Favoritos de 30683 en Blogdecine http://www.blogdecine.com/usuario/ seleccionado por 30683 http://www.blogdecine.com <![CDATA['El hombre de acero', tráiler de la nueva película de Superman ]]> http://www.blogdecine.com/trailers/el-hombre-de-acero-trailer-de-la-nueva-pelicula-de-superman http://www.blogdecine.com/trailers/el-hombre-de-acero-trailer-de-la-nueva-pelicula-de-superman Tue, 11 Dec 2012 17:08:35 +0000 seleccionado por 30683

Actualización: Ya podéis ver – lo tenéis un poco más abajo- el tráiler en español.

Pocas películas pueden estar a la altura de ‘El hombre de acero‘ (Man Of Steel, Zack Snyder) cuando uno se para a pensar en los títulos más esperados de 2013, dando igual que uno sea fan o no – yo estoy entre los segundos- de Superman. Hace ya cinco meses que vimos un primer avance que apostaba por la lírica, dejando casi completamente de lado la faceta más heroica del personaje creado por Jerry Siegel y Jon Shuster en 1932 – aunque pasarían 6 años hasta que se publicase el primer cómic protagonizado por él-, algo que sí aparece, aunque sin excederse, en el tráiler que acaba de ver la luz.

Zack Snyder se enfrenta al difícil reto de hacer olvidar a la canónica cinta dirigida por Richard Donner en 1978 – más sencillo lo tendrá para superar en el recuerdo del aficionado a la versión de Bryan Singer de 2006-, ya que ‘El hombre de acero’ volverá a contarnos los orígenes de Superman en Smallville, el salto de éste a Metrópolis, su relación con Lois Lane y, no podía faltar en una superproducción de estas características – su presupuesto supera con holgura los 200 millones de dólares-, su gran enfrentamiento con el villano de turno. En esta ocasión, Superman tendrá que luchar contra otros dos supervivientes del cataclismo que acabó con su planeta natal.

Henry Cavill fue el actor elegido para tomar el relevo de Christopher Reeve y Brandon Routh como Clark Kent y Superman, pero está lejos de ser el rostro más conocido de un estimulante reparto en el que también veremos, entre otros, a Amy Adams, Michael Shannon, Russell Crowe, Kevin Costner, Laurence Fishburne, Diane Lane, Ayelet Zurer y Christopher Meloni. No tengo demasiada confianza en que Snyder pueda llevar la película a buen puerto, pero la implicación de los hermanos Nolan me invita a conservar cierto optimismo que se ha visto reforzado por este nuevo tráiler. Sea como sea, no saldremos de dudas hasta el 21 de junio de 2013, fecha en la que está previsto su estreno en España. En Estados Unidos podrán disfrutar de estas nuevas aventuras de Superman tanto en 3D como en IMAX y 2D una semana antes.

PD: Vaya día llevamos, que hace unas horas también pudimos ver el primer tráiler de ‘After Earth‘, la nueva película de M. Night Shyamalan que se estrenará en España apenas dos semanas antes que ‘El hombre de acero’.

Vía | Coming Soon

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<![CDATA['Una bala en la cabeza' y 'El último desafío', tráiler y cartel de lo nuevo con Stallone y Schwarzenegger ]]> http://www.blogdecine.com/trailers/una-bala-en-la-cabeza-y-el-ultimo-desafio-trailer-y-cartel-de-lo-nuevo-con-stallone-y-schwarzenegger http://www.blogdecine.com/trailers/una-bala-en-la-cabeza-y-el-ultimo-desafio-trailer-y-cartel-de-lo-nuevo-con-stallone-y-schwarzenegger Mon, 03 Dec 2012 09:11:28 +0000 seleccionado por 30683 Imagen con los carteles de 'Una bala en la cabeza' y 'El último desafío'

La carrera de Sylvester Stallone y Arnold Schwarzenegger va viento en popa tras el estreno de ‘Los mercenarios 2‘ (The expendables 2, Simon West, 2012). El primero llevaba un tiempo ya recuperado, algo que justo coincidió con el estreno de la primera entrega de la franquicia creada por él, pero para el segundo fue un paso clave en su regreso al cine tras unos años sabáticos centrado en la política. Ya han vuelto a colaborar en ‘The tomb’ (Mikael Håfström), cinta que se estrenará a lo largo de 2013, y muy probablemente en la ya confirmadaLos mercenarios 3‘, pero ahora es el momento de hablar de ‘Una bala en la cabeza‘ (Bullet to the head, Walter Hill, 2012) y ‘El último desafío‘ (The last stand, Kim Ji-woon, 2013) con motivo de la aparición del tráiler y cartel de ambas producciones.

