Robert Langdon y los Illuminati de Dan Brown siguen al frente de la taquilla española, tras dos fines de semana. Este viernes sólo llegaba una película capaz de quitarle el trono, ‘Noche en el museo 2’, pero finalmente no ha cedido, logrando otros tres millones de euros más a su recaudación, que ya casi llega a los diez millones. Una salvajada.

Curiosamente, Ben Stiller no ha repetido aquí el éxito que sí ha logrado en su tierra, donde competía nada más y nada menos que con la cuarta parte de la saga de ‘Terminator’. La secuela de ‘Noche en el museo’ logró el uno en Estados Unidos, pero en España se tiene que conformar con la segunda posición, habiendo cosechado “sólo” dos millones de euros.

Por otra parte, cabe destacar la estupenda carrera de ‘Fuga de cerebros’, una descerebrada comedia española que está gustando mucho al público y superando todas las expectativas sobre su recaudación. Me parece genial que se haya podido combatir al “enemigo” con sus mismas armas. Ahora sólo falta que se repita el éxito con una película de mayores pretensiones. ¿Será la de Amenábar?

Para encontrar más novedades, aparte de la del museo, hay que bajar hasta la séptima posición. Allí se encuentra Viggo Mortensen con ‘Good’, que apenas ha logrado 300.000 euros en su primera semana. Por último, ‘Vacaciones de Ferragosto’ cierra la tabla en una décima posición que sólo le sabría a poco a una película comercial norteamericana de reciente estreno. La semana que viene, más y… ¿mejor?

PD: Desde BoxOffice.es se lanza una acusación bastante fuerte sobre las recaudaciones de ‘Carmo’ y ‘Esperpentos’. Al parecer, de una semana a otra, y con menos salas, las películas han aumentado escandalosamente sus cifras, lo justo para obtener suculentas subvenciones públicas. Y luego hablan de piratería…

Los carteles de cine pueden ser muy importantes, a pesar de que a menudo parezca que su confección se toma con gran ligereza. No hay más que ver el que os traigo en esta entrada, que aunque no lo quieras, te atrae la mirada sin remedio. Se trata del inteligente póster de ‘Grace’, una película que, según cuentan, provocó desmayos durante su proyección en el festival de Sundance, por ahora el único sitio donde ha podido verse. ¿Será para tanto?

‘Grace’ fue un corto que Paul Solet filmó en 2006, y le fue tan bien que decidió transformarlo en su primer largometraje, una operación bastante común que no siempre funciona. Parece que esta vez sí ha sido así, a tenor de las primeras reacciones que ha tenido el film (nada fiables, pero bueno, ahí están). La historia gira en torno a una mujer embarazada que, tras un accidente, pierde a su hijo. Sin embargo, a pesar de todo, ella decide tenerlo y, milagrosamente, el niño nace vivo… con la particularidad de que siente un apetito voraz por la sangre humana. La película está protagonizada por Jordan Ladd, Samantha Ferris, Gabrielle Rose, Malcom Stewart y Stephen Park. Por el momento no hay fecha de estreno.

A continuación os dejo dos trailers de ‘Grace’:

• Teaser:

• Trailer:

Pd: El único desmayo que he visto en un cine se produjo durante la proyección de ‘Gritos y susurros’ (Ingmar Bergman).

Vía | Impawards

Como sabéis, este mes hemos ido repasando los resultados de la encuesta que os planteamos a finales de diciembre, para conocer vuestra opinión, para saber qué había sido lo más destacado del curso cinematográfico 2008 según vuestro criterio.

Y llegamos al final, al último sobre, ése que nos da el nombre del ganador de la mención de honor de los lectores de Blogdecine. Os recuerdo que para esa mención no había candidatos, podíais escribir el nombre de cualquiera, siempre que estuviera relacionado con alguna película estrenada durante ese año (en España) y que no fuera candidato para ninguna de las otras categorías. Y el elegido ha sido…

Christian Bale; actor que protagonizó nada más y nada menos que tres estrenos en 2008: la explosiva ‘El caballero oscuro’, el sorprendente remake de ‘El tren de las 3:10’ y ‘Rescate al amanecer’ (‘Rescue Dawn’), que tras mucho retraso se ha estrenado directamente en DVD (a saber las razones de los responsables de esta desfachatez). Uno de los habituales olvidados en los Oscars, Bale se ha ganado el respeto y la admiración del público tanto por su capacidad para encarnar a todo tipo de personajes como por su facilidad para transformar su físico dependiendo de las necesidades de la película.

Como podéis suponer, los resultados han sido muy variados. Ha habido gente que ha votado a Chuck Norris, Pamela Anderson, Britney Spears, Kaká o a EVA, la robot de ‘WALL·E’. Creo que os hacéis una idea. Nadie se ha llevado tantos votos como cuando hemos presentado categorías con candidatos cerrados.

De este modo, Christian Bale es el que ha logrado más votos, un total de 51. Detrás, en segunda posición, se situó Frank Darabont, por ‘La niebla’, con 29 votos. Por el sistema de selección de esta categoría, donde no había opciones a marcar sino que teníais total libertad para escribir vuestro favorito, no puedo ofreceros, como en los otros casos, una imagen de la gráfica con los resultados.

En conclusión, lo más destacado de 2008 según los lectores de Blogdecine ha sido lo siguiente:

• Mejor película: ‘El caballero oscuro’ (‘The Dark Knigh’)

• Mejor director: Christopher Nolan, por ‘El caballero oscuro’

• Mejor actor protagonista: Daniel Day-Lewis, por ‘Pozos de ambición’ (‘There Will Be Blood’)

• Mejor actriz protagonista: Ellen Page, por ‘Juno’

• Mejor actor de reparto: Heath Ledger, por ‘El caballero oscuro’

• Mejor actriz de reparto: Penélope Cruz, por ‘Vicky Cristina Barcelona’

• Mención de honor: Christian Bale, por ‘El caballero oscuro’, ‘El tren de las 3:10’ (‘3:10 to Yuma’) y ‘Rescate al amanecer’ (‘Rescue Dawn’)

• Mayor decepción: ‘Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal’

Eso es todo. ¿Qué os parece el cuadro de ganadores?

