Famoso por su papel de Maurice Moss en la desternillante serie ‘Los informáticos’ (‘The IT Crowd’), el inglés Richard Ayoade tiene entre manos su segundo trabajo como director. Después de la peculiar ‘Submarine’ (la vi en Berlín el año pasado y me gustó, recuerda al cine de Wes Anderson), Ayoade está preparando ‘The Double’, su personal visión de la novela ‘El doble’ de Fiódor Dostoievski. Y ya cuenta con los dos primeros nombres del reparto, Mia Wasikowska y Jesse Eisenberg. Ponemos al proyecto la etiqueta de “interesante”, ¿no?

La novela de Dostoievski se publicó en 1846 y gira en torno a un hombre que comienza a perder la razón cuando cree que alguien idéntico a él amenaza con suplantar su identidad. Eisenberg será el (doble) protagonista y Wasikowska una joven que intenta ayudarle. Avi Korine y Ayoade se encargan del guion y el segundo podría quedarse con algún papel de escasa relevancia. Sin una quinta temporada de ‘Los informáticos’ en el horizonte (aunque parece que cabe la opción de un especial navideño) solo podremos verle como actor en la comedia ‘Neighborhood Watch’, donde comparte protagonismo con Ben Stiller, Vince Vaughn y Jonah Hill; Beatriz nos informó sobre el rodaje el verano pasado, se estrena el 27 de julio. De momento no se ha comunicado una fecha de estreno para ‘The Double’.

PD: Wasikowska ha intervenido en dos películas que se encuentran en fase de post-producción: ‘Stoker’ de Park Chan-wook y ‘Wettest County’ de John Hillcoat.

Vía | ComingSoon

El actor Ben Gazzara ha fallecido en Manhattan este pasado viernes a causa de un cáncer de páncreas. Tenía 81 años.

La carrera de Gazzara, uno de los primeros actores indies antes de que el término se hiciese famoso, se dividió entre el teatro, el cine y la televisión. En teatro alcanzó la fama interpretando en Broadway la famosa obra de Tennesse Williams ‘La gata sobre el tejado de zinc’; siempre amó el arte sobre el escenario y reconoció que se perdió el haber interpretado en cine muchos papeles suculentos que le ofrecieron y rechazó, algo de lo que se arrepintió siempre.

En cine se estrenó en la espléndida ‘Anatomía de un asesinato’ (‘Anatomy of a Murder, Otto Preminger, 1959), demostrando lo que durante los años siguientes pudimos ver, que era un actor de carácter fuerte con intensa personalidad, capaz de dar vida a personajes encantadores y también a villanos sin escrúpulos. Si tuviera que destacar algo de sus interpretaciones, me quedaría sin duda con su penetrante mirada, magnética como pocas. Casi siempre en papeles de secundario, algunas de las películas más importantes de su filmografía fueron ‘Husbands’ (1970), de John Cassavetes, al que estuvo unido por una fuerte amistad, ‘Saint Jack, el rey de Singapur’ (‘Saint jack’, Peter Bogdanovich, 1979), ‘Todos rieron’ (‘They All Laughed’, Peter Bogdanovich, 1981) —en la que trabajó con Audrey Hepburn, con quien llegó a vivir un romance—, ‘De profesión: duro’ (‘Road House’, Rowdy Herrington, 1989), ‘El gran Lebowski’ (‘The Big Lebowski’, Joel Coen, 1998), ‘Happinesss’ (id, Todd Solondz, 1998) o ‘Dogville’ (id, Lars Von Trier, 2003). Recibió el premio Donostia en el 2005, y trabajó hasta el fin de sus días.

Hasta siempre Ben.

Vía | IMDb

España tiene el honor de ser el país de origen (aunque está realizada en régimen de coproducción con Rusia) de una de las películas que más ha dado de hablar en Internet en los últimos tiempos. Su título es ‘El Cosmonauta’, y nos cuenta la historia de la desaparición en el espacio del primer astronauta ruso en la luna. Él, sin embargo, a través de fantasmales mensajes de radio, clama haber vuelto a la Tierra y haberla encontrado vacía. Su irreal presencia y su voz irán destruyendo poco a poco el mundo de sus seres queridos. Por si alguno de vosotros no conoce cuál es la particularidad detrás de esta película, os comento que ‘El Cosmonauta’ basa gran parte de su financiación en el crowfunding, es decir, que cualquiera podía convertirse en productor a través de una pequeña aportación económica, recibiendo a cambio una cantidad de los beneficios que se obtengan. Además, se utilizan licencias Creative Commons y será distribuida a través de internet, DVD, televisión y cine al mismo tiempo.

Nos encontramos ante un proyecto pionero en nuestro país y detrás de él encontramos a un montón de amantes del cine en la productora Riot Cinema Collective, pero entre todos ellos sobresale el nombre de Nicolás Alcalá, director y guionista de ‘El Cosmonauta’, siendo esta obra su debut en el cine. Nicolás ha tenido la gentileza de darnos una entrevista en la que comentar más aspectos sobre todo el trabajo que ha habido detrás de la dificultosa realización de ‘El Cosmonauta’.

• ¿Cuándo y de dónde surge la idea de hacer ‘El Cosmonauta‘?

Bruno (Teixidor, uno de los fundadores de Riot Cinema Collective) me envió un Mail contandome la historia de Ivan Stochniokov, el cosmonauta fantasma. Comencé a obsesionarme por las leyendas de cosmonautas desaparecidos y mas tarde por toda la carrera espacial soviética, casi desconocida pero fascinante. Poco a poco se configuró la historia del cortometraje que mas tarde seria El Cosmonauta (ya como largo). Hacerlo con crowdfunding (en aquel entonces había solo dos o tres proyectos en el mundo), creative commons, etc son cosas que estuvieron ahí desde el principio, poco a poco les hemos ido dando forma hasta llegar a The Plan 2, nuestra estrategia de distribución actual.

• ¿En qué momento decidisteis intentar conseguir también financiación, aunque sólo fuese parte de ella, por los métodos habituales?

Desde el inicio. Pero como un complemento. Nunca pretendimos financiar todo con crowdfunding (las estimaciones siempre fueron del 5%, aunque han acabado siendo del 60%, es decir, un exitazo). Siempre planteamos un modelo mixto de financiación tradicional (no subvención a proyecto, pero sí preventas, inversión privada y marcas) y crowdfunding.

• ¿Y cuántas personas individuales han aportado su granito de arena por pequeño que haya sido? ¿Hay algún inversor que se viniera atrás en su promesa?

Más de 3500 productores y más de 650 inversores. Más los más de 50 personas del equipo que han ayudado en mayor o menor medida a hacer esto realidad. El único inversor que no ha cumplido su promesa hasta ahora ha sido Alisa Green, nuestra ex co-productora, que falló en ingresar 120.000€ a una semana del rodaje, poniendo en riesgo más de 3 años de trabajo. Por suerte, el problema económico se resolvió.

• ¿Y cómo conseguisteis solucionarlo teniendo tan poco tiempo para ello y siendo una suma tan elevada?

Hicimos un video contando qué había pasado y diciendo que no íbamos a parar hasta conseguirlo (con dinero o sin él). Y abrimos una campaña para conseguir el dinero en un mes, mediante inversiones de 100€ o más. En 72 horas habíamos conseguido 120.000€, batiendo todos los records mundiales de crowdfunding en una cantidad de tiempo tan pequeña. Al final hemos conseguido casi 300.000€ para la película mediante crowdfunding, convirtiéndonos en uno de los 2 o 3 proyectos más exitosos del mundo. Fue absolutamente increíble. Es el poder que da tener una comunidad comprometida detrás. Están ahí para lo bueno y para lo malo. 

• ¿Cuál fue el punto en el que viste que ‘El Cosmonauta’ ya iba a ser seguro una realidad pese a los posibles dificultades que pudieran ir apareciendo?

Hace tres años, cuando decidimos hacer el proyecto. Jamás he dudado de que esto fuera a ser una realidad a pesar de las dificultades.