Empecemos por ‘Una bala en la cabeza’, la problemática nueva película de Walter Hill, ya que estaba inicialmente previsto que se estrenara el 13 de abril de este año, pero en febrero se anunció que quedaba aplazado hasta una fecha por concretar. Hubo varios rumores sobre un posible remontaje comandado por Stallone, pero no hay nada seguro al respecto. El pasado mes de agosto se lanzó el poco inspirado primer tráiler, el cual creó más dudas sobre la película, pero el que ahora podemos ver sí que invita más al optimismo.

‘Una bala en la cabeza’ toma como base un cómic francés de título homónimo de Alexis Nolent adaptado para la ocasión por Alessandro Camon y el propio Hill. La historia que nos cuenta gira alrededor de la venganza que dos hombres quieren conseguir. Lo curioso es que ambos quieren eliminar a la misma persona, ya que asesinó a sus compañeros, pero la cosa se complica al ser uno de ellos un asesino profesional y el otro un detective de policía. Además, Hill ha contado con un holgado presupuesto de 55 millones de dólares para sacarla adelante, aunque ya podéis ir olvidándoos de una aproximación oscura a ese argumento, ya que Wayne Kramer dejó de lado el proyecto por la insistencia de Stallone en una visión más optimista.

Sylvester Stallone es la gran estrella de un reparto en el que también podremos ver a Jason Momoa, Christian Slater, Sarah Shahi, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Jon Seda, Holt McCallany y Sung Kang en un papel inicialmente previsto para Thomas Jane, pero la insistencia de Joel Silver, productor de la película, por fichar a un intérprete de otra etnia para ampliar sus posibilidades comerciales acabó pesando más que cualquier otra cosa. ‘Una bala en la cabeza’ llegará finalmente a los cines de Estados Unidos el 1 de febrero de 2013, mientras que su estreno en España tendrá lugar el próximo 22 de marzo.

Imagen con el cartel de 'El último desafío'

En el caso de ‘El último desafío’ no ha habido ninguna controversia sobre ella, siendo lo más llamativo sobre ella el hecho de que es la primera película que protagoniza Arnold Schwarzenegger en varios años, pero también que es el salto al cine americano del director Kim Ji-woon, realizador asiático que ha ido labrando su prestigio con títulos como ‘El bueno, el malo y el raro‘ (Joheunnom nabbeunnom isanghannom, 2008) o ‘Encontré al diablo‘ (Akmareul boattda, 2010).

La película, de la que ya vimos hace unos meses un estimulante primer avance, nos contará la historia de cómo una peligrosa banda de traficantes de droga busca refugio en una tranquila localidad fronteriza con México como paso previo a abandonar el país con un abundante botín. Con lo que no contaban era con la presencia de un testarudo sheriff que les hará la vida imposible. Ji-woon ha contado con un relativamente modesto presupuesto de 30 millones para hacer ‘El último desafío’, tal vez por las dudas de los productores sobre que pueda amoldarse a los gustos occidentales.

Es evidente que todos sus compañeros de reparto van a quedar eclipsados por la presencia de Arnold Schwarzenegger, pero la película cuenta con un prometedor reparto en el que también podremos ver a Forest Whitaker, Jaimie Alexander, Peter Stormare, Johnny Knoxville, Luis Guzman, Eduardo Noriega, Rodrigo Santoro y Génesis Rodríguez. ‘El último desafío’ se estrenará en España y Estados Unidos al mismo tiempo, ya que llegará a los cines de ambos países el 18 de enero de 2013.

PD: ¿Cuál de las dos películas esperáis con más interés?

