Favoritos de los expertos de 30683 en Blogdecine http://www.blogdecine.com/usuario/ seleccionado por los expertos de 30683 http://www.blogdecine.com <![CDATA[Los Coen, fuera de Llewyn Davis]]> http://www.blogdecine.com/reflexiones-de-cine/los-coen-fuera-de-llewyn-davis http://www.blogdecine.com/reflexiones-de-cine/los-coen-fuera-de-llewyn-davis Sun, 16 Aug 2015 13:01:33 +0000 seleccionado por los expertos de 30683 Vlcsnap 2015 08 13 18h21m32s779

‘A propósito de Llewyn Davis’ (Inside Llewyn Davis, 2013) es una película lo suficientemente delicada y divertida como para no ser juzgada con dureza. Pero allí donde se insiste que la película habla del folk, a mi me parece una humorada bastante tradicional de Joel y Ethan Coen, con el clásico excedente de secundarios que desaparecen, diálogos malhablados y crueldad cuasi divina.

De hecho, el frustrado cantante que encarna Oscar Isaac, Llewyn Davis, es el típico héroe vagamente subkafkiano de los hermanos Coen que se enfrenta a un destino ciruclar que no termina de entender.

Contando esta vez con una fotografía del siempre exquisito Bruno Delbonnel, los Coen sacan lo mejor de su tacto compositivo con la introducción. Haciendo uso de sus planos más largos, consiguen encuadrar muy bien el mundo en el que estará encerrado Llewyn Davis y al que aspira.

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Pese al talento al evocar no tanto el lugar si no su emoción, pese a la advertencia de estar en un tiempo pasado y en un café que verdaderamente existió, los Coen escogen su clásica odisea de soledad e incomprensión.

Aislamiento continuado

Llewyn Davis se mueve como un ratón por la geometría norteamericana del norte en su invierno.
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Resulta admirable la inventiva de los Coen para contar la misma, exacta soledad de su héroe de diversas maneras mediante la composición. Una manera es mediante los cenitales en la escalera. Tenemos también planos medios con efectos expresivos

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O planos generales opresivos

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O pequeñas bromas visuales mediante el acercamiento

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Incluso optan por el expresionismo clásico, deudor del cine negro

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Y sin embargo, todo es un relato lateral a un hecho legendario que no revelan hasta el final de la película.
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Es el propio Dylan en el gaslight. Llewyn es una historia patética y aislada. El problema no es el énfasis – en el cantante y en sus allegados y afectos – si no más bien que pese a la inventiva, los Coen tienen poco que decir sobre la identidad, el aislamiento o la dificultad de mantener una relación amorosa. De hecho, no tienen nada que decir: excepto que es circular y su héroe no saldrá de ella (mediante una nuevamente inventiva metáfora, un gato llamado Ulises que, al contrario que el protagonista, encuentra el camino al hogar)..

Son brillantes, pero como la broma que resuelve al final su entramado, parecen más hipnotizados por sus ocurrencias que por el sentido último de la película. Por eso mismo, tras el brillo – incluso en la banda sonora, logrando mimetizar tipos de estilos de la época – hay poco de concreto.

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<![CDATA[Añorando estrenos: 'El cuervo' de Louis Friedlander]]> http://www.blogdecine.com/criticas/anorando-estrenos-el-cuervo-de-louis-friedlander http://www.blogdecine.com/criticas/anorando-estrenos-el-cuervo-de-louis-friedlander Sat, 18 Jul 2015 06:00:09 +0000 seleccionado por los expertos de 30683 Theraven1935f1

Hace poco os hablaba de ‘El cuervo’ (‘The Raven’, Roger Corman, 1963), una de las adaptaciones del famoso poema escrito por el escritor Edgar Allan Poe, en el que el equipo formado por Corman y Richard Matheson se tomaban no pocas licencias. En ‘El cuervo’ (‘The Raven’, Louis Friedlander, 1935), la primera adaptación del citado poema, el guionista David Boheim, que junto a la aportación de otros siete guionistas construyeron un relato de lo más retorcido alrededor de la obsesión amorosa y la tortura.

