Recupero hoy una de las tres últimas entrevistas de mi paso por Sitges 09. La verdad es que pensaba que tras el estreno mundial de ‘Splice’ en el festival catalán, la última película de Vincenzo Natali (‘Cube’) llegaría a las salas españolas en poco tiempo. No ha sido así, y teniendo en cuenta que su anterior trabajo, ‘Nothing’, es de 2003 y todavía no lo hemos visto por aquí... Quién sabe, igual el día menos pensado sale en DVD, a veces las decisiones de los distribuidores son totalmente absurdas.

En fin, aprovechando que hablamos hace poco del que será su próximo proyecto, he decidido sacar ya de una vez la entrevista con Vincenzo Natali, por si os interesa leerla o guardarla, para cuando hayáis visto ‘Splice’ (que por cierto, a mí me decepcionó bastante). Aunque antes de saludarle en persona no sabía nada sobre su personalidad, me sorprendió lo amable y participativo que se mostró Natali durante la charla, una especie de “mesa redonda” en la que estuvimos cuatro profesionales acreditados. Como si fuera un entusiasmado fan que está visitando el festival, en lugar de ser uno de sus más ilustres invitados, siempre muy sonriente, el director nos concedió un rato en medio de su apretada agenda para hablarnos sobre su última película.

• La película gira en torno a una criatura muy sofisticada, ¿lo que se ve en la película es justo lo que tenía en mente cuando escribió el guión?

Sí y no. La criatura evoluciona a lo largo de la película, yo tenía muy claro el aspecto final, pero no los iniciales. En cualquier caso, lo que más me preocupaba es que pareciera real, que fuera algo que pudiera existir, no un monstruo fantástico.

• Algunas de las cosas que ocurren al final son muy fuertes, ¿fue presionado para que lo cambiara, pensando en el mercado?

Uno de los productores es francés, así que no tuve ningún problema de ese tipo, al revés, quería más [risas]. Tuve mucha suerte, no podría haber hecho esta película con productores estadounidenses, la habrían cortado, no me habrían dejado tener la última palabra sobre el montaje.

• En sus películas, parece que hay un ente superior que no quiere que los personajes hagan lo que hacen, casi parece una metáfora de lo que le pasa a usted como cineasta. ¿Se ve como un rebelde, fuera del sistema?

[Risas] Algo así. Cada vez es más difícil hacer películas. Cuestan mucho dinero, hay mucho riesgo. Y lleva mucho tiempo, si no crees en tu película, es mejor no hacerla. Creo que se pueden hacer películas comerciales, que se puedan vender, pero nunca caer en la caja. No me llevo bien con Hollywood, no me llevo bien con ningún sistema, pero especialmente no con Hollywood.

• Llevamos años viendo bocetos y borradores del guión en Internet, con todo el tiempo que lleva preparando esta película, ¿no siente un vacío ahora que está acabada y estrenada? ¿O está trabajando ya en un nuevo guión?

Desde luego, ahora estoy sufriendo una depresión postparto [risas]. Aunque ya me voy acostumbrando, no deja de sorprenderme cómo acaba todo en la red. A día de hoy, incluso siendo un director no famoso, ya tengo que asumir que si entrego algo o me llega un boceto, ya estará en la red. Todo lo que habéis visto no era oficial, pero alguien lo puso ahí y creó expectativas. Es increíble. Tengo varias ideas, varios proyectos en los que puedo embarcarme, pero todavía no hay nada seguro. Uno de ellos es una adaptación de una novela de J.G. Ballard, ‘High Rise’ (‘Rascacielos’).

• ¿Puede decirnos por qué eligió a Sarah Polley y Adrien Brody para interpretar a los protagonistas?

En primer lugar, porque son grandes actores. Necesitaba a grandes actores en mi película, porque las relaciones entre ellos, y con su criatura, son complejas. Por otro lado, necesitaba actores que el público pudiera ver como científicos. A menudo vemos películas con actores que… ¡en la vida podrían ser científicos! [risas] Sarah y Adrien son personas inteligentes y uno no duda que puedan hacer estos papeles. Pero también, necesitaba actores con los que el público pudiera conectar incluso cuando hacen cosas inesperadas y despreciables. Tenían que ser actores de gran humanidad y debilidad, que fuera creíble que hicieran las cosas que hacen en la película. Tuve mucha suerte con ellos, porque además no son de los que ponen inconvenientes, son arriesgados y hacen lo que sea necesario. Hay muchos actores, especialmente los famosos, que no aceptan salir en una película haciendo determinadas cosas, pero con ellos no tuve ningún problema.