Vía | Emileeid

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<![CDATA[Críticas a la carta | 'Manhattan Sur' de Michael Cimino ]]> http://www.blogdecine.com/criticas/criticas-a-la-carta-manhattan-sur-de-michael-cimino http://www.blogdecine.com/criticas/criticas-a-la-carta-manhattan-sur-de-michael-cimino Tue, 09 Oct 2012 18:05:04 +0000 seleccionado por 30683 manhattansurf1

Antes de empezar a hablar de ‘Manhattan Sur’ (‘Year of the Dragon, Michael Cimino, 1985) una advertencia sobre la edición de la misma en DVD en nuestro país: sencillamente lamentable. En cambio, la que podéis adquirir al otro lado del charco es simple y llanamente impecable, respetando el formato y adaptada a televisores 16:9 —es realmente increíble que aún haya ediciones en DVD que no vengan adaptados para ese formato— y con una muy buena calidad de imagen, no el estropicio de la edición española.

Michael Cimino es uno de los realizadores más interesantes del cine estadounidense, surgido a principios de los 70, cuando Clint Eastwood le dio la oportunidad para dirigir ‘Un botín de 500.000 dólares’ (‘Thunderbolt & Lightfoot’, 1974), para cuatro años más tarde tocar la cima con el éxito obtenido a raíz de ‘El cazador’ (‘The Deer Hunter’, 1978), ganadora de varios Oscars que supusieron toda una garantía para que Cimino se enfrentase al proyecto por el que siempre será recordado para bien o para mal. ‘La puerta del cielo’ (‘Heaven´s Gate’, 1980) fue el mayor fracaso económico de la historia del cine, llevando a la bancarrota a la United Artist y condenando a su director al olvido durante cinco años. Hasta que un día Dino de Laurentiis —productor extraño donde los hubiera, ya que lo mismo financiaba una superproducción como un film de lo más cutre— contactó con Cimino para ofrecerle dirigir la adaptación de una novela policíaca de Robert Daley.

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(Spoilers) Daley había trabajado con Sidney Lumet en la estimulante ‘El príncipe de la ciudad’ (‘Prince of the City’, 1981) y volvería a trabajar con él en la menos acertada ‘La noche cae sobre Manhattan’ (‘Night Falls on Manhattan’, 1996), relatos duros y amargos que abarcan a su manera el tema de la corrupción policial como contexto de historias más personales y específicas. En ‘Manhattan Sur’ tenemos triadas chinas, policías corruptos, asesinos a sueldo, jefes pasotas, y un policía, Stanley White —nombre heredado de uno de los verdaderos policías que trabajaron como consultores en la filmación de la película— cansado de que todo esté controlado por la mafia y que la policía mire hacia otro lado en el barrio de Chinatown.

Para dicho personaje Cimino tuvo la espectacular idea de contratar a un actor que por aquel entonces se encontraba en la ascensión de su carrera y que hoy no necesita presentación de ningún tipo: Mickey Rourke. White es probablemente, a juicio de quien esto firma, la mejor interpretación de toda la carrera de Rourke, antes de ir de estrella chulesca y egocéntrica y echar su trabajo a perder —actualmente parece recuperado—, con una serie de matices que apartan a White de la típica imagen del policía protagonista de tantos films, y entrando por derecho propio en la galería de los más recordados a la altura de los más grandes. Así, sin más. Resulta muy gratificante observar, 27 años después, como la interpretación de Rourke no ha perdido ni un ápice de su fuerza, al contrario.

Stanley White, policía racista hasta la médula, vehemente en sus discursos —impresionante el que le da a sus hombres en formación delante de él—, enemigo de la desidia a la que los representantes de las leyes están acostumbrados por vagancia pura y dura, inconformista e incluso aprovechado. Y con todo eso, absolutamente arrollador en su carisma, el cual traspasa completamente la pantalla logrando llamar nuestra atención, casi obligándonos a que nos caiga bien —inmenso el instante que llora delante de Tracy (Ariane)—. Pero el personaje de Rourke no cae bien sólo por su magistral interpretación, también por lo bien escrito que está, algo que hay que atribuir al propio Cimino y a Oliver Stone, coautor del guión, quien ya había escrito el film de Lumet mencionado, y al que le faltaban sólo un año para ser encumbrado por cierta película sobre Vietnam.

