Favoritos de los expertos de 30683 en Blog de Cine http://www.blogdecine.com/usuario/ seleccionado por los expertos de 30683 http://www.blogdecine.com <![CDATA[Añorando estrenos: 'Operazione paura' de Mario Bava]]> http://www.blogdecine.com/criticas/anorando-estrenos-operazione-paura-de-mario-bava http://www.blogdecine.com/criticas/anorando-estrenos-operazione-paura-de-mario-bava Thu, 05 May 2016 06:01:42 +0000 seleccionado por los expertos de 30683
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Es la misma idea de mi película, tal cual. Se lo dije a Giulietta Massina, y ella alzó los hombros con una sonrisa diciendo “ya sabes cómo es Federico”.

Son palabras del propio Mario Bava cuando comprobó que Federico Fellini se había apropiado de una imagen creada en la mente del director en ‘Operazione paura’ (1966), la de la niña fantasma con la pelota, icono del cine de horror donde los haya. Una anécdota, entre otras muchas, que señala la importancia del que probablemente haya sido el director italiano más influyente de la historia, al lado de Sergio Leone. Bava alimentó los sueños cinéfilos de directores como Martin Scorsese, John Carpenter o Tim Burton.

El creador del giallo con ‘La muchacha que sabía demasiado’ (‘La ragazza che sapeva troppo’, 1963) volvió al género que precede al citado, el horror gótico, que durante finales de los cincuenta e inicios de los sesenta caminó de la mano con las producciones británicas que en la mítica Hammer se hacían al respecto. ‘La máscara del demonio’ (‘La maschera del demonio’, 1960), la ópera prima de Bava es el mayor exponente y una cinta cuya influencia aún hoy no se ha medido como debiera.

Al espíritu de la citada se vuelve en esta ‘Operazione paura’, probablemente el film de Bava con mayor número de problemas a la hora de filmación, y también en su distribución, pasando desapercibida en su propio país de origen y no estrenándose en países como el nuestro. Afortunadamente el paso del tiempo pone las cosas en su justo lugar. Estamos ante una de las maravillas de su autor, un prodigio que revela, una vez más, la gran mano de Bava para las atmósferas y el impresionante uso del color.

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Una pesadilla…

Colaborando por primera vez que escritores nuevos —Roberto Natale y Romano Migliorini— Bava, que metió mano también en el guion del mismo modo que lo hizo en la fotografía en absolutamente todas sus películas, aún sin salir acreditado, nos ofrece una pesadilla que transcurre en una sola noche. La maldición que pesa sobre un pequeño pueblo debido a la muerte de una niña a la que nadie socorrió es la breve premisa de un film fascinante y en el que se mezclan elementos de brujería con supersticiones varias, amén de una atmósfera onírica ejemplar.

De hecho, Bava juega a la ambivalencia y la sugerencia —debería aprender ese tal Robert Eggers y su pequeña tomadura de pelo ‘La bruja’ (‘The Witch: A New England Folk-Take, 2015)— llegando hasta el paroxismo en una de las secuencias terroríficas mejor filmadas en una película así. A pesar de que las apariciones de la niña fantasma —interpretada por un niño— son inolvidables todas y cada una de ellas, el instante por excelencia, al menos para mí, es aquel en el que el protagonista se pierde en la vieja mansión.

Giacomo Rossi Stuart da vida al médico extranjero que llega al pueblo —otro nexo de unión con el mítico film protagonizado por Barbara Steele— indagará sobre las supersticiones del pueblo en la vieja mansión en la que las leyes físicas no tienen lugar. El instante del personaje corriendo de habitación en habitación —en realidad saliendo y entrando en la misma estancia— siendo perseguido por aquel al que persigue, y que no es otro que él mismo, escenifica, con un magistral uso del espacio escénico, la planificación y el color, prácticamente todo lo expuesto en un argumento sencillo, que no simple.

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...inolvidable

El miedo a la identidad —reflejado también en uno de los personajes femeninos— y la tradición germánica del döppelganger conducen hacia el solipsismo más brutal en manos de Mario Bava con sólo la comentada secuencia. Su influencia llegaría hasta el blockbuster, siendo repetido en determinadas sagas, una de ellas de las sobrevaloradas hermanas Wachowski. En ‘Operazione paura’ Bava repite operación en la escalofrinte secuencia de la niña bajando las escaleras de caracol.