• Esta película supone un cambio importante en cuanto al tono. Sus anteriores trabajos eran más fríos, ‘Splice’ es más cálida, los sentimientos son muy importantes. ¿Lo ve usted así, ha sido un cambio consciente?

Bueno, puede que me esté haciendo viejo, viejo y sentimental [risas]. No quería hacer una típica “monster-movie”, quería hacer una película sobre los personajes y sus relaciones. De hecho, lo que sí quise cambiar respecto a mis primeras películas, es que aquí los personajes toman las riendas de la acción. En las anteriores, los personajes se veían inmersos en algo grande que debían comprender y de lo que debían escapar. Aquí, ellos deciden su propio destino.

• Es habitual preguntar por las influencias, aunque éstas a menudo sean inconscientes. Me he acordado particularmente de David Cronenberg viendo ‘Splice’.

Sí, reconozco que hay algo de Cronenberg en mi película. Creo que cualquiera que haga una película sobre biología y horror tiene que pensar en Cronenberg, porque es el tipo que exploró primero ese terreno. Pero quiero pensar que mi película tiene su propia identidad, no sentí que debiera parecerme a nadie. ‘Alien’ es una película que me marcó y puedes verlo en mis trabajos. Desde luego, muchas cosas influyeron en mí cuando escribí el guión, no necesariamente películas, también noticias. De hecho, si tardamos un poco más en sacar la película, puede que ya no fuera ciencia ficción.

• ¿Por qué piensa que todas las películas que hablan sobre experimentación genética son tan pesimistas?

Porque si no serían aburridas [risas]. Supongo que porque nos tenemos miedo a nosotros mismos, a lo que podemos hacer con la ciencia. Nunca olvidaré algo que me dijo mi padre, viendo con él una película: “El verdadero monstruo es el ser humano”. Aquello me marcó, y creo que es algo que piensa mucha gente. Pero los científicos son héroes para mí. Buscan dinero como los cineastas independientes, pero para lograr algo útil para el mundo [risas].

• Antes de terminar, necesito hacerle esta pregunta, de parte de un amigo que es fan suyo. ¿Piensa convertir ‘Elevated’ en un largometraje?

[Risas] Ya lo hice, es ‘Cube’. No, no tengo intención de hacer más películas sobre gente atrapada.

Y eso fue todo. Una fotico para el recuerdo y cada uno a lo suyo. Servidor a ver más películas y Natali a seguir hablando y promocionando su ‘Splice’. Esperemos que llegue algún día a España.

‘Serena: A Novel’ va a convertirse en una película y parece que Angelina Jolie y Darren Aronofsky están muy interesados en ocuparse de ello. Angelina Jolie está rodando actualmente ‘The Tourist’ con Johnny Depp, pero no tiene otro proyecto para cuando acabe, así que su agenda está libre (definitivamente, no saldrá en ‘Wanted 2’); por su parte, Aronofsky ha terminado el rodaje de su última película, ‘Black Swann’ (con Mila Kunis y Natalie Portman bailando y dándose el lote), y aunque el remake de ‘RoboCop’ sigue en pie, no parece que vaya a filmarse en un futuro cercano.

Así que ambos están disponibles y ya negocian protagonizar y dirigir, respectivamente, la adaptación del libro escrito por Ron Rash, que ha sido adaptado por Chris Kyle, responsable de los guiones de dos películas de la directora de moda, Kathryn Bigelow; en concreto, ‘El peso del agua’ y ‘K-19’.

La sinopsis de la novela de Rash, que no ha sido editada todavía en España (esperarán a que salga la película), es la siguiente: año 1929, los recién casados George y Serena se mudan de Boston a las montañas de Carolina del Norte para levantar una gran empresa. George, que se hace cargo de un hijo ilegítimo, ya está acostumbrado a vivir en el campo, pero para su mujer no es tan fácil, si bien consigue disimularlo muy pronto. Ambos construyen un imperio y se convierten en personas despiadadas que no dudan en quitar de en medio a todos los que se les oponen. Pero todo empezará a ir mal entre ellos cuando Serena descubre que no puede quedarse embarazada, y decida que el hijo de George sobra en esa familia…

PD: Si fichan a Brad Pitt sería un taquillazo.

Vía | TheHollywoodReporter

“La bestia… es la bestia”.