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Su personaje se enfrenta directamente con el interpretado por John Lone, Joey Tie, algo así como la otra cara de la moneda de White, un hombre que hará lo que sea por salirse con la suya y luchar por aquello en lo que cree. Uno dentro de la ley, con reservas, y el otro completamente fuera de ella, antagonistas en un mundo en el que no es fácil vivir y sólo el más fuerte o influyente sale a flote. Cimino va encarando poco a poco y con un marcado crescendo dramático a los dos personajes hasta llegar a un clímax antológico, un duelo nocturno que parece salido de un western en el que dos personajes rabiosos gritan y corren el uno hacia el otro mientras descargan sus pistolas intentando matarse. Una poderosa secuencia que es la guinda perfecta a un trabajo de puesta en escena soberbio.

Michael Cimino en estado de gracia absoluto —ayudado por el entonces muy prometedor director de fotografía Alex Thomson—, con un sentido de la épica rara vez visto en el mal llamado cine moderno, cuidando hasta el último detalle de todo cuanto sale en pantalla. Cabe citar al respecto todas esas secuencias llenas de gente, ya sea en una comisaría, en las calles de Chinatwon o en Tailandia. Pero los planos de Cimino no resultan ampulosos, no cargan ni están sobrecargados, para ello hace mover a los actores por el set con una cámara que haría las delicias de Michael Mann, siempre pegada al cogote de los actores en determinados momentos. Todo está en su sitio, nada falta o sobra, la vida que respiran los personajes de ‘Mahattan Sur’ huele a verdad por los cuatro costados, y sólo queda algo desdibujada en ese extraño epílogo que concluye con un plano congelado del rostro de White.

Violenta, salvaje, visceral, sin concesiones, ‘Manhattan Sur’ emerge como uno de los mejores títulos de una década tan confusa artísticamente como los ochenta, y a veces me da la impresión de que no se ha tratado con justicia un título que para un servidor supone una de las cumbres del thriller. Una lección de narración cinematográfica en el sentido literal de la expresión, con una banda sonora de David Mansfield que se mueve entre lo lírico y lo épico. Como la película.

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<![CDATA['Los Mercenarios 2', Sin Perdón]]> http://www.blogdecine.com/criticas/los-mercenarios-2-sin-perdon http://www.blogdecine.com/criticas/los-mercenarios-2-sin-perdon Fri, 05 Oct 2012 18:41:43 +0000 seleccionado por 30683

Ve el video en el sitio original.

Él (Liam Hemsworth) era un buen chico. Mercenario, pero enamorado de una dulce enfermera a la que conoció en Afganistán. Él iba a retirarse después de aquella misión encargada por el señor Iglesia (Bruce Willis) a ese grupo que lideraban Barney Ross (Sylvester Stallone) y Lee Christmas o Navidad (Jason Statham). Pero el villano (Jean-Claude Van Damme) le mata. Le mata aún habiéndose rendido el grupo de compañeros del mercenario.

Le mata sin piedad. Le mata y, claro, lo que llega es la venganza. Aparecen por el camino Lobo Solitario (Chuck Norris) y Arnold Schwarzennegger.

La primera película era un vehículo escrito, dirigido y protagonizado por Sylvester Stallone, que quería completar su línea ascendente de revisitar a los iconos en casi crepuscular.: las intenciones del Stallone director era lograr una cosa tan violenta como simplificada de tal manera que uno creía que el potro cachas estaba revisitando al mismo Sam Peckinpah y a sus grupos salvajes, forajidos cansados y hombres al final de la vida.

La respuesta de los fans fue ensordecedora. La escena Willis-Stallone-Schwarzennegger como algo añorado. La promoción que la enfrentaba a la enésima comedieta de Julia Roberts y reivindicaba la masculinidad. El caso es que me he sentado a ver al viejo Stallone, que parece haber robado sangre una virgen y haberse insertado pelo de al menos trece animales distintos, hiper-musculado y a la vez sufriendo las inclemencias de la edad y lo he pasado bastante bien. ‘Los Mercenarios 2’ (The Expendables 2, 2012) es kitsch pero es un tipo (muy contemporáneo) de kitsch.

La película esta vez fue dirigida por Simon West. No hay ninguna escena de acción memorable, no estamos ante grandes directores, de verdad, con empaque visual, y hablo ahora de John Woo o Tsui Hark, también de otros más clásicos o de los titánicos John McTiernan, Walter Hill y James Cameron, incluso de virtuosos ocasionales como Renny Harlin. Todos ellos trabajaron para alguna de las estrellas aquí presentes y todos ellos son recordados con conveniente suspiro por el espectador.