• ¿Habéis tenido que hacer algún cambio en el guión para no saliros del presupuesto?

Antes del rodaje tuve que reducir el guión en unas 30 secuencias, no tanto por una cuestión de presupuesto si no de tiempo (aunque al final son casi sinónimos). Nos salían 12 semanas de rodaje y tuvimos que reducirlo a 8, que aun así es un montón para una película independiente. Luego, como en todo rodaje, surgen imprevistos. Cuando, por ejemplo, nos denegaron desde roscosmos el permiso para rodar en Star City, donde entrenan los cosmonautas desde 1961 y que ya habíamos visitado varias veces, hubo que readaptar todas esas localizaciones a Letonia, donde estábamos rodando el resto de la peli.

• ¿Hay alguna de esas 30 secuencias que lamentes especialmente haber tenido que eliminar?

Las dos que transcurrían en la centrifugadora y la piscina de entrenamiento de Star City y que no pudimos rodar porque no nos dejaron rodar allí. ¡La burocracia rusa es imposible!

• ¿Ofrecisteis la posibilidad de aparecer en la película a alguna de las muchas personas que aportaron lo que pudieron para que la película saliera adelante?

No, no ofrecimos la oportunidad por dos motivos: 1- Teníamos unas fechas de rodaje casi imposibles y un equipo de producción reducido al mínimo. Habría sido una locura ponernos a coordinar algo así. 2- Principalmente, rodábamos en Letonia. Un poco complicado ya que la mayoría de nuestra comunidad es española.

• ¿Tenéis algún posible plan para una secuela si ese éxito se amplia cuando llegue su estreno o es una película completamente cerrada a posibles continuaciones?

Jajaja, yo he tenido suficientes cosmonautas por un tiempo. Empezaremos con otro proyecto que, confiamos, será tan bueno como este. Y creemos que si es un éxito la gente querrá seguirnos a nosotros por la manera en que hacemos las cosas.

• ¿Os está costando encontrar la distribución adecuada para cuando llegue su estreno dado lo novedoso de vuestra apuesta?

Mucho. Y no porque no estén interesados o porque no vean que va a ser un éxito y a llenar las salas, sino por la presión que ejercen unos y otros, ya que ven peligrar su modelo de negocio actual. Si El Cosmonauta se estrena sin ventanas de exhibición, el mismo día en todas las plataformas, gratis en internet, etc, y resulta ser un éxito… muchas cosas pueden cambiar. Evidentemente, no a todo el mundo le interesa. Pero nuestro propósito firme no es enfrentarnos a la industria tradicional sino tender lazos e intentar buscar consensos para demostrar que hay otra manera de hacer las cosas, pero hacerlo con la participación de esa industria. Abrirles puertas, opciones, darles ideas y construir juntos. Siempre ha sido uno de nuestros objetivos principales: encontrar un camino para los dos, no paralelo. Poco a poco creemos que irán entrando en razón y al final, si la película es buena como creemos que va a ser, encontrará su lugar en las televisiones y los cines, pero a nuestra manera.

• ¿Intentaréis hacer alguna presentación inicial en algún festival de cine o también hay muchas trabas por ahí?

Es la idea. Estrenar en un festival grande. Ahora mismo estamos con 3 en mente. Nos escribieron de Sundance super interesados (esto le pasa a una de cada mil pelis!) pero lo que les enviamos era un montaje muy muy en bruto y sin terminar. Esta misma semana vienen a verla desde la Berlinale, donde también se han mostrado súper interesados y también nos han ampliado el deadline en Sxsw, el que ahora mismo es el festival de cine independiente más importante, consolidándose incluso por delante de Sundance. Si nada de esto funciona, lo intentaremos con Cannes. Y una vez estrenada en un festival, haremos el estreno oficial un poquito después. De momento los festivales no nos han puesto trabas porque con ellos haremos el estreno en exclusiva, pero a la hora de presentarlo después a otros, una vez estrenada en internet, probablemente sí que nos pongan pegas.

• ¿Y los acuerdos para su estreno por otros canales están siendo complicados o ahí estáis encontrando mayores facilidades?

Televisiones son difíciles, pero nos han escuchado más. Estamos en charlas con un par, a ver qué sale. No pinta mal. Más tarde iremos a las internacionales, pero eso será cuando cerremos con un distribuidor internacional que sea capaz de moverlo (ya estamos en conversaciones con algunos de los mejores). Con VOD está siendo fácil. Casi todas las plataformas quieren tenerla. Ya veremos si le damos la exclusividad a alguna, pero lo dudo. Probablemente estará en todas, con diferentes contenidos y valor añadido en cada una de ellas. En dvd no hubo ningún problema. Hace más de año y medio que Cameo se comprometió a editar el dvd, incluso sin haber visto la película en un gesto de confianza por su parte, y ahora están encantados con la idea. Vamos a editar la peli no sólo en dvd y bluray si no también en USB. Va a ser la primera vez en España.

• ¿Vais a cuidar la edición en dvd y otros dispositivos físicos con el agregado de extras elaborados y extensos para fomentar su venta? ¿Y dedicaréis alguno de los extras a explicar el asunto del crowfunding y/o a las muchísimas personas que han aprotado su pequeño granito de arena económico?

Por supuesto. Toneladas. Además, pensamos editar un libro sobre El Cosmonauta que tendrá contenidos del transmedia relacionados con la película y una parte que será una crónica de cómo empezó esta aventura y las mil cosas que han pasado en estos tres años. Algo así como: “101 cosas que aprendimos con El Cosmonauta”.

• ¿Qué puede esperar la gente de ‘El Cosmonauta’?

Una historia de encuentros y desencuentros entre tres personajes que se ven rodeados por algunos de los acontecimientos más relevantes de la historia de la humanidad durante la carrera espacial. Poesía, algo de acción y ciencia ficción en una película que además tiene el plus de ser parte de la historia viva del cine.

Gustará a los cinéfilos y a tu madre.

Fotos de Miki Ávila

En esta vida hay muchas cosas que nos importan, pero la gran mayoría están muy lejos de ser imprescindibles. Puede ser el permitirnos el ir a cenar por ahí y no comer alguna porquería precocinada en casa, consegui comprar esa edición limitada tan chula de esa película que nos vuelve locos o el poder hacer un viaje por ahí de cuando en cuando. Hay infinitas posibilidades de cosas que hacen nuestras vidas más llevaderas, pero lo que no parece valorarse lo suficiente en la sociedad actual es la importancia de nuestros seres más queridos. Quizá sea que demos por sentado que van a estar siempre ahí y por ello tendemos a dejar ver nuestra cara más superficial, en la que el consumismo se ha asentado como nuestra forma de vida.

Los problemas llegan cuando algo malo le pasa a esa persona que tanto queremos. Puede que no sea nada grave y se recupere rápidamente, pero también que acabe muriéndose, y mejor no hablemos de la posibilidad añadida de que la última vez que hablaséis todo acabase en una discusión en la que poco menos que dejastéis de hablaros. Y es que ahí también damos por sentado que todo acabará volviendo a la normalidad, pero ¿y si el médico te comunica de forma segura que esa persona que amas va a morir?

Ese miedo elemental es el que toma como punto de partida ‘Los descendientes’, el esperado regreso de Alexander Payne tras no haber dirigido una película desde el estreno en 2004 de ‘Entre copas’. Y como habéis podido leer ha optado por volver con una historia que muy fácilmente podría haber optado por el camino fácil de intentar conseguir la lágrima fácil, alguna nominación al Oscar y una dosis extra de reconocimiento para George Clooney, es decir, una producción de corte más académico que le terminase de aupar entre los más grandes Hollywood. ¿Es eso lo que ha sucedido? Para nada.

Payne explora tres elementos esenciales en ‘Los descendientes’: La reconciliación, el perdón (o la redención, depende del papel que queramos adoptar como epicentro) y la muerte. Y es que, como ya decía, puede que nuestra relación con el ser querido no pase por su mejor momento, que pensemos que la culpa es nuestra y que recemos aunque ni siquiera creamos realmente en la existencia de un Dios para que éste mitigue nuestro dolor y nos devuelva a esa persona que está a punto de llevarse. Sin embargo, Payne no quiere cargar las tintas ni sobre la figura del marido ausente que representa Clooney, ni tampoco condenar de forma taxativa al responsable de que su esposa se encuentre en una posición tan delicada. Y no lo hace porque prefiere apostar por un giro de tuerca peligroso: ¿Y si la víctima no es esa gran persona que, en caso de morir, todos dirán que era genial y que siempre saludaba? Ahí surge la segunda capa del relato, porque Clooney ha de buscar la redención personal al mismo tiempo que ha de encontrar la forma de perdonar a su esposa. ¿Estar en la posición en la que está ella facilita las cosas? No necesariamente.

Si hay algo que necesitáis tener claro es que Clooney es el Dios de ‘Los descendientes’, y si hay algo esencial que la película debe conseguir es crear un estrecho lazo de empatía entre lo que hace y piensa y el imperativo de que el espectador vea algo que le interese. No creo que haya nadie tan desalmado como para ser incapaz de identificarse con alguien en su situación, pero el problema es saber desarrollarlo y que uno acabe queriendo a Clooney, comprendiendo sus fragilidades y aceptando sus errores. A fin de cuentas, el desenlace de cierta estupenda película acertaba al decir que nadie es perfecto. ¿Consigue Clooney salir airoso de este envite? Si hay algo que roza la perfección en la película es su actuación. Es cierto que no luce tanto al estar basada en la contención, en la necesidad de no venirse abajo ante el maremágnum de dificultades a las que se enfrenta (el secreto de su mujer, la autoconsciencia de ser un mal marido y un pésimo padre, etc.), pero también cuenta con su momento de lucimiento personal en el final de ‘Los descendientes’. Si hubiese justicia en el mundo, el Oscar a mejor actor ya tendría dueño.

Eso sí, un Dios por sí solo es insuficiente para sostener una película que merezca ser recordada, y es aquí donde aparece una selección de actores extraordinaria. ¿Cuál es el problema habitual en las películas con niño y/o adolescente rebelde? Exacto, que resulten cargantes y uno esté deseando que desaparezcan de escena, pero Payne ha obrado el milagro de evitarlo por completo con la contratación de Shailene Woodley y Amara Miller para dar vida a las hijas de Clooney. La primera, únicamente conocida por esa absurda teleserie que es ‘Vida secreta de una adolescente’, transmite rebeldía a la vez que comprensión, ya que tampoco se encuentra en una situación muy de su agrado. Su primera aparición hace presagiar algo diferente, pero no os dejéis fiar por las apariencias. Y es que si hay un personaje con un gran peligro potencial de destruir la película es el aparente bobalicón que interpreta Nick Krause, ya que el trazo grueso que se utiliza para introducirle da muy mala espina. Otro error el desconfiar de Payne en esto, ya que eso es algo que reconduce a las mil maravillas. Por su parte, la inocencia evolucionada de Miller ayuda a que un personaje que roza el parecer irreal nos resulte próximo. A todos nos gustaría que en una situación tan delicada (su madre se muere) se opte por intentar no destrozar nuestra existencia aunque sea a costa de varias mentiras.

Sin embargo, sí que hay un eslabón débil en ‘Los descendientes’, y es el intento de Payne de trasladar esos sentimientos humanos a la relación del protagonista con la isla en la que vive (atención al detalle no deseado que traerá ‘Dragon Ball’ a la mente de muchos). Soy consciente de que está desarrollado con cierto gusto para que la evolución personal de Clooney esté íntimamente relacionada con la decisión que ha de tomar sobre vender una inmensa parcela que su familia posee, siendo él la persona que decide sobre su venta. También veo cierta inteligencia en la forma de introducir a un personaje esencial en la trama personal a través de esto (un Matthew Lillard al que daba por perdido para el cine, pero aquí encuentra su redención profesional), pero es previsible, y me refiero a previsible no como algo que moleste porque sepa lo que va a suceder al final (eso también sucede con la trama humana), sino porque todos los pasos que se van dando en esa dirección se ven venir de lejos, siendo un poco tramposo el giro que causa la forma de cerrarlo. ¿Es algo tan molesto que destroce la película? Mentiría si dijese que es así, pero sí que impide a la película alcanzar un nivel final de brillantez que sí tiene en otros aspectos. Una pena.

En definitiva, ‘Los descendientes’ es una estupenda demostración del talento de Alexander Payne para lidiar con temas trascendentales sin perder la cercanía con el espectador, ni rebajándose a excesos dramáticos tan propios de cintas de este estilo. Además, el barniz de comedia que tiene ‘Los descendientes’ la convierte en una producción muy llevadera, en la cual Clooney da el do de pecho ante el reto que se le presenta y nos ofrece la que seguramente sea la mejor actuación de toda su carrera. ¿Es perfecta ‘Los descendientes’? No, pero sus pequeños defectos la convierten en tan humana como la historia que nos cuenta. Ojalá lleguen muchas más películas de este nivel a lo largo de este 2012.

PD: He tenido que tirar una moneda al aire para decidir si poner cuatro estrellas o cuatro y media.

Ya tenemos con nosotros al 2012, un año que espero que sea mejor que el anterior para todos nosotros, no porque haya sido particularmente malo (al menos no en mi caso), sino porque siempre hay que aspirar a ir a mejor. Sin embargo, esta es una página en la que hablar sobre cine y ya va siendo hora de hacer una valoración de todas esas películas que se estrenaron en España a lo largo de 2011. Eso sí, ante todo espero evitar una polémica como la surgida el último día del año pasado con el post en el que os invitaba a elegir cuál os parecía que había sido la peor película de 2011, así que he optado por empezar el año hablándoos de las que considero que son las mejores películas de 2011.

Obviamente, os encontráis ante una selección personal e intransferible, ya que no creo que mi palabra sea ley y éstas sean las diez mejores películas de 2011 de forma irrefutable. Eso sí, lo que tengo claro es que 2011 ha sido un año en el que ninguna película haya logrado apasionarme tanto como títulos de años previos, ya que ni siquiera la que consigue alzarse con el primer puesto no logra llegar a una valoración individual de sobresaliente. No por ello me parece que 2011 haya sido un mal año para el cine, pero sí que es cierto que al final lo que realmente perdura es lo que amas u odias de forma apasionada.

Sé que es un poco trampa hacer esta mención, pero ya que pongo yo los límites del post aprovecho para deciros simplemente los títulos que formarían parte de mi segundo top 10 del año (vamos, del puesto 11 al 20 de mi particular ranking de 2011): La boda de mi mejor amiga, El origen del planeta de los simios, Mientras duermes, Un dios salvaje, Drive, 127 horas, X-Men: Primera generación, Super 8, Red y Midnight in Paris. Ahora os invito a conocer las que yo considero que son las diez mejores películas de 2011.

10. ‘Primos’

‘Primos’ es un ejemplo de película española que hecha hace un tiempo hubiese dejado un balance desastroso. Eso sí, hubiésemos tenido muchos desnudos femeninos (algo queda de eso tal y como podéis ver en la imagen) y una cantidad de chistes de mal gusto que rebasaría holgadamente los límites de lo políticamente correcto. Afortunadamente, eso no sucede en el caso de ‘Primos’, ya que Daniel Sánchez Arévalo crea una película donde lo que predomina es intentar dejar con buen cuerpo al espectador. Quizá haya quien le acuse de venderse a lo comercial o quien crea que sus ideas se están agotando, pero ‘Primos’ es el tipo de comedia que debería hacerse en nuestro país: Entretenida, cercana, entrañable y con un buen trabajo del reparto, en especial un Raúl Arévalo que está excelso.

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‘Primos’, comedia veraniega

‘Primos’, o cómo salvar un guión penoso

9. ‘Rango’

2011 no ha sido un año especialmente para el cine de animación, ya que ni siquiera Pixar, que suele ser una apuesta segura de genialidad, ha estado a la altura de lo que pudimos ver en años anteriores. Y es que es cierto que han llegado títulos como la alabada ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’, pero yo no me encuentro entre los amantes del penúltimo trabajo de Spielberg y disfruté mucho más con ‘Rango’, el arriesgado homenaje animado que Gore Verbinski ha hecho al spaghetti western. Una prodigiosa animación que realmente te transmitía la sensación de estar en un paraje desértico, un protagonista carismático (un acierto la elección de Johnny Depp para ponerle voz), personajes secundarios con buenos diseños, y una historia sencilla (y con quizá algún tópico de más), pero bien desarrollada y en la que no faltan situaciones más pensadas para el público adulto forman parte de la carta de presentación de esta muy recomendable película.

Crítica en Blogdecine:

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8. ‘Misión Imposible – Protocolo Fantasma’ (‘Mission Impossible: Ghost Protocol’)

Hace ya unas semanas que os hablé de la cuarta entrega de la saga ‘Misión Imposible’ y os comenté que me había parecido la mejor de todas. Seguro que muchos pensaron que, al ser un mero blockbuster, con eso no le daría para entrar en esta lista, pero se equivocaban. Una de las grandes virtudes que tiene el cine es su capacidad para evadirnos de la realidad y ofrecernos entretenimiento durante un par de horas, y esa es la gran virtud de ‘Misión Imposible – Protocolo Fantasma’. Sé que hay gente con otras aspiraciones a la hora de ver una película, pero veo ilógico restar méritos a una película consciente de ser menor, pero que explota sus virtudes al máximo: Brad Bird, aunque algo impersonal, demuestra saber rodar de maravilla las escenas de acción y la historia tiene suficiente interés para unos personajes que oscilan entre el derroche de carisma de Tom Cruise y la evidente efictividad de los demás. ¿Le falta profundidad? Sin duda, pero nadie debería restringir el tipo de películas que puede disfrutar y ‘Misión Imposible – Protocolo Fantasma’ es el mejor divertimento que nos han dado las majors hollywoodienses en 2011.

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7. ‘El topo’ (‘Tinker, tailor, soldier, spy’)

De ‘El topo’ también os hablé largo y tendido hace unos días explicando mis motivos para estar encantado con esta película que recupera al mejor Gary Oldman. La cinta es una acertada combinación de la frialdad que ya había demostrado su director en ‘Déjame entrar’ con un suspense que evita las grandilocuencias, pero consigue escenas estupendas como en la que Benedict Cumberbatch tiene que robar unos documentos. Además, todos los actores bordan sus papeles y la película, si bien descuida un tanto la empatía con el espectador (aunque creo que la trama protagonizada por Tom Hardy lo compensa), la historia tiene suficiente interés para que un gran reparto y un cuidado trabajo de puesta en escena la eleven como una de las mejores películas del año.

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6. ‘La piel que habito’

Nunca he sido uno de esos seguidores incondicionales del cine de Pedro Almodóvar, pero tampoco de esas personas que odian con pasión su cine. No, yo siempre me he ubicado en un termino medio que me hacía disfrutar mucho con ‘Todo sobre mi madre’ y despreciar completamente ‘Matador’, quizá la película del realizador manchego con la que más puntos en común tiene ‘La piel que habito’. Sin embargo, Almodóvar ha hecho esta vez una película fascinante que respeta ciertos aspectos recurrentes de su vida a la vez que es un salto al vacío sin red. ‘La piel que habito’ es una película enfermiza pero apasionante que puede verse como una especie de entrenamiento de Almodóvar antes de rodar su primera película en inglés, ya que también es su cinta con una menor presencia de la españolidad en la misma. Además, el trabajo de los actores brilla sobremanera, aunque es una pena que un intérprete de tanto talento como Eduard Fernández tenga que ocuparse de un papel tan minúsculo. Por cierto, aquí podéis conseguir un pequeño audio en el que el propio Almodóvar realiza una breve presentación de la película.

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5. ‘Win Win (Ganamos todos)’ (‘Win Win’)

Todos los años nos llegan un montón de películas americanas cuyo nivel promedio suele oscilar entre el suspenso alto y el notable bajo, pero siempre suele haber uno o dos títulos que destacan de forma especialmente positiva. Luego se da el caso de que no siempre existe unanimidad respecto a las películas que más llaman la atención, pero en mi caso no tengo problemas en decir que ‘Win Win (Ganamos todos)’ es la mejor película independiente americana de 2011. Su mensaje es igual de manipulador que en la mayoría de estos casos, pero esa cinta que transmite bienestar y te permite reconciliarte con la vida. Además, todos los actores, destacando (como suele ser habitual) Paul Giamatti, están estupendos en personajes que transmiten humanidad y no la falsedad pretendidamente realista con la que uno suele encontrarse en casos así. El guión de Thomas McCarthy es otro de los puntos fuertes de la función (sólo flojea un poco en el tramo final), aunque he de reconocer que ciñéndonos a su labor de puesta en escena ‘Win Win (Ganamos todos)’ es la propuesta menos interesante de su carrera.

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‘Win Win (Ganamos todos)’, los combates cotidianos

4. ‘No controles’

‘No controles’ es un ejemplo perfecto de que estar en sintonía con un tipo de humor te puede hacer amar una película y recomendársela a todos tus amigos o querer defenestrarla y matar a todos los responsables. En mi caso, me encanta el tipo de humor que Borja Cobeaga imprime a sus películas, y si bien ‘Pagafantas’ era una apuesta más arriesgada y con mayor potencial (el tramo final estropeaba un poco la película), ‘No controles’ es una película más redonda y madura. Además, Juan Carlitros (sublime Julián López) quizá sea el mejor personaje del año, pero lo que es seguro es que es el más gracioso. Por su parte, la trama sentimental que vertebra la historia logró que me importase lo que les pasase a los dos protagonistas, y no faltaron otros alicientes como un Secun de la Rosa que jamás me había hecho tanta gracia como su personaje en ‘No controles’ (grandiosa la escena de los ladrillos) o que hasta disfrutase con la presencia de Miguel Ángel Muñoz, un actor por el que no siento especial simpatía.

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‘No controles’, amor y humor en un cóctel mal mezclado

3. ‘Valor de ley’ (‘True grit’)

No deja de ser una pena tener que incluir a ‘Valor de ley’ en la lista de mejores películas de 2011 cuando es una película del 2010 que compitió por los Oscars para películas de ese año. Sin embargo, en España se estreno en el 2011 y me es imposible no mencionar una película tan brillante como la que realizaron Joel y Ethan Coen. Creo que incluso los que no terminaron muy entusiasmados con la película alabaron el nivel técnico de la misma, ya que a nivel de ambientación, vestuario, puesta en escena y otros aspectos es una obra prácticamente impecable. Y esa solidez también se replica en el trabajo de los actores, con la agradable sorpresa de Hailee Steinfeld (no suelo ser muy fan de los niños actores), la gran revelación de la película. Quizá le faltase algo de riesgo a la hora de desarrollar la historia y, a nivel personal, el epílogo no me termina de convencer, pero ‘Valor de ley’ es un notable ejemplo de película interesante, consistente y muy bien hecha.

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Berlinale 2011: ‘Valor de ley’ (‘True Grit’), grandiosa aventura

‘Valor de ley’ (‘True Grit’), rehaciendo una adaptación

‘Valor de ley (True grit)’, realización brillante, pero carente de emociones

2. ‘Crazy, Stupid, Love’

El subgénero de las comedias románticas es el que más ha maltratado Hollywood junto al cine de acción, y es normal, ya que el amor es una constante en la gran mayoría de las películas. El problema viene cuando nos ofrecen un montón de películas que toman el pelo al espectador y únicamente sirven para calmar el monstruo interior que tienen algunas personas y que les hace necesitar ver productos de ese calibre. Sin embargo, de vez en cuando surgen pequeños oasis y Hollywood nos regala alguna comedia romántica bien hecha que renueva nuestra esperanza en este tipo de obras. ‘Crazy, Stupid, Love’ ha sido el pequeño milagro que nos ha llegado este 2011, y encima ha sido uno especialmente memorable. El segundo trabajo tras la cámara de Glenn Ficarra y John Requa consigue eso que parece tan fácil que es transmitir credibilidad, crear unos personajes que consigan la empatía del espectador (el estupendo trabajo de todo el reparto también ayuda mucho) y, sobre todo, conseguir el delicado equilibrio entre comedia y romanticismo que requería la historia. Hay quien ha criticado mucho el desenlace, pero no seré yo el que lo haga.