Un entramado laberíntico, donde las respuestas no tienen lugar, y que juega de forma asombrosa con el aire misterioso del film, manifestándose así el propio universo de Mario Bava en el fantastique como algo único en la historia del cine. Imágenes como la de una de las resucitadas en fuera de campo quedan grabadas en la retina, tanto por su ejecución como por el apoyo a la sugerencia pesadillesca del film; en este caso además es un autohomenaje que desarrolla por otros caminos.

Única, hermosa y terrorífica a partes iguales, de las pocas del autor que fue filmada en italiano —normalmente en muchas de las co-producciones italianas de la época, el idioma de rodaje era el inglés—, y que a día de hoy se descubre como una joya sin parangón. Bendito paso del tiempo, ese que se detenía en una de las mentes más creativas que el séptimo arte ha dado, provocando pesadillas tan reales como ‘Operazione paura’, por cierto un título horrible.

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<![CDATA[Añorando estrenos: 'Polytechnique', Denis Villeneuve y el universo femenino]]> http://www.blogdecine.com/criticas/anorando-estrenos-polytechnique-denis-villeneuve-y-el-universo-femenino http://www.blogdecine.com/criticas/anorando-estrenos-polytechnique-denis-villeneuve-y-el-universo-femenino Wed, 02 Dec 2015 13:01:49 +0000 seleccionado por los expertos de 30683
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“Si tengo un hijo, le enseñaré a amar. Si tengo una hija, le enseñaré que el mundo es suyo”

Al que no le quede aún claro que el cine de Denis Villeneuve da más importancia a los personajes femeninos que a los masculinos debería ver la que es una de sus mejores, sino la mejor, películas: ‘Polytechnique’ (id 2009). La misma recoge el fatídico hecho acaecido en el Instituto Politécnico de Montreal el 6 de diciembre de 1989, cuando un alumno armado con un rifle semi-automático, acabó con la vida de catorce mujeres, hirió a otras quince, y se suicidó tras proclamar que “luchaba contra el feminismo”. Villeneuve cambió los nombres reales por respeto a las víctimas, y no estrenó el film sin el visto bueno de los familiares de los fallecidos en aquel horror.

77 minutos de puro cine en los que el director canadiense maneja con habilidad un tema tan espinoso como el femenismo mal entendido, la violencia presente en la sociedad, y las consecuencias de un acto perfectamente condenable desde varias perspectivas. A través de un aterrador blanco y negro, de un montaje soberbio, de flashforwards y flashbacks entrelazados, Villeneuve se erige como un genio de la síntesis, ofreciendo una pieza fílmica reflexiva hasta límites insospechados, siempre teniendo en cuenta la inteligencia del espectador, y también sin ponérselo fácil, aun partiendo de un hecho verídico.

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Lo cierto es que el director posee un punto de partida real, es decir, la matanza en sí, y construye toda una ficción, una fábula si se quiere llamar así —toda película lo es—, y llega a la verdad. Más allá de querer reconstruir lo que sucedió ese día —a partir del cual la política sobre armas en Canadá cambió considerablemente—, Villeneuve plasma una serie de acontecimientos entrelazados a través de diversos puntos de vista —el saber cambiarlos continuamente, requiere algo más que habilidad— sin entrar en ningún tipo de condena ideológica, aun dejando claras las razones por la que el asesino —cuyo nombre jamás llega a decirse— hace lo que hace. Villeneuve va más allá del panfleto, y ofrece una oportunidad para pensar detenidamente.

Si ‘Polytechinque’ no engancha al espectador en los dos primeros minutos ya no lo hará después. Una fotocopiadora, una mujer sacando fotocopias, un ambiente de instituto, y de repente el horror en forma de disparo inesperado, la secuencia se ensordece, el silencio se adueña de la función y el espectador entra en una especie de shock, con innumerables ramificaciones morales, algunas de ellas de lo más espinosas —esta película se estrena hoy día, y las reyertas en cierta red social serían catastróficas—, y precisamente ese silencio estará omnipresente en la función, de muchas y diversas formas. El silencio como condena, como tabla de salvación, como catarsis definitiva.

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Durante todo el tramo en el que se produce la matanza, y con el que ya Villenuve demostraba mano para el manejo de la tensión —por momentos parece que estamos ante un film de suspense, sobre todo, cuando todo es narrado desde la perspectiva de uno de los protagonistas masculinos del film—, se recurre al silencio para todo. A la primera de las nueve víctimas encerradas en una de las aulas —uno de los instantes más terroríficos del cine que no pertenece al género de terror— la interrumpe con una ráfaga de disparos cuando aquélla proclama que no es feminista. El silencio utilizado como arma. Más tarde, dos de las supervivientes en dicha aula, deben permanecer calladas haciéndose las muertas, pensando que el asesino ha vuelto a por ellas, instante de mayor terror aún. El silencio como salvación.

Fascinante rompecabezas visual

Ni un solo personaje es capaz de pronunciar una sola palabra coherente en dicho tramo, y el espectador, aun conociendo el resultado, tiene un nudo en la garganta. El silencio de nuevo, esta vez traspasando la pantalla. Villeneuve deja para el inicio y el final dos confesiones, una es la del asesino —atención a cómo lo muestra en determinado momento, desenfocado, no sabemos nada de él, sólo su rostro—, otra es una emotiva carta de una de las supervivientes a la madre de aquél. En medio un rompecabezas visual que debe ser construido en nuestra mente, incluidos los planos inclinados, que sugieren más de lo que parece. Y aun teniendo en cuenta el portentoso trabajo visual, o el uso del formato scope —impresionante cuando la cámara está tras las puertas o sigue a diversos personajes por el campus, muy alejado del postureo de Gus Van Sant en ‘Elephant’ (id, 2003)—, los actores escapan a la etiqueta de intérpretes, y resultan ser personajes.

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La sutileza de nuevo como arma —peligroso término en una película de estas características— en manos de uno de los mejores narradores del cine actual. Villenuve no condena, sólo muestra, y cuando quiere pronunciarse, lo hace a favor de la mujer, no podía ser de otra forma. De la mujer luchadora, de la superviviente en un mundo enteramente machista —esa es la cruda realidad—. De ahí esos preciosos planos sobre el triunfo laboral de la superviviente —y que además establecen un paralelismo, con otra secuencia, sugiriendo que, tras una desgracia, hay dos opciones, rendirse, o seguir luchando—, con su iluminado rostro como señal de victoria en este asqueroso mundo. La frase del inicio es pronunciada en la citada carta, no como reproche, sino como sentida reflexión a la realidad.

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Reflexión que Villeneuve nos invita a hacer en uno de los más impactantes planos vistos en una película. El cenital que hermana con sangre a verdugo y una de sus víctimas. Si la decisión de filmar en blanco y negro fue por no resaltar la sangre en la película, el contraste entre ambos colores sirve mejor a las intenciones del director. No sólo por la atmósfera fría de Canadá, con la nieve muchas veces presente, sino porque el rojo pasa a ser negro que se funde con otro en una atrevida unión, que escapa a absurdas razones ideológicas, dejando el debate político por los suelos.

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Y cuando creíamos que el film ya nos ha golpeado bastante, Villeneuve, una vez más concluye su film con una secuencia, como siempre en su obra, que invita a continuar trabajando en nuestras mentes. Ese fantástico travelling por el techo del instituto, con la imagen al revés. Las lecturas son tantas, y tan válidas como queramos. Desde la más evidente —este mundo está al revés— hasta la más sugerente —hay que ver este mundo desde otras perspectivas, desde otra altura, desde otro ángulo—. Magistral.

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<![CDATA['El puente de los espías', emocionante defensa de la humanidad en tiempos oscuros]]> http://www.blogdecine.com/criticas/el-puente-de-los-espias-emocionante-defensa-de-la-humanidad-en-tiempos-oscuros http://www.blogdecine.com/criticas/el-puente-de-los-espias-emocionante-defensa-de-la-humanidad-en-tiempos-oscuros Tue, 01 Dec 2015 15:01:47 +0000 seleccionado por los expertos de 30683
Una imagen de El Puente de los Espías

“Estamos en guerra. Por el momento esta guerra no requiere soldados, requiere información.”

Este viernes llega a la cartelera española ‘El puente de los espías’ (‘Bridge of Spies’), una de las películas más esperadas e importantes del año. Esperada porque reúne por cuarta vez a Steven Spielberg y Tom Hanks; importante porque estamos ante una auténtica joya, un vibrante thriller con magníficas interpretaciones que, a pesar de su ambientación histórica, tiene mucho que decir sobre nuestra realidad en este 2015.

Tuve la oportunidad de ver ‘El puente de los espías’ antes del estreno gracias a una invitación de 20th Century Fox, que juntó a un grupo de comunicadores/reporteros para un evento especial en Londres donde pudimos mantener una breve charla con Spielberg y Hanks. Hoy os dejo mi opinión del film y el jueves publicaré lo que se dijo en ese encuentro con estos dos iconos del cine (ya os adelanto que hay varias anécdotas muy divertidas).

Dos actorazos en manos de un director (todavía) extraordinario

Matt Charman y los hermanos Coen (encargados de una reescritura para aportar ingenio y humor) firman el guion de la película. Arropado por un impresionante diseño de producción que recrea acontecimientos tan famosos como la construcción del muro de Berlín, Spielberg transporta al espectador a la Guerra Fría para contar la aventura de un héroe improbable, un hombre recto que luchó por lo que creía, que no se dejó arrastrar por las masas dominadas por el miedo (el terrorismo “islámico” es nuestro nuevo enemigo).

‘El puente de los espías’ se basa en la asombrosa historia real de James B. Donovan, abogado de una empresa de seguros que, inesperadamente, es empujado a jugar un papel crucial en el tenso enfrentamiento entre Estados Unidos y la URSS que pudo desembocar en una III Guerra Mundial. El detonante del relato es la detención de Rudolf Abel, a quien da vida un sorprendente Mark Rylance, tan sumergido en su personaje (prestad atención a sus dedos en la primera escena) que llega a eclipsar al mejor Tom Hanks. Debería ser, al menos, nominado al Oscar.

Pero cuando Hanks centra la atención… es una combinación entre James Stewart y Gary Cooper. Hablamos de un brillante actor que sigue entregado en cuerpo y alma a su profesión, y bajo las órdenes de un auténtico genio para la puesta en escena (todavía en forma a sus 68 años) nos regala algunos de las mejores momentos de su carrera; aporta carisma, humanidad y credibilidad, hasta el mínimo detalle, a un personaje que fácilmente podría resultar impostado (alguien demasiado correcto para ser real) y tiene una escena con Rylance al final que me emocionó muchísimo.

‘El puente de los espías’, un thriller impecable

El resto del calculado elenco (Amy Ryan aporta detalles fantásticos con un personaje breve pero fundamental), la emocionante música de Thomas Newman y la hermosa fotografía de Janusz Kaminski (que nos lleva a recordar ‘El tercer hombre’) aportan solidez a un poderoso drama que tiene madera de clásico. Nadie puede predecir qué películas van a perdurar y cuáles pero apuesto que ‘El puente de los espías’, con momentos tan intensos, será recordado como uno de los mejores trabajos de Spielberg.

Y dicho eso, antes de terminar, voy con un apartado que considero necesario incluir: mis problemas con la película. Dura un poco más de la cuenta (es decir, se notan sus más de dos horas), divide el punto de vista innecesariamente (veo desafortunado detenerse tanto en mostrar los caminos que llevan a los arrestos de los estadounidenses) y caricaturiza a los villanos (de ambos bandos). Al margen de esas pegas, magnífica.

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<![CDATA[Añorando estrenos: 'Black Friday' de Arthur Lubin]]> http://www.blogdecine.com/criticas/anorando-estrenos-black-friday-de-arthur-lubin http://www.blogdecine.com/criticas/anorando-estrenos-black-friday-de-arthur-lubin Sun, 29 Nov 2015 08:01:45 +0000 seleccionado por los expertos de 30683
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‘Black Friday’ (id, Arthur Lubin, 1940) es una de las reuniones menos conocidas entre Boris Karloff y Bela Lugosi, en aquellos años reyes absolutos del terror, sobre todo por las producciones de la Universal. La misma supone uno de los films serios del todoterreno Arthur Lubin, especialista sobre todo en comedias, y en parodias que precisamente desmontaban mitos del terror. La premisa es de las que nos hacen frotar las manos, y que parece una reescritura del mito de Frankenstein con Jekyll y Mr. Hyde, sin llegar a desarrollarla por completo. Años más tarde, Terence Fisher sí lo haría con material similar. Y hoy día, esta película sería perfecta para un remake a cargo de David Fincher, por ejemplo.