Los minutos suceden. El kitsch explota. La mejor escena de la película la protagoniza Liam Hemsworth, visiblemente jodido porque tras perder a sus compañeros en batalla después perdió a su perro. ¿Hemos alcanzado unos registros de altísima comedia? O ideas de guión maravillosas.: el villano que roba un mapa de un uranio recóndito e inencontrable y tiene ya a los mineros en el túnel muy cerca. Que el ritmo no pare.

Pero la diversión es impagable. ¿Qué sentido tiene describir esta película de modos convencionales? Es una película para tíos, para una clase de tíos (los criados con la épica de gimnasio) que disfrutan una clase de iconos del cine de acción convenientemente extintos. Personalmente, creo que lo mejor de la película es Van-Damme y su doble patada: como actor y luchador roba la función a todos menos a uno, claro, Jason Statham, que domina a la perfección el registro de actor-tipo-duro y el de luchador-espectáculo.

Ve el video en el sitio original.

Son las escenas de Van Damme y Statham las más disfrutables de la películas. Esas hostias están bien dadas y garantizan muchas risas. Por otra parte, la aparición de Chuck Norris diciendo en voz alta uno de sus Chuck Norris Facts (broma internetera que proponía una serie de premisas en las que Norris siempre ganaba), Schwarzennegger diciendo “yipikayey” como réplica al “tú no vuelvas más” de Bruce Willis….

Esta película, en el fondo, trata de unos viejos cachas hipervitaminados que no quieren dejar de jugar en el escenario Reaganita de matanza discriminada y patrioterismo exultante, pero incluso esto, a estas alturas del blockbuster, puede resultar políticamente incorrecto, casi subversivo. Las risas y la complicidad sin impagables; verla con buenos amigos también.

Los requerimientos, como vemos, son pocos. Esto no es una película, esto es una maldita fiesta, aunque yo hubiera preferido que la fiesta la comandara Van Damme con su acuchillamiento por patada (Es un concepto, esto sucede) todo el rato. El teniente Caviaro habla de una oportunidad perdida y el sargento Mikel habla de hostias como panes.

A la guerra habremos de ir, pues.

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<![CDATA[Encuesta de la semana | Vampiros en el cine | Resultados ]]> http://www.blogdecine.com/blogdecine/encuesta-de-la-semana-vampiros-en-el-cine-resultados http://www.blogdecine.com/blogdecine/encuesta-de-la-semana-vampiros-en-el-cine-resultados Sat, 22 Sep 2012 17:35:34 +0000 seleccionado por 30683 Gary Oldman en una escena de Drácula de Bram Stoker

Ha pasado una semana desde que os propuse la encuesta sobre los vampiros del séptimo arte, así que aquí os dejo los resultados. ¿Cuál es la mejor película sobre vampiros? ¿Y la peor? ¿Qué intérprete ha encarnado al mejor chupasangre de la gran pantalla? ¿Y quién dio vida al más lamentable? Las respuestas, a continuación:

  • ‘Drácula de Bram Stoker’ (‘Dracula’, 1992) es la mejor película sobre vampiros. El trabajo de Francis Ford Coppola se alzó con la victoria al lograr un tercio de los votos; segunda quedó ‘Entrevista con el vampiro’ (‘Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles’, 1994), con un 20%, y tercera ‘Déjame entrar’ (‘Låt den rätte komma in’, 2008), con un 12%.
  • La peor es ‘Crepúsculo’ (‘Twilight’, 2008). La adaptación del best seller de Stephenie Meyer a cargo de Catherine Hardwicke fue votada por la mitad de los lectores; ‘Brácula. Condemor II’ (1997) quedó en segundo lugar con un 15% y tercera fue ‘Híncame el diente’ (‘Vampires Suck’, 2010) con un 9%.
  • El mejor vampiro del cine lo interpretó Gary Oldman en ‘Drácula de Bram Stoker’. El protagonista de la que habéis considerado como la mejor película de vampiros logra el triunfo en esta categoría con un 32% de votos. Un 15% de los lectores se decantó por Christopher Lee en ‘Drácula’ (1958) y un 12% votó por Bela Lugosi encarnando al mismo personaje en la versión de 1931.

Robert Pattinson en una escena de La Saga Crepúsculo: Eclipse

  • Robert Pattinson encarnó al chupasangre más lamentable del séptimo arte en ‘Crepúsculo’ (‘Twilight’, 2008). Más de la mitad de los lectores (53%) votó por el vampiro de la saga ‘Crepúsculo’, mientras que un 15% considera peor el trabajo de Eddie Murphy en ‘Un vampiro suelto en Brooklyn’ (‘Vampire in Brooklyn’, 1995) y un 5% se decanta por Nicolas Cage en ‘Besos de vampiro’ (‘Vampire´s Kiss’, 1988).
  • La inmortalidad es el tema más interesante del cine de vampiros. Al menos eso opina el 40% de los lectores que participaron en la encuesta. El 18% votó por “la sed de sangre” y el 17% prefirió la opción de “la convivencia con los humanos”.

Y eso ha sido todo, ¿qué os parecen los resultados?

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<![CDATA[Críticas a la carta | 'Máximo riesgo', de Renny Harlin ]]> http://www.blogdecine.com/criticas/criticas-a-la-carta-maximo-riesgo-de-renny-harlin http://www.blogdecine.com/criticas/criticas-a-la-carta-maximo-riesgo-de-renny-harlin Thu, 20 Sep 2012 09:06:38 +0000 seleccionado por 30683 Máximo riesgo

‘Máximo riesgo’ (‘Cliffhanger’, 1993) es la tercera* película de Renny Harlin que elegís para las críticas a la carta. No me quejo pues, tanto esta como ‘Deep Blue Sea’ se cuentan entre mis debilidades. Ha sido un placer volver a ver esta aventura en la nieve con Sly Stallone, cargada de épica, acción y alturas rodadas con cierto regusto clásico, humor y planos al ralentí.

Emoción y riesgo

Rodada en los Alpes italianos –situada supuestamente en las Montañas Rocosas–, con la cámara sobre un helicóptero, que al mismo tiempo es uno de los elementos protagonistas de la película, ‘Máximo riesgo’ no deja lugar a dudas sobre lo que el título español promete. Panorámicas vertiginosas y armónicas establecen muy bien el sentido de la altura y los planos contra chroma de los personajes principales quedan suficientemente disimulados.

Las escenas de acción se van sucediendo, sin apenas momentos en los que no haya riscos y riesgos. Esto se consigue gracias a una trama que no deja de complicarse hasta el último momento, en la que el malo siempre encuentra un recurso y donde las tornas cambian varias veces: Gabe (el personaje de Stallone) pasa de estar secuestrado a ofrecer un intercambio a los ladrones a los que ha sacado ventaja. La acción se ordena en modo de crescendo, así la escena del clímax consigue superar en tensión a las anteriores.

Máximo riesgo

Los acordes de la banda sonora de Trevor Jones recuerdan al cine clásico y es que Harlin, por muchas marcas reconocibles propias que introduzca, como la cámara lenta en los momentos más épicos – Rooker siempre gritando “nooooo” al ralentí–, bebe de los clásicos a los que él mismo reconoció admirar. El mejor ejemplo son los hitchcockianos encuadres de Michelle Joyner aferrándose a la mano de Stallone, de la que depende su vida en la secuencia inicial.

La película va sembrando varias cuestiones para resolverlas más adelante. La más importante es la que atormenta la conciencia del protagonista, la caída ya mencionada de Michelle Joyner, que se repetirá como forma de terapia calcando los encuadres, pero con diferente resultado y, esta vez, con Janine Turner. Pero es que, más allá de eso, la película acaba como comienza: el personaje de Michael Rooker espera, junto a una mujer, el rescate del heroico Stallone.

Aunque la definición de los personajes pueda ser el aspecto por donde más flojee ‘Máximo riesgo’, creo que se comprende la culpabilidad del protagonista y que está bien construido el crecimiento del héroe o la recuperación de sus facultades. Harlin lo hace sin dedicar un tiempo específico a tratar esta parte psicológica, sino mostrando su evolución a través de los sucesos de acción y eso es de agradecer.