Sir John Talbot

Quizá lo hayáis apreciado también. No pasa con las buenas, al menos no en la misma medida, pero es raro que la mayoría diga que una película es mala, que luego la veas y no estés totalmente de acuerdo. Pasa mucho que ves películas que a ti te parecen malas, pero encuentras gente que opina de forma muy diferente, y viceversa. Pero a menudo sobre lo peor nos ponemos casi todos de acuerdo. Desde que aparecieron las primeras críticas se dijo que ‘El hombre lobo’ (‘The Wolfman’, 2010) era un desastre, y la opinión se fue extendiendo poco a poco, hasta convertirse en algo prácticamente general (nunca hay unanimidad). La pasada semana, aprovechando una estupenda promoción de un cine de aquí (una entrada gratis por cada cinco), decidí comprobar por mí mismo si efectivamente esta nueva versión era tan mala como se decía. Y sí, fue una gran pérdida de tiempo.

Como señalaba mi compañero Adrián en su crítica, era difícil esperarse una película tan mediocre echando un vistazo a los nombres de la ficha artística. Para empezar, tenemos un reparto de lujo al que cuesta resistirse, encabezado por Benicio del Toro, Anthony Hopkins, Emily Blunt y Hugo Weaving. No son ellos los principales culpables de la baja calidad del film, pero desde luego tampoco hacen nada destacable para intentar salvar el conjunto, prácticamente se limitan a estar ahí, poner caras serias y soltar sus (lamentables) diálogos sin echarse a reír o a llorar. Un caso aparte es el de Hopkins, que está envejeciendo muy mal, dejando huellas de penoso actor en demasiadas producciones, sobreactuando de manera tan escandalosa que es imposible creerse ni una de sus frases. De todas formas, su personaje es un despropósito, y quizá lo que hizo con él era la única manera de interpretarlo.

Hopkins interpreta (o eso se supone) a Sir John Talbot, un hombre viejo, anticuado y dominante, de gran riqueza, que se queda solo tras la muerte de uno de sus hijos, a manos de algo o de alguien sumamente bestial que deja su cuerpo irreconocible. La prometida del fallecido, Gwen (Blunt), escribe al otro hijo de John, Lawrence Talbot (Del Toro), y le cuenta lo ocurrido. Lawrence, un actor de prestigio que se marchó de casa huyendo de su padre, regresa entonces a su pueblo natal, con la esperanza de descubrir qué le ha ocurrido a su hermano. Los rumores se dividen entre un loco psicópata, un monstruo que aparece las noches de Luna llena y el oso de un grupo de gitanos que llegó al pueblo recientemente. Lawrence decide investigar por su cuenta y pronto encontrará la solución.

A la historia, basada en ‘El hombre lobo’ de 1941, no le ocurre nada especialmente malo. Con buenos actores, dinero y buenos efectos especiales, tienes la posibilidad de mejorar (y mucho) el film original protagonizado por Lon Chaney, que visto hoy en día resulta tosco y aburrido. El problema es que en esta nueva versión nadie parece estar implicado con lo que se está haciendo, y esto se comprende cuando se descubre que se cambió de director al poco de iniciar el rodaje, algo que suele acabar mal a menos que el recambio sea un tipo realmente hábil; cosa que Joe Johnston ha demostrado claramente que no es (miedo me da lo que va a hacer con el Capitán América, cuya producción también está resultando problemática).

Del Toro ha reconocido que Mark Romanek, el anterior realizador al mando, quería centrarse en los aspectos oscuros de la personalidad de Lawrence, mientras que Johnston quitó todo eso y lo hizo más convencional. No resulta extraño porque a uno lo despidieron y al otro no le falta trabajo en Hollywood. Esta diferencia de perspectiva afectó a la post-producción, se cambió tanto la película que necesitaron rodar más escenas, añadir más efectos especiales por ordenador (para hacerla más moderna) e incluso buscar a otro compositor, porque la banda sonora ya no casaba con el engendro que estaban construyendo (aunque finalmente se mantuvo la música de Danny Elfman, en uno de sus peores trabajos). Hasta tres veces se retrasó la fecha del estreno, de tantos arreglos que le hicieron. Las cifras de la taquilla dejan claro que ha sido un error mayúsculo de la Universal.

Un Hulk psicópata y peludo

Y es que, a excepción de la secuencia de Talbot en el psiquiátrico (que podría haber sido un buen punto de partida para otra historia), nada funciona en ‘El hombre lobo’. Es un aparatosa chapuza de terror, acción, comedia y romance rodada sin ganas y destruida finalmente en los despachos y la sala de montaje, para hacerla más comercial. La película está narrada de una forma increíblemente torpe, sin respetar los puntos de vista, con flashbacks y sueños absurdos que no hacen más que romper el ritmo una y otra vez; la acción da saltos y no transcurre con normalidad, dando la sensación de que, por ejemplo, cada dos días hay Luna llena. Por otro lado, muchas de las acciones de los personajes no están convenientemente explicadas, no resultan lógicas, así que es imposible creerse lo que ocurre en la pantalla, meterse en el terrorífico y trágico relato que se supone que no están contando.