Críticas en Blogdecine:

‘Crazy, Stupid, Love’, la estúpida locura del amor

‘Crazy, Stupid, Love’, lo de siempre como nunca

1. ‘Secuestrados’

‘Secuestrados’ es una película contundente que busca provocar una determinada reacción el espectador. En su capacidad para conseguirlo reside que uno ame la película o pueda llegar a detestarla. Yo me sitúo entre los entusiasmados con el segundo largometraje de Miguel Ángel Vivas tras la muy discreta ‘Reflejos’. Es cierto que la situación que presenta dista mucho de ser original (las semejanzas a nivel argumental con ‘Funny games’ son notables, pero luego siguen caminos bien diferentes), pero el brillante resultado final compensa ese pequeño detalle. Brillante a nivel técnico (el uso de los planos secuencia es ejemplar y fomenta que el espectador se introduzca más en la historia al no haber cortes tramposos para crear suspense gratuito), con un muy buen trabajo de los actores (Manuela Vellés borda su papel, pero el resto no desmerece para nada con la salvedad del actor que interpreta a su novio, la única fragilidad de la función) y un clima in crescendo de suspense que me mantuvo pegado a la butaca. ¿Algo exagerado el desenlace? Pues sí, pero a mí no me molestó lo más mínimo.

Crítica en Blogdecine:

Sitges 2010 | ‘The Ward’ (John Carpenter) y ‘Secuestrados’ (Miguel Ángel Vivas)

¿Y cuáles creéis vosotros que son las diez mejores películas estrenadas en 2011? ¿Se da la tremenda casualidad de que alguno de vosotros tenga, aunque sea en posiciones diferentes, las mismas películas que yo en su lista?

PD: Como llevo poco tiempo colaborando con Blogdecine hay muchas películas de la lista que no he podido comentar de forma más extensa, así que he elegido una (no diré cual por aquello de la sorpresa) para volver a verla con tal fin. Sin embargo, si veo que tenéis especial interés en que comente otra de la lista, no tendré problemas en cambiar de película a comentar o escribir sobre ambas.

Creo que en el tiempo que llevo escribiendo en Blogdecine ha quedado claro que no soy una de esas personas (demasiadas) que desprecia el cine español y aprovecha cualquier ocasión para arremeter las películas que se hacen en nuestro país. Tampoco es que sea uno de esos pocos que se dedican a alabar todo lo que se haga en España y considere salvables películas bochornosas. Recuerdo que hace unos años era la sensación que me quedaba al leer a ciertos críticos nacionales, como pareciendo que quedaba mal criticar el cine español y nunca veía valoraciones por debajo de las tres estrellas aunque luego en la parte escrita nunca me quedase demasiado claro qué es lo que les había gustado. Estos dos tipos de acciones unidas a algunas decisiones absurdas que hay cada año en las nominaciones de los Goya y toda la polémica con el tema de las subvenciones hacen un flaco favor al cine español, pero lo cierto es que eso no tiene nada que ver en qué las películas sean buenas o malas.

No tengo ningún problema en confesar que Álex de la Iglesia es uno de mis directores nacionales favoritos, llegando a ser uno de los dos o tres predilectos si nos ceñimos al cine contemporáneo. ¿Quiere eso decir que todo lo que haga me parezca una genialidad? Ni mucho menos, ya que ‘Los crímenes de Oxford’ fue una decepción tremenda, y aparte. su película más conseguida (la injustamente menospreciada ‘Muertos de risa’) es estupenda, pero tampoco llega a ser una cinta realmente brillante. ¿A dónde voy con esto? Pues a que mañana se estrena ‘La chispa de la vida’, su primera película desde su muy comentada dimisión como presidente de la Academia de cine español, pero también la que más dudas me despertaba sobre su resultado final antes de verla de toda su carrera. Sin embargo, uno ha de enfrentarse a una película intentando ser lo más impacial posible y que ésta justifique por sí misma si merece la pena o no, así que adopté esa postura antes de entrar a verla.

El gran precedente y las diferencias entre ambas

Vais a leer en una infinidad de sitios esta referencia, pero no por previsible voy a dejar de decir que ‘El gran carnaval’ de Billy Wilder es el modelo a seguir que toma ‘La chispa de la vida’. En ambas se produce un desafortunado accidente que deja a un hombre al borde de la muerte, pero hay alguien que, interesado en explotar el interés de los medios y del público por una historia tan morbosa, hace todo lo posible por demorar el rescate de la víctima. Sin embargo, hay algo que da vida propia a la película de Álex de la Iglesia, y es que el personaje que intenta aprovecharse de la tragedia es la propia víctima, lo cual otorga a ‘La chispa de la vida’ una perspectiva bien diferenciada de la obra maestra de Wilder. Eso no quiere decir que el guión de Randy Feldman, que también escribió el libreto de ‘Tango y Cash’, no evite varios lugares comunes con la otra película, ya que no falta la carga crítica contra los medios de comunicación (el Rumore Rumore de la película bien podría ser una mezcla de ‘Sálvame’ y ‘La Noria’), ni tampoco personajes que caen abiertamente en lo odioso en su intento de obtener un beneficio económico.

Es obvio que la parte colateral de la historia iba a guardar necesariamente varios puntos en común con su ejemplo a seguir, pero el eje que vertebra la historia es la tragedia personal de Roberto, un publicista en paro que atraviesa por una pésima racha, y al que se le acaban las opciones para evitar la ruina. El gran acierto de ‘La chispa de la vida’ es que sea él quien vea la necesidad de aprovecharse de la situación por la que pasa, teniendo esto la credibilidad añadida de ser alguien que trabajaba en algo en lo que debía tener en cuenta ese aspecto de las cosas. Y es que la base de la película no es criticar el morbo de los medios de comunicación y de la gente, sino el pequeño drama personal por el que pasa su protagonista. De ahí surgen los aspectos más poderosos de la película, pero también alguna de sus debilidades, ya que la verosimilitud de la historia se le escapa de las manos a Feldman en su tramo final, donde prefiere apostar por un positivismo que no encaja demasiado bien con la parte más cínica de lo que nos estaba contando. También hay cierto peaje a pagar en el primer acto de la película, donde le cuesta unos minutos que el espectador realmente llegue a sentir empatía por el protagonista.

Ojo, es muy fácil relacionar ‘La chispa de la vida’ con el problema actual del paro en España, y en su tráiler es algo en lo que inciden bastante, pero una vez vista la película hay que aclarar que ese es otro de los aspectos colaterales de la historia. Sí que sirve como punto de partida para que el protagonista tome la decisión de hacer negocio con su historia, pero, aunque sin llegar a los muy alarmantes niveles actuales, paro es algo que siempre ha habido en España, y, por desgracia, nunca faltarán pequeños dramas individuales. Además, el hecho de que el guionista sea americano refuerza mi hipótesis, ya que seguramente escribiría el guión hace cierto tiempo, pero sin encontrar la financiación para poder hacerla en su país. Vamos, un caso similar a lo sucedido con la estupenda ‘Buried (Enterrado)’.

No sé si será una decisión premeditada o serían simples imaginacones mías mientras veía la película, pero uno de los aspectos que más me gustó de ‘La chispa de la vida’ es el uso del color, ya que parece que Álex de la Iglesia haya optado por colores más apagados para que los planos de la víctima sean los que transmitan una mayor calidez, sobre todo por los luces que tiene a su alrededor. Lo dicho, quizá sea cosa mía, pero por lo demás veía que se evitaban los colores más vivos, quizá por el dramatismo de lo que se nos está contando, quizá por lo que yo apunto. Además, el director sabe manejar la historia y no caer en el uso innecesario de planos rebuscados cuando la historia no lo requería. Y es que no, en ‘La chispa de la vida’ no veréis virguerías con la cámara, pero sí un director suficientemente equidistante pero trabajada para no transmitir sensación de aburrimiento, controlar el elemento dramático de la historia (grandes aciertos la mayoría de apuntes cómicos que van surgiendo aquí y allá sin caer en la tentación de que corran a cargo de José Mota) y manejar un reparto que a priori despertaba ciertas dudas entre el respetable.

El reparto de ‘La chispa de la vida’

Mi gran temor con ‘La chispa de la vida’ era que la presencia del humorista José Mota sabotease la película, y es que me costaba creer que pudiera despojarse de su faceta de cómica y tener la credibilidad suficiente para un personaje eminentemente dramático. ¿Y qué es lo que ha pasado? Pues que me equivocaba. Sí es cierto que hasta que tiene el accidente hay varias situaciones en las que parece que estemos viendo al cómico intentando hacer un papel serio, pero eso es algo que pronto desaparece y vemos una buena actuación (ojo, buena, no memorable) intentando ser una persona normal en una circunstancia extraordinaria. ¿Merecedor del Goya al que está nominado? Pues ahora ya no veo descabellado ni absurdo que lo ganase. También tenía mis dudas con respecto a Salma Hayek y su interpretación de una esposa corriente. De nuevo, ciertas dificultades al principio, pero luego salva con solvencia su cometido de encargarse de representar a la integridad dentro del circo que se sucede alrededor de su marido.

Una de las cosas que más llamarán la atención de los espectadores que tengan cierto cariño hacia el cine español es que en ‘La chispa de la vida’ encontrará en aparaciones más o menos extensas a una multitud de rostros conocidos. No seré yo el que se dedique a destripar esas apariciones (aunque muchas de ellas ya sean vox populi), pero sí conviene destacar la presencia de Fernando Tejero como un despreciable amoral, que sería el personaje que más se acercaría al que interpretaba Kirk Douglas en ‘El gran carnaval’, al cual da vida de forma harto convincente. El otro que quiero mencionar es Eduardo Casanova (uno de los protagonistas de la serie ‘Aida’), pero en este caso para mal, ya que su actuación no cuadra demasiado con el look que tiene su personaje. Quizá sea algo deliberado con fines cómicos, pero no termina de funcionar demasiado bien.

En definitiva, ‘La chispa de la vida’ es una interesante (aunque muy inferior) variante de ‘El gran carnaval’, en la que el dramatismo de la situación del protagonista se alza sobre el cinismo de todo lo que le rodea. No faltan pequeños problemas (tarda un poco en arrancar y la credibilidad decae sobremanera hacia el final), pero las virtudes de ‘La chispa de la vida’ son suficientes para poder decir que nos encontramos ante una buena película, algo que su campaña promocional no está terminando de hacer creer a los espectadores potenciales. Ya he comentado que está lejos de ser perfectapero espero que no salte nadie diciendo cine español caca, porque no es el caso.

PD: La valoración estaría a mitad de camino entre las tres y las tres estrellas y media.

Andamos repitiendo sin cesar que ‘Psicosis’ ha cumplido medio siglo y algunos nos acabamos de dar cuenta de que la que ganó el Oscar aquel año, ‘El apartamento’, también los cumple (como ‘El sargento negro’ (Sergeant Rutledge) de John Ford, por cierto). No hacen mala pareja, en absoluto. Ambos son filmes en blanco y negro en una época en la que ya no era muy comercial ni muy viable llevar a cabo producciones que no fueran en color, y ambos fueron grandiosos éxitos de sus directores. Además, resulta inimaginable cualquiera de los dos en color, pues gran parte de su misterio, de su densidad conceptual, se la deben a su infinita gama de grises.

Billy Wilder hacía con ella su película número diecisiete, como director, y alcanzaba probablemente la cima de su talento creativo con ella. Tras una fructífera década de los 50, en la que supo entregar excelentes comedias como ‘Con faldas y a lo loco’ (‘Some Like it Hot’) y ‘La tentación vive arriba’ (‘The Seven Year Itch’), y no menos excelentes dramas o tragedias como ‘El gran carnaval’ y ‘Sunset Blvd.’, cambiaba de década con una tragicomedia esencial, que cristalizaba lo mejor de su estilo y el largo aprendizaje de las tres anteriores décadas, para obtener como resultado una hermosa y emocionante obra maestra.

Segunda colaboración con Jack Lemmon, tras ese divertimento irresistible de ‘Con faldas y a lo loco’, donde disfrutaba un papel más secundario que Tony Curtis, pero que le valió para que Wilder terminase por rendirse a su enorme genio interpretativo y le considerara el actor más completo que jamás había conocido. Lemmon es el protagonista absoluto de esta historia tan resbaladiza moralmente y tan impredecible y bien escrita, pues probablemente sea el guión más perfecto que jamás escribió Wilder (con o sin I.A.L Diamond de co-guionista), el mejor y más profusamente elaborado, el más ingenioso y complejo de todos ellos.

Y eso es decir mucho para uno de los más perfectos guionistas comerciales que han existido (o existirán) jamás en Hollywood. Wilder se entrega sin concesiones a contarnos la vida (y las miserias, muchas) de un pringado cuya única oportunidad para medrar es convertirse en un arribista sin escrúpulos y prestar su apartamento a los jefazos grimosos de la oficina (una buena colección de caraduras) para que se lleven allí a sus ligues y no tengan que pagar un hotel. El argumento se le ocurrió a Wilder, según cuenta, después de ver la maravillosa ‘Breve encuentro’ de David Lean, en la que sucedía algo parecido en una secuencia con un amigo del protagonista.

Así, Wilder indaga con precisión abrumadora un ambiente de oficinas no muy lejano (geográfica ni conceptualmente) al de la estupenda serie ‘Mad Men’. A algunos puede parecerle un misántropo o un cínico, pero Wilder en el fondo era un romántico que no tenía miedo de mostrar el machismo, el victimismo, la soledad de una sociedad insana, demente, perdida, huérfana. No sabemos si admirar o despreciar a Baxter, porque no sabemos si despreciarnos o amarnos a nosotros mismos, tan imperfectos e incoherentes como somos, y Baxter no es más que un espejo de nosotros mismos.

Hay varios momentos magistrales que dejan una huella imborrable en el espectador. A bote pronto se me ocurre la genial revelación del espejo roto, o el juego diegético con la música jazz que otorga un ritmo diferente a la secuencia, hasta que Baxter apaga el tocadiscos. Sin reparos, con el corazón roto, Wilder le echará redaños encuadrando de lejos a Baxter solo en el banco de un parque nocturno, o esperando a la persona amada en la puerta de un teatro, cuando sabemos que nunca llegará. Muchos le acusaron de sentimental, y puede que lo sea, pero es capaz de mirar a la miseria humana con ojos despojados de todo manierismo formal, algo a la altura de muy pocos.

El estilo consistente en no mostrar el estilo (aprendido de sus amigos directores del cine de los 30 y 40) alcanza aquí cotas casi espeluznantes. La cámara de Wilder parece sobria, humilde y serena, aunque lo que está hablando de mezquindad, de emociones fuertes, de desesperación. Les pasa el testigo a los actores, y es imposible no enamorarse de la mártir Shirley MacLaine, cuyo personaje posee un alma que parece eternamente puesta a secar. Wilder y su excelente fotógrafo Joseph LaShelle encuadran sin divismos de autor, sabiendo que debajo de una imagen aparente hay siempre multitud de detalles que el ojo no ve, pero que se sienten como verdades.

La película fue recibida con división de opiniones (pensemos en la puritana época en la que fue estrenada) en Estados Unidos, y algunos llegaron a considerarla repugnante, entre otros calificativos parecidos. No impidió su gran éxito, ni su creciente leyenda. Hoy, medio siglo después de ser parida, se mantiene más joven que nunca. La verdad y el dolor que residen en ella permanecen intactos, incluso más vigorosos que nunca. Es lo que sucede con las obras de arte.

Otras críticas en Blogdecine

• ‘El apartamento’, el espejo roto

Con el estreno de ‘El topo’ podemos decir que la temporada de películas oscarizables en España ha dado comienzo. Hace un par de días os dejé la lista de las 265 producciones que podrían estar entre las diez nominadas al premio de mejor película, pero está claro que apenas 20 de ellas tienen posibilidades reales de lograrlo. Una de las que suena con más fuerza es ‘El topo’, una adaptación de una novela de espionaje escrita por John le Carré que ha sido recibida con entusiasmo allí donde se ha estrenado hasta la fecha. Sin embargo, no sé si está empezando a ser una tradición, pero ya el año pasado fue ‘El discurso del rey’ la que se estrenó en plena campaña navideña y luego se llevó el gato agua. Habrá que ver si sucede lo mismo con ‘El topo’.

Sobre el papel, ‘El topo’ es la película que debía confirmar si Tomas Alfredson es un director que realmente merezca la pena tener en cuenta u otro ejemplo de la larga lista de directores que llaman sobremanera la atención con una película (normalmente la ópera prima, pero no es algo imprescindible, sobre todo en realizadores foráneos) para luego ir diluyéndose y acabar siendo otro impersonal realizador de blockbusters hollywoodienses. Y es que ‘Déjame entrar’ fue una carta de presentación maravillosa con ese atípico relato de vampiros, en la que Alfredson dotaba al relato de una acertada combinación entre frialdad y algo similar a la nostalgia que elevaba el nivel de la película. El problema es que ‘El topo’ es una cinta muy diferente sobre el papel y estaba por ver su capacidad de adaptación a una producción más exigente y con un grupo de actores de mucho calibre. ¿Lo ha conseguido?

Lo primero que queda claro viendo ‘El topo’ es que es una historia que pega perfectamente con el tono de desapego emocional (con una excepción que comentaré más adelante) que ya transmitía ‘Déjame entrar’, pese a que allí había una trama romántica que vertebraba la historia. Lo que le interesa a Alfredson de ‘El topo’ no es la posibilidad de contar una historia de espías más o menos al uso, ni tampoco la elegancia que buscan cintas como las aventuras de James Bond, sino la opción de retrotraer una lucha de poder al sentimiento humano básico de la lealtad. Son varios los personajes que luchan contra esa dicotomía en difrentes fases de la película. Quizá el caso más representativo es el momento en el que el personaje interpretado por Benedict Cumberbatch (el protagonista de la notable serie de películas televisivas que es ‘Sherlock’, donde hace uso de cierta gama de tics que aquí desaparecen por completo) tiene que robar unos documentos. La sensación de estar traicionando a unos amigos para ayudar a otro es algo que se transmite perfectamente, en especial, en la explosión posterior del personaje,

No voy a decir que Alfredson realice un trabajo clónico al que hizo en ‘Déjame entrar’ porque estaría faltando a la verdad, pero sí que es muy de agradecer que siga potenciando la relación entre los personajes por encima de una historia con una gran cantidad de posibilidades. Y es que es cierto, la trama de espionaje de ‘El topo’ funciona casi en exclusiva por las reacciones humanas de los personajes y no por la existencia de asombrosos giros de guión (no es difícil acertar con mucha antelación quién es el traidor), ya que quien busque un relato vibrante por lo que pasa va a salir muy defraudado del cine. Aquí lo que importa son los personajes, algo que siempre debería pasar, pero que está muy en desuso en el cine contemporáneo. Alfredson consigue que el espectador se implique en la historia a través de los mecanismos que rigen las relaciones interpersonales. El misterio, aunque interesante, es algo secundario, una excusa para conocer a unos personajes tan estimulantes que uno echa en falta que no tengan mayor presencia en el relato al mismo tiempo que somos conscientes de que aparecen justo lo que hacen falta.

El asombroso reparto de ‘El topo’

Es obvio que uno de los aspectos que más llama la atención de la película es un reparto poblado de actores de talento ya muy contrastado. Sin embargo, el peso de la película recae sobre el personaje de Smiley, al cual da vida un Gary Oldman que últimamente no nos había ofrecido ningún trabajo de gran mérito salvo que consideremos como tal sus apariciones en los Batman de Christopher Nolan. En ‘El Topo’, Oldman nos sorprende con una actuación en la que ha de ser muy expresivo a través de una inexpresividad casi total. Sé que esos dos conceptos no podían ser más anatagónicos, pero es que la faceta esencial de Smiley es conseguir ocultar sus emociones al resto de personajes, pero también transmitir al espectador todo lo que pasa por su cabeza a través de gestos tan cotidianos que si los hiciésemos nosotros no querrían decir nada. Y es ahí donde reside la grandeza de la actuación de un Oldman que siempre ha tendido un poco hacia la sobreactuación, algo que aquí deja completamente de lado.

No hay nada malo que sea pueda decir del resto del reparto, ya que todos cumplen a la perfección su papel como las piezas de una partida de ajedrez que son. Sí que quizá uno esperaba algo más de presencia en pantalla del personaje que le toca interpretar a Colin Firth, pero más por su (merecida) gran popularidad de los últimos tiempos que porque su papel realmente lo requiera. Es también curioso que lleguen el mismo día a nuestros cines dos películas que cuentan con la presencia de John Hurt, ya que en ‘Immortals’ muestra su faceta ‘Dadme ya el cheque por contar con mi presencia’, pero aquí mantiene la rocosa brillantez del resto del equipo. Personalmente, disfruté sobremanera de la parte de la historia que tiene a Tom Hardy (en un papel inicialmente previsto para Michael Fassbender) como protagonista, ya que inyecta un elemento sentimental a la historia que evita que la película llegue a hacerse pesada con una investigación que para algunos podría transmitir sensación de mediocridad, ya que no hay ningún gran momento altisonante propio de otras cintas de espías.

En definitiva, ‘El topo’ es una película estupenda que sabe aprovechar todo el talento de sus actores, en especial de un Gary Oldman que llevaba muchos años sin darnos una actuación de un nivel similar a ésta. Además, la parte de espionaje permite crear momentos de gran tensión a través de situaciones aparentemente cotidianas y el guión deja espacio para la creación de varias mini-historias más centradas en lo dramático que funcionan a la perfección. Es cierto que, al menos para mí, la identidad del traidor fue algo un tanto previsible, pero el resto de la película raya a un nivel tan alto que es algo que podemos pasar por alto. Si os acercáis al cine estos días y ya habéis visto todo lo que os interesaba que ya se hubiese estrenado ante sde hoy, por favor, que sea para ver ‘El topo’.

La película empieza con un incidente que reúne a dos parejas. El incidente ha sido entre dos niños y uno de ellos ha terminado herido. La idea de los padres es, claro, resolver el conflicto civilizados, haciendo gusto de su educación. Los padres del crío herido son John C. Reilly y Jodie Foster, una pareja relajada y aparentemente liberal, me refiero al sentido anglosajón, diríamos mejor o más adecuadamente en este castellano en el que pregonáis vosotros, lectores y tigres y foreros, que progresista. Los del niño revoltoso y agresor son Christoph Waltz y Kate Winslet, un atribulado abogado y su esposa. Enseguida empieza el conflicto. Empieza con una simple invitación a pastel, pero la tensión acontece.

La película se mueve feliz siendo una comedia ligera, no parece nunca apartarse de unos diálogos desternillantes, de un ritmo rápido y conciso y la única concesión a la obviedad que hace está en esos planes de apertura y final, en los que Polanski subraya lo idiota del conflicto viendo como resuelven los propios un par de infantes en un parque, jugando, olvidando, peleando y finalmente sellando la paz. La carcajada está asegurada, aunque uno sospeche que ese plano es del todo innecesario, que prefería mantenerme en la catarsis y en el olvido, que no quería tener otra prueba de que el mundo que habitan esos personajes es un poco memo y bobo.