Máximo riesgo

Toques de humor y alivios cómicos

Mientras está quemando billetes para mantener viva una hoguera, el protagonista bromea: “cuesta una fortuna calentar esto”, ella se lo queda mirando y él responde: “Ya lo sé, es humor del malo“. Así califica Sylvester Stallone los juegos de palabras, casi todos intraducibles –“just hanging out”, “burned it”, etc…— que se incluyen en el guion que rescribió sobre el borrador de Michael France. No es necesario decir más al respecto. Es posible que el humor no sea más frecuente por esta consideración. Algo de risa dan también las excusas para que Stallone se quite tres veces el jerséi, pero dudo que sea intencionado.

El propio título original, ‘Cliffhanger‘, es una expresión que define el enganche con el que se finalizan algunas escenas de películas o capítulos de series televisivas para dejar al espectador con ganas de ver lo que viene a continuación. Es como si el autor se hubiese propuesto escribir el cliffhanger de los cliffhangers y, a modo de chiste, la idea resultante fuese rodar una aventura en la que los personajes cuelgan literalmente de acantilados.

Al finlandés le gusta jugar con los acentos y las nacionalidades para crear alivios cómicos. Aquí lo hace con el personaje británico (Craig Fairbrass) y su perorata acerca del fútbol. O con el de raza negra (Leon), que se empeña en llamar “puta” a la protagonista. Seres caricaturescos y sin más intención que la de dar un toque ligero. El mismísimo John Lithgow, con su encarnación de un psicópata sin sentimientos, también pasa del lado de la comicidad por su personaje exagerado. Y no por ello resulta menos efectivo. Un poco peor le funcionan los secundarios, que serían el mejor añadido en la divertida ‘Deep Blue Sea’, en forma de esos dos chavales amantes de lo extremo, guiño para fanáticos del deporte de riesgo que no termina de aportar nada al agregado.

Máximo riesgo

Conclusión

En nuestro siglo, algunos cineastas se habrían limitado a retratar los peligros del deporte extremo en un film sobre alpinismo porque los atractivos son suficientes como para que el viaje valga la pena. Renny Harlin, por mucho que la nieve mole y que la escalada dé subidón –mis juegos de palabras son del nivel de los de la película–,introduce, además, una trama con malo maloso y dinero de por medio y una cuestión de redención y crecimiento de los héroes. ‘Máximo riesgo’, gracias a ello, se disfruta como la vuelta en montaña rusa que es, pero no por ratos sueltos o escenas extraíbles para vídeos de YouTube, sino como entretenido conjunto que, si bien no ha estado a la altura de mi recuerdo, ha superado sin problema el nuevo visionado.

En los comentarios a este post podéis dejar vuestras sugerencias o ruegos para la próxima Crítica a la carta. Veremos si vuestra propuesta tiene suficientes votos como para ser la elegida.

*Otras críticas a la carta de films de Renny Harlin en Blogdecine:

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<![CDATA[Los prejuicios y el cine]]> http://www.blogdecine.com/reflexiones-de-cine/los-prejuicios-y-el-cine http://www.blogdecine.com/reflexiones-de-cine/los-prejuicios-y-el-cine Tue, 04 Sep 2012 16:45:55 +0000 seleccionado por 30683 Imagen de Nicolas Cage dando bastante asco

Hay ocasiones en las que surgen comentarios en algunos de los textos que escribo sobre los que me gustaría expandirme a gusto en la réplica, pero las limitaciones de tiempo suelen acabar invitándome a dejarlo de lado. No obstante, esta ocasión sí ha surgido un comentario a mi crítica de ‘Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros‘ (Abraham Lincoln: Vampire Hunter, Timur Bekmambetov, 2012) sobre el que me gustaría expresar lo que creo que es una verdad irrefutable que algunos se niegan a aceptar porque podría ser visto como un síntoma de debilidad o, peor aún, falta de autoridad en tus valoraciones.

Sospecho que a más de uno le habrá sorprendido que utilice una imagen de Nicolas Cage para encabezar el post (y no será la única que utilice), pero creo que es un ejemplo perfecto para ilustrar la imposibilidad que hay hoy en día de enfrentarse a una película sin el más mínimo prejuicio. El motivo de la elección de Nicolas Cage es que no se me ocurre ni un sólo actor popular en la actualidad (seguro que ahora sale alguien diciendo que el protagonista de ‘En Tiempo de Brujas’ (Season of the Witch, Dominic Sena, 2011) ya no es lo que era) que despierte sentimientos tan enfrentados en la gente: O te gusta mucho o lo odias con pasión. Habrá casos intermedios, pero la abrumadora mayoría de opiniones que conozco sobre él son de alguno de esos dos extremos.