Pd: ¿Consejos para la encuesta del año que viene?

Aunque aún queda bastante para que la sexta parte de las aventuras de Harry Potter aterrice en los cines, la Warner no quiere que nos olvidemos de uno de sus productos más preciados, especialmente ahora que la Fox ha logrado arrancarle un buen puñado de millones por el asunto de los derechos de ‘Watchmen’ (que no varía su fecha de estreno, para alegría de todos).

Así que aquí tenéis el nuevo trailer (el cuarto ya) de ‘Harry Potter y el misterio del príncipe’ (‘Harry Potter and the Half-Blood Prince’), aparecido hace unos días en Japón, para ese mercado, por lo que tendréis que tolerar una ciertamente molesta voz en off de un presentador nipón, así como un tamaño de la imagen bastante reducido. No dudéis que en cuanto aparezca el vídeo con mayor calidad y sin la narración actualizaré la entrada. En cuanto al avance, dura unos dos minutos e incluye imágenes inéditas, pocas eso sí.

Recordemos que ‘Harry Potter y el misterio del príncipe’ ha sido dirigida por David Yates y está protagonizada por Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson, Alan Rickman, Helena Bonham Carter, Michael Gambon y Jim Broadbent. El estreno: el próximo 17 de julio.

Actualización: A continuación, podéis ver el tráiler, “limpio”, sin la molesta narración nipona:

Vía | BlogHogwarts

El 22 de enero de 2008, hace prácticamente un año, nos dejó Heath Ledger, demasiado pronto, fallecido por una letal mezcla de medicamentos; una noticia que me afectó profundamente, no sólo por la admiración que sentía hacia su trabajo y por el impacto de las circunstancias de su muerte, sino también porque sucedió cuando ambos teníamos la misma edad. Como homenaje personal hacia este actor, que apenas empezaba a demostrar su gran talento, revisé anoche ‘Brokeback Mountain’, la película que le hizo ganar prestigio y que casi le proporciona un Oscar. Lástima que una vez más no premiasen al mejor, esperemos que gracias a su antológica interpretación en ‘El caballero oscuro’ se le haga justicia.

‘Brokeback Mountain’ era el título del relato de Annie Proulx que apareció publicado en The New Yorker en 1997. Aunque pronto se vio que era un material excepcional para una película, Hollywood no estaba preparado, y se pensó que el público tampoco. Pasaron los años y los directores interesados, hasta que llegó el ecléctico Ang Lee y decidió que ésta sería su próxima película (tras ‘Hulk’, que me encanta). La pasión y el talento visual del realizador taiwanés resultaron ideales para la adaptación del relato, que había pasado a ser una historia de dos horas tras el trabajo de Diana Ossana y Larry McMurtry. Ellos, Lee y Gustavo Santaolalla (imposible olvidar el tema central que compuso para esta película) resultarían premiados con el Oscar, en una noche en la que, sorprendentemente (por no decir otra cosa), ‘Crash’ quedó como mejor película del año.

‘Brokeback Mountain’ nos traslada a Wyoming en 1963, para contarnos cómo se conocieron los jóvenes Ennis del Mar y Jack Twist. Ambos necesitan dinero y acuden al mismo lugar, para acabar trabajando juntos, cuidando y vigilando ovejas, en la montañosa zona (ficticia) que da título a la película. Una zona fría y solitaria que les va acercando poco a poco, hasta que una noche comparten lecho, y no pueden detener por más tiempo la pasión que sienten el uno por el otro.

Ese crucial momento ocurre en torno a los primeros 25 minutos de la película (cumpliendo con la regla de los tres giros), que es mucho tiempo para lo que pasa realmente. Sin embargo, Ang Lee consigue que el tiempo apenas se note, gracias al aprovechamiento de un paisaje precioso, un montaje inteligente y un uso muy eficaz de las expectativas del público, que sabe lo que va a ocurrir pero no cuándo. Todo ese primer acto se emplea para presentarnos a los dos protagonistas, pero también para narrarnos dónde y cómo se produce el enamoramiento entre ambos.

Ennis y Jack descuidan su trabajo y pronto se les notifica que abandonen el lugar. La idea de su separación resulta demasiado dolorosa y, frustrados, se golpean violentamente, fruto de la impotencia. La despedida, sin embargo, se produce de forma tranquila y casi silenciosa. Ennis revela que ha perdido una camisa y Jack sonríe. Se dicen adiós y marchan a sus respectivos hogares, con la posibilidad de que jamás vuelvan a verse. Ennis no puede resistirlo y se aparta a llorar en un callejón (impresionante escena ésta). Acto seguido contemplamos cómo se ha casado con su prometida, Alma (Michelle Williams), con la que forma una familia. La tapadera es segura, pero los sentimientos del muchacho hacia su amado siguen ahí, afectando su vida, a punto de explotar.

Sin menospreciar el estupendo trabajo de Gyllenhaal, me parece innegable que Heath Ledger es la película. Su personaje es el motor de la historia y su interpretación la que consigue atraparnos y emocionarnos. Ledger se mete en la piel de Ennis y hace lo que sólo los actores de verdad pueden hacer: dar vida a un personaje ficticio. Ennis del Mar se convierte en una persona real, con sus miradas, sus gestos y sus expresiones particulares, con su propio carácter y personalidad. Durante toda la película hay grandes momentos (el del callejón que ya he mencionado, el de la imagen de arriba, el hallazgo de la camisa que creía perdida) y casi todos tienen que ver con el Ennis de Ledger, con cómo este actor se transformó en otra persona. Imprescindible la versión original para apreciar, por ejemplo, el tono de voz o la forma de hablar, parte esencial del personaje.