Karloff y Lugosi no comparten un solo plano en la película, y el primero es mucho más protagonista que el segundo, aquí con un poco sustancioso papel de gangster, que apenas sale quince minutos en toda la película —por cierto, de una duración de 70 ajustados minutos—. Lubin se revela como un director más dotado de lo que parecía en una filmografía tan extensa. Un film endiabladamente entretenido, con una historia que habría dado para hacer una completa genialidad, y un trabajo actoral de Stanley Ridges que borda la perfección, superando con creces a los míticos Karloff y Lugosi.

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‘Black Friday’ da comienzo con el doctor Sovac (Karloff), al que conducen hacia su destino: la silla eléctrica. Con un majestuoso travelling lateral, sin cortar plano y rompiendo a veces la cuarta pared, Lubin muestra el último paseo de un hombre condenado del que pronto conoceremos su historia y el por qué ha llegado a esa situación. Antes de pasar a la fatídica sala, entrega sus notas y cuadernos a un periodista, según el propio Sovac, el único que ha tratado su caso con respeto —no me imagino a día de hoy a los medios tratando un caso como el que aquí se muestra; bueno sí, y produce más terror que la película—. En lo que es un exagerado falseo de tiempo, periodista y espectador conoceremos la increíble historia de Sovac.

Ritmo trepidante y asombroso Stanley Ridges

El mejor amigo de Sovac, el profesor Kingsley muere accidentalmente, cuando es atropellado brutalmente en una persecución tras un robo. Sovac toma una drástica decisión ante la repentina muerte de su mejor amigo, implantar parte del cerebro del gángster que conducía en el cuerpo de Kingsley. De esta forma, un nuevo ser, a veces Kingsley, a veces un gangster llamado Red, domina un cuerpo que no entiende lo que le pasa, salvo cuando es el pérfido gangster que buscará venganza con sus excompañeros de robo, mientras Sovac planea hacerse con el dinero para seguir con sus investigaciones, que si ha llegado hasta el exitoso trasplante de cerebro, sabe Dios de lo que será capaz, detalle éste que ni se sugiere.

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En ese punto que te da la perspectiva del tiempo, e imaginando a directores como el citado Fincher manejando en su terreno una historia como ésta, nos queda disfrutar de la puesta en escena de un Lubin mucho más inspirado que otras veces —atención a la secuencia en la que Red va en busca del dinero escondido—, pero sobre todo de la portentosa interpretación de Stanley Ridges, que da vida a las dos personalidades, por un lado el educado y tranquilo profesor, experto en literatura, y por otro, un tipo duro, inteligente, y capaz de matar sin pestañear. Aunque también cambia la ropa que lleva puesta —detalle que más bien es una treta visual de cara al espectador—, a vece da la sensación de que se trata de dos actores completamente diferentes. Lo más llamativo es que Karloff era el elegido para este personaje, pero insistió en interpretar al doctor, que era para Bela Lugosi.

Secuencias como la del atropello, o los posteriores asesinatos, a cada cual más cruel, revelan a Lubin como un director más atrevido de lo que parecía. Por supuesto, el material que posee aquí —obra y gracia de Curt Siodmak y Eric Taylor— es especialmente suculento y aprovechable, aunque determinados aspectos sólo son tocados tangencialmente, en beneficio de un ritmo trepidante que nunca decae. El destino que surge el personaje de Lugosi, prácticamente en off, son el mejor momento interpretativo del actor, especialista en gritos aterradores. Cuentan las crónicas que Lugosi se sometió a hipnosis para dicha secuencia, con la intención de hacerla más terrorífica. Cierto o no, lo consiguió.

‘Black Friday’ se conoce también en nuestro país con el título de ‘Viernes 13’; afortunadamente nada tiene que ver con el bodrio de Sean S. Cunningham.

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