Es tal la cantidad de incoherencias que puede resultar entretenido ponerse a contarlas tras el visionado del film, entre birras y tapas. Por destacar un par, ¿qué me decís de la excepcional manera en la que Abberline (Weaving) pretende resolver el misterio quedándose en el bar, para no correr peligro y llegar ya tarde al lugar de los hechos? ¿O de los ridículos planes de John para mantener unida a su familia (ojo porque se le olvida explicar los hechos de la noche en la que es Lawrence es mordido), protegiendo a su hijo sólo una vez, dejándolo luego a merced de sus perseguidores? ¿O las explicaciones de la gitana (Geraldine Chaplin) a sus compañeros y a Gwen? ¿O por qué el monstruo es extremadamente rápido, efectivo y sanguinario, en lugar de comportarse como un animal, como esa bestia a la que se refiere constantemente John?

Tampoco tiene ningún sentido la forzada historia de amor entre Gwen y Lawrence, que se resuelve rápidamente para así poder ofrecer las típicas escenitas de enamoramiento (las molestias que se toma la chica para un cortecillo en el labio es de risa) y un desenlace convenientemente “dramático”. Todo es prisa e incoherencia en esta producción, rematada con una secuencia de acción bochornosa (por absurda y penosamente planificada), más propia de una película de superhéroes para adolescentes que de un cuento de terror para adultos.

¿Algún punto a favor? Ya he mencionado la parte del psiquiátrico, que no encaja nada con el resto y a mí me parece lo más interesante. También podemos quedarnos con la siempre disfrutable presencia de Weaving, aunque su detective de Scotland Yard sea poco más que un dibujo animado (podría ser un buen fichaje para la próxima de Sherlock Holmes), y con algunas bonitas imágenes sueltas (como la de las garras del lobo en el prólogo), que quedan estupendamente en postales, aparte del film. Para olvidar.

Aquí tenemos el nuevo y definitivo tráiler de ‘Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo’ (‘Prince of Persia: The Sands of Time’), la adaptación del popular videojuego producida por Jerry Bruckheimer y dirigida por Mike Newell (‘Cuatro bodas y un funeral’, ‘Harry Potter y el cáliz de fuego’). La película se estrena el próximo 28 de mayo, bajo el sello de Disney, y promete arrasar en taquilla. Si lo hace, vendrán dos secuelas más, para cerrar el negocio.

El tráiler es de los largos (dos minutos y medio) y descubre bastantes escenas, pero es muy similar al primero que salió, hace tiempo. Sigo pensando que hay demasiados efectos especiales y situaciones imposibles (es decir, realmente imposibles), aunque siendo un avance es normal que se centren en eso. Ya veremos. ‘Prince of Persia: Las arenas del tiempo’ gira en torno al príncipe Dastan, quien deberá unir sus fuerzas con una misteriosa joven para evitar que un malvado visir consiga las Arenas del Tiempo, un regalo de los dioses que puede invertir el tiempo y permitir a su poseedor gobernar el mundo. Jake Gyllenhaal, Gemma Arterton, Alfred Molina y Ben Kingsley encabezan el reparto.

Actualización: A continuación tenéis el mismo tráiler en castellano:

PD: La saga ‘Prince of Persia’ (‘Príncipe de Persia’) fue creada por Jordan Mechner en 1989.

‘Shutter Island’ debía haberse estrenado a finales del año pasado, pero los directivos de la Paramount decidieron que ya tenían suficientes candidatas a los Oscars de 2009 (la promoción cuesta dinero) y retrasaron el estreno de lo nuevo de Martin Scorsese para febrero de este 2010. La jugada les ha salido bien porque pudieron presentarla de forma oficial en el prestigioso Festival de Berlín (donde la vio mi compañero Adrián) y dudo mucho que la película hubiese cosechado muchas nominaciones. Además, quizá por la espera, la película ha logrado una fantástica recaudación en taquilla, siendo la de mayor éxito en la carrera de Scorsese y Leonardo DiCaprio.

Pero hablemos ya de la película en sí. Basada en la novela homónima escrita por Dennis Lehane (de quien también se han adaptado ‘Mystic River’ y ‘Adiós pequeña, adiós’), ‘Shutter Island’ nos traslada a 1954 y nos presenta a Teddy Daniels (DiCaprio), un agente judicial que se dirige, junto con su compañero Chuck Aule (Mark Ruffalo), a una pequeña isla donde está situado un hospital psiquiátrico en el que se internan a los enfermos más peligrosos. El motivo del viaje es la misteriosa desaparición de una peligrosa paciente, cuya fuga tiene desconcertados a los encargado de la institución. Nada más llegar a la isla, Daniels, quien esconde la verdadera razón de su implicación en el caso, descubre que no será fácil encontrar a la mujer, ya que nadie parece dispuesto a colaborar con ellos.

Entrando en la pesadilla

Desde la primera escena, se nos muestra que Daniels no está bien. Primero culpa al viaje en barco, está mareado. Habla con su compañero, con quien no había trabajado antes, y se distrae por un momento. Le aclara que es viudo. Un pirómano incendió el bloque de apartamentos donde vivían y él estaba de servicio, no llegó a tiempo. Esto es, Daniels va a la isla en mal estado, tanto físico como anímico. Desde que desembarcan hasta que llegan al portón principal, la siniestra institución es presentada magníficamente con un acompañamiento musical que hiela la sangre (compuesta por Robbie Robertson, colaborador habitual de Scorsese), la 3ª sinfonía (Passacaglia, Allegro Moderato) de Krzysztof Penderecki. La sensación es que Daniels está entrando en el infierno.

En la puerta, le quitan las armas. Allí mandan los vigilantes del centro/prisión. Pronto les presentan al Dr. John Cawley (Ben Kingsley), la cabeza visible de la institución médica, quien desde el principio se muestra reacio a colaborar con los agentes en la forma que éstos demandan. Revisan la habitación donde residía la paciente y Daniels descubre un pedazo de papel oculto en el suelo. “La ley de los 4; ¿quién es el paciente 67?“. Cawley no tiene ni idea de qué significa. Hablan con los empleados y Daniels vuelve a descubrir algo: uno de los guardias no estuvo en su puesto todo el tiempo. Interrogan a un grupo de pacientes y uno de ellos escribe “RUN” (“HUYE”) en la libreta del agente. Los guardias salen a buscar a la desaparecida, pero no hacen nada realmente, porque piensan que ha muerto. Todo es demasiado raro en Shutter Island. Sin duda, algo huele a podrido allí dentro, y Daniels está dispuesto a destaparlo.

La película va pasando de inquietante, tenebrosa, a opresiva, agobiante. Scorsese ha preparado un oscuro y retorcido laberinto en el que el protagonista se va perdiendo cada vez más, incapaz de fiarse de nadie, ni siquiera de su compañero, decidido cueste lo que cueste a resolver el misterio de la paciente y saldar una cuenta pendiente personal, que tiene con alguien que podría estar escondido en aquel lugar. Los cuidados escenarios, la banda sonora, la atmósfera, la puesta en escena, las interpretaciones, todo está perfectamente orquestado para diseñar una implacable tela de araña que atrapa tanto a Daniels como al espectador. ¿Qué es verdad? ¿Qué ocurre allí realmente?

Resolviendo el puzzle

Presentada la institución mental, sus extraños habitantes y los enigmáticos empleados (entre ellos un doctor alemán, interpretado por Max Von Sydow, del que desconfía plenamente Daniels), y con la investigación bloqueada por falta de pruebas, toca centrarse en Daniels. El temporal que azota la isla (lo que hace imposible marcharse de allí) y la atormentada mente del protagonista parecen una misma cosa. Desde que el agente entra en el recinto se siente especialmente violento, vulnerable a las miradas, las palabras y el aire que se respira en Shutter Island. Todo le afecta allí dentro. Y su cabeza es el campo de batalla. Las heridas del pasado vuelven al presente. Recuerda lo que vivió siendo un soldado, recuerda a su amada esposa (Michelle Williams)...

Los sueños poco a poco parecen mezclarse con la realidad. Daniels cree que le están administrando drogas. Sus desconfianzas iniciales van aumentando y pronto sospecha que ha caído en una trampa. Las incontables piezas del puzzle parecen ir encajando, formando una terrible imagen en la que los médicos son los principales enemigos. Daniels está convencido que le han llevado allí para convertirse en el paciente 67 al que se refería la paciente desaparecida… El suspense llevado al máximo. Toca resolver el asunto. Llegamos al clímax… y cuando se descubren las cartas, en mi opinión, ‘Shutter Island’ da un bajón impresionante. Tanto que parece una broma. Pero no, se le empieza a explicar la película al público (recurso burdo donde los haya) y uno va resignándose. Bueno, pues nada. Superado el impacto del jarro de agua fría, la película vuelve a recuperarse. DiCaprio está demasiado enganchado como para dejar que aquello se eche a perder, y los otros actores le siguen. El final recupera el mejor tono del film, acabando en una escena extraordinaria.

En definitiva, es difícil recomendar este film, porque una vez que te descubren el pastel la cosa pierde muchísimo. ‘Shutter Island’ tiene grandes momentos, una atmósfera muy cuidada y un reparto impresionante (todos están estupendos, y es una gozada ver a gente como la citada o a Jackie Earle Haley, Emily Mortimer, Patricia Clarkson y Elias Koteas, aunque su participación sea mínima). Pero el guión de Laeta Kalogridis, en la parte final, hace aguas por todas partes. Sencillamente, una vez resuelto el misterio, todo lo anterior no cada con la resolución, hay demasiadas incoherencias, es como si hubieran intentado hacer dos películas al mismo tiempo y las hubiesen montado a la vez. La verdad, me interesaba más la investigación policial de la isla, con la conspiración y el progresivo descenso al abismo de Daniels, que todo en lo que se convierte después la película. Pero bueno, hay que aceptarla como es, con sus aciertos y sus errores. ¿Lo mejor de Scorsese-DiCaprio? No, sigue siendo ‘Infiltrados’.

Más de uno se va a sentir identificado con los protagonistas de este particular documental. Aquí os dejo el tráiler de ‘The People Vs. George Lucas’ (al estilo de los procesos judiciales, esto es, ‘El pueblo contra George Lucas’), centrado en el fanatismo alrededor de ‘Star Wars’ y su creador, George Lucas.

Sin duda, lo más llamativo del vídeo es cuando recoge la decepción y el cabreo de mucha gente tras ver cómo su amada trilogía (la original, claro) iba degenerando con los años hasta convertirse en un simple negocio puro y duro. De ahí que un par de chicos canten en mitad de la calle ‘George Lucas raped our childhood’ (‘George Lucas violó nuestra infancia’).

El tráiler que tenéis arriba lleva un tiempo en la red, más abajo os he dejado el segundo avance, que salió hace poco, más breve pero igual de divertido. El documental ha sido dirigido por Alexandre O. Philippe y se ha realizado tras un llamamiento a todos los fans (norteamericanos) que quisieran hablar sobre su amor/odio hacia Lucas y el universo de ‘La guerra de las galaxias’. El film, ya terminado, no tiene aún fecha de estreno.

PD: Tenía esto guardado y no sabía dónde soltarlo. Ahí va. Mark Hamill por Joaquín Reyes:

Con bastante retraso, por fin el pasado viernes llegó a los cines españoles ‘El solista’ (‘The Soloist’, estrenada en Estados Unidos en abril de 2009), la tercera película del inglés Joe Wright, conocido director de ‘Orgullo y prejuicio’ y ‘Expiación’. En esta ocasión, Wright lleva a la gran pantalla un guión de Susannah Grant, que adapta un libro del periodista Steve Lopez en el que narra el “descubrimiento” de un brillante músico en las calles de Los Angeles. Lopez necesitaba material para su columna y lo encontró en la figura de Nathaniel Ayers, un extraño vagabundo que toca un viejo violín y que le proporciona una buena historia para sus lectores.

Sin duda, el gran atractivo de la película es ver juntos a Robert Downey Jr. y Jamie Foxx, especialmente a las órdenes de Wright, cuya progresión debía deparar grandes alegrías. Pero este realizador parece revelarse definitivamente como alguien más preocupado por la técnica que por la historia, incapaz de sumergirse en el drama de personajes que está narrando, haciéndolo por tanto difícil de tragar para el público. Al igual que en sus anteriores trabajos, el londinense se recrea en elegantes y complicados movimientos de cámara, debiendo parecerle por tanto a una parte del público que es un gran director, pero nadie puede serlo cuando lo que transcurre en la pantalla no atrapa, no resulta emocionante. Él se luce, luce (de manera equivocada) a los actores en constantes primeros planos, deja ver el trabajo de producción que hay detrás, pero es nefasto a la hora de transmitir sensaciones y verdades.

Y quizá puede parecer que la historia no daba para mucho, que no puede extenderse en una película, pero a mí me parece una conclusión equivocada. Es Wright quien la hace limitada y poco atractiva, al narrarla de esta forma (y necesitar tanto tiempo, casi dos horas). Personalmente, creo que encontrar a un genio en medio de la calle, pobre, loco, tirando de un carrito lleno de objetos recogidos de la basura, es la semilla de una gran historia. Además tienes a Downey Jr. y Foxx, estupendos actores en sus mejores momentos, más que capaces para dar vida a dos interesantes personajes de carne y hueso. Pero al realizador parece darle igual lo que Lopez cuenta en su libro, no apasionarse por la vida de Ayers, no interesarle ningún drama o relato personal, sólo la composición, la cámara y el montaje. La forma, no el fondo.

Hay una secuencia particularmente reveladora de todo esto. Sucede cuando una noche, Lopez se queda a dormir con Ayers en su particular “parcela”, en medio del triste campamento de gente sin hogar, junto a un centro público para enfermos (también abandonados). El periodista es nuestro punto de vista y Wright aprovecha para retratar esa cloaca de suciedad y pobreza, en una ciudad como Los Angeles, y hacerla impactante para un público que vive acomodado. ¿Cómo lo hace? Con un barrido espectacular donde la cámara (y no las personas) es la protagonista, elevándose desde el suelo para mostrar, con un ángulo cenital, los lugares donde duermen los vagabundos. El duro drama de esta gente, tirados en la calle, acurrucados entre mantas y dispuestos a sobrevivir otro día más, a pocos pasos de donde viven los que tienen de todo, queda retratado con un sofisticado travelling acompañado de una música lastimera y la voz en off de Ayers, rezando y dando las buenas noches. Típico de reportaje televisivo, bonito y melodramático; forzado, falso. Al instante siguiente se olvida, y uno sólo se acuerda del fantástico movimiento de la cámara.

De todas formas, el tema de la pobreza en Los Angeles es sólo una desviación de la película, que no está bien aprovechada, y que sólo está ahí para adornar, para hacer más contundente la historia de Ayers, a quien Lopez saca de la cloaca a pesar de su resistencia inicial. Ayers llevaba tiempo viviendo en la calle y se sentía cómodo con la vida que se había creado, así que al principio se opone a que Lopez le “arregle” su existencia. Éste, no sólo porque escribe en un periódico muy leído y quedaría muy mal que se desentendiera de la oveja perdida, le consigue un chelo y un apartamento, le anima a volver a tocar (tras descubrir que fue a la prestigiosa escuela Juilliard de Nueva York) y trata de que acepte medicarse. Pero Ayers ya ha pasado por todo eso y es una tarea imposible para Lopez, que se bloquea. El periodista descubre sus propias miserias personales y su equivocada forma de ver las cosas.

Así que, llegados a un punto, tenemos a un tipo extraordinario nacido para la música, que tiene problemas mentales y parece incapaz de recuperarse, de vivir una “vida normal”, y por otro a un “hombre normal” que al intentar ayudar al primero, a quien encuentra fascinante (por la pasión con la que toca todos los instrumentos que caen en sus manos), se da cuenta que su vida carece de sentido, que no tiene nada verdaderamente valioso y que se está dando golpes contra el muro que él mismo ha levantado. No en vano, Lopez se lleva media película con el rostro marcado por heridas y, en una escena, es golpeado también por Ayers en un estallido de locura. Repito, esta historia da juego. No he leído el libro del verdadero Steve Lopez, pero en cualquier caso los hechos reales y sus posibilidades no deberían dar una película tan sosa, plana y aburrida como la que ha filmado Wright.

Tampoco quiero ser injusto. La película tiene buenos momentos (los flashbacks de Ayers cuando era niño o las escenas de Lopez con su ex-mujer) y los actores en general están bastante bien (especialmente Downey Jr. y la siempre competente Catherine Keener; Foxx está un poco cargante). Pero es una oportunidad desaprovechada. Recuerdo cuando se empezó a hablar de este film y de todos los premios que ya había ganado antes incluso de llegar a los cines. Finalmente, se ha estrenado por todas partes con más pena que gloria y ninguna de las expectativas se han cumplido. ¿Y sabéis qué es lo próximo de Wright? Un thriller de acción sobre una adolescente entrenada para matar. Un paso lógico.

• Otra crítica en Blogdecine:

‘El solista’. El buen hacer de Joe Wright al servicio de una nimia anécdota

Ya ha salido el primer cartel de ‘Ondine’, el nuevo trabajo del director Neil Jordan (‘Entrevista con el vampiro’, ‘El fin del romance’). Tras su paso por los festivales de Toronto e Irlanda, la película comenzará a estrenarse en algunos países, como Argentina (en abril) o Estados Unidos (en junio). No, todavía no hay fecha para España, desafortunadamente.

Como podéis adivinar por la imagen, la película es “un moderno cuento de hadas”. Está protagonizada por el famoso Colin Farrell (irlandés, como Jordan), quien encarna a Syracuse, un pescador cuya vida cambia por completo cuando atrapa con su red a una misteriosa criatura. Claro, no una criatura fea, viscosa y con tentáculos, sino una con forma de mujer muy guapa, a quien da vida la actriz y cantante Alicja Bachleda (polaca, aunque nacida en México). De otra forma, el romance quedaría un pelín desagradable.

Stephen Rea, Tony Curran, Tom Archdeacon y Dervla Kirwan acompañan a Farrell y Bachleda al frente del reparto. El guión es del propio Jordan, aunque deberá admitir que la idea de una historia de amor entre un hombre y una sirena no es muy original. Esperemos poder verla algún día.

PD: Jordan tiene un Oscar por el guión de ‘Juego de lágrimas’ (1992).

Vía | Impawards

Jack Sparrow tiene nuevo enemigo. El británico Ian McShane está a punto de firmar para acompañar a Johnny Depp al frente del reparto de la nueva entrega de ‘Piratas del Caribe’. El actor, conocido por su trabajo en un montón de chorradas comerciales y por la aplaudida serie ‘Deadwood’, interpretará al legendario pirata Barbanegra (cuyo nombre real es Edward Teach), el terrible capitán del barco The Queen Anne’s Revenge (La Venganza de la Reina Ana). McShane se convierte así en la segunda novedad de la saga de Disney, tras la incorporación hace poco de la española Penélope Cruz, que encarnará a una valiente pirata de la que se enamora Sparrow. Tenemos recambios para Geoffrey Rush y Keira Knightley, sólo falta el de Orlando Bloom.

Escrita por Terry Rossio y Ted Elliot, los guionistas habituales de la saga, la cuarta parte de ‘Piratas del Caribe’, que tiene el título original de ‘Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides’, estará dirigida por Rob Marshall (‘Chicago’, ‘Nine’) y girará en torno a la búsqueda de la mítica Fuente de la Juventud. El rodaje comenzará este próximo verano y se espera que la película esté en los cines el 20 de mayo de 2011.

PD: Oren Aviv, jefe de producción de Disney, ha admitido que esperan que ésta sea el inicio de otra trilogía.

Vía | TheHollywoodReporter

Mañana llega a nuestras pantallas la superproducción ‘Percy Jackson y el ladrón del rayo’, basada en el primer libro de la saga escrita por Rick Riordan. La película ha sido dirigida por Chris Columbus, quien tiene experiencia en esto de las sagas fantásticas infantiles modernas, ya que dirigió las dos primeras entregas de la serie de Harry Potter (y dos de las mejores, justo después de la que dirigió Alfonso Cuarón).

Anteriormente habíamos visto un teaser, un tráiler y los primeros carteles; aquí os traigo el avance en español y un puñado de los últimos carteles. Es difícil que no os hagáis una idea de cómo sera la película viendo todo esto. Por si queréis más datos, comentaros que en Imdb (que suelen ser muy entusiastas) le dan un 6,3 de media y en Metacritic un 4,7. Eso seis después de su estreno en Estados Unidos, donde lleva recaudados 40 millones de dólares (costó 100). Si no hace mucho más en las próximas semanas, dudo mucho que continúen la saga, que podría llegar a cinco películas.

Protagonizada por los jóvenes Logan Lerman, Alexandra Daddario y Brandon T. Jackson, ‘Percy Jackson y el ladrón del rayo’ (‘Percy Jackson & the Olympians: The Lightning Thief’) gira en torno a un chico aparentemente corriente que un día descubre que en realidad es el hijo del dios Poseidón, y entonces deberá recuperar el rayo de Zeus y tratar de restaurar el orden cósmico antes de que se ponga el Sol en el día más largo del año… Sin duda, lo más atractivo de la película es el grupo de actores que acompañan a los tres chavalillos, entre los que se encuentran Pierce Brosnan, Uma Thurman, Sean Bean, Kevin McKidd, Steve Coogan, Catherine Keener y Rosario Dawson. Por cierto, ojo al look de Thurman en su correspondiente cartel. ¿Se puede hacer peor un póster?

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PD: Lerman es uno de los serios candidatos para sustituir a Tobey Maguire como Peter Parker en el “reboot” que prepara Marc Webb.

Vía | Impawards