Nicolas Cage en 'Ghost Rider: Espíritu de Venganza'

Esa sensación de amor/odio hacia alguien delimita sin duda tus ganas de querer ver alguna película suya. Yo no tengo en problema en calificarme como fan suyo, algo que me ha servido, entre otras cosas, para tragarme infinidad de porquerías (caso similar me sucede con Bruce Willis) y reírme lo suyo de las pelucas que utiliza para disimular su alarmante calvicie. Sin embargo, es ver su nombre unido a un proyecto y sentir inmediato interés hacia el mismo. Aquí podéis sustituir su nombre por el de vuestro director favorito contemporáneo (seguro que sale mucho el nombre de Christopher Nolan), ese (o esa) intérprete que os encanta o cualquier factor que os resulte determinante a la hora de sentir unas ganas de ver todo lo que hagan muy superiores a las de los demás.

Lo anterior es algo perfectamente comprensible, ¿pero realmente hay alguna garantía adicional de que va a merecer la pena sólo con su presencia o es un prejuicio creado a partir de una idea preconcebida que a menudo puede demostrarse falsa? Yo aún recuerdo horrorizado el haber visto ‘Ghost Rider: Espíritu de Venganza‘ y acabar horrorizado. Aquí se podría argumentar que hay ciertos directores de los que nos puede haber gustado todo lo que hayan hecho hasta la fecha, pero es muy fina la línea que separa la confianza en alguien y, algo muy leído en el caso de cintas como ‘El Caballero Oscuro: La Leyenda Renace‘ (The Dark Knight Rises, Christopher Nolan, 2012), comentarios como saber que algo te va a gustar sólo a partir de tráilers o por estar hecha por quien está hecha la película.

Nicolas Cage en 'Adaptation (El Ladrón de Orquídeas)'

El problema añadido es que eso también se traslada cuando un director nos parece un negado o un actor poco menos que nos provoca un cáncer por verle en pantalla. Es aquí donde no pocos reaccionan con escepticismo supremo cuando alguien les recomienda una película protagonizada por un actor que detestan, siendo mi caso personal el de Nicolas Cage y la excepcional ‘Adaptation (El Ladrón de Orquídeas)‘ (Spike Jonze, 2002). Puedes usar todos los argumentos que quieras, pero lo más habitual es despreciar la recomendación o postergarla lo máximo posible. Total, es imposible que ese negado haga algo que merezca la pena, ¿no?

La cuestión es que eso no es algo políticamente correcto y, supuestamente, uno debería enfrentarse a todas las películas abstrayéndose completamente del bagaje previo. La sobredosis de información que afecta al cine en la actualidad tampoco a ayuda a no crear hype, una mero prejuicio subjetivo sobre lo que debería ofrecerte una película contando normalmente sólo con lo que han hecho antes los implicados, algunas fotos y varios tráilers como elementos para delimitarlo. ¿Hay algún cinéfilo que no lo haga o, en otros casos, que no eche pestes del cine actual en comparación con lo que se hacía antes? Felicidades por vivir en una cueva o tenga memoria (extraordinariamente) selectiva al que lo consiga, pero más de uno que adopta esa pose miente como un condenado. ¿Realmente quieren que me crea que lo normal es que no se tengan más ganas de ver una película que otra?

Es cierto que todo esta reflexión parte del simple hecho de considerar normal que una película con el argumento de ‘Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros’ tendría que ser una ‘simpática mamarrachada‘, pero, sin haber leído la novela en la que se basa, la idea de ver un drama histórico con un presidente real de los Estados Unidos cazando vampiros en sus ratos libres no podría resultarme más absurda. ¿Es justo pensar así? Seguramente no, pero los prejuicios están ya tan arraigados en el mundo del cine que querer negarlos es una tomadura de pelo aún mayor que la propia película a la que criticaba por, entre otras cosas, ser diferente a lo que su propia naturaleza (casi) imponía.

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