Una lectura banal de la obra teatral nos hace pensar que su tema es que todos somos iguales. Esta es una idiotez que algunos respaldan. Pero no, no es esa su lectura. Otra, un poco más sofisticada, es que los abismos a los que se sumerge la edad y el matrimonio son inclementes. Otra, incluso mejor, es que no debe olvidar uno desde donde habla y desde donde se puede hablar para repartir cualquier soflama y lección vital. Porque el tema de esta película es el de dos matrimonios con problemas irresolubles de muy distinta índole, de como el macho busca refugio insoportable en ser validado, de como cada perspectiva puede ser tan idiota o inteligente como nos plazca.

Claro que el personaje de Christoph Waltz, el descarnado y divertido y cínico, nos puede parecer el más simpático, al fin y al cabo, gana dinero, tiene un status y no miente sobre ello. Pero es en la desmedida histeria de Kate Winslet que observamos un poco su fracaso esencial, su desatención, su dependencia más absoluta de los elementos más ridículos. El marido más tolerante, el que encarna John C. Reilly, quiere evitar todo el conflicto, precisamente porque quizá lo que quiera es ocultar la desaprobación ante los trabajos solidarios de la esposa que encarna una histérica magnífica, Jodei Foster. El conflicto se puede volver más divertido, más irónico, pero la catarsis debe detenerse en su punto más absurdo, por supuesto.

Se mueve este Polanski en una dimensión muy distinta a la de ‘El escritor’ (The Ghost Writer, 2010) o a la del ‘Quimérico Inquilino’ (Le Locataire, 1976) que ya le probó tan experto en apartamentos como en su satánica aventura con Mia Farrow. Pero no está interesado aquí en el espacio, en la arquitectura, aunque uno se asombre de su agilidad compositiva, del sabor grácil y pequeño de esta película, que yo creo que podría haber sido rodada o pensada o imaginada en los setenta, aunque dice la inteligencia exquisita e incansable de Marta Peirano que Jasmina Reza no es Edward Albee. No lo es, claro.

Acabáramos.

‘Crazy, Stupid, Love’, dirigida por Glenn Ficarra y John Requa, (‘Phillip Morris, ¡te quiero!’, 2009), sobre el guion de Dan Fogelman, trata de demostrar que el amor es absurdo, contando varias historias en paralelo de personas de distintas edades y sus relaciones o intentos amorosos. Steve Carell interpreta a un hombre casado cuya mujer, a quien da vida Julianne Moore, le pide el divorcio y le cuenta que se ha acostado con un compañero de trabajo, que más tarde descubriremos que está encarnado por Kevin Bacon –así a Carell ya le sobran cinco grados de separación–. Desolado, ahogando sus penas en alcohol –nada muy fuerte, vodka con arándanos– conoce en u pub a un seductor que se toma sus conquistas como un trabajo, con método y dedicación. Este hombre, a quien presta la faz Ryan Gosling, que parece opuesto a él, decide enseñarle sus técnicas, como el maestro Miyagi, y realizar con él una transformación.

Las tramas no solo se han contado ya, es que se han contado hasta el hartazgo, pero aquí se enfoca todo de forma muy distinta, haciendo que la historia de siempre parezca nueva. Para empezar, está esa apariencia de película de historias cortas, a la manera de ‘Love Actually’ o similar. Para continuar hallamos un acercamiento desenfadado, pero no gamberro; una sofisticación en ciertas cosas que a la vez permite mucho realismo. Los excelentes diálogos, ocurrentes y graciosos, y determinadas actitudes sorprenden en boca y cuerpo de grandes personajes, por supuesto, interpretados con acierto y carisma. Desde el instante inicial, va concatenando momentos que son de aplauso y estos no dejan de sucederse a lo largo de la extensa duración. Con bastante humor, repartido de forma equilibrada por todo el metraje, el film incluye también una mirada profunda y en ocasiones amarga que, sumada a lo cómico, conforma un tono muy particular y apreciable.

Aunque los protagonistas, no por cantidad de minutos en pantalla, sino porque ser los que llevan la historia, son los hombres, a las mujeres se les deja mucha cancha cómica, lo cual es de agradecer. El personaje de Moore es capaz de dar la réplica a su marido con ocurrencias igual de humorísticas que las de él. Una actriz que ha demostrado poder darlo todo dramáticamente, aquí hace palpable que la comedia también es lo suyo. Lo mismo le ocurre a Marisa Tomei, que está divertidísima en el único papel del que se hace escarnio y con el que el humor se basa en la exageración y el ridículo. Me resultó imposible evitar imaginarme a Neil Patrick Harris en el personaje de Jason, ya que parece escrito para él. Pero el verlo interpretado por actor que se asocia menos a ese tipo de hombre, Ryan Gosling, el efecto de novedad es mayor y la evolución que sufre me la creo más en él que probablemente en NPH.

(Spoilers) No suelen gustarme las historias de reconciliaciones. Cuando veo rupturas o divorcios en las películas, mi emoción va con que sean capaces de seguir adelante y de rehacer sus vidas, ya sea individualmente o encontrando nuevas y mejores parejas. Mientras iba viendo el film y temiéndome que ese sería el final, mascullaba que muy bien lo tendrían que hacer para que no me causase rechazo esa resolución. Y, en efecto, en este caso, la componenda está conseguida, ya que entiendes que están destinados a estar juntos. Y, sobre todo, porque no se percibe que se conformen o que no hayan sabido dar el paso necesario ni, lo que sería peor aún, que lo hagan por los hijos. Llegas a ver amor real entre ellos y no rutina. La escena de la llamada telefónica en la que él está escondido en el jardín y ella finge pasar un apuro es intensa y funciona muy bien. Me recordó a la secuencia de las langostas de ‘Annie Hall’.

Hablando de eso y aprovechando que he avisado sobre posibles destripamientos de la trama, comento aquí la sorpresa que se da de que el personaje de Emma Stone es la hija. En un principio, durante la escena en la que desea que el patán le pida matrimonio, me pareció que ellos dos formaban un álter ego de los protagonistas. Pero no llegué a esperarme que la joven fuese su retoño y eso que suelo olerme todos los giros. La incógnita está bien guardada y se disimula, principalmente gracias a la escasa diferencia de edad. Lo que sí podríamos debatir es cómo de lícito resulta guardarse esa información o si el efecto que tiene este twist posee algún valor en la historia. A mí particularmente, me gustó, pero puedo entender que se cuestione. (Fin de los spoilers)

Lo único que le reprocharía a ‘Crazy, Stupid, Love’ es que tiene algún momento ñoño, especialmente hacia el final, es decir, que su conclusión tira un poco hacia lo convencional. Sin embargo, no sé si comentar esto como un defecto o más bien como una virtud, ya que, a pesar de que el trasfondo tiene esos tintes, el tono de la película y la forma de actuar de los intérpretes eliminan casi por completo la moñez. Y a eso no se le puede negar el mérito, pues no cualquiera que se lo proponga lo conseguiría. Se estropea hacia el final, como ocurre casi siempre con este tipo de comedias, pero de alguna forma, logra hasta salvar ese rendimiento a lo sentimental, más o menos como lo lograba Hugh Grant en ‘Un niño grande’ cuando debía cantar ‘Killing me Softly’ –lo asesinado era su vida social– ante todo el instituto. El gesto es redomadamente blando, pero la forma de llevarlo a cabo con cierta dignidad, los redime.

Quizá el ocho sobre diez es exagerado y merecería más bien un siete, entre esas dos calificaciones me debato. Pero de lo que no hay duda es de que el film me ha sorprendido gratamente. ‘Crazy, Stupid, Love’ es entretenida y muy refrescante y consigue asombrar con cada uno de sus momentos, en los que los diálogos insólitos y los comportamientos inesperados se van turnando. Los actores resultan elecciones excelentes para cada uno de los papeles y aportan, no solo vis cómica en todos los casos, sino también una gran facilidad para empatizar con sus personajes.

Otra crítica en Blogdecine | ‘Crazy, Stupid, Love’, la estúpida locura del amor, de Alberto Abuín.

Mi puntuación: