Después de toda la acción, riesgo y abuso físico rodando The Expendables 2 y The Last Stand, era hora de prestar un poco de atención a mi hombro. Mirad quien estaba esperándome casualmente para operarse el hombro. Ahora estamos listos para otra tanda de grandes momentos y acción cuando rodemos The Tomb.

Es un mensaje de Arnold Schwarzenegger a sus fans, publicado junto a la foto que tenéis arriba, donde le vemos compartiendo una habitación de hospital con Sylvester Stallone. Un detalle simpático de estas veteranas estrellas del cine de acción, a saber lo que harán con la imagen sus fanáticos más apasionados… Lo más importante en cualquier caso es que Schwarzenegger ha confirmado una noticia que circulaba por Internet: él y Stallone van a protagonizar una película titulada ‘The Tomb’ (‘La tumba’). Sí, bastante irónico que haya anunciado un proyecto con ese título estando ambos hospitalizados…

Tras coincidir en la segunda parte de ‘Los mercenarios’ (‘The Expendables’), Chuache y Sly encabezarán el reparto de un thriller de acción que va a dirigir el sueco Mikael Håfström, responsable de ‘1408’ o ‘El rito’, entre otras. En labores de producción encontramos a Mark Canton (‘300’), Randall Emmett (‘Rambo’), George Furla (‘Rambo’), Robbie Brenner (‘Escapada perfecta’) y Kevin King-Templeton (‘Los mercenarios’). Del guion se han encargado Jason Keller (‘Blancanieves (Mirror, Mirror)’) y Miles Chapman (‘Road House 2’), que ya imagino lo que habrán escrito… La trama de ‘The Tomb’ se centra en Ray Breslin (Stallone), un experto en seguridad carcelaria que se enfrenta a su mayor reto, escapar de una prisión que él mismo ha diseñado (¿esto no es un poco absurdo?); en la cárcel conocerá al enigmático Church (Schwarzenegger), un tipo que se ha ganado el respeto de todos los presos por mantenerlos cuerdos en las horas más oscuras. El rodaje comenzará en Louisiana esta próxima primavera.

PD: Os recuerdo que ‘The Last Stand’ está dirigida por Kim Jee-woon (‘El bueno, el malo y el raro’, ‘Encontré al diablo’) y cuenta con Eduardo Noriega como villano.

Vía | WhoSay

Famoso por su papel de Maurice Moss en la desternillante serie ‘Los informáticos’ (‘The IT Crowd’), el inglés Richard Ayoade tiene entre manos su segundo trabajo como director. Después de la peculiar ‘Submarine’ (la vi en Berlín el año pasado y me gustó, recuerda al cine de Wes Anderson), Ayoade está preparando ‘The Double’, su personal visión de la novela ‘El doble’ de Fiódor Dostoievski. Y ya cuenta con los dos primeros nombres del reparto, Mia Wasikowska y Jesse Eisenberg. Ponemos al proyecto la etiqueta de “interesante”, ¿no?

La novela de Dostoievski se publicó en 1846 y gira en torno a un hombre que comienza a perder la razón cuando cree que alguien idéntico a él amenaza con suplantar su identidad. Eisenberg será el (doble) protagonista y Wasikowska una joven que intenta ayudarle. Avi Korine y Ayoade se encargan del guion y el segundo podría quedarse con algún papel de escasa relevancia. Sin una quinta temporada de ‘Los informáticos’ en el horizonte (aunque parece que cabe la opción de un especial navideño) solo podremos verle como actor en la comedia ‘Neighborhood Watch’, donde comparte protagonismo con Ben Stiller, Vince Vaughn y Jonah Hill; Beatriz nos informó sobre el rodaje el verano pasado, se estrena el 27 de julio. De momento no se ha comunicado una fecha de estreno para ‘The Double’.

PD: Wasikowska ha intervenido en dos películas que se encuentran en fase de post-producción: ‘Stoker’ de Park Chan-wook y ‘Wettest County’ de John Hillcoat.

Vía | ComingSoon

El actor Ben Gazzara ha fallecido en Manhattan este pasado viernes a causa de un cáncer de páncreas. Tenía 81 años.

La carrera de Gazzara, uno de los primeros actores indies antes de que el término se hiciese famoso, se dividió entre el teatro, el cine y la televisión. En teatro alcanzó la fama interpretando en Broadway la famosa obra de Tennesse Williams ‘La gata sobre el tejado de zinc’; siempre amó el arte sobre el escenario y reconoció que se perdió el haber interpretado en cine muchos papeles suculentos que le ofrecieron y rechazó, algo de lo que se arrepintió siempre.

En cine se estrenó en la espléndida ‘Anatomía de un asesinato’ (‘Anatomy of a Murder, Otto Preminger, 1959), demostrando lo que durante los años siguientes pudimos ver, que era un actor de carácter fuerte con intensa personalidad, capaz de dar vida a personajes encantadores y también a villanos sin escrúpulos. Si tuviera que destacar algo de sus interpretaciones, me quedaría sin duda con su penetrante mirada, magnética como pocas. Casi siempre en papeles de secundario, algunas de las películas más importantes de su filmografía fueron ‘Husbands’ (1970), de John Cassavetes, al que estuvo unido por una fuerte amistad, ‘Saint Jack, el rey de Singapur’ (‘Saint jack’, Peter Bogdanovich, 1979), ‘Todos rieron’ (‘They All Laughed’, Peter Bogdanovich, 1981) —en la que trabajó con Audrey Hepburn, con quien llegó a vivir un romance—, ‘De profesión: duro’ (‘Road House’, Rowdy Herrington, 1989), ‘El gran Lebowski’ (‘The Big Lebowski’, Joel Coen, 1998), ‘Happinesss’ (id, Todd Solondz, 1998) o ‘Dogville’ (id, Lars Von Trier, 2003). Recibió el premio Donostia en el 2005, y trabajó hasta el fin de sus días.

Hasta siempre Ben.

Vía | IMDb

‘Hasta que llegó su hora’

Una de las obras maestras de Sergio Leone, lírica como pocas, culmina con uno de los duelos más esperados de la historia del cine. Una venganza largamente retrasada, un clímax único. Un uso del flashback ejemplar. Charles Bronson en el papel de su vida. Henry Fonda como inolvidable villano, y Ennio Morricone poniendo la piel de gallina. Cada vez que la veo no puedo evitar emocionarme y pensar en el lejano oeste y en el nacimiento de una nación, que avanzó a marchas forzadas, perdiéndose sus antiguos héroes en el polvo del olvido. Y también pienso en Claudia Cardinale.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Hasta que llegó su hora’, Sergio Leone y la fábula (I)

‘Duelo al sol’

Una pasión tan destructiva que sólo podía acabar de la única forma posible. Gregory Peck, en un papel poco común en su carrera, y Jennifer Jones, en una de sus pocas interpretaciones salvables, dan vida a una de las parejas más problemáticas de toda la historia del género. ‘Duelo al sol’ (‘Duel in the Sun’, King Vidor, 1946) está llena de momentos inolvidables, pero su final es justamente legendario. Se hizo intentando realizar en el western un nuevo ‘Lo que el viento se llevó’, y les salió una obra maestra redonda. Y es que Vidor es mucho Vidor.

‘El hombre que mató a Liberty Valance’

Probablemente la mejor película del gran John Ford, y no me atrevo a asegurarlo, ya que la cantidad de obras maestras que ese hombre hizo es impresionante. La leyenda siempre es más bonita que la realidad, y en lugar de poneros el enfrentamiento inicial, os pongo el flashabck que se produce más tarde, y en el que se revela la verdad sobre el duelo que acabó con uno de los bandidos más temidos del oeste, personificado con maestría por Lee Marvin en uno de sus primeros y más recordados papeles. John Wayne y James Stewart inmensos. La película lo tiene absolutamente todo.

‘Duelo de titanes’

El duelo en el OK Corral es sin duda uno de los más famosos en el séptimo arte. Podría haber puesto el de John Ford, el de Lawrence Kasdan o incluso el de George Pan Cosmatos, pero he elegido el de John Sturges porque es el más largo de todos, y la planificación y el montaje son soberbios. Un western puro y duro, en la mejor tradición del género, y con dos gigantes como Burt Lancaster y Kirk Douglas mano a mano. Podéis ver a un jovencísimo Dennis Hopper por ahí.

‘Sin perdón’

La desmitificación definitiva sobre el género culmina con un claustrofóbico tiroteo soberbiamente fotografiado por Jack N. Green. William Munny, un asesino de mujeres y niños, decidió matar a todos los compinches de Littel Bill, asesinando antes al dueño de una pocilga decorada con el amigo muerto de Munny. Una cita en el infierno. La tumba de su esposa, ninguna señal, y el olvido.

Crítica en Blogdecine:

• Clint Eastwood: ‘Sin perdón’

‘Duelo en la alta sierra’

El hombre que cambió para siempre la perspectiva del western se dio a conocer con esta película, en la que unos maduros Joel McCrea y Randolph Scott representaban los viejos tiempos. El final es simplemente antológico, un duelo maravillosamente coreografiado y un plano final contundente y muy triste.

Crítica en Blogdecine:

• Sam Peckinpah: ‘Duelo en la lata sierra’

‘El último pistolero’

Don Siegel tuvo la oportunidad de filmar la despedida cinemtográfica de John Wayne, quien ya enfermo de cáncer tomaba láudano para soportar los terribles dolores. Un reparto lleno de viejas glorias para un film triste y melacólico, con un final sublime. También puede verse a un joven Ron Howard años antes de meterse a director y torturarnos con sus películas. A citar la famosa anécdota en la que John Wayne se negó a que su personaje disparase a otro por la espalda, a lo que Siegel contestó que Clint Eastwood lo hubiera hecho. Por cierto que Eastwood visitó el set de rodaje varias veces. ¿Os imagináis lo que hubiera sido un western protagonizado por esos dos? Yo no puedo, porque lloro.

‘El vengador sin piedad’

Una de las maravillas ocultas del infravalorado Henry King. Gregory Peck da vida a un hombre sediento de venganza, la cual le obsesionará hasta límites insospechados. En el vídeo vemos cómo se enfrenta a uno de los hombres de la banda que persigue sin gastar una sola bala. Al igual que en la magnífica ‘El pistolero’ (‘The Gunfighter’, 1950) King subraya las connotaciones psicológicas del relato con unas conclusiones morales terribles.

‘Raíces profundas’

‘Shane’ es uno de los mejores westerns jamás filmados, y el duelo final una lección de planificación y tensión. En un espacio tan cerrado como el de una taberna, George Stevens logra un milagro. Alan Ladd en el papel de su vida y el mítico Jack Palance como el mítico villano. La secuencia final del niño llamando a su amigo es justamente legendaria. Años más tarde Clint Eastwood le rindió un sentido homenaje en la también imprescindible ‘El jinete pálido’ (‘Pale Rider’, 1985).

‘La muerte tenía un precio’

Sergio Leone tenía que hacer doblete en esta selección con la película que es la culpable de que me apasione el cine. La dilatación del tiempo tan típica de su director en una escena mítica. El detalle del reloj, grandioso por su importancia narrativa en la historia. Un duelo en igualdad de condiciones, y Morricone marcando una vez más el carácter de los personajes. Una venganza, una recompensa, Eastwood, Lee Van Cleef y Gian Maria Volonté. Inolvidable.

Crítica en Blogdecine:

• Clint Eastwood: ‘La muerte tenía un precio’

‘Libertad para Morir’ es ver al guionista David S. Goyer entregando su más fiel, su mejor obra, mientras los que ahora loan su trabajo, de cartón y piedra y sin la mitad de honestidad, porque la cosa va de controlar los arquetipos y no ser pretencioso, escribiendo esas nolanadas padre, entregar un libreto sencillo, en el que al final al villano le parten la cara por abusar de vileza y por meter en la cárcel al tipo equivocado, pero es que además, con estas películas, descubre uno que equivocado se refiere también no ya al error evidente de encarcelar a un inocente sino de encarcelar al héroe, listo para hacer de su inocencia un bastión de manotazos y pasos de ballet frustrados por el cuerpo de otro secuaz, porque Goyer escribiría esta misma película, en la que también hay un científico loco y un villano-estólido y un viaje del protagonista hacia su lado oscuro, con pretensiones y caricaturescos diálogos y aquí era capaz de tomar esquemas naturales y darles una variación, un juego mucho más divertido.

‘Libertad para morir’ es ver a Deran Sarafian entregar lo más parecido que ha dado el mundo de Hollywood, ese lugar con frecuencia inhóspito y con una tendencia atroz a sobreponerse a los cambios con mayor aparatosidad y con una tendencia todavía más abusiva y enfermiza a autorizar fusiones, convencer a cualquier hombre con furia visual para neutralizar sus propuestas y hacer de las escenas de acción una fiesta vulgar de montaje y composición y aquí todo lo que se usa se hace con lo que de verdad importa, la convicción.

‘Libertad para morir’ es también una historia de dos legados, porque Deran Sarafian es el hijo de Richard C. Sarafian y uno piensa que en un momento de inspiración fueron posibles esta película y ‘Velocidad Terminal’ (Terminal Velocity, 1994), otra locura todavía inexplicable, una película-de-aventuras tradicional pero no forzando el anacronismo o el desfase y siendo tremendamente divertida y porque Richard C. Sarafian había dirigido películas tales como ‘Vanishing Point’ (id, 1971) en la que la contracultura invade la serie B y todo lo que queda es lo fresco, lo inesperado y lo violentado.

‘Libertad para morir’ carece, claro, de carreras contra sentido, porque su serenidad convoca al padre que dirigió ‘El Ojo del Tigre’ (Eye of the Tiger, 1986) unos pocos años antes que esta, porque de lo que se trata, claro, es de ver al macho, desbocado, y de explicar unos conceptos límite en los que la amistad entre pares, aunque uno sea un policía y los otros reos, es importante porque implica el reconocimiento: son historias de honor ideales, donde siempre hay sorpresas, aunque se trata de la prisión, ese nido de bandidos y grandes chistes sobre los andares tras una duchita.

‘Libertad para Morir’ es su clímax final, ese enfrentamiento inolvidable entre Sandman y Van Damme, donde descubrimos que lo que importa al final de la película es comprobar como cualquier dificultad puede ser solventada no ya con voluntad sino con decisión y bravura loca, con infinita paciencia porque uno diría que esas hostias han nacido para bendecir, no para contradecir nada y por eso mismo es tan divertido ver a este Van-Damme, ya tanteando unos registros de arquetipo distintos al del luchador habilidoso con el que se daría justo homenaje en sus ochenta reveladores, terminar con ¡tres! supervillanos, uno a uno casi, y por orden, que los clímax fueron un invento que cargó el Diablo.

Preparando mi texto sobre ‘Drive’ (id, Nicolas Winding Refn, 2011) me he dado cuenta de que una de sus imágenes me viene a la perfección para presentar el especial que la mayor parte de vosotros pedistéis en su momento, y que en mi crítica sobre esa maravilla titulada ‘One Day’ (id, Lone Sherfig, 2011) ya anunciaba. A lo largo y ancho de su existencia, el séptimo arte nos ha hablado de muchas cosas, siempre como reflejo de la dura realidad que nos toca vivir, y de miles de formas distintas. El elemento común denominador de muchas de esas historias, ya sean westerns, thrillers o películas de ciencia ficción, ha sido en la mayoría de los casos el sentimiento más preciado que el ser humano posee, el amor. Prostituido sin compasión en cientos y cientos de títulos, la visión que nos ha dado el Cine del amor es una imagen falsa, a ratos absurda e incluso peligrosa. La influencia del cine sobre la sociedad es tan poderosa y tan engañabobos que somos unos verdaderos gilipollas al creer que eso del amor eterno o verdadero existe. Bastan unas cuantas bofetadas de la vida para darnos cuenta de que los cuentos de princesas y príncipes enamorados son en verdad una falacia.