Jake Gyllenhaal encarna a Jack Twist, que es totalmente diferente a Ennis. Jack es alegre, alocado, valiente, optimista, mientras que Ennis es reservado, callado y pesimista, debido a un suceso que vivió cuando era niño (lo cual explica mucho de su comportamiento posterior). Jack ama a Ennis pero no entiende porqué deben vivir separados, encontrándose sólo en contadas ocasiones durante años. Al igual que su compañero, Jack se casa (con Lureen, Anne Hathaway) y mantiene una familia, pero no deja de proponer la ruptura de todas las apariencias y la apuesta por el amor. Hay dos momentos en los que Gyllenhaal, en mi opinión, se come la pantalla, y ambas ocurren cuando su personaje ya no soporta más su situación: el enfrentamiento con su suegro y la última discusión con Ennis.

Una historia de amor dramática no es nada sin los obstáculos que impiden el feliz desenlace. En las barreras vienen dadas por el obvio, absurdo y peligroso rechazo de una parte de la sociedad hacia la homosexualidad, tema de moda otra vez por el éxito de ‘Mi nombre es Harvey Milk’. En la película de Ang Lee, sin embargo, no sólo tenemos el riesgo de que Ennis y Jack sean atacados por su relación, también, y no menos importante, nos encontramos con el trauma del primero de ellos, que le condena a vivir con frustración, infeliz. La diferente forma de llevar su romance condiciona finalmente el final de cada uno, y resulta genial cómo se plasma en la película, pues ambos quedan reflejados con cierta ambigüedad. La versión de lo que le ocurre a Jack y la última frase de Ennis han provocado y seguirán provocando debate.

Quizá es poco el tiempo que ha transcurrido para valorar adecuadamente el sitio de ‘Brokeback Mountain’ en la Historia del cine, pero lo que me parece indudable es que la película sigue teniendo, por lo menos, la misma fuerza e intensidad que cuando se estrenó, despejada ya la novedad y la polémica de su propuesta. Una impresionante y bellísima película, en mi opinión, y en definitiva, una obra maestra.

‘Sospechosos habituales’ había situado a Bryan Singer en una posición de privilegio. Con tan sólo dos películas (y no es que ‘Public Access’ fuese muy popular), el joven realizador era ya visto como uno de los más brillantes talentos de la cinematografía norteamericana. Tocaba seguir adelante, confirmar las esperanzas, ponerse manos a la obra con un proyecto más ambicioso que le diera la oportunidad de asentar su recién logrado estatus. Sin embargo, aun contando con más presupuesto, Singer tomó la decisión de dar un giro más personal a su carrera.

Desde niño, se había sentido fascinado por el nazismo, a pesar de las raíces judías de su familia; llegó incluso a crear un “club nazi” junto a algunos amigos. No resulta extraño por tanto entender su interés por la historia de ‘Verano de corrupción’ (‘Apt Pupil’), un relato de Stephen King incluido en el libro ‘Las cuatro estaciones’ (de donde salieron otras películas, como ‘Cuenta conmigo’ y ‘Cadena perpetua’). Un relato que ya se había intentado llevar al cine en varias ocasiones, pero la mala fortuna y los problemas económicos impidieron que hasta 1998 no se viera efectivamente una película basada en la obra de King. Una película que, en general, decepcionó a los que esperaban algo más del director de ‘Sospechosos habituales’. No era para menos.

‘Verano de corrupción’ tiene el arranque más directo de las tres primeras películas de Bryan Singer, intercalándose los créditos iniciales ya en la acción. De este modo, se nos presenta ya desde el inicio no sólo al protagonista, el adolescente Todd Bowden, sino también su gran conflicto: se siente atraído por la ideología y obra nazi. Tras finalizar el tema en clase, el chico siente que necesita más y acude a la biblioteca para leer todo lo que encuentra. De este modo descubrirá algo sorprendente. Kurt Dussander, uno de los nazis más sanguinarios, escapó de la ley y vive justamente en su mismo vecindario, oculto bajo una falsa identidad. A cambio de no revelar su paradero a las autoridades, Bowden exige al anciano que le cuente todo lo que vivió como miembro de las SS.

Brandon Boyce, amigo de Singer, fue el encargado de escribir el guión de ‘Verano de corrupción’, modificando (el final es muy diferente) y ampliando el material original, lo que en mi opinión no quedó nada bien, teniendo en cuenta la falta de intensidad de la que adolece el film. No estuvo Singer nada fino tampoco con el ritmo y el suspense de la película, que avanza con lentitud y desgana, sin aportar casi nada al final de cada secuencia. Los 110 minutos de montaje definitivo resultan a todas luces excesivos, haciendo que la trama tenga que dar varias vueltas sobre sí misma. El juego de dominación entre el chico y el viejo da tantas vueltas sobre chantajes tan débiles que llega a resultar de lo más aburrido, por no hablar de la parte final, en la que se alternan dos secuencias (la del hospital y la del periódico) que pretenden resultar tensas, pero que realmente son previsibles y hasta ridículas.

Uno de los principales problemas de la película es que no hay una gran carga dramática, y el conflicto no tiene fuerza suficiente ni está bien justificado. En ningún momento se tiene la sensación de peligro que constantemente se intenta transmitir; ese “jugar con fuego” se dice pero no se ve. La amenaza no aparece nunca clara ni contundente, por no hablar de la ridícula tensión que se va acumulando en el chico. Sabemos que Dussander ha sido un criminal nazi, pero ahora es más bien un abuelete simpático; también sabemos que Bowden se siente atraído por ese “lado oscuro” del ser humano, pero lo que vemos es que desde que visita al viejo, estudia menos, parece más agresivo, tiene pesadillas y deja de interesarse por las chicas. Dejo a vuestra consideración la interpretación de estas poderosas e inequívocas “señales” (ejem). Lo peor es que tan pronto como llega al fondo, el chico se recupera y aquí no ha pasado nada. Porque engañar al (idiota) personaje de David Schwimmer es tan malvado como robar gominolas o maquillar el currículum.

En mi opinión, falla la construcción de personajes, quedando una historia en la que no nos podemos implicar en ningún momento. Bowden no resulta nunca interesante ni creíble, todo lo contrario, desde que entra en casa del viejo con esa prepotencia y le chantajea, casi deseamos que le den su merecido y se vaya a casa a seguir dándoselas de listo. Y no es sólo por la mala interpretación de Brad Renfro, tristemente fallecido hace casi un año (15 de enero de 2008). Renfro lo intenta pero es incapaz de transmitir nada, apenas cambia de expresión un par de veces, y es que su personaje no está bien construido ni parece que Singer fuera capaz de sacarle provecho; por otro lado, ojo a los que le rodean (padres, mejor amigo, novia y profesor), meras marionetas para cubrir el expediente y rellenar escenas vacías cuyo único propósito es intentar demostrarnos lo “malvado” que se está volviendo el protagonista. Lo de la paloma herida es el colmo, demostración de la mala visión del cineasta con este material.

Si bien el trabajo de Ian McKellen es lo mejor de la película, o lo único rescatable, me parece que su Kurt Dussander está tan mal planteado como Bowden. La desdibujada, que no ambigüa, personalidad de Kurt resulta más clara conforme avanza la película, cuando se nos plantea que el viejo no es más que un criminal que no sólo no se arrepiente de su pasado, sino que además se relame por las atrocidades cometidas y, una vez el chico le hace refrescar la memoria, parece querer volver a las andadas. Inverosímil mutación y comportamiento, pero también decepcionante, en cuanto se revela como alguien simple y superficial, en absoluto una figura fascinante y diabólica que pueda resultar tentadora. Singer parece olvidarse de lo que funcionaba con los villanos de ‘Public Access’ y ‘Sospechosos habituales’, fuertes por permanecer ocultos en las tinieblas, atractivos porque sólo sabíamos lo justo y no tenían que demostrar nada, menos aún con discursos sobre la maldad.

En definitiva, un paso atrás en la trayectoria de Bryan Singer, su peor película hasta la fecha. Finalmente, su interés directo en la trama, su implicación personal en el “viaje” del protagonista, resultó perjudicial y no le permitió darse cuenta que estaba tratando con pólvora mojada. Por mi parte, no encontré, en las dos veces que la he visto, nada valioso en ‘Verano de corrupción’ al margen de la carismática presencia de McKellen. Un thriller fallido y tedioso, muy lejos de la elegancia narrativa y el suspense psicológico que su realizador es capaz de plasmar. Afortunadamente, pronto le llegaría a Singer la oportunidad de dejar atrás este traspiés, situándose al frente de una gran producción. Hablaremos de ella en breve.

Especial Bryan Singer en Blogdecine:

Bryan Singer

Bryan Singer: ‘Public Access’

Bryan Singer: ‘Sospechosos habituales’

Por fin se estrenó, en España el pasado viernes, una de las películas más esperadas por todos los aficionados al séptimo arte. Lo nuevo de Sam Mendes, el director de la ácida ‘American Beauty’, la impactante ‘Camino a la perdición’ (‘Road to Perdition’) y la fallida ‘Jarhead’. También la nueva película en la que coinciden Leonardo DiCaprio y Kate Winslet, la famosísima pareja de ‘Titanic’, aún (y quizá para siempre) la película más taquillera de todos los tiempos. ‘Revolutionary Road’ es, por lo pronto, eso, una excusa para disfrutar de la elegancia de Mendes y de dos de los mejores actores del momento. En el fondo, es mucho más, aunque me temo que será difícil que lo vea la mayoría.

El póster de la película, agradable, con las dos estrellas tan cerca del beso, adorna las calles de muchas ciudades, llamando al público, y su imagen llevará al engaño; todos los que esperen encontrar un producto romántico convencional verán defraudadas sus expectativas. Paradójicamente, la propia película habla de eso. Del engaño. De lo convencional. De las expectativas. ‘Revolutionary Road’ nos descubre la gran mentira por la que se mueve la sociedad occidental, ese bienestar que se supone que debemos perseguir todos, piezas iguales del gran entramado del progreso. Descubre los barrotes invisibles del modelo de sociedad que domina nuestras vidas.

‘Revolutionary Road’ comienza presentándonos a Frank y April, dos jóvenes guapos y soñadores que se conocen en una fiesta; pronto se han enamorado perdidamente el uno del otro; bailan y no pueden dejar de mirarse. De pronto, la película da un cambio brusco. La historia ha dado un salto hacia adelante y ahora estamos en un teatro, donde una obra acaba de ser representada. Los rostros de April, actriz en dicha obra, y de Frank, entre el público, son brutalmente significativas.

Sus miradas ya no desprenden fuego y alegría, sino hielo y tristeza. Los sueños del comienzo han dejado paso a una terrible frustración. La propia representación teatral donde April ha quedado en evidencia ante su marido es una imagen también perfecta del engaño, de la maravillosa ficción que ambos han adoptado como vida, descubriendo que en realidad son como muertos vivientes. Sin embargo, ambos afrontan la situación de forma diferente. Mientras que April ya no puede soportarlo más, Frank se resiste a abrir los ojos, aceptando las cosas tal y como están.

Aparentemente, los Wheeler forman un matrimonio perfecto, con unos hijos perfectos, que vive en una casa perfecta, de una calle perfecta, de un país perfecto. Frank tiene un buen trabajo que le permite mantener a su familia; y por supuesto conduce un bonito coche. April cuida del hogar y de los pequeños, a la vez que participa en obras teatrales del barrio, donde ambos son respetados y queridos. En definitiva, los Wheeler representan el modelo ideal de la familia norteamericana en esa década de los 50 en la que transcurre la película. Y más allá de los 50, porque si creemos que esto se ha superado, sólo tenemos que salir a la calle y buscar las zonas residenciales o preguntarnos porqué “nos” hipotecamos para comprar un coche nuevo o una casa. El modelo capitalista de masas, de consumo, de bienestar, sigue intacto, con los cambios necesarios de los tiempos.

Un modelo que en realidad es una cárcel, una trampa, que mata las ilusiones y la libertad a cambio de un falso bienestar, representado por posesiones y relaciones superficiales. Los Wheeler en realidad son víctimas de una sociedad de masas en la que el individuo no existe, no tiene lugar; cada persona es simplemente una parte del sistema, insignificante, intercambiable, sin valor. Claro que para que eso sea posible, la ilusión debe ser creíble. La prensa, la radio y la televisión están en ello. Todos iguales. Todos consumidores. Todos felices. Todo perfecto.

Sin embargo, la película de Sam Mendes va más allá. ¿Qué ocurre cuando esa pareja perfecta decide salirse del sistema? ¿Qué pasa cuando dos individuos reclaman su identidad y quieren escapar de lo que es correcto para las masas? Como dije, es April quien deja de tolerar la vida que lleva, convenciendo a Frank de que necesitan dar marcha atrás, recuperar sus sueños y marcharse de allí; la idea es viajar a París y empezar de cero. Aquí tenemos la situación que vuelve a alimentar la película, aportando sustancia para seguir adelante y comprobar hasta dónde pueden resistir las convicciones de una pareja en crisis.

Ese nuevo sueño, la solución de April para salir del agujero en el que han caído, y del que esperan salir antes de que sea demasiado tarde, permite seguir ahondando en la dramática situación de los protagonistas, que se descubrirán encerrados sin remedio en una espiral de convenciones y apariencias que van deteriorando poco a poco, sin compasión, sus nada especiales vidas. No hay más que comprobar el parecido, a primera vista, de los Wheeler y los Campbell, sus vecinos, esos que no discuten ni cuestionan el sistema, sino que viven cómodamente en él.

Los que sí son especiales son los actores, todos fantásticos a la hora de representar el sueño americano convertido en pesadilla. Por supuesto, sobresalen las interpretaciones de Leonardo DiCaprio y Kate Winslet, de lo mejor de sus respectivas carreras. En mi opinión, y a pesar de lo que he leído, me pareció más inspirado DiCaprio, bordando un personaje realmente complicado, un pobre hombre que debe caer bien a pesar de todo lo que provoca; Winslet está estupenda, pero me parece que su rol tiene menos de extraordinario, o quizá es que me recuerda demasiado al de ‘Juegos secretos’ o al de Julianne Moore en ‘Las horas’. En cualquier caso, incomprensiblemente, ninguno de los dos optarán al Oscar por su trabajo en este film. El que sí está nominado es Michael Shannon, por encarnar a John, un personaje de lo más particular, un loco que dice las verdades que los cuerdos callan. Personalmente, creo que está algo exagerado (me refiero a su última intervención), pero es cierto que sus apariciones en escena añaden energía y reflexión.

Dicho todo esto, no me parece que sea una gran película (lo es en comparación con casi todo lo que se estrena hoy día, eso desde luego), no es la obra maestra que podría haber sido. Creo que la película pasa de puntillas por algunas problemáticas y también por algunas soluciones que afectan al drama de la película y que quizá no sean del todo relevantes, pero por mi parte no puedo dejar de tenerlas en cuenta y echar en falta su consideración.

Me refiero por ejemplo a la escasa relevancia de los hijos (salen un par de veces y no dan absolutamente ningún problema, sí que son perfectos), a la falta de familiares o amigos cercanos previos al matrimonio (¿ni siquiera hay un tío, un primo o un buen amigo por ahí que pueda echar un cable?) o a los comportamientos algo forzados de April y de Frank para desembocar en la crisis; ella podría aprovechar mejor su tiempo o simplemente terminar con el matrimonio, y él se deja convencer por un directivo por razones que ya había dado por insuficientes. Por otro lado, y sin destripar nada, la película tiene un desenlace bastante inverosímil, flojo, grandilocuente; creo que la resolución quedaba mejor mucho antes, sin todo eso que sucede una vez que Frank se sube al coche.

En definitiva, ‘Revolutionary Road’ posee argumentos más que suficientes como para ser catalogada como una de las mejores películas que se han estrenado en los últimos años. Enérgica, elegante, muy valiente, y con unos protagonistas totalmente entregados a una historia muy cruda que invita a la reflexión. Sin ayuda de los Oscars, y a pesar de sus pequeños defectos, un título que quedará en la memoria por sus grandes y valiosos aciertos.

En Blogdecine:

‘Revolutionary Road’, mujeres desesperadas

‘Revolutionary Road’, donde habitan los sueños rotos

La televisión de este país nos dio ayer una pequeña gran sorpresa. El cine cada vez tiene menos importancia en este medio, pero “La 2” de Televisión Española se marcó anoche un tanto estrenando ‘W.’ (2008), una película que no había pasado por la cartelera de nuestras salas a pesar de haber sido anunciada y contar con una más que interesante propuesta. Con la excusa de la toma de posesión de Barack Obama como nuevo Presidente de los Estados Unidos, se emitió este polémico biopic de Oliver Stone sobre el hombre que había estado en el cargo hasta entonces, George W. Bush.

Antes de entrar a valorar el producto, quiero dejar constancia de algo que me parece imperdonable, aunque suene desagradecido, y es la cantidad y la forma de las interrupciones que se produjeron durante la emisión del film. Por supuesto, los anuncios no duraron precisamente dos minutos (eso sí, los créditos finales los quitaron a los pocos segundos) por lo que el ritmo de la narración se fracturó varias veces, imposibilitando una concentración adecuada para el disfrute completo de la obra en cuestión. Desde aquí, con humildad pero también con firmeza, un toque de atención o un tirón de orejas a los encargados de semejante chapuza. Para hacerlo mal, no se hace, más aún cuando hacerlo bien no cuesta tanto. Que es “La 2”, por favor, ¿ahora va a importar el índice de audiencia? Nada, la televisión y el cine, relación de una noche, fugaz e insatisfactoria.

Pero vayamos ya a la película.

‘W.’ trata George W. Bush, nos relata su juventud, su madurez y cómo realiza su labor como Presidente de los Estados Unidos de América. Un biopic que lleva la firma de Oliver Stone, un director sobresaliente al que suele acompañar la polémica, por la visión que ha dado de su joven país y las formas que emplea para contar sus historias. Con los años se ha mostrado como un autor preocupado por plasmar la realidad (su punto de vista de la realidad, quiero decir), pero también por lo que las raíces ocultas de esa realidad. ¿Qué pasó y por qué? ¿Quiénes estaban ahí?

El Presidente de los Estados Unidos es un personaje público que ha aparecido en el cine en numerosas ocasiones, tanto para representar a alguien real como a alguien irreal, inventado (aunque a menudo imitando a uno de verdad). Al margen de su impresionante película sobre el asesinato de JFK, Stone ya nos había dado su versión de Richard Nixon, Presidente polémico donde los haya, aún objeto de retratos cinematográficos (es probable que Frank Langella gane un Oscar por interpretar a Nixon, que también tiene su hueco de protagonismo en ‘Watchmen’), y trece años después pone su mirada en W., letra por la cual se conoce al hombre al que todos odian, el jefe de gobierno más insultado de los últimos tiempos. ¿Cuántos se sintieron decepcionados cuando aquel zapato no le alcanzó en pleno rostro?

Así que una película como ésta, aún llegando quizá un poco tarde, resultaba de gran interés, tanto para los aficionados al cine como para los no aficionados con un mínimo de interés por la política. La promoción fue bastante inteligente y la polémica, inevitable, colaboró a que el público supiese de este film. Todos se frotan las manos. George W. Bush según Oliver Stone. Esto promete, va a ser la bomba, menuda lluvia de palos se va a llevar el Bush… Pues no. Si eso es lo que esperáis, os podéis llevar una decepción importante.

Porque ‘W.’ no es un ataque a Bush, ni siquiera se centra en los errores del ahora ex-Presidente. Es una película sobre una persona, sobre la vida de un tipo sencillo que no sabía que hacer con su vida, pero que aprovechó su oportunidad y llegó a ser el considerado como el hombre con más poder del planeta. Quién es George W. Bush y cómo pasó de ser un borracho holgazán a presidir Estados Unidos. Eso es lo que nos quiere contar Stone. Y en ese sentido, su producto es muy destacable. Personalmente, me llevé una grata sorpresa porque me temía algo maniqueísta, un reflejo más cómico que otra cosa sobre un personaje que ha afectado la vida del planeta de forma relevante.

Stone nos retrata a un hombre sencillo (o simple si se quiere) que triunfó cuando nadie confiaba en él, y que lo hizo, entre otras cosas, porque era ése con el que el americano medio tomaría una cerveza (como se señala en la película). No hay duda que la película huye de lo fácil y, sorprendentemente, se pone de parte de Bush. Y lo hace con absoluta corrección, aportando hechos y razones para componer un personaje que, a diferencia de la imagen pública, tiene iniciativa, toma decisiones, reflexiona y trata de hacerlo lo mejor posible. Ahí está la clave y es lo que intenta explicar en una escena emocionante del final. Puede que no sea una persona brillante (eufemismo como una catedral), pero su honestidad y su esfuerzo no pueden ser tachados como si nada. En mi opinión, el retrato que se hace de George W. Bush en esta película no debería juzgarse tanto por la comparación con lo que sabemos o creemos saber del personaje real, sino valorarse más desde un criterio puramente ficticio, cinematográfico. En ese aspecto, aplaudir con fuerza el enfoque de Oliver Stone y la interpretación de Josh Brolin, que está absolutamente genial, haciendo suyo a un personaje con el que nos podemos llegar a identificar.

Cabe decir que, si bien en toda la parte de la juventud de Bush creo que hay una mala decisión de mantener y rejuvenecer a los actores, por lo demás la caracterización de los personajes es estupenda, y resulta curioso, por no decir gracioso, reconocer en la película a esas personas que hemos visto tantas veces en las noticias. El caso que más me llamó la atención fue el de Thandie Newton (‘RocknRolla’), clavada a Condoleezza Rice. Otra cuestión es cómo Stone trata mejor a unos y peor a otros en su repaso a la administración Bush. Y el resultado es que salvo W, a quien prácticamente se le disculpa, y Colin Powell (Jeffrey Wright), los demás resultan retratados más o menos como (perdonadme la expresión) hienas inútiles; de forma injusta seguramente. Destacar también la participación de Bush padre (inmenso James Cromwell) y Laura Bush (Elizabeth Banks), dos personas que influyen muchísimo en la vida del protagonista, especialmente el primero (genial el momento de la carta, me recordó a Eastwood).

Dicho eso, conste que tampoco me parece que la película sea redonda, ni mucho menos. No me parece que esté realizada con maestría (más bien diría que se nota cierta ligereza), tampoco impresiona lo que se nos cuenta (sorprende, pero el efecto no es poderoso), y desde luego no aporta toda la luz que podía esperarse (estando tras las cámaras el señor Stone). ‘W.’ sigue dejando en la oscuridad mucho de la política norteamericana dirigida por Bush y pasa de largo sobre los hechos más recientes de su administración. También se echa en falta mayor representación de otros líderes mundiales, cuyas decisiones no resultaron poco relevantes; claro, no ver a Jose María Aznar (apenas se menciona a España en un repaso demencial de apoyos donde se habla de un puñado de soldados mongoles o unos monos que aportará Marruecos) o que Tony Blair (Ioan Gruffud) apenas aparezca en un par de escenas resulta un tanto decepcionante. Da la sensación de que se ha perdido la oportunidad de hacer una película mucho mayor, más profunda, crítica y valiosa.

De todas formas, que no se pierda la visión de conjunto ni la perspectiva, ‘W.’ es una película muy entretenida que cuenta una historia interesante y nos habla, sin superficialidad, de alguien a quien no conocíamos. No es lo mejor que ha hecho pero tampoco puede decirse que aburra en ningún momento y el trabajo de todos los actores es impecable, destacando Brolin por supuesto, debería ser uno de los cinco nominados al Oscar.

Con algo de retraso respecto a mis compañeros, aquí os dejo el “top ten” con el que, en mi opinión, se resume el mejor cine estrenado en España durante el año 2008.

Un año que, como decíamos cuando repasamos las diez peores, nos ha dejado un gran número de películas mediocres o, por lo menos, muy por debajo de lo esperado. ¿Y qué es lo esperado? Pues en muchas ocasiones, simplemente, no ir al cine para aburrirse. En el menor de los casos esperamos una gran película, pero conforme va pasando el tiempo, las expectativas bajan y volvemos a lo de antes: no pensar que se está perdiendo el tiempo.

De todas formas, tampoco ha escaseado el buen cine, aunque sí podríamos decir que hay pocas que hayan dejado un sabor de boca memorable, que hayan impactado al público de verdad, ya sea con un gran espectáculo y/o con una gran historia. Quizá es lo que decíamos, si se estrenaran más películas no puramente comerciales…

En fin, vamos al meollo de la cuestión. Diez películas; lo mejor del año. Del 10 al 1...

• 10- ‘12’ o el hombre con piedad

El primero de los dos remakes de esta selecta lista lo llevó a cabo el ruso Nikita Mihalkov, que tomó como base el clásico ‘Doce hombres sin piedad’ (ópera prima de Sidney Lumet) para tratar sus propias inquietudes y realizar un estudio fantástico sobre el individuo moderno, especialmente (por supuesto) al que vive en su país. Una valiosa película cuyo mayor problema es la duración (dos horas y media) pero que, con tranquilidad, se disfruta plenamente.

Podéis leer más en mi crítica.

• 9- ‘No es país para viejos’ o ‘Fargo’ en el desierto

Estrenada a principios de año en España, fue, en mi opinión, otra demostración de que muy a menudo los Oscars (como cualquier certamen) premian lo bueno, pero no lo mejor. Joel y Ethan Coen tienen en su filmografía obras más logradas, pero ha sido ésta la que les ha consagrado en la industria. De todas formas se lo merecen porque son unos cineastas que llevan años alegrándonos con sus obras. Como de costumbre el reparto está estupendo, entre los que destaca Javier Bardem.

Hay más en mi crítica.

• 8- ‘El tren de las 3:10’ o lo que debería ser un remake

Segunda puesta al día de un clásico. En esta ocasión, James Mangold parte del sólido trabajo de Delmer Daves para filmar un western que, si bien respeta todas las reglas del género y se mantiene altamente respetuoso con la manera clásica, pertenece a esta época, para bien y para mal. Curiosamente, aquí también se añade historia y metraje a la obra original, sin que por ello el conjunto se resienta. Gran duelo interpretativo entre Christian Bale y Russell Crowe.

Me extiendo más en mi crítica.

• 7- ‘WALL·E’ o la ternura de un robot solitario

Desde hace años, lo que sale de Pixar suele estar en las listas de lo mejor del año de casi todo el mundo. Sus películas consiguen algo extraordinario y es poner a casi todos de acuerdo, tanto en el público como en la crítica. Andrew Stanton es el encargado de situarnos en un planeta destruido y narrarnos la particular historia de un robot cuya única compañía, durante años, ha sido una cucaracha. Hasta que un buen día aterriza una nave y encuentra a su alma gemela…

Tenéis más en mi crítica.

• 6- ‘La escafandra y la mariposa’ o la versión alternativa de ‘Johnny cogió su fusil’

Película emocionante y dura donde las haya. La historia de Jean-Dominique Bauby cuya vida sufre un trágico giro, traspasa la pantalla y nos obliga a la reflexión. Curiosamente, en 2008 se estrenaron tres películas protagonizadas por Mathieu Amalric; también llegaron ‘La cuestión humana’ y ’007: Quantum of Solace’, ambas muy inferiores a la que nos ocupa. Sólo en esta obra de Julian Schnabel realiza Amalric una interpretación verdaderamente memorable. Tengo pendiente la crítica, espero publicarla en los próximos días.

• 5- ‘Appaloosa’ o la pérdida de la integridad

Otro western. El género olvidado por los que manejan el negocio del cine hoy día. Ed Harris, que creció fascinado por las películas de pistoleros, rinde homenaje al western con una película muy cuidada, de aroma clásico y un reparto de lujo donde destaca poderosamente el personaje al que da vida Viggo Mortensen, un hombre solitario que se mantiene fiel a unos valores mientras todos los que le rodean parecen olvidar quiénes son y por qué viven. Nostálgica, reflexiva y llena de tensión.

Podéis leer más en mi crítica.

• 4- ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’ o el ser humano apesta

Sidney Lumet está al final de su carrera por edad, no por talento. El realizador norteamericano sigue muy vivo, lleno de garra y con deseos de seguir contando historias que lleguen al público y no le dejen indiferente. Desde luego, pocas películas se estrenaron el pasado tan dramáticas y tan intensas como ésta, protagonizada por Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke y Albert Finney; los tres están fantásticos dando vida a unos personajes destinados a la tragedia.

Hay más en mi crítica.

• 3- ‘La niebla’ o lo que da más miedo

Tras ver cómo rechazaban su trabajo para la cuarta parte de ‘Indiana Jones’, Frank Darabont vuelve a recurrir a una obra de Stephen King y acierta de pleno. Una película impresionante centrada en un grupo de personas que se encierran en un supermercado, amenazadas por una extraña niebla que oculta todo tipo de criaturas monstruosas. La excusa fantástica le sirve a Darabont para hablar de cómo el miedo afecta a las personas. De antología el final, uno de los que cuesta recuperarse.

Podéis seguir leyendo en mi crítica.

• 2- ‘El caballero oscuro’ o el día que quisimos ver el mundo arder

Cuando le encargaron a Christopher Nolan la recuperación cinematográfica de Batman, pocos podían esperar los resultados que se iba a lograr. Tras la notable ‘Batman Begins’, Nolan cuenta con más medios y más libertad para rodar una continuación. Y éste lo aprovecha al máximo, filmando una película tan rompedora por dentro como por fuera, con unas secuencias de acción realmente espectaculares pero también con una trama cuidada y unos personajes con entidad. Éxito de público y de crítica como pocas veces se ha visto, y todos esperando con impaciencia la tercera parte. Para la posteridad, el fascinante Joker de Heath Ledger.

Digo más en mi crítica.

• 1- ‘El intercambio’ o cómo reconciliarse con el séptimo arte

Y llegamos al número 1. Para mí, la única obra maestra que se estrenó en España. Clint Eastwood es otro de esos cineastas veteranos que el tiempo está cuidando de forma milagrosa, aportándole energía para seguir narrando, con sabiduría y clase. Pocos, por no decir ninguno, consiguen emocionar como Eastwood, en esta ocasión con la historia de una mujer (gran trabajo de Angelina Jolie) que es tratada por la policía de forma indignante. Otro año que la mejor película nos llega con su firma.

Hay más en mi crítica.

Como hice cuando comenté lo peor, no puedo terminar este repaso al mejor cine de 2008 sin mencionar tres títulos que, fuera de las diez, resultaron ser grandes alegrías: ‘My Blueberry Nights’, ‘Mongol’ y ‘The Fall: El sueño de Alexandria’. La primera por la belleza de sus imágenes y una banda sonora deliciosa, aunque Wong Kar-Wai casi se haya limitado a repetir sus logros (por mi parte, ningún problema); destacar también el estupendo debut de la cantante Norah Jones. La segunda por la extraordinaria mezcla de espectacularidad e intimismo, en mi opinión, dejando en evidencia a la mayoría de las superproducciones de Hollywood; gran trabajo del realizador, Sergei Bodrov, y el protagonista, Tadanobu Asano. Por último, la tercera, que nos llegó con muchísimo retraso, por el logro de su director Tarsem, que supo conciliar su inquietud por lo visual con la narración de una buena historia; Cantica Untaru demostró que hay niños que valen más que actores adultos.

Con esto termino mi selección del cine más destacado (para bien y para mal) del año pasado. Espero que os haya resultado interesante y entretenido de leer. Por cierto, me encantaría saber vuestro top ten, si no estáis ya un poco cansados del tema, a ver si coincido con alguien.

Vamos llegando al final del repaso a los resultados de aquella encuesta que os planteamos, donde muchos de vosotros participasteis eligiendo lo más destacado del año pasado (en lo que a cine se refiere, evidentemente, sobre desayunos y cotilleos hay otros sitios especializados). En esta ocasión toca descubrir quién habéis considerado que fue el mejor director de 2008.

Y el elegido ha sido Christopher Nolan, por su trabajo para ‘El caballero oscuro’ (‘The Dark Knight’), la película que más dio que hablar no sólo en 2008 sino ya desde finales de 2007. Un film que rompió varios récords de taquilla y estuvo cerca de conseguir lo que hoy por hoy se da por imposible: desbancar a ‘Titanic’ como la más taquillera de todos los tiempos. De todas formas, el éxito de recaudación es totalmente secundario y sólo la señal de que la película de Nolan encantó a público y crítica en general.

Como sabéis, ‘El caballero oscuro’ continúa la acción donde terminó ‘Batman Begins’, que nos presentó el nuevo origen de un personaje hundido por la mano de un equivocado Joel Schumacher. El nuevo Batman de Christopher Nolan convenció a todos y cuando se planteó la segunda parte nadie dudó que sería un producto igualmente satisfactorio. Muchos nos quedamos cortos. ‘El caballero oscuro’ fue más allá y suena como una de las favoritas para triunfar en la próxima ceremonia de los Oscars.

Ahí están los resultados. Nolan ha arrasado con más del 50% de los votos. Detrás de él quedan Clint Eastwood, que ha conseguido un meritorio 18% (teniendo en cuenta que se estrenó unos días antes de que se cerrara la encuesta, no está nada mal) y los hermanos Coen, ganadores del último Oscar al mejor director, con un 15% de votos. Como curiosidad, añadir que Matteo Garrone ha quedado en último lugar, sólo diez personas le seleccionaron como el mejor realizador de 2008.

En la próxima entrada comentaremos la que habéis elegido como mejor película del curso pasado. ¿Será la que estáis pensando en este preciso momento?

Pd: ¿Sabías que Nolan es daltónico?