’, la saga de ‘Piratas del Caribe’ —de la primera solo creó la trama—, ‘Sin control’ (‘Derailed’), ‘G. I. Joe’… debuta en la dirección con este film cuyo guion, basado en la novela de John Marsden, también firma.

Ellie y sus siete amigos del instituto de un pueblo costero deciden hacer una acampada en un valle paradisíaco: las australianas Montañas Azules. Una noche, verán aparecer en el cielo varias escuadrillas de aviones volando bajo. Separados de sus familias y sus amigos, estos jóvenes deberán aprender a escapar, sobrevivir y luchar contra una fuerza militar hostil.

‘Mañana, cuando la guerra empiece’, que ha sido un sonado éxito en Australia, «aborda temas universales como la amistad, el liderazgo y la pérdida de la inocencia», según asegura su distribuidora. Lo que veo en el tráiler, a mí no me atrae demasiado, pero si ha ido tan bien en taquilla en su país de origen, algún gancho tendrá.

Si preferís el tráiler en v. o., haced clic aquí.

Vía | Página promocional de ‘Mañana, cuando la guerra empiece’

Hoy me toca a mí hacerme eco quincenal de las referencias interesantes a películas, al mundo del cine o al lenguaje fílmico que se hayan publicado fuera de Blogdecine para cumplimentar la sección que titulamos ‘Hay más cine ahí fuera’. No es que se trate de una versión porno de esta sección, lo que pasa es que ya llega a su décima edición.

• Dan, en el blog de la casa Ambiente G, publica el tráiler de ‘Beginners’, protagonizada por Christopher Plummer, cuyo personaje saldrá del armario a una avanzada edad, ante su hijo, interpretado por Ewan McGregor, además de comunicarle que le queda poco tiempo de vida.

• El blog Guionista en Chamberí incorporó hace unos meses la sección ‘Análisis de películas’, donde el autor hace un extenso y exhaustivo análisis de films de reciente estreno desde el punto de vista exclusivo del guion.

• Uno de nuestros lectores, El Perejil, ha elaborado un completo y divertido post en el que señala los tópicos de los psicólogos en las películas, al mismo tiempo que trata de aclarar cómo son en realidad y de encontrar la justificación de estas creencias.

• Existen numerosos concursos, becas y ayudas al cine. Para que estéis informados, si queréis llevaros algún premio, el enlace anterior os llevará a web del ministerio donde aparece la relación completa.

• Me ha parecido curiosa la página de Facebook llamada El gran juego del cine, creada por Chano Alemán, donde suelen colocar fotogramas de películas para que se adivine a cuál pertenecen. Quien quiera entretenimiento, en lugar de lecturas, puede hacer una visita. Uno de sus autores, Luis Miguel Coballes Portela, además, tiene un par de blogs sobre cine, uno de ellos enlazado a Fotogramas.

Si conocéis publicaciones sobre cine que consideréis de interés, podéis enviarnos las sugerencias rellenando el formulario que encontraréis al hacer clic en «contacto», en la parte inferior de la página. Dentro de dos semanas se publicará la próxima entrada con este titular, que parece una frase inventada para hacer dictados que pongan a prueba la ortografía.

Ya está disponible para alquilar ‘La chica del tren’ (‘La fille du RER’, 2009), adaptación de André Téchiné (‘Los juncos salvajes’, ‘Fugitivos’) de la obra teatral ‘R.E.R.’ («cercanías»), de Jean-Marie Besset, que a su vez, se basaba en un suceso real: en el año 2004, cuando Jacques Chirac era presidente de la República francesa, una joven de 23 años denunció una agresión antisemita por parte de un grupo de magrebíes. La noticia fue magnificada por los medios y oportunamente utilizada por las autoridades para poner de manifiesto la fragilidad de la Francia multicultural.

‘La chica del tren’ comienza mostrando hechos cotidianos de una madre y una hija que viven en las afueras. La joven busca trabajo con poca insistencia y, en uno de sus habituales paseos sobre patines —actividad que Téchiné convertirá en leit motiv de la película, junto con los viajes en cercanías—, conoce a un chico que la acosa y persigue hasta lograr su atención. Franck es un luchador de poca monta que se gana la vida con asuntos de legalidad cuestionable y que, sin malas intenciones, involucra a Jeanne en uno de sus chanchullos.

Estos conflictos aparentemente ocupan la trama central de la película, que se guarda para muy adelante el verdadero argumento, con una clara intención, no tanto de despistar, sino de hacer penetrar la cuestión principal como si se tratase de una vacuna, sin que nos hayamos dado cuenta. Parece que nada está ocurriendo, pero hay un terremoto que se está levantando poco a poco desde muy abajo. Téchiné crea con ello un efecto bola de nieve, que no sólo es un recurso narrativo, en este caso muy bien orquestado, sino también la realidad que atañe a la decisión de Jeanne.

Una frialdad intencionada, traída a través de cierto efecto de extrañamiento y de una aparente gratuidad, nos sitúa por encima de las acciones de la joven y nos permite juzgarla, observarla con perplejidad, pero no por ello nos exime de una cierta ternura hacia su necesidad de atención. Émilie Dequenne —quien diez años atrás fue descubierta por los hnos. Dardenne para el papel titular de ‘Rosetta’— completa el retrato de esta atolondrada joven, que actúa sin pensar, para que la lejanía no sea total.

Sin estridencias ni dramatismo exacerbado, se nos enseña una vida nada envidiable y probablemente más conflictiva de lo que las apariencias muestran. Se van desmontando los cuentos de tranquilidad —la inactividad de la joven—, confort —la casita en los suburbios—, cariño —la buena relación con la madre— y protección —la amistad de la madre con el abogado—. Tras ello se llega a un desamparo absoluto, situando al final del film, a la chica en una localización en el extremo opuesto de su acogedor salón, que representa mucho más que una pérdida de la comodidad física.

Finalmente —la película está dividida en dos bloques—, los hechos se desprenden de la joven y se trasladan a la sociedad, la prensa y a la clase política, que recibe una crítica, sin que por ello el film «perdone» a la protagonista. Téchiné parece tener más ganas de examinar el comportamiento inexplicable que los movimientos orientados a conseguir un fin, por tramposa y reprochable que sea la forma de ejecutarlos o por apestosa que sea su finalidad.

Así, el cineasta lleva el suceso real a su terreno para realizar, como ya hiciera en otras ocasiones, un dibujo de unos seres que deambulan sin rumbo y actúan de forma incomprensible. Esta falta de lógica en las actitudes se traslada a la película, que rezuma locura, como si la propia cinta careciese de sentido o de pies y cabeza. Positiva o negativa, esta impresión es la que más permanece del conjunto del relato, haciendo que la narración de una noticia sensacionalista se aleje del film convencional con intenciones de crítica social que podría haber resultado, para ser algo diferente.

Al interés creado por la particular visión de Téchiné sobre los hechos se suma el aliciente de poder presenciar las espléndidas interpretaciones, no solo de la protagonista, sino también de Catherine Deneuve, en el papel de la madre, quien crea un personaje también enigmático, cuyo comportamiento, sin acercarse a la falta de coherencia del de la hija, tampoco responde a lo que esperaríamos en una señora. Michel Blanc, como el rico abogado, se muestra asimismo desconcertado y Nicolas Duvauchelle, en el papel de Franck, interpreta perfectamente a un ser despreciable del que no se espera otra cosa que su desaparición de pantalla.

Gracias a todo ello, la película supone una aportación diferente e inquietante que, sin ser una obra maestra o un film destacable, merece la pena para salir de la monotonía del panorama cinematográfico que nos rodea.

Mi puntuación:

No hace mucho publiqué que podría existir una película sonora de 1895: ‘Dickson Experimental Sound Film’, que ya incorporaba, el año que se inventó el cine, sonido sincrónico a la imagen. Pero este film estaba hecho para quinetoscopio, es decir, para un aparato de visionado individual, en lugar de para proyección multitudinaria en pantalla grande, por lo tanto, nunca se consideró el primer sonoro.

Comentaba que existe una gran polémica sobre los comienzos del cine —sobre la fecha exacta y sobre a quién atribuírselos—, pero aseguraba que nadie le disputaba el título de primer film sonoro al ‘El cantor de Jazz’ (‘The Jazz Singer’, 1927), de Alan Crosland. Sin embargo, no es así.

Lee DeForest exhibió en Nueva York en 1923, 18 películas experimentales que ya contenían sonido sincrónico, gracias a su invento, el Phonofilm. Había rodado estos cortos —que se pueden ver en los clips que nos acompañan— para probar su sistema y para tratar de enganchar al público y a la industria con él. Por ello, estas pequeñas demostraciones contaban con cantantes de ópera, vodevil, bailarines y todo tipo de espectáculos musicales.

Se dice que DeForest simplemente mejoró el invento del finlandés Eric Tigerstedt, quien había obtenido la patente alemana por sus trabajos sobre sonido en el cine en 1914 y que proyectó la película ‘Palabra e imágenes’, en Berlín, en 1914, ante una audiencia compuesta por científicos y dignatarios.

Como la industria existente tenía un gran poder sobre los cines de asistencia masiva, De Forest sólo pudo presentar sus películas en locales independientes. Esto, unido al hecho de que fuesen tan breves, impidió su éxito. Se dice que ‘Los nibelungos – 1ª parte: La muerte de Sigfredo’ (‘Die Nibelungen: Siegfried’, 1924), de Fritz Lang, tenía una banda sonora grabada en Phonofilm, pero sólo se pudo escuchar en su estreno en el Century Theatre de Nueva York, el 23 de agosto de 1925.

‘El cantante de Jazz’, grabada con Vitaphone, fue el primer largometraje —lo de DeForest eran todo cortos— que incorporaba sonido para introducir diálogos y efectos sonoros, no únicamente música. Ya que en EE. UU. llamaban a las películas sonoras, «the talkies» (las habladas), se puede decir que se hace justicia al considerar a este film pionero en la introducción de los diálogos, que fue el elemento que dio pie al cine tal y como lo conocemos. Sin embargo, no fue, ni mucho menos, la primera película sonora.

Concha Piquer no fue la única

Como se viene comentando en las noticias desde hace varios días, una de estas peliculitas de DeForest mostraba a una jovencísima Concha Piquer cantando y recitando. Pero este film, que llevaba por título simplemente ‘Conchita Piquer’, es sólo uno de los tantos que rodó DeForest, no el primero ni el único.

El documental homónimo que se emitió el pasado jueves en TVE, dirigido por Jorge M. Reverte , con guión de Agustín Tena, contiene fragmentos de esta película. Tena descubrió la cinta en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos a principios de este año. El guionista declara que «no sólo es la primera película sonora en español, sino que es cuatro años anterior a la que se considera oficialmente la primera». El coleccionista que había tenido la cinta en su poder antes de cederla a la biblioteca da fe de la fecha que ahora se le atribuye, a pesar de que fuese más conocida en el ’27, debido a que ese año, DeForest vino a España a vender su invento, que aquí tomó el nombre de Fonofilm. Con este sistema se rodó la primera película hablada española, que estuvo perdida hasta 2005.

Orlando Kellum y el Phono-Kinema

El Phono-Kinema o Photo-Kinema fue un sistema inventado en 1921 por Orlando Kellum, que incorporaba el sonido en un disco. Ese año se rodaron varios cortos en los que se recitaban poemas o se hacían declaraciones y también se registraron algunas canciones.

‘Dream Street’ , la película de D. W. Griffith, en un primer momento era muda, así se estrenó el 12 de abril de 1921. Pero incorporó la tecnología del Photokinema para convertirse en sonora. Griffith grabó, en los estudios de Kellum, una introducción hablada y añadió efectos de una multitud y una canción de Ralph Graves. Aunque ya había habido otros intentos de sonoro, fue la primera película que incorporó el sonido en un disco grabado ex professo. El 2 de mayo se estrenó la versión sonora en el Town Hall de Nueva York, pero debido a que la calidad era deficiente y a que ningún otro cine incorporaba la tecnología para exhibirla con sonido, no salió de ahí. Más adelante, pasó a otro cine, junto con otras películas en Phonokinema, pero no tuvo éxito y el cine cerró.

El sistema pronto fue desbancado por el de DeForest.

La Historia, aunque parezca que está compuesta de hechos inamovibles, certeros y que no necesitan demostración, lo cierto es que se basa en especulaciones y en el último descubrimiento válido y que siempre debe estar abierta a que nuevas luces arrojadas la modifiquen.

Vía | El País.

Se han sucedido en unas horas varias noticias sobre la adjudicación a cineastas de proyectos que llevaban huérfanos de director ya demasiado tiempo. Ayer os comunicábamos quién se encargaría definitivamente de ‘Superman: Man of Steel’. Pero también se había anunciado los realizadores que llevarían a cabo ‘El Hobbit’ y ‘The Bourne Legacy’.

‘El Hobbit’

La Metro Goldwyn Mayer (MGM), dueña de los derechos internacionales del libro de J. R. R. Tolkien, ‘El Hobbit’, ha superado las diferencias con los estudios Warner y New Line Cinema para poder filmar esta historia.

Peter Jackson, quien se encargó de forma magistral de las tres películas que adaptaban ‘El señor de los anillos’, se había desvinculado de la adaptación de ‘El Hobbit’ como director y figuraba únicamente como productor. Desde que ocurrió esto, hace ya cuatro años, numerosos directores se han involucrado con el proyecto, sin llegar jamás a sacarlo adelante y dar comienzo al rodaje. Por ejemplo, Guillermo del Toro se fue cansado de esperar, se decartó a Sam Raimi, mientras David Yates y Neill Blomkamp fueron fruto de rumores al respecto, aunque no habían firmado ningún contrato.

Ahora, por fin va a ver la luz una versión de ‘El hobbit’ que constará de dos partes y que, casi seguro, será en 3D. Y la noticia que me alegra enormemente es saber que Peter Jackson está en negociaciones para ser quien dirija las «precuelas» de su trilogía, de las cuales ha escrito los guiones, junto con su equipo habitual. El acuerdo se anunciará oficialmente esta semana, pero ya se ha lanzado la noticia de forma imparable.

Tantas son las ganas que hay de que ‘El Hobbit’ por fin se ponga en marcha que hasta el primer ministro de Nueva Zelanda se ha ofrecido para mediar en el conflicto laboral que enfrenta a Jackson con los sindicatos. El director necesitaba librarse de previos contratos que le impedían dedicar su tiempo a este proyecto en el que lleva tanto invertido —económicamente y con respecto al esfuerzo— que preferirá dirigir personalmente antes de dejar que se desestime.

‘The Bourne Legacy’

La cuarta entrega de la saga de Jason Bourne, que llevará por título ‘The Bourne Legacy’ («el legado Bourne»), también ha conseguido un director. Se trata de Tony Gilroy, responsable de ‘Michael Clayton’ y ‘Duplicity’, y habitual guionista de la franquicia Bourne, con cuyos resultados en pantalla no siempre había quedado contento.

El plan es que se estrene en 2012, pero todavía no hay fecha prevista para comenzar el rodaje. Gilroy debería haber dado los toques finales al guión en junio, así que ahora no tendría por qué retrasarse más la producción. Lo que queda es saber si Matt Damon querrá repetir, pero el actor dejó claro que no volvería si no era para Greengrass.

‘The Bourne Legacy’ se basa en el libro homónimo de Eric Van Lustbader, quien retomó al personaje tras la muerte de su creador, Robert Ludlum. Pero, si ocurre como con las demás películas, poco tendrá que ver con la trama de la novela. Frank Marshall, Jeffrey Weiner y Ben Smith se encargan de la producción.

Por mi parte, preferiría que Paul Greengrass dirigiese ‘The Bourne Legacy’. El inglés tomó de las manos de Doug Liman una franquicia de escaso interés y la transformó gracias a su particular forma de rodar la acción. Así, logró la mejor entrega de la saga con creces: ‘El ultimátum de Bourne’ .

Vía | Deadline.