Pero no quiero ser malinterpretado, no tengo nada en contra de idealizar el amor, o de volvernos imbéciles cuando nos enamoramos, todo el mundo tiene derecho a pegarse una hostia en ese aspecto, y qué narices, tal y como decía el personaje de Barbra Streisand en la fallida ‘El amor tiene dos caras’ (‘The Mirror Has Two Faces’, 1996) “porque nos sentimos de puta madre”. Y es verdad. Pero en este especial no trataremos únicamente el elemento ñoño del amor, sino todos sus elementos —imposible, ya lo sé—, el dolor, el sacrificio, la confianza, el sexo, la pasión, la obsesión, la locura, etc. La selección de títulos no ha sido nada fácil, me ha llevado meses, y mi memoria, más la inestimable ayuda de colegas críticos de varios medios, ha hecho uno de esos esfuerzos que creo merecen la pena. 32 títulos que describen a la perfección, y como sólo el arte puede hacer, un sentimiento que seguirá produciendo fascinanción y misterio en siglos venideros. El Cine y nuestras propias experiencias dejan su legado al respecto.

Os invito a acompañarme en este apasionante viaje en el que nos pondremos muy sensibles, y también muy crueles. Como la vida misma. Y quiero dedicárselo a todos en general, y en particular a V., X. y M. por haber llenado mi vida en diferentes momentos de la misma, y por muchas cosas más, ayudándome a completar mi visión de algo que jamás llegaremos a entender del todo. Creo que si así fuera, perdería toda su esencia.

Es una gran estrella de acción. No valen los clichés. He seleccionado mis películas favoritas del astro belga.

Empiezo con un vídeo. Van Damme baila y el usuario de youtube lo reescribe al ritmo de una cumbia. Van Damme baila y baila. Él era así. Empezó su carrera moviendo las caderas y luego dislocó muslos sin detenerse jamás. Fue grandes tardes de gimnasio para aquellos culturistas que confundían su elasticidad brutal con los más tradicionales Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone. ¡Cierto es! Trató de ceder a aquellas estrellas de acción, sin atender siempre a sus peculiaridades. Van-Damme, levanta siempre la pierna izquierda, espectáculo limpiador de matones y ahora resistiendo aún a los malos espectadores.

El rodaje del thriller psicológico dirigido por Oriol Paulo, ‘El cuerpo’, ha dado comienzo hoy, con la participación de Jose Coronado (‘No habrá paz para los malvados’), Belén Rueda (‘El orfanato’, ‘Los ojos de Julia’), Hugo Silva (‘Lo contrario al amor’) y Aura Garrido (‘Planes para mañana’).

El guion, del que se ha hecho cargo Paulo, hasta ahora guionista, junto a Lara Sendim, arranca con el atropello de un guardia de seguridad que huye histéricamente de una morgue. La policía descubre que en el lugar donde trabajaba este guardia la puerta de una de las neveras está abierta y el cadáver de una mujer ha desaparecido sin dejar ningún rastro. Un Inspector investiga el extraño suceso con la ayuda del viudo de la mujer desaparecida de quien, no obstante, no descarta para nada su participación de alguna manera en el incidente.

El rodaje, que cuenta con un presupuesto estimado entre cuatro y cinco millones de euros, tendrá lugar a lo largo de nueve semanas en distintas localizaciones de la ciudad de Barcelona y en el Parc Audiovisual de Terrassa. El film está producido por Rodar y Rodar, Antena 3 Films, Televisió de Catalunya y Canal +Sony Pictures Releasing de España se encargará de la distribución a partir de otoño de este año. DeA Planeta lleva las ventas internacionales.

Con lo poco que adelantan del argumento, resulta difícil hacerse una idea previa de cómo resultará esta película. De lo que podemos estar seguros es que de se convertirá en un éxito de taquilla dentro de nuestras fronteras y, con suerte, también más allá de ellas. Esperemos que a los reclamos comerciales se una una buena historia, con sorpresas creíbles y un desarrollo poco previsible.

Vía |Variety.

Seguimos con el repaso a lo mejor que nos ofreció 2011 según vosotros, los lectores, del cual ya desvelamos recientemente la identidad del sorprendente mejor actor del año. En esta ocasión, toca revelar el resultado de la encuesta correspondiente a la mejor película española, la cual tenía bastante claro que la ganadora iba a ser la que acabase alzándose con este pequeño reconocimiento.

‘No habrá paz para los malvados’ ha sido vuestra elección como mejor película española de 2011. La película dirigida por Enrique Urbizu ha conseguido el 24% de vuestras votaciones, es decir, casi 1 de 4 votos emitidos han ido a parar a manos de ‘No habrá paz para los malvados’.

El segundo lugar ha ido a manos de ‘La piel que habito’, y es que la cinta de Almodóvar ha conseguido un cómodo segundo puesto con el 19% de vuestros votos. La sigue en tercer lugar ‘Primos’, la, afortunada casualidad, tercera película de Daniel Sánchez Arévalo consigue el 13% de los votos. En cuarto lugar, y muy cerca de ‘Primos’, tenemos a ‘Mientras duermes’, la resurrección artística de Jaume Balagueró. Y ‘Chico y Rita’ tiene el honor de cerrar vuestro top 5 de mejores películas españolas de 2011. Os invito a seguir leyendo si queréis conocer todos los detalles acerca de vuestras votaciones.

Como podéis ver, ‘También la lluvia’ se quedó a nada de ocupar la quinta posición y casi podríamos hablar de un empate técnico en la séptima posición entre ‘Secuestrados’ (mi favorita personal) y ‘No controles’. Muy por debajo del resto quedan ‘Blackthorn’ y ‘La voz dormida’. Además, hay una particularidad que me gustaría comentar, y es que en Otros hay una opción que ha tenido un mayor número de votaciones que la última película de Benito Zambrano. ¿Cuál? Pues los que habéis elegido votar Ninguna o dejar el voto en blanco como señal de eso mismo, o al menos así lo he interpretado. De los 101 votos en esa categoría más de 30 han ido a esa opción. Además, hay quien no se ha cortado en dejar valoraciones personales como ‘ninguna, el cone español no es bueno :)’ o ‘¿pelicula española de calidad? jajajaja’ para expresar así su descontento con el cine hecho en nuestro país.

También han sido votadas en la categoría de Otros varios títulos que no entraban entre las computables, ya sea por no ser españolas (‘Rubber’, ‘Drive’, ‘El topo’, ‘El rey león 3D’, ‘Contagio’ y ‘Gigantes de hierro’, título para varios países sudamericanos de ‘Acero puro’), por no haberse estrenado en 2011 (‘Balada triste de trompeta’, ’3 metros sobre el cielo’, ‘Pa negre’ y ‘Extraterrestre’). Los otros títulos españoles de 2011 que han tenido algún voto son ‘Torrente 4: Lethal Crisis’, ‘Águila roja. La película’, ‘Eva’, ‘Fuga de cerebros 2’, ‘Cinco metros cuadrados’, ‘La cara oculta’, ‘No tengas miedo’, ‘Midnight in Paris’ (de la cual ya expliqué los motivos para no incluirla entre las diez preseleccionadas), ‘Amigos’, ‘Capitán Trueno y el Santo Grial’, ‘XP3D’ y ‘Puzzled love’. Ninguna de ellas consiguió llegar tan siquiera a los diez votos. ¿Echáis de menos algún título que ni siquiera haya conseguido un voto? Os preguntaría también sobre vuestro parecer sobre la elección de ‘No habrá paz para los malvados’, pero habiendo votado vosotros creo que no tiene demasiado sentido.

Os recuerdo que podéis seguir votando en el resto de categorías: la mejor actriz, el mejor director, la mejor película de animación, la peor película y la mejor película de 2011. El siguiente en ser desvelado será el de mejor película de animación de 2011.

Así que preparé a mi primo para la mejor película sobre un asesino en serie, no me valía entonces ni el ‘Henry: Retrato de un asesino’ (Henry, 1989) de John McNaughton ni cualquier otra, pero, ante todo, una película fundamentalmente frustrante, pues el asesino, le advertí, desaparece a la mitad de metraje, decisión que me parece sumamente brillante. En todo caso, la pizza parecía un manjar cuanto menos irónico para ver 152 minutos de un relato que había visto ya otras tres veces y cuyas raíces setenteras desvelan al espectador de un modo insólito.

Es curioso que esta película de David Fincher haya generado tantas protestas. A mi siempre me pareció razonablemente corta. Una película total sería una película en la que la languidez del protagonista, ese dibujante de tiras cómicas llamado, sin apenas metáfora, Robert Graysmith (Jake Gyllenhaal), devorara grandes segmentos de la misma. Vemos su languidez, claro, pero también vemos languidecer su família, su apartamento, y nunca perderemos el vigor que le guía. Me parece un mérito enorme del guión de James Vanderblit. Un mérito enorme, preciso teniendo en cuenta la cantidad de información a la que tenemos que asistir.: un recuento burocrático del fracaso de coordinación de varios departamentos de investigación (los del condado, los federales, los policías de la ciudad de San Francisco).

Con este asesino banal, Zodiac, descubre mi primo, pueden pasar los años y el asesino ser capturado y ser descubierto en un aeropuerto para frustración de todos. Depende de él que sea o no sea demasiado tarde. Pero el asesino, permaneciendo no ya impune sino envejecido, alejado de toda épica calculadora, se toma su propia jubilación, como si el pasado mítico fuera para los medios. El estilo de Fincher evoca a veces conscientemente algunas imágenes familiares, aquellas de ‘Todos los hombres del presidente’ (All the president’s men, 1972) cuyo guión escrito por William Goldman se esforzaba también por dar una cantidad asombrosa de información sin perder de vista una narración fluida.

Hay algo todavía escalofriante en el epílogo de la película, que transcurre en un aeropuerto decorado por el best-seller de Graysmith. También es cierto que el clímax, minutos antes, transcurre en una tienda pequeña y anodina. Gyllenhaal encarna al héroe fincheriano a baja escala y Zodiac parece una respuesta razonada al John Doe de ‘Seven’ (id, 1995). Doe era un psicópata fincheriano con razón moral, capaz de usar la alta cultura (desde los siete pecados cristianos para recalar en obras como la Divina Comedia o el Paraíso Perdido) para ejercitar su discurso sobre la decadencia de occidente. No había inocentes, ni siquiera él: su obra maestra está al final.

En cambio, Zodiac es un gran relato periodístico. El decadente reportero que encarna Robert Downey Jr. lo ejemplica. El frustrado y honesto policía de Mark Ruffalo también. En ambos casos, la vida se interpone. Los caprichos, si queréis decirlo de esta manera más sencilla. Pero el policía tiene una família a la que mantener. El libro de Graysmith será su legado: la obsesión, la investigación. Esta película no es sobre un asesino, es sobre la posibilidad de capturarlo en un marco social concreto, es sobre lo que significa investigar, es el relato de una obsesión.

Lo perturbador de esta película está en el descubrimiento banal de varios fracasos policiales y organizativos. Los asesinatos, rodados sin contemplaciones, perturbaron a mi primo, claro. Pero la conclusión de la película, ese largo acto en el que descubrimos que el todo era atender a todas y cada una de las pistas, a lo exhausto del fracaso, del ensayo-error. Ese tercer de acto de miradas encajadas y de simpleza identificadora, décadas después, lo dejó todavía más exhausto. El mal es banal, como nos aseguraba Hannah Arendt, pero también pueden serlo los errores humanos que lo permitan sobrevivir. Basta un descuido. Pueden leer también la crítica de mi compañero Alberto Abuín.