El film pertenece a la etapa en la que el prolífico director Lew Landers, quien firmó sus primeras películas, en una filmografía de más de cien títulos, como Louis Friedlander. Producido por la Universal en su famoso ciclo de terror, de enorme éxito entre las audiencias que, tras un crack económico tan brutal como el de 1929, buscaban en el cine ficciones que les alejasen de la dura realidad. Las estrellas más terroríficas de la época, Boris Karloff y Bela Lugosi, ya habían coincidido en otra adaptación sobre Poe, ‘Satanás’ (‘The Black Cat’, Edgar G. Ulmer, 1934), con grandes resultados también.

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‘El cuervo’ es una película que dura 58 minutos, va directa al grano, y es un claro ejemplo del estilo de narración de otra época, en la que la capacidad de síntesis era casi ley, y sin dar la sensación de estar apresurado –salvo para los contaminados por las narraciones epilépticas modernas−. Un coche conducido por Jane (Irene Ware) tiene un terrible accidente, quedando su conductora al borde de la muerte. Tras la imposibilidad de operarla, el padre de la chica recurre al siniestro doctor Richard Vollin (Bela Lugosi) para que la opere. El resultado será que Vollin se enamora de ella hasta límites insospechados.

La aparición de Vollin deja clara la psicología del personaje, turbio donde los haya, con conocimientos por encima de los demás, lo cual le hace un villano aún más peligroso, y así lo comprobamos en todo el tercio final, en el que la imaginación del doctor se materializa en el uso de aparatos de tortura que ha estado construyendo, inspirado, y sobre todo obsesionado, por la lectura de Poe, de quien el personaje no hace más que citar ‘The Pit and the Pendulum’, al que la película le hace también un sentido homenaje, adelantándose en tres décadas a lo que más tarde haría Corman en su famoso ciclo de films dedicados al escritor de Boston.

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Lugosi vs. Karloff

La progresiva locura de Vollin está muy bien expresada por ese actor, tan exagerado y teatral, que era Bela Lugosi, quien era capaz de intimidar con su intensa mirada, uno de los puntos fuertes de su estilo, adecuado sobre todo para personajes que navegan por el terror más físico e intenso. Baste recordar la trampa que le tiende a Bateman –un fugitivo de la ley, que quiere cambiar su aspecto− para tenerlo completamente bajo su control. En dicho instante Bateman pasa a personificar un ave enjaulada, con su captor riéndose de él por una pequeña ventana.

A Karloff le corresponde, una vez más, dar vida a un “monstruo”, en este caso un delincuente desfigurado por Vollin con el fin de que le ayude con sus diabólicos planes de venganza. Sin embargo, Bateman, perfecto antagonista, tiene un punto “débil”; toda su vida ha sido rechazado por su aspecto, llegando a interpretar con ello que la fealdad es sinónimo de maldad, de ahí que al sentir la bondad de Jean, y por otro lado verse acorralado ante Vollin, decida actuar haciendo el bien, quizá por única, y última, vez en su vida.

De este modo, y tal y como señala el profesor David Felipe Arranz, ‘El cuervo’ nos regala un más que bello estudio sobre la eterna confrontación entre ética y estética, tumbando todo tipo de creencias al respecto. Un cuento de terror que nos ofrece además un apasionante duelo entre Karloff y Lugosi, con instantes tan poderosos como Vollin interpretando al piano siniestras piezas, simulando estar encerrado en su mundo particular, o el destino que sufre en uno de sus aparatos, en el que la morbosa obsesión por la tortura se transforma en un alarido que hiela la sangre.

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<![CDATA['El renacido' ('The Revenant'), tráiler impresionante de lo nuevo de Iñárritu con DiCaprio]]> http://www.blogdecine.com/trailers/the-revenant-trailer-impresionante-de-la-pelicula-de-inarritu-con-dicaprio http://www.blogdecine.com/trailers/the-revenant-trailer-impresionante-de-la-pelicula-de-inarritu-con-dicaprio Fri, 17 Jul 2015 13:09:08 +0000 seleccionado por los expertos de 30683 Leonardo DiCaprio en The Revenant

OJO A ESTO. 20th Century Fox ha distribuido el primer tráiler de ‘The Revenant’, lo nuevo de Alejandro G. Iñárritu después de triunfar en los Oscar con ‘Birdman’. La primera película del director junto a Leonardo DiCaprio tiene una pinta espectacular (gracias a la fotografía de Emmanuel Lubezki) y huele a Oscar por los cuatro costados… Se estrena el 25 de diciembre en Estados Unidos pero en España tendremos que esperar al 5 de febrero para disfrutarla en cines.

En enero aparecieron las primeras imágenes del esperado regreso de DiCaprio tras una retirada temporal al finalizar el rodaje de ‘El lobo de Wall Street’ (‘The Wolf of Wall Street’, 2013). En ‘The Revenant’ lidera un reparto donde también figuran Tom Hardy, Domhnall Gleeson y Will Poulter. Basado en hechos reales, el film se centra en Hugh Glass, explorador dado por muerto tras el ataque de un oso; soportando el dolor y la traición, debe abrirse paso por un salvaje invierno para sobrevivir y hallar redención…

  • Tráiler en español de ‘El renacido (The Revenant)’:

  • Tráiler en versión original:

‘El hombre de una tierra salvaje’ (‘Man in the Wilderness’, 1971) parte de la misma aventura pero el guion firmado por Iñárritu y Mark L. Smith adapta una novela de Michael Punke publicada en 2003. Como curiosidad, en 2010 el proyecto estaba en manos de John Hillcoat y Christian Bale, y antes en las de Park Chan-wook y Samuel L. Jackson.

Os dejo la sinopsis oficial de ‘El renacido’:

En las profundidades de la América salvaje, el trampero Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) resulta gravemente herido y es abandonado a su suerte por un traicionero miembro de su equipo, John Fitzgerald (Tom Hardy). Con la fuerza de voluntad como su única arma, Glass deberá enfrentarse a un territorio hostil, a un invierno brutal y a la guerra constante entre las tribus de Nativos Americanos, en una búsqueda heroica e implacable para conseguir vengarse de Fitzgerald.
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<![CDATA[Park Chan-wook vuelve a su país para dirigir un thriller lésbico]]> http://www.blogdecine.com/noticias/park-chan-wook-vuelve-a-su-pais-para-dirigir-un-thriller-lesbico http://www.blogdecine.com/noticias/park-chan-wook-vuelve-a-su-pais-para-dirigir-un-thriller-lesbico Fri, 26 Jun 2015 13:14:11 +0000 seleccionado por los expertos de 30683 Park Chan-wook adaptará Fingersmith

Al fin, Park Chan-wook tiene nueva película entre manos. Tras su incursión estadounidense con la decepcionante ‘Stoker’, el director surcoreano (famoso por ‘Old Boy’) vuelve a su país para filmar un thriller basado en ‘Falsa identidad’ (‘Fingersmith’), la novela de 2002 escrita por Sarah Waters.

La historia, ya adaptada en 2005 por la BBC en forma de miniserie, se centra en la relación entre Susan y Maud, dos huérfanas criadas en situaciones diferentes durante la época victoriana en Londres. Maud, con una gran fortuna familiar, es seducida por un hombre que busca quitarle el dinero con la ayuda de Susan pero el plan se complica cuando la relación entre las mujeres alcanza otro nivel…

La nueva versión, que se titulará ‘Agashi’, estará ambientada en Corea durante la época de la ocupación japonesa (entre 1910 y 1945). /Film informa que el rodaje comenzó la semana pasada y que el reparto está encabezado por Kim Min-hee, Kim Tae-ri y Ha Jung-woo. Esperemos que, después de no haber tenido suerte en Hollywood (varios proyectos no han salido adelante), esta producción suponga el resurgir de Park Chan-wook.

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<![CDATA[Añorando estrenos: 'La novia del diablo' de Terence Fisher]]> http://www.blogdecine.com/criticas/anorando-estrenos-la-novia-del-diablo-de-terence-fisher http://www.blogdecine.com/criticas/anorando-estrenos-la-novia-del-diablo-de-terence-fisher Thu, 18 Jun 2015 05:00:16 +0000 seleccionado por los expertos de 30683 Devilsoutf1

Entre las pasiones del actor Christopher Lee se encontraba el ocultismo, razón a la cual debemos la existencia de ‘La novia del diablo’ (‘The Devil Rides Out’, Terence Fisher, 1968) –el film favorito del actor de todos cuantos protagonizó en la Hammer−, que adapta la novela homónima de Dennis Wheatley, uno de los autores preferidos del actor británico. La película, además de suponer una de las cimas de su director, ergo de la Hammer, supone la única colaboración con la mítica productora por parte del escritor Richard Matheson, que se lució con un guion definido como el mejor que ha tenido la Hammer.

Si en ‘La leyenda de Vandorf’ (‘The Gorgon’, Terence Fisher, 1964), Christopher Lee daba una imagen atípica con su imagen en aquellos años, interpretando a uno de los “héroes” del film, en la presente se realiza la misma operación. El actor está del lado del Bien en este nuevo cuento de horror de la casa, y no sólo eso, su personaje condiciona por completo el punto de vista ejerciendo un enorme poder de sugestión, tanto en los personajes como en el espectador. Mientras Fisher, con la pluma de Matheson, ejecuta lo que parece un remake de su inmortal ‘Drácula’ (‘Dracula’, 1958).

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El punto de vista

Nos encontramos entre la antepenúltima película de Terence Fihser, en una época en la que el género de terror –realmente el cine por entero, sin diferenciar entre géneros− cambiaba a marchas forzadas, a través de las miradas de nuevos directores que proponían visiones más realistas del horror. La Hammer además se adaptada a los nuevos tiempos como podía, 1968 fue el último año en el que tuvo un gran éxito taquillero, con Lee de nuevo en la piel de Drácula en ‘Drácula vuelve de la tumba’ (‘‘Dracula Has Risen from the Grave’, Freddie Francis). ‘La novia del diablo’ es una de las últimas representaciones fílmicas de un tipo de terror que se iría olvidando paulatinamente.

El inicio del film, como en muchas de las obras de la filmografía de Fisher, marca sobre todo el punto de vista del relato. En este caso hablamos del Duque de Richleau (Lee), trasunto de Van Helsing, que se enfrentarán en su aventura al que sería el trasunto del conde Drácula, Mocata, personaje a cargo de un excepcional Charles Gray, cuyo rostro es aprovechado al máximo por un Fisher en verdadero estado de gracia, combinando con inteligencia los primeros planos –por ejemplo, cuando aquél intenta manipular a una de sus víctimas−, y los planos generales en los que encuadra con precisión a los personajes, caso del observatorio del inicio, o la estancia en la que cuatro personajes han de permanecer en el interior de un círculo dibujado en el suelo.

Así pues el siempre importante punto de vista queda marcado durante todo el relato por la visión que de todo ello tiene Richleau, punto de vista que se va bifurcando, primero hacia su colega, totalmente escéptico, Rex (Leon Greene), que se convertirá en una especie de protector de la “poseída” Tanith (Nike Arrighi), y más tarde en el matrimonio formado por Marie y Richard Eaton (Sarah Lawson y Paul Eddington), en cuya casa tiene lugar el impresionante clímax del relato, en el que se juega con variaciones temporales hasta límites insospechados. Matheson mezcla con maestría elementos de Drácula –el esquema narrativo− con viajes temporales, y satanismo, esto último de forma muy diferente a la realizada por Roman Polanski el mismo año en ‘La semilla del diablo’ (‘Rosemary’s Baby’).

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Ritmo y sugestión

La película no ofrece ni el más mínimo respiro al espectador desde el primer minuto, en el que se aborda directamente el tema, y los personajes quedan perfectamente definidos por la cámara de Fisher. Lee realiza una de las mejores interpretaciones de su carrera, demostrando además estar en plena forma, logrando apartarse por completo de la imagen de Drácula. Su personaje es un prodigio de definición e intenciones, Richleau domina por completo el relato con su “visión” de los hechos en los que además interviene, mientras que Monteca intenta ganarse al espectador en algún que otro momento, caso del intento de hipnosis de Marie.

¿Lo que hemos visto desde la perspectiva de Richleau ha sucedido realmente o es una alucinación como las que se le aparecen fuera del círculo intentando romper su realidad? La ambivalencia de Fisher —Richleau cree en el diablo mientras que Monteca habla del poder de la mente disfrazado de superstición—, que pone en imágenes a Matheson como pocas veces se ha hecho, es de una sutileza que asusta, aplicada sobre todo en la planificación, de las más inspiradas de su autor. Baste citar, en el inicio del film, los trece personajes de la “fiesta” encerrados en el encuadre, mientras Richleau y Rex están fuera de él.

Fascinación, onirismo y sugestión a partes iguales en una de las cumbres del horror en la que incluso de introducen elementos típicos del cine de acción, como una muy intensa persecución de coches a la mitad de película –el mismo año que Steve McQueen nos sorprendía en ‘Bullitt’ (id, Peter Yates)−, resultado de una de las secuencias más inspiradas del film, aquella en la que Rex, poseedor en ese tramo del punto de vista, derivado de Richleau, habla en el coche a Tanith que dice escucharle, pero realmente escucha la voz de Monteca, intentado invadir su mundo.

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<![CDATA[Añorando estrenos: 'La leyenda de Vandorf' de Terence Fisher]]> http://www.blogdecine.com/criticas/anorando-estrenos-la-leyenda-de-vandorf-de-terence-fisher http://www.blogdecine.com/criticas/anorando-estrenos-la-leyenda-de-vandorf-de-terence-fisher Tue, 16 Jun 2015 07:00:33 +0000 seleccionado por los expertos de 30683 Thegorgonf1

‘La leyenda de Vandorf’ (‘The Gorgon’, Terence Fisher, 1964) es una pieza fundamental en la historia de la mítica productora Hammer, y también en la filmografía de su autor, Terence Fisher. Supone el regreso del mismo a la productora cuando en ésta se estaban produciendo considerables cambios en lo que respecta al equipo de técnicos y artistas. De igual manera es una de las múltiples reuniones entre Fisher y Lee, antes de que aquel lo convenciese para ponerse de nuevo en la piel del vampiro más famoso que ha existido, en su versión más terrorífica, filmada dos años después de la presente.

La película también es conocida en nuestro país bajo otros dos títulos: ‘La medusa’ y ‘La Gorgona’, bastante más acertados que el que el film posee en la edición española, extraordinaria, en DVD, abiertamente más comercial. Lee aceptó trabajar en la película al lado de su buen amigo Peter Cushing, otro de los actores fetiche de la Hammer, tras haberse codeado con la cinematografía italiana, en un cinta de Antonio Margheriti, o en las pequeñas maravillas tituladas ‘Il castello dei morti vivi’ (Warren Kiefer, Luciano Ricc, 1963) y ‘La maldición de los Karnstein’ (‘La cripta e l’incubo’, Camillo Mastrocinque, 1964).

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Renovando elementos en la Hammer

La película, que conoció estreno tardío entre nosotros, casi cuarenta años aunque fue emitida numerosas veces por televisión, indaga en la mitología griega y se toma licencias extremas que, bajo la pluma de un muy inspirado John Gilling –junto a Fisher, Roy Ward Baker y Freddie Francis, de los directores más representativos de la casa−, que adaptó una leyenda griega, convenientemente tergiversada con la incursión del personaje de la Gorgona Megaera, y a la que se añaden inteligentemente elementos de otros “fijos” de la casa como el Hombre-Lobo –el efecto de la luna llena−, Frankenstein y Drácula.

El hecho de encontrarnos a Christopher Lee –con un look totalmente inusual, casi paródico− enfrentado a Cushing, supone otro cambio en lo que hasta ese momento se había visto en la Hammer. El primero, mezcla de Van Helsing y Sherlock Holmes –Fisher venía de firmar una de sus aventuras precisamente con Lee en la piel del detective−, tarda en hacerse importante en la narración, y el segundo como el conocedor de todo el misterio, con claros ecos a Jekyll y Hyde en su “protegida” Carla (Barbara Shelley) a la que vigila constantemente por miedo, y a la que no puede enfrentarse por amor.

‘La leyenda de Vandorf’ puede ser vista, haciendo juego con el importante papel que tiene la mirada en el film, como una historia de amor imposible, donde los deseos más básicos son representados por los actos del monstruo del film, cuyo maquillaje fue el producto del recorte de presupuestos que la Hammer vivió en esa época. Lee bromeaba a gusto al respecto diciendo que el problema de ‘La gorgona’ era precisamente la Gorgona, perfectamente visible en el clímax el relato, por cierto nada complaciente con el espectador, con el que el personaje de Lee realiza un muy curioso juego de complicidad en su diálogo final.

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Una mirada, un deseo, la muerte

Afortunadamente Fisher, con su peculiar equilibrio ético/estético, demostrando una vez más su mano para los colores, a través de la fotografía de Michael Reed, y el excepcional diseño de producción del interior del castillo, viste el film de un halo romántico trágico casi inusitado, con el que además se atreve a variar los cánones establecidos con los personajes masculinos, abriendo así una nueva época en la que los personajes femeninos cobran un protagonismo fuera de lo común. Si alguien brilla con gran intensidad en el film, realizando un magistral juego de espejos, es Barbara Shelley, una de las musas del horror en aquellos años.

La sutileza y un marcado tono onírico sobresalen como armas fundamentales en la operación “de renovación” que Fisher efectúa, del todo arriesgada y susceptible de burlas. Al respecto cabe citar las misteriosas salidas y entradas en el relato del personaje de Carla (Shelley), alrededor del cual giran los demás, sobre todo Paul (Richard Pasco), extranjero que llega al lugar debido a la muerte de su hermano y padre, ambos convertidos en figuras de piedra por una maldición de la que nadie quiere oír hablar. Y cómo no, la de su protector, el Dr. Namaroff (Cushing), aterrado y enamorado a partes iguales. La lucha final entre ambos representa algo más que una pelea, representa la lucha por el poder sexual.

‘La leyenda de Vandorf’ es uno de los films más perfectos de su autor, aunque lo cierto es que nunca estuvo lo suficientemente bien considerado. Pero a cada nuevo visionado pueden apreciarse más y más maravillosos matices, empezando por la citada mirada, aquí alegoría del deseo, que lleva a la destrucción, tal y como marca ya la primera secuencia del film. Un juego muy ingenioso, y divertido, para un arte en el que el punto de vista es muy importante.

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<![CDATA[Añorando estrenos: 'El justiciero rojo' de Antonio Margheriti]]> http://www.blogdecine.com/criticas/anorando-estrenos-el-justiciero-rojo-de-antonio-margheriti http://www.blogdecine.com/criticas/anorando-estrenos-el-justiciero-rojo-de-antonio-margheriti Mon, 15 Jun 2015 05:00:30 +0000 seleccionado por los expertos de 30683 Virgenenuremebergf1

Entre las perlas escondidas en el séptimo arte encontramos ‘El justiciero rojo’ (‘La vergine di Norimberga’, Antonio Margheriti, 1963), una de las películas que el recientemente fallecido Christopher Lee –a quien le dedicamos un oportunista ciclo invisible en Blogdecine− protagonizó alejado de su Inglaterra natal. El alto actor filmó no pocas películas en suelo italiano dentro del glorioso ciclo de horror gótico que precedió al giallo, y éste al slasher, en las que siguió explotando la imagen terrorífica que el gran Terence Fisher ofreció en sus trabajos previos para la mítica Hammer.

Antonio Margheriti, director hoy día desconocido por muchos, menos por Quentin Tarantino, que se encarga de plagiarle por completo aprovechando la poca memoria cinéfila colectiva, realizó dos obras ejemplares, parejas en tema y forma a lo que la citada productora británica hacía, a principios de los sesenta. ‘Danza macabra’ (id, 1964) fue una de ellas, posterior a la que hoy nos ocupa, un delirio que juega constantemente con el espectador, pillándole por sorpresa en más de una ocasión. Toda una delicia que nada tiene que ver con los bodrios que el director realizó en los últimos años de su carrera.

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Si en ‘Danza macabra’, el director mezclaba con ingenio y resultados magníficos todo tipo de elementos de sobra conocidos en el universo del género de terror gótico –léase vampiros, muertos vivientes, fantasmas, etc−, en ‘El justiciero rojo’ –por cierto título alejado del original, imagino que para no dar pistas sobre el impresionante giro final, aunque tergiversando por completo la esencia de la película, incluso de forma tendenciosa− Margheriti opta por un diabólico juego de complicidad con el espectador experimentado, conocedor de todas las trampas que el cine ofrece, incluido el deus ex machina, herramienta normalmente rechazada que aquí cobra un sentido delirante y fascinante.

El argumento de ‘El justiciero rojo’ es, en apariencia, el mismo de cientos y cientos de películas de la misma índole. Una mansión enorme, un matrimonio reciente formado por un atormentado hombre llamado Max Hunter –personaje a cargo de un algo inexpresivo Georges Rivière− de pasado oscuro, y una mujer, Mary –la bella Rossana Podestà− que se pasará casi toda la película gritando, siendo uno de los precedentes más claros de lo que años más tarde actrices como Jamie Lee Curtis se encargaron de fomentar. Ruidos nocturnos, pasillos tenebrosos, un sótano que instrumentos de tortura pasadizos ocultos y una misteriosa figura encapuchada vestida de rojo que comete crímenes horrendos.

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Nada es lo que parece

Como nexo de unión entre todos los personajes, un tétrico Christopher Lee, como uno de los criados de la mansión, cuyas apariciones, en los momentos más apropiados, hacen levantar las suspicacias del espectador que tiene en mente a Lee como villano de muchas funciones. El actor, parco en palabras, y curiosamente doblado en la versión inglesa, juega muy inteligentemente con su fama, y su marcado rostro no hace sospechar ni lo más mínimo el secreto que su verdadero amo guarda entre las paredes del castillo/mansión. Erich (Lee) posee un halo de tristeza en los minutos finales muy acorde con su personaje y la relación que le une al villano del film, herencia del país más temido durante la Segunda Guerra Mundial.

Dicho villano, el justiciero del título español, despista con su rostro cubierto al espectador que se pasa toda la película intentando unir las pistas para descubrir la identidad del encapuchado. Absolutamente todos son sospechosos, incluido un agente del FBI que hace acto de presencia en un momento dado y que lía aún más el argumento del film que, en su tramo final llega hasta el intento de asesinato que tuvo Hitler y el “pago” que sus perpetradores tuvieron que hacer el resto de sus vidas.

Un deus ex machina en toda regla que sin embargo arregla de golpe todas las posibles incongruencias que el relato puede sufrir antes de que todo se descubra. No faltan por supuesto, detalles mórbidos que se emparejan con los films de Roger Corman de aquellos años, y por supuesto ‘La máscara del demonio’ (‘La maschera del demonio’, Mario Bava’, 1960), así como una ambientación muy estudiada, sobre todo en su composición cromática, a cargo del inspirado, como siempre, Riccardo Pallottini, con un gusto exquisito por el rojo. Sangre y muerte que en su siguiente película sería sustituido por el negro. A ello hay que sumar la magnígfica y jazzística música del imprescindible Riz Ortolani.

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