En éstas y otras películas, se ha codeado con quienes hasta ahora ostentan el cetro de maestros del humor norteamericano: Vince Vaughn, Ben Stiller, Will Ferrell y ya sabéis los demás nombres. Sin embargo, el propio Apatow —a quien ya se considera el nuevo dios de la comedia debido a sus éxitos tan sonoros— está arrastrando a otra generación de creadores de bromas, que probablemente van a empujar a los anteriores. ¿Sería por este motivo por lo que Owen Wilson se intentó suicidar?

En nuestro país se conocen algunas de sus películas, pero aún hay que descubrirlo como universo, con todo lo que lo rodea. Mientras todavía no se asienten en las columnas de opinión, sus films se considerarán gamberradas adolescentes como cualesquiera otras, pero cuando se vea que son las nuevas mentes preclaras de la acidez fílmica, cambiarán las críticas que reciban.

En octubre llegan dos de sus películas. Otra ya se estrenó. Sus series no han aparecido en España, pero ya sabéis que existen formas de conseguirlas. A continuación os hablo más detalladamente de cada una de ellas.

Las series:

‘Instituto McKinley’ (‘Freaks and Geeks’)

Empiezo por una serie porque es, en mi opinión, lo mejor que ha producido Apatow. Está creada por Paul Feig —de quien os hablaré más detenidamente en la segunda parte de esta entrada— y se basa principalmente en anécdotas verídicas de uno de los friquis más grandes que hayamos visto en pantalla o fuera de ella.

Centrado en Lindsay, una joven que quiere dejar de tener imagen de empollona y juntarse con los más gamberros de la clase, y en su hermano pequeño, que aún se debate entre la compañía de sus amigos y el salir con una chica con la que no tiene nada en común, es el mejor retrato de la etapa adolescente con el que me he topado.

Aunque tiene algunos momentos de humor, ‘Freaks and Geeks’ no es exactamente una comedia, pues mucho de lo que cuenta es dramático. Precisamente, su enorme autenticidad consigue que lo pases mal muchas veces.

Si bien en España utilizamos la palabra “freak” para referirnos a lo que ellos llaman “geek” o “nerd”, allí se la aplican a los macarras y es el segundo término el que se referiría a los empollones gafotas. Continuación de esta explicación.

Está protagonizada por Linda Cardellini como la geek que pasó a ser freak, John Francis Daley como el hermano, y James Franco, como el motivo por el que Lindsay quiso ser freak. También están Seth Rogen y Jason Segel que se convertirán en habituales en las producciones Apatow. Puede que a Segel lo hayáis visto en el papel de Marshall en ‘Cómo conocí a vuestra madre’.

‘Undeclared’

Es menor comparada con la anterior, aunque tiene momentos buenos. Paul Feig apenas interviene, dirige un capítulo únicamente, pero toda la forma de pensar que había en ‘Freaks and Geeks’ se traslada aquí para personajes en primer año de Universidad. Apatow dirige y escribe, además de producir. En este caso, sí se trata de una comedia de veinticinco minutos al uso. Seth Rogen y Jason Segel repiten.

Las películas:

‘Supersalidos’ (‘Superbad’, 2007)

Dirigida por Greg Mottola (‘Arrested Development’), se estrenará en España el 19 de octubre.

El film está pegando en EE. UU. como lo hizo ‘American Pie’. Desternillante comedia en la que dos jóvenes tienen un objetivo muy claro: ligarse cada uno a una chica. Para ello deberán conseguir alcohol y llevarlo a la fiesta que ellas celebran. Aquí entrará McLovin con su carné falso, un friqui tan gracioso que, a pesar de no ser el protagonista, se come la película. Es como llevar ‘Freaks and Geeks’ a la comedia.

‘Virgen a los 40’ (‘The 40 Year Old Virgin’ , 2005)

El trailer invitaba muchísimo a verla y contribuía una magnífica frase publicitaria: “The more you wait, the harder it gets”, juego de palabras intraducible que al mismo tiempo significa “Cuando más esperas, más difícil resulta” y “Cuanto más esperas, más dura se pone”. Pero no tenía más chistes que los que se podían ver en su anuncio y pasaba rápidamente a convertirse en una película ñoña.

Está escrita y dirigida por el propio Judd Apatow y protagonizada por Steve Carell, que ahora ha hecho ‘Sigo como Dios’, la adaptación de ‘Superagente 86’ y que es famoso por ‘The Office’.

‘Lío embarazoso’ (‘Knocked Up’), 2007

También firma el guión y la dirección Apatow. El protagonista es uno de los habituales: Seth Rogen, que ha pasado a guionista y productor ya desde ‘Undeclared’. Literalmente, su título significa “preñada” y se estrena el 31 de octubre.

Es un tema sobre el que se presenta difícil mantener una comedia durante todo el metraje. Así que al film le ocurre como a casi todos los americanos: comienza gracioso, pero se pierde el humor cuando los protagonistas tienen que afrontar con seriedad la situación. Además, es demasiado larga, podría haber durado 40 minutos menos.

Katherine Heigl hace que nada de lo que ocurre sea creíble y tiene un personaje muy poco interesante. Habría sido mejor elegir una chica más friqui, como Alyson Hannigan, por poner un ejemplo extraído de producciones ya mencionadas: ‘American Pie’ y ‘Cómo conocí a vuestra madre’.

Una vez conoces todo este universo, es gracioso ver esta película, pues en ella salen, además de Seth Rogen, que es el protagonista; Martin Starr, uno de los geeks de la primera serie mencionada; Jason Segel; Jay Baruchel, el actor principal de ‘Undeclared’; etc… incluso Paul Feig tiene un cameo.
—O—
Como productor, Apatow ha completado ‘Pineapple Express’ (2008), tiene tres películas en postproducción: ‘Forgetting Sarah Marshall’ (2008), ‘Drillbit Taylor’ (2008) —con guión de Seth Rogen— y ‘Walk Hard: The Dewey Cox Story’; está rodando ‘You Don’t Mess with the Zohan’, de la que ya os hablé; y ‘Step Brothers’, y ha anunciado que rodará de nuevo con Steve Carell, pero el proyecto aún no tiene título.

Recomendado | Artículo sobre las diez series con protagonistas más “friquis”.

Tal ha sido su éxito, que a su director, Greg Mottola (no confundir con la marca de teléfonos móviles), ya le ha salido otro proyecto. Se trata también de una comedia, aunque en esta ocasión, los protagonistas son algo más adultos… tampoco mucho: Jesse Eisenberg (‘Spring Break in Bosnia’, ‘Una historia de Brooklyn’), Ryan Reynolds, que se está empezando a encasillar un pelín (¿un pelín?, preguntaréis) en este tipo de películas, y Kristen Stewart, la niña de la porquería aquella llamada ‘The Messengers’; serán los actores principales.

Ah, pero que aún no os he dicho el título: ‘Adventureland’, que se debe a que todo transcurre en un parque de atracciones. Más datos: estará producida por Miramax, Sidney Kimmel Entertainment y This Is That. En octubre comenzará el rodaje en Pittsburgh.

Con guión de Mottola, la historia se sitúa en 1987. Trata sobre un estirado estudiante de Universidad recién graduado (Eisenberg) que se ve obligado a aceptar un trabajo degradante y con sueldo mínimo —o sea, como cualquier graduado de letras o humanidades en España— en el parque de atracciones de su pueblo —eso ya no es como en España— cuando ve que no le da el dinero para realizar su sueño, que consistía en viajar por toda Europa. La experiencia le sirve para soltarse un poco y para encontrar amor y amistad. Esperad un momento, que me he emocionado y estoy llorando. El trabajo es sólo durante el verano y, cuando llega el otoño, ya es una persona nueva, mucho más madura.

Reynolds (el de la foto, por la que podréis llamarme a mí “supersalida”) hará de un aspirante a estrella del rock, icono de lo guay para todos los chavales que trabajan en el parque. Stewart será una marimacho que también curra en el parque y de quien se enamorará Eisenberg… o Reynolds… o los dos… o ninguno… no lo sabemos.

Fuente | The Hollywood Reporter

Estructurada en tres historias paralelas, ‘El prado de las estrellas’ es, según el autor, una metáfora sobre “recuerdos de la infancia”. “Todo es infancia en el fondo”, porque de esa etapa “sale toda la creatividad”, ya el resto de la vida “es expresarse, defenderse y sobrevivir”, aseguró Camus. El director se mostró reacio a desgranar la trama de su película, porque “las historias, si se cuentan, pierden todo tipo de sugestión” y “a la hora de explicarlas”, siempre “salen un poco mal paradas”, si bien avanzó que los protagonistas serán Alfonso, al que dará vida Álvaro de Luna, y una anciana que le cuidó de pequeño y que ahora está recluida en un asilo. La mujer es propietaria de un prado, sobre el que uno de sus hijos tiene pretensiones de levantar una urbanización. Por otro lado, se contará la historia de una joven asistente social, del mismo pueblo que Alfonso, que tendrá “un conflicto” entre dos muchachos, y que al final decide “una solución vital para ella”, que es “vivir su propia vida sin que haya injerencias de ningún tipo”.

Óscar Abad, joven de 16 años de Los Corrales de Buelna se subió a una bicicleta a los cinco años y ya no volvió a bajar. Igual que Martín, el personaje ficticio que creció en la imaginación del director cántabro Mario Camus para ser uno de los protagonistas de su nuevo filme. “Estoy encantado de salir en la película. Nunca me había planteado ser actor porque era algo muy remoto. Tengo bastantes ganas de empezar”, reconoció el joven, que corre en el equipo Almacenes Lavín.

Premiado en los principales festivales internacionales como Berlín y Cannes, del reconocimiento de la figura de Mario Camus dan cuenta las concesiones de la Medalla de Oro de las Bellas Artes (1983), el Premio Nacional de Cinematografía (1985) o la Orden de las Artes y las Letras de Francia (1986). Uno de los últimos homenajes que recibió el cineasta tuvo lugar el pasado año en el Festival de Toulouse. Entre sus títulos destacan ‘Los santos inocentes’ (1984), ‘Sombras en una batalla’ (1993), ‘Adosados’ (1996), ‘El color de las nubes’, ‘La playa de los galgos’ (2002), ‘Los pájaros de Baden-Baden’ o ‘Los días del pasado’. También es autor del guión de ‘Roma’, de Adolfo Aristarain.

El pasado lunes, 16 de octubre, se inició el rodaje ‘El prado de las estrellas,’ que produce Cre-Acción Films, de los hermanos Rodolfo y Nano Montero, en coproducción con 2 y 4 Films y Proverfilms. Tras estos previos documentales que se rodaron el domingo en Camargo y en Rasines, durante la disputa de sendas pruebas de la temporada del circuito ciclista Junior de Cantabria, el rodaje definitivo, en 35 mm, comenzará el próximo 16 de octubre y se desarrollará hasta la primera semana de diciembre en Comillas, Santander, Torrelavega, Valderredible, Cabuérniga, el portillo de Lunada y La Cavada como localizaciones principales.

Vía: El Diario Montañés, El País, Cine Noticias

Hace más de dos años, mi compañera Beatriz nos comentaba que Marty Adelstein y Scott Nemes tenían la intención de producir un remake de ‘León: el profesional’, la famosa película de Luc Besson con Jean Reno y Natalie Portman, que se titularía ‘Hanna’. Esta misma semana se ha hecho oficial que el director Joe Wright (en la foto junto a James McAvoy y Keira Knightley) ha sido contratado para encargarse del proyecto, después de que Alfonso Cuarón y Danny Boyle rechazaran la oferta. De este modo, ‘Hanna’ será el cuarto largometraje del británico, responsable de ‘Orgullo y prejuicio’, ‘Expiación’ (nominada a siete Oscars, pero no a mejor director) y ‘El solista’, aún pendiente de estreno en nuestro país.

Sin embargo, parece que durante todo este tiempo se ha transformado bastante el guión, para el que inicialmente fue contratado Seth Lochhead, incorporándose más tarde un segundo guionista, David Farr. Ahora, el argumento de ‘Hanna’ se centra en una chica de catorce años que es acogida por una familia que vive plácidamente en el campo; en algún momento, la niña se mete en problemas, pero descubre que fue entrenada por su padre para convertirse en una letal máquina de matar al servicio del gobierno… y entonces se liará la de Dios. Será un reto para Wright trasladar esta historia a la pantalla, ya que no ha filmado nada parecido hasta el momento, y tras ver sus anteriores trabajos cuesta imaginárselo orquestando una secuencia de tiros. Pero, quién sabe, puede que a partir de ahora se dedique a estos menesteres, y pronto informemos que ha sido fichado para dirigir ‘Rambo VI’...

PD: Tuve la oportunidad de ver ‘El solista’ en el mismo vuelo en el que vi ‘La mujer del viajero en el tiempo’, y me resultó decepcionante. ‘Expiación’, sin parecerme tan buena como a muchos de vosotros, sigue siendo su mejor película hasta la fecha.

Vía | Empire

‘Tenderness: La ternura del asesino’ (Tenderness’) se está vendiendo como un thriller, pero se trata en realidad de un drama sobre la psicología de las mentes enfermas y sobre una dependencia tan fuerte que va en contra de los instintos de supervivencia. Es un film contemplativo y sumamente pausado, donde el principal aliciente es el retrato psicológico de una joven desquiciada y los secundarios son una bella banda sonora y la atmósfera que se crea, en parte, gracias a ella.

Esta película, de John Polson, se estrenará este viernes, 20 de noviembre. Cuenta con Russell Crowe en un papel casi anecdótico y con Laura Dern en una colaboración. Está verdaderamente protagonizada por Jon Foster, Sophie Traub.

La indefinición en el tono que ha permitido que los encargados del márketing de la película la publiciten como lo que no es, por mucho que en este sentido sirva para lanzar ganchos a los espectadores potenciales, se percibe como una de las flaquezas de ‘Tenderness: La ternura del asesino’. Se introducen en la trama ingredientes policíacos, como, por ejemplo, el personaje de Crowe, que no forman parte de la historia y que, por ello, hacen que el auténtico foco de atención pierda fuerza dramática.

Es interesante que no sea al asesino a quien analiza la película psicológicamente, sino a un personaje que todos esperaríamos que tuviese una mente más saludable, pero que en realidad sufre mayores trastornos. Sin embargo, a medida que la trama se va complicando, el retrato psicológico de la chica, que era lo mejor o casi lo único bueno del film, se va desdibujando. Los autores asocian su psicopatía con un comportamiento errático en lugar de buscarle acciones congruentes con su problema. Así llegamos aun final precipitado y absurdo, lo mires por donde lo mires.

La elección de la actriz protagonista para el papel es perfecta y la interpretación de Sophie Traub de esta perturbada es impecable. El joven asesino, Jon Foster, está algo menos convincente, aunque correcto. Crowe, por muy gran actor que sea en otras producciones, aquí no puede aportar nada, no sólo porque su papel sea escaso, sino porque está dibujado con tremenda torpeza, ya que se comporta de manera obsesiva sin que se nos haya hecho comprender por qué, además de tener, en ocasiones, reacciones casi infantiles ante burdas provocaciones de los adolescentes.

La información que el film se guarda y que se recuperará a modo de flashbacks es previsible, lo cual no es un problema porque el dato carezca de la capacidad de sorprender —ya que la sorpresa es un efecto barato dentro del cine—, sino porque gran parte de la narración se orquesta alrededor de la revelación de un hecho que ya conocemos, así que todas esas escenas en las que se nos va aportando cada vez más, de forma tan paulatina, se nos podrían ahorrar.

Existe algún otro sinsentido en la película, como la imposible visión telescópica nocturna de la chica desde la montaña rusa, que entra en de ese grupo de defectos menores de un film que, normalmente pasas por alto, si el conjunto te ha agradado. Pero cuando está dentro de un continuo de absurdos e incongruencias, acaba por parecer un insulto a la inteligencia del espectador.

‘Tenderness: La ternura del asesino’, con todo ello, demuestra ser una cinta cargada de intentos y probablemente de buen material —habría que leer el libro de Robert Cormier para confirmarlo—, pero fallida casi por completo en todas sus buenas intenciones. Se hace pesada y, según se acerca a su final, se convierte en molesta por sus continuos sinsentidos. No hay que tener en cuenta únicamente que no se trata del thriller que nos han hecho creer, sino también que ni siquiera como retrato psicológico está lograda.

Mi puntuación:

‘¿Qué fue de los Morgan?’ (‘Did You Hear About the Morgans?’) se estrenará en España el 8 de enero de 2010. La comedia, que se encuentra en fase de postproducción, está protagonizada por Hugh Grant y Sarah Jessica Parker y dirigida por Marc Lawrence, responsable de los últimos films del británico: ‘Tú la letra y yo la música’, ‘Amor con preaviso’.

En el tráiler, que se puede ver a continuación, observamos a una pareja casada, que pasa por una crisis matrimonial contra la que no pueden hacer nada: no valen los regalos, los asesores, los intentos… Tras un altercado, la policía les recomienda entrar en el programa de protección de testigos. Ella no quiere pasar el resto de su vida junto a su marido, pero pronto descubrirán que estar juntos no será lo peor de su retiro, ya que tendrán que mudarse a Wisconsin y vivir en la América salvaje.

Mientras están en la ciudad, el humor que se aprecia en este tráiler es bueno, como el chiste de los agujeros negros. Sin embargo, luego lo de tener que emigrar al campo y que les cambie la vida se me antoja demasiado manido. Entre los guiones de Lawrence se encuentra la misma historia, pero con el enfoque contrario: ‘Forasteros en Nueva York’ (‘The Out-of-towners’, 1999 ) .

Para mí es indiferente, pues sólo con la participación de Hugh Grant ya se aseguran que iré a verla, peores cosas tengo en DVD en la estantería de mi casa de la época en la que este actor no era famoso… Pero eso es una querencia personal mía y para el resto de los espectadores, probablemente, el film resulta mucho menos atrayente. Con respecto a Sarah Jessica Parker prefiero no decir nada porque luego sus fans se enfadan conmigo.

Vía | Página oficial

Frank y April se conocen en una fiesta, se casan y se mudan a una coqueta casa unifamiliar en Revolutionary Road, donde tienen dos hijos. Él entra a trabajar en el departamento de ventas de la empresa de ordenadores donde había trabajado su padre, a pesar de que nunca deseó acabar siendo como él. Ella intenta hacer carrera como actriz, pero sus intentos no la llevan a ningún sitio. Tras una representación fallida, April se sume en una crisis de autoestima y ambos mantienen una acalorada discusión matrimonial.

April es Kate Winslet y Frank, Leonardo DiCaprio. El guión de ‘Revolutionary Road’ lo ha escrito Justin Haythe basándose en la novela ‘Vía Revolucionaria’ de Richard Yates. Dirige Sam Mendes, quien ya había explorado las partes más oscuras de una relación marital en ‘American Beauty’ con excelentes resultados. A partir de mañana, 23 de enero, se podrá ver en los cines este drama sobre la frustración y la falta de libertad.

La premisa de una película habitualmente se desarrolla a lo largo, es decir, narrando diversas cosas, introduciendo contenido, giros y elementos de guión. Pero también existe una forma de desarrollarla que es hacia lo más profundo. En lugar de contar nuevas cosas, se profundiza en aquellas de las que se parte. Esto es muchísimo más difícil de hacer, pero si se hace bien y se llega lo bastante hondo, apenas importa si se han narrado pocos hechos. Escasos son los ejemplos de cine que logra esto último. ‘Revolutionary Road’ es uno de ellos.

El retrato psicológico y de personajes que se hace en esta película es insigne, agudo, devastador. Se dibuja a estos dos seres a través de unos diálogos maravillosos, que los presentan como personas inteligentes, imaginativas y demasiado aventajadas socialmente para el tipo de vida que les ha tocado vivir. Pero también se plantea la posibilidad de que hubiesen sido ellos quienes se hubiesen creado expectativas demasiado altas con respecto a sus existencias y quienes se hubiesen creído más especiales de lo que eran.

Además de presentar la opción de una doble lectura, el título de la obra es muy ilustrativo, ya que la mayor parte del metraje transcurre entre las paredes de esa casa que ha significado tanto para el matrimonio. Las dos horas de duración de la película varían poco en cuanto a escenarios y están casi llenas de disputas, pero eso no significa que el guión sea repetitivo. En esta estructura aparentemente detenida en el tiempo, todo va cambiando muy por debajo, la situación va evolucionando tanto que, a partir de cierto punto, el avance se convierte en imparable.

Ambos actores protagonistas están impagables y Winslet merece el Globo de Oro que ya ha obtenido y los subsecuentes galardones que probablemente se llevará. En papeles muy difíciles y de gran exigencia, tanto ella como DiCaprio lo dan todo para lograr unos personajes complejos, cambiantes, cargados de sentimientos y de anhelos. Los intérpretes nos dejan ver, sin decírnoslo directamente, todo lo que pasa por sus cabezas y sus corazones. Cada uno en un grado de madurez intelectual diferente, pero también con distintas capacidades para adaptarse, son a la vez el contrapunto perfecto y el complemento perfecto el uno del otro.

El reparto es muy escaso por lo que, más que adaptación de una novela, ‘Revolutionary Road’ parecería ser una obra teatral llevada al cine. Junto a los dos actores principales, encontramos a Kathy Bates como agente inmobiliaria que les vende la casa y a Michael Shannon, en el papel de John, el hijo de ésta. John es un hombre perturbado que no sabe comportarse en sociedad. Ha estado ingresado en un manicomio y todos lo toman por loco. Sin ningún disimulo, Mendes sitúa la voz de la razón en este personaje para hacer una crítica de las convenciones sociales. A pesar de ello, su nominación al Oscar al Mejor Actor Secundario me parece infundada.

Conocemos, por la filmografía de Sam Mendes, el gran gusto estético de este director. Su clasicismo nos ofrece planos grandiosos, con encuadres en los que la colocación de cada personaje y de cada elemento tiene un significado o una posible interpretación icónica. Con estilo clásico no quiero decir rancio, sino canónico; pues durante todo el film percibimos un aire de modernidad que nos hace pensar que cualquiera de las cosas que estamos viendo podría darse en la actualidad de manera calcada. La distinción del diseño de producción nos presenta a unos protagonistas que se desmarcan del resto de las personas que los rodean. La banda sonora de Thomas Newman puntualiza con preciosas notas todas las escenas dramáticas adaptándose cabalmente al film.

‘Revolutionary Road’ es una película de gran calado social y emocional que explora lo destructivo que puede ser acomodarse, conformarse con una vida aburrida y esperar más del mundo y de nosotros mismos de lo que llegaremos a obtener jamás.

En Blogdecine:

Tráilers y noticias sobre ‘Revolutionary Road’.

Mi puntuación:

Todo el mundo sabe que ‘2012’ va a ser espectacular, no descubro nada con decirlo. Incluso muchos se temerán que lo único que pueda aportar el film de Roland Emmerich sea su espectacularidad y quizá no se equivoquen. Pero es que, señoras y señores, esta película es muy espectacular. De todas las escenas de acción y catástrofes que he visto, ninguna supera ni iguala la del momento en el que un padre de familia conduce una limusina mientras las calles se derrumban a su paso y los edificios se le caen encima. Esa secuencia por sí sola vale el precio de la entrada —para quien disfrute con el cine de acción, claro—. Y no es la única de total espectacularidad.

En aspectos como los personajes, la verosimilitud o incluso la explotación de las emociones y las figuras familiares se le pueden sacar muchos defectos a ‘2012’, por supuesto, ¿pero es que acaso importa eso cuando lo que se quiere es ver un espectáculo inmenso?

John Cusack, Chiwetel Ejiofor, Amanda Peet, Oliver Platt, Thandie Newton, Danny Glover y Woody Harrelson protagonizan este film que se estrena el viernes, 13 de noviembre.

‘2012’ dura dos horas y media y no se hace pesada. Es cierto que la acción tarda en comenzar porque en los minutos iniciales se presentan varios frentes con mucha carga cada uno. Pero la amenaza se cierne desde el comienzo sobre las cabezas de todos los personajes, así que en ese arranque hay tensión, aunque no haya secuencias movidas. Además, el ritmo es rápido y el montaje no se recrea en las escenas haciéndolas durar más de lo necesario. Una vez ha comenzado la catástrofe, el desarrollo de la trama principal presenta muchos giros e ideas nuevas, los personajes van salvando unos obstáculos para enfrentarse a otros, por lo que concluimos que la extensa duración está justificada. Sí existen los interludios personales, pero están muy repartidos y son breves, así que no aburren.

En estos lapsos tendríamos dos tramas secundarias: la romántica, que me parece que está presentada con gran elegancia y de la que admiro que se consiga sólo con algunas pinceladas, y la familiar. Esta última ya es más cuestionable porque sí tiene toda la carga emocional exagerada y sentimentaloide que más tememos en películas como ésta. Y, especialmente, por esa noción tan típica en Spielberg de que, para que un hijo te vuelva a querer, tienes que ser un héroe. Pero no el héroe cotidiano que cualquier persona demuestra ser, sino alguien que sale de grietas ardiendo y salva la vida de toda la familia. Por supuesto, esto se aplica a los hombres, pues las mujeres en estas películas no son más que ceros a la izquierda o lastres con los que hay que cargar.

Supongo que la verosimilitud será algo que se cuestione en una película como ésta. Pero creo que no se ha roto de una manera tan bruta el pacto de ficción con el espectador como para que no se pueda ver la película. Se ha estirado un poco, cual goma elástica, para lograr llevar más allá las secuencias, pero nunca se ha saltado a la tolera. Todo es verosímil, pero exagerado. Más que las escenas de acción, podría salirse de lo creíble el hecho de que se den ciertas casualidades, como que los protagonistas se topen con determinada camioneta o se encuentren en el aeropuerto con unas personas en concreto —hasta ahí puedo leer—.

No tiene nada que ver con la verosimilitud —porque ésta no consiste en plantear elementos reales, sino en saber hacer encajar los inventados dentro de una ficción—, pero quizá merece la pena mencionar que es totalmente cierto que Yellowstone es el volcán más grande de la Tierra y que, por su ciclo, le tocaría entrar en erupción más o menos ahora. De ahí pueden surgir teorías de la conspiración, siempre muy divertidas para el cine y no tanto para la política verdadera, a las que demos mayor o menor crédito, pero el peligro inminente es real.

Falta de credibilidad, sentimentalismo empalagoso… sí, se le pueden sacar defectos a la película e interpretarla como una basura basándose en ellos. Pero creo que soy muy sincera cuando digo que se trata de nimiedades dentro de un conjunto muy conseguido y que logra su auténtico propósito con un resultado magnífico. Ni siquiera es uno de esos casos en los que hay que apagar el cerebro para entretenerse, pues en general, todo encaja sin mucho problema. Como mucho, hay que ser algo flexible y tener, efectivamente, ganas de divertirse. Con esta actitud, ‘2012’ puede suponer una experiencia de lo más emocionante.

Mi puntuación:

Hace pocos meses estrenaban ‘Expediente 39’, la segunda película del alemán Christian Alvart, y este viernes volvemos a tener su presencia en la cartelera con ‘Pandorum’, su tercer film: una apuesta angustiosa y desoladora de ciencia ficción, que está protagonizada por Dennis Quaid, Ben Foster, Antje Traue y Cam Gigandet.

‘Pandorum’ nos sitúa en un futuro distópico –pero puede que no alejado del real— en el que la Tierra sufre un exceso de población tal, que es necesario emigrar a otros planetas. Los protagonistas despiertan de un letargo inducido, a bordo de una nave, con un problema de memoria reciente: no saben cuál es la misión que desempeñan, aunque sí mantienen sus aptitudes. Lo primero que tendrán que hacer es registrar la nave en busca de otros seres humanos, pero lo que van a encontrar les va a sorprender, a repugnar y a aterrorizar a partes iguales.

El film presenta dos vertientes muy diferenciadas: la primera es aquella en la que los sustos nos llevan a un terror muy primario y la acción dinamiza un film que podría estar suspendido, como lo está la nave que sirve de escenario. Alvart rueda bien las secuencias de caza, crea unas criaturas que recuerdan a los orcos, con un uso más que correcto de los efectos especiales, y saca partido a un entorno que, por su naturaleza, podría resultar restringido.

La otra vertiente nos acerca momentos mucho más pausados, en los que los personajes se encuentran solos, aislados y, a veces, incluso incomunicados. Para mí, todos estos impasses son fascinantes y están cargados de una sutil tensión que impide que se hagan largos. La atmósfera claustrofóbica está muy conseguida. El paso de un aspecto a otro no se hace estridente y la combinación de ambos es enriquecedora, ya que cada uno de ellos, por sí solo, podría haber sido cansino.

He leído muchas críticas que desprecian el film calificándolo de pastiche y comparándolo con películas de muy baja calidad. Sin embargo, creo que las coincidencias son más formales que conceptuales y es que la situación a bordo de un transporte espacial de dimensiones limitadas hace que los planos de una propuesta recuerden de forma muy inmediata a los de otras. De todas ellas, la que considero que se asemeja más es ‘Horizonte final’ (‘Event Horizon’), debido a revelaciones de la trama que de momento es mejor ocultar. Sin embargo, donde la de Paul W.S. Anderson presentaba esa conclusión tan desproporcionada, aquí todo entra en un tono uniforme. Sí hay una escena final cuestionable en ‘Pandorum’, pero es más un epílogo que el gran clímax de ‘Horizonte final’; además de que, si llegamos hasta allí sumergidos en la historia, podría incluso emocionarnos, a pesar de su cursilería.

Con interpretaciones muy solventes, el elenco aporta a la película personajes diferenciados entre sí y con la suficiente profundidad psicológica como para que la historia se siga sin problemas. Se agradece que las tramas sentimentales o demasiado personales no estorben la progresión argumental.

‘Pandorum’ es, en resumen, una cinta que consigue distinguirse de otras con pretensiones equivalentes, digna poseedora de la etiqueta de su género, que mantiene la tensión durante todo su metraje y que aporta unas sorpresas finales bastante refrescantes. Recomendable para los amantes de la ciencia ficción, salvo quizá para aquellos que no toleren los interludios de interiorización psicológica.

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Sitges 09 | Segunda jornada | ‘Luna nueva’ provoca la locura, ‘Pandorum’ entretiene, ‘The Countess’ aburre y ‘Haeundae’ sorprende.

Mi puntuación:

Richard Kelly, autor de la controvertida ‘Donnie Darko’, toma el relato corto del también Richard Matheson, ‘Botón, botón’ (‘Button, Button’), que ya fue adaptado a un capítulo de ‘Más allá de los límites de la realidad’ (‘The Twilight Zone’); para rodearlo de nuevas connotaciones y continuar la historia más allá de donde finalizaba. Con ello crea ‘The Box’ (la caja), film que se estrena el 6 de noviembre y que está protagonizado por Cameron Diaz, James Marsden y Frank Langella.

‘The Box’ parte de una de esas premisas muy poderosas que se llaman en terminología del guión “high concept“, tan interesantes en teoría, pero tan peligrosas en verdad, porque pueden fácilmente quedarse en nada, ser puro aire, probar que no hay opciones de desarrollarlas más allá de su simple planteamiento. La cosa es que a un matrimonio se le plantea la posibilidad de recibir un millón de dólares a cambio de que una persona, desconocida para ellos, muera. Efectivamente, pasado el impacto de este concepto, poco más aporta la trama. Por lo tanto, el avance del film es lento y contiene muchos momentos de bajo interés.

No sabría decir cuál es el tono de esta adaptación. Lo sobrenatural o fantástico está claro que forma parte de ‘The Box’, y la ciencia está presente, pero sin que el conjunto pueda llegar a considerarse ciencia ficción. Y el terror tampoco parece ser la intención principal de Kelly. No encuentro, siquiera, que se trate de una mezcla de géneros con un interesante resultado intermedio. Más bien me temo que le quedó el gusanillo de completar una obra que a él le parecía sólo estaba apuntando algo y que, por lo tanto, esto es más que nada un experimento. Lo que sí logra Kelly es una curiosa atmósfera opresiva e irreal que puede ser lo más positivo de esta cinta.

La acción transcurre en los años setenta, por lo que los actores deben hacer un ejercicio de retroceso en el tiempo, especialmente Diaz, ya que para las mujeres, la sociedad ha cambiado más en estos treinta y pico años. A pesar del comedimiento que se ve obligada a mostrar por este motivo, le da a su personaje una personalidad y lleva el peso de la parte moral de la historia. Eso sí, su actuación se puede considerar algo hierática. Si comparamos su interpretación con la de la protagonista del capítulo televisivo, Mare Winningham, encontraremos que estamos en las antípodas, lo cual es interesante porque los actores televisivos estaban muy sobreactuados. Marsden está algo menos creíble como padre y marido, con esa cara de risa constante, y no digamos ya como aspirante a astronauta, a sus 36 añitos. Langella tiene un papel más fácil, pues la enigmática figura que encarna le permite mantener siempre el mismo registro. El efecto especial de su cara hace, además, que sólo nos fijemos en eso y perdamos de vista la interpretación.

La duda moral se pierde cuando (SPOILER) en realidad es uno mismo quien está en peligro. Ahí se acaba cualquier planteamiento sobre si se ha hecho el bien o el mal y la cuestión se convierte en salvar la vida. El final es aleccionador de una forma artificial. Encontraría ese dilema más tangible si el autor hubiese sido capaz de mostrar cuáles son las verdaderas consecuencias de algo así, como ya hicieron películas del tipo ‘Las diabólicas’ o ‘El cartero siempre llama dos veces’, por poner dos ejemplos de entre muchísimos. La culpa en sí ya es tan poderosa que podría haber sido suficiente para precipitar la situación en un sentido negativo (FIN DEL SPOILER). El problema en este caso no es la ausencia de ideas, sino que Kelly haya mezclado demasiadas y las haya tocado todas muy por encima. Un guión más sencillo, pero que profundizase más en lo presentado, sería superior.

Podría interpretarse que lo que Kelly añade convierte a ‘The Box’ en una alegoría sobre las pruebas que nos manda Dios y los castigos divinos, mientras retoma el mito de Eva y de la manzana, esta vez en forma de un botón igual de redondo e igual de rojo, pero con una tentación mucho más atractiva: el dinero que puede solucionar problemas.

Conclusión: un film que me deja desconcertada, que me invita a leer el relato o ver el capítulo televisivo, pero no porque necesite más de lo mismo, sino porque no he podido entender para qué o por qué existía ‘The Box’ o qué conclusiones había que extraer de ella. En lo positivo están la atmósfera y el concepto en sí, que puede dar pie a debates de café tras la película donde no habrá quien carezca de opinión al respecto.

Mi puntuación: