Con ‘Si la cosa funciona’ recién estrenada, ya se está poniendo en marcha el nuevo rodaje de Woody Allen, lo que no es de extrañar, debido al ritmo de trabajo que lleva el neoyorquino. El título, que hasta ahora desconocíamos, aunque tuviésemos algo de información sobre la producción, será ‘You will meet a tall dark stranger’ (conocerás a un tipo alto y oscuro).

El argumento de esta comedia dramática girará en torno a diferentes miembros de una familia, sus variadas vidas amorosas y sus intentos de solucionar sus complicados romances. Con esto, de momento, no nos dicen mucho, pero conociendo la filmografía de Allen no parece difícil hacerse una idea de cómo será el film.

El protagonista —y probablemente el desconocido alto y moreno— será Antonio Banderas, de cuya participación en el film ya habíamos informado. El malagueño estará acompañado por Josh Brolin, Naomi Watts, Anthony Hopkins, Gemma Jones, Freida Pinto y Lucy Punch. Esta última sustituirá a Nicole Kidman, actriz de la que se habló para el papel.

‘You will meet a tall dark stranger’ es la segunda producción de Mediapro con dirección de Woody Allen tras ‘Vicky Cristina Barcelona’, que también contó con la participación de Antena 3. Tras éste, Mediapro producirá los dos siguientes filmes de Allen.

El rodaje de ‘You will meet a tall dark stranger’, que se desarrolla en Londres, durará unas siete semanas. El producto terminado podría llegar a las carteleras en otoño de 2010.

Lo de rodar con actores españoles no ha resultado demasiado bien para Woody Allen… o quizá para él, sí; pero no tanto para sus fans. ‘Vicky Cristina Barcelona’ fue una cosa extraña en la que nos podíamos reír sólo de lo que no formaba parte de la película: de los desvaríos de Penélpe Cruz en español, que no estaban en guión. Hemos agradecido que volviese a Manhattan para ‘Si la cosa funciona’, una cinta mucho más redonda, a pesar de que, en cuanto a la trama, no fuese nada original.

Esperemos que en ‘You will meet a tall dark stranger’ no vuelva a influir España negativamente y que Allen consiga otro buen producto europeo. Este autor ha demostrado ser tan buen director de actores que ha sacado a veces interpretaciones magistrales de estrellas no muy buenas, así que probablemente pueda hacer algo con Banderas. Por lo pronto, lo de comedia dramática a mí me da esperanzas, ya que lo mejor de la última que se ha estrenado era, sin duda, todo lo que nos hacía reír.

Vía | Empire.

Hablamos de 1991 y ‘El silencio de los corderos’. Un Anthony Hopkins inconmensurable que se puso en la piel del doctor Lecter, un personaje que creó el novelista Thomas Harris, y que perdurará inolvidable gracias al trabajo del actor británico.

El acierto de este thriller fue retratar a un villano de una forma cruda, dándole más protagonismo y atrapando al espectador con su fascinante personalidad, gracias a una acertada realización y al trabajo soberbio de Hopkins. Un personaje confinado en una celda de máxima seguridad pero que se las ingenia para generar verdaderas pesadillas sin apenas pestañear o moverse. Capaz de introducirse en el alma de Clarice, la agente del FBI interpretada por Jodie Foster, y removerle su conciencia.

Su ritmo pausado, su mirada profunda, sus gestos inquietantes, son sus principales armas y hacen de Hannibal Lecter un psicópata que causa verdadero pánico. También resulta especialmente llamativo los contrastes de su personalidad, como definía al comienzo. Un tipo que es un eminente psiquiatra, a la vez que un genio y amante del arte (y también de la gastronomía “exquisita”), pero capaz de acometer las atrocidades humanas más horribles. Comerse a sus víctimas. Un canibalismo despreciable que él convierte en una desviación humana justificada. Cínico y manipulador, el doctor Lecter no aparenta ser un malvado a primera vista. Su carácter de villano se encuentra escondido en lo más profundo de su interior, aunque cuando necesita urdir su fuga, no duda en sacar a luz toda su brutalidad y despiadado comportamiento.

Su erudición no justifica su sociopatía, y Lecter se convierte en uno de los asesinos mejor retratados en la historia del cine (si obviamos el resto de títulos de la saga que no llegan a la altura de ‘El silencio de los corderos’).

Resulta fascinante cómo consigue desentrañar a otro asesino, motivo por el que Clarice Starling se entrevista con él, y con la facilidad con la que lo hace. Una nueva muestra de su doble vertiente: gran psicólogo pero con un lado asesino especialmente desarrollado (como se aprecia en la gran escena del primer encuentro entre Clarice y Lecter).

Un villano de culto al que dio vida Anthony Hopkins y que, a pesar de tratarse de un personaje repulsivo, la mirada del realizador encierra una clara atracción que se transmite en esos cuidados primeros planos del actor. Esa misma atracción que nace en Clarice, y que se transmite al espectador. Es por eso que el retrato de Lecter resulta tan inquietante. Un gran trabajo que supuso un giro a la hora de mostrar a un asesino en serie en el cine y que se ha convertido en un clásico, con un malvado inolvidable.

Otros de mis villanos favoritos:

• Jack Torrance (‘El resplandor’)
• El capitán Vidal (‘El laberinto del fauno’)
• Catherine Tramell (‘Instinto Básico’)
• The Terminator (‘Terminator’)

• Annie Wilkes (‘Misery’)

En Blogdecine:

• ‘El silencio de los corderos’, la mente del dragón (I)

• ‘El silencio de los corderos’, la mente del dragón (y II)

Continúo con las entrevistas que pude hacer durante mi provechosa estancia en Sitges. En esta ocasión, y para completar lo dicho en la crítica de ‘La huérfana’ (‘Orphan’) que publiqué ayer, os dejo con la transcripción de la entrevista a su director, el español Jaume Collet-Serra (‘La casa de cera’, ‘Goool 2: Viviendo el sueño’).

Pero antes, os cuento un poco cómo se produjo la reunión. Para empezar, debo aclarar que no tuve la oportunidad de hablar con el director a solas, otros medios estuvieron presentes y la entrevista, que duró unos veinte minutos, se llevó a cabo con la participación de todos. Como todas las charlas con invitados, ésta también se produjo en el Hotel Meliá, centro de operaciones del Festival, pero lo particular es que nos invitaron a la habitación donde se alojaba Collet-Serra.

De nuevo, tuvimos que esperar un rato, hasta que terminó la anterior entrevista, que debió ser en inglés, porque el realizador se alegró bastante cuando empezamos a hablar catalán y castellano. Como veréis, es un tipo bastante peculiar, que bromea mucho pero no se ríe nunca, aparentemente muy seguro de sí mismo y sin pelos en la lengua (he suprimido bastantes tacos). A mí me dejó sorprendido en varias ocasiones, pero al volver a escuchar la grabación entiendo que sólo intentaba crear un ambiente relajado. Sin más, espero que os resulte interesante la lectura:

• Durante gran parte de la película parece que no pasa nada, pero se mantiene la tensión y sabes que en cualquier momento, todo puede explotar.

Para mí era muy importante desarrollar los personajes. Porque si no los desarrollas bien, y la audiencia no conecta con ellos, luego no puedes sentir lo mismo que sienten ellos. Yo tengo la reputación de que mis películas son lentas al empezar y tal. Pero me da igual, a tomar por saco, yo creo mucho en el desarrollo de los personajes. Y lo hice también en ésta, en el guión no pasaba absolutamente nada, además las tres o cuatro cosas que pasaban al principio las quité, y en vez de eso creé la atmósfera, que puede ocurrir algo en cualquier momento. Los truquitos del susto fácil y todo esto te los sacas de encima, y dices: “mira, esta película es tonta, no pasa nada”. Es lo que hice, pero luego os la voy a cambiar totalmente, y os voy a llevar por otro camino. Para decir “yo también sé hacer esto”. Podría hacerlo en el tercer acto, pero sería una putada, os lo voy a poner al principio. Porque si tu clímax es un susto porque pones la música alta… Así que lo pongo al principio. Y los productores contentos, porque te has portado bien.

• No sé si has visto ‘Expediente 39’...

No, pero sé cuál es, sí, he visto el cartel en Estados Unidos.

• Bueno, ésa también va sobre una niña que se vuelve una pesadilla, y también se toma mucho tiempo al principio para presentar a los personajes, pero creo que ‘Orphan’ está bastante mejor porque los actores también lo están.

Eso es lo que tiene de especial la película. No tiene nada más de especial, creo yo, que el nivel de actuación.

• ¿Cómo conseguiste a estos actores, Vera Farmiga, Peter Saarsgard…?

Pues… de rodillas [risas]. No, bueno… Lo que pido, lo consigo siempre.

• ¿Y la niña, Isabelle Fuhrman?

Suerte. No puedes elegir a una niña que te ha gustado en una película que acabas de ver, porque entonces ya tiene catorce años. Estábamos buscando a una niña de nueve años, que hace nueve años se engendrara esta super-actriz que es perfecta para tu película. Isabelle tiene ahora doce, pero tenía diez cuando hicimos la película. Pero es que a esa edad, hay mucha diferencia entre nueve, diez y once, cambia mucho, la altura, la madurez… cambia todo. Y también a lo largo de la película, cambian. Tuvimos la suerte de que nueve años antes de buscar, había nacido esta chica, que era perfecta para el personaje.

• Esther desde el principio marca sus diferencias, sola, con ese vestuario. Y si desde el cartel estás avisando que oculta algo… ¿No habría sido mejor que intentara pasar desapercibida, que se integrara en un grupo?

No creas. Tú vas a ligar con alguien. Quieres que la persona ligue contigo. No quieres ser la persona que va a atacar. Quieres hacerte la interesante y que vengan a ti. Es lo que ella está haciendo. Como una araña, está atrapando a los padres. Tú vas ahí y te vendes, y… vas muy fuerte. Pero si vas y te haces la extraña, la víctima, ellos ya dan el primer paso. Yo pensé que era más interesante hacer eso.

• ¿Querías mandar un aviso al público sobre los peligros de la adopción?

No. No aviso a nadie. No tengo ningún mensaje de adopción. Es una película, es simplemente un recurso. Es como ‘Pero… ¿Quién mató a Harry?’, de Hitchcock, pero con una huérfana.

• Esther tiene algo siniestro, pero a la vez cautiva, no llegas a querer que sea alguien malvado…

Claro, porque te estoy justificando sus acciones.

• Está muy bien, pero, no sé si porque estaba en el guión o porque lo querías así, la niña acaba por mostrarse como un monstruo. Se desata y empieza a comportarse de forma diferente a lo que nos habías enseñado al principio.

Bueno, tienes que pensar que esto no es un documental. Entonces, la película tiene que evolucionar, a dónde tiene que ir. Hay momentos donde dices: “Bah, esto es una película”. Hay momentos de mayor realidad, y otros de película. Bueno, creo que tenía que mostrar a ese monstruo. Ha estado escondido y debía sacarlo.

• Es importante la fragilidad que hay en la familia, ¿no?

Es un reflejo de la típica familia americana que en apariencia todo es perfecto, pero todo el mundo tiene secretos. Y hay una falta de comunicación entre ellos. Si se comunicaran, esto no pasaría. Es un tema de siempre de las películas de terror, que todo el mundo tiene problemas, pero si los confrontaran cuando hay que hacerlo… no morirían. Cuanto se escapan y se esconden de los problemas, viene Freddy y se los carga [risas].

• ¿Hubo problemas por rodar con niños? Porque a menudo, sobre todo en películas de terror, ponen muchas condiciones a los estudios, controlando si el niño participa en alguna escena de violencia. Incluso al niño de ‘La profecía’ le pusieron un psicólogo durante el rodaje…

Sí, están muy controlados. El gobierno americano se lo toma muy en serio, rodamos en Canadá y se trajeron profesores que estaban todo el tiempo con ellos. Tengo cuatro horas para rodar con ellos, ni un minuto más. Y cada media hora, que si tienen que ir a la escuela… Fue una pesadilla. Se les cuida bastante bien. Desde mi punto de vista, se les protege, y yo tampoco quiero que me llamen y me digan, oye, que de niño me jodiste. Cualquier cosa de violencia se hacía de forma muy específica. No había sangre. Toda la sangre que veis se añadió en post-producción. No había cuchillo. Hay una escena en la que ella agarra uno, pero es eso, lo que tiene en la mano, no hay nada más. Todo está muy cuidado. Pero ellos durante el rodaje encantados. La única que a mí me daba un poco de susto, que pensaba que iba a ser muy dura, es cuando le pone la pistola en la cabeza. Porque se tenía que ver la pistola. Había balas, que no son de verdad, pero… a mí me dio mal rollo. Pero en la primera toma, cuando le pone la pistola en la cabeza, la niña se descojonó de risa. Y yo “noooo…”, tenía poco tiempo para rodar con ellos.

• Que la hermana sea sordomuda da mucho juego.

Estaba en el guión. Sí, da mucho juego. Y yo lo exalté, creé un mundo donde no se oye. Es un poco la frustración de no poder comunicarse, no poder hablar con su hermano. Es un toque bonito. Pero cuando lo leí... Dije, “¿cómo vamos a hacer esto?”. Es una niña de cinco años… Si es sordomuda no puedo hablar con ella, no la puedo dirigir. Si no lo es, va a quedar fatal, porque una niña de cinco años nunca va a aprender todo eso, y la asociación de los dos mundos me la manda a tomar por saco. ¿Cómo iba a hacer una película con una niña que no es sordomuda? Y otra vez, tuvimos mucha suerte y encontramos a la niña perfecta. Es sorda pero no muda. Su madre es sordomuda. Entonces, podía hablar, podía comunicarse, tenía esos aparatos para los oídos, que son suyos, oía un poco, y hablaba… mal, como hablan los sordos, porque no oyen bien, pero todo fue perfecto. Es raro, porque nadie pregunta por ella, pero para mí es lo que aguanta la película. O sea, Vera aguanta por un lado, Isabelle por otro, pero la inocencia de esta niña es lo que aguanta la película emocionalmente. Y esa inocencia es verdadera. O sea, ella no sabía que estábamos rodando una película. Ella preguntaba, “¿Me tengo que poner esto otra vez?”, “Y esto, ¿no lo hicimos ayer?”. No sabía nada. Entonces reaccionaba. No actuaba, reaccionaba de verdad a lo que veía.

• Ya me fijé en ‘La casa de cera’ que planificas muy bien cada plano, no se te escapa ningún actor. ¿Cómo preparas cada escena, usas dibujos, storyboards?

No, bueno, soy nazi [risas]. Con los operadores soy muy específico. Me colocan el cuadro, voy ahí, miro y lo muevo, ¿sabes? Un milímetro. Y entonces me dicen: “Ah, tienes razón”. Soy muy nazi con los cuadros, con los enfoques. Pero me hago muchas reglas. Sé de qué va la escena, lo que hay que transmitir con la escena, visualmente qué regla puedo hacer para llevar el mensaje. Por ejemplo, la escena del principio de la psiquiatra. No hay ningún plano con las dos mujeres juntas. Es una regla muy sencilla, porque no hay conexión. Están hablando pero están distantes. La escena cuando aparece la niña. Hasta que ella no se gira y dice su nombre, nunca ves su cara. Haces muchas reglas. Las preparo meses antes de rodar. Entonces cuando toca rodar, todos saben esas reglas. No hay discusión. Lo peor que puede pasar en el cine es improvisar. Si llegas y te dicen “Esto está bien”, y luego “Ah, pero esto también”, o “¿Has probado desde aquí arriba?”. Eso es lo peor que te puede pasar. Te acaban saliendo planos de mierda y nada funciona. Porque todo el mundo intenta poner su sitio, y me quieren tomar por tonto.

• ¿Tienes libertad cuando ruedas una película como ésta, de mucho presupuesto?

El presupuesto no es tan alto, ¿eh? [risas]. Tengo una libertad razonable. Yo cuando ruedo una película, no hay nadie mirando por encima de mi hombro. Mientras yo termine el día a la hora que tengo que terminar, y he rodado la escena que tenía que hacer, no hay ningún problema. Si me paso media hora con el rodaje, me cae bronca, como a todo el mundo. Me sugieren cosas, pero siempre antes, en pre-producción. Durante el rodaje siempre hay problemas, pero ahí yo tengo la última palabra, siempre. A mí no se me impone nada. Porque es mi set. En la claqueta está mi nombre. Lo puedo hacer de buen rollo si eres un productor que te has portado bien conmigo, mirar esa opción… pero no me lo puedes imponer. Luego, una vez que yo entrego mi corte del director, pueden hacer lo que les dé la gana. Ahí está el peligro. Si has sido un capullo cuando estás rodando, ellos lo van a ser contigo en el montaje. Con ‘Orphan’ estuve hasta el último día del montaje. Porque tengo una buena relación con Joel, muy de colaboración. Pero Joel es de los que despiden directores después del primer corte, y traer a su propia gente y acabar la película como él quiere.

• El género de terror no tiene mucho prestigio, ¿quieres seguir ahí?

No, quiero moverme al thriller, llegar a más público. Hay gente que no va a ver mi película por el género. El terror me parece maravilloso, pero yo quiero hacer algo más. Ya he hecho dos de terror, quiero algo más difícil. Es muy fácil rodar terror.

• ¿Y seguirás rodando en Estados Unidos?

Sí. No pienso venirme aquí. Tendría que ser una película especial.

• Destaca ver a DiCaprio entre los productores. ¿Qué tal con él?

Bien, somos muy amigos [risas]. No, bueno, es un chaval de mi edad, normal y corriente. Una super-estrella, pero nada más. Es muy creativo. Sabe lo que quiere, sabe cómo hacerlo. Y se está abriendo paso como productor. Tiene su compañía y tiene muchos proyectos. Lo vais a ver en los próximos años.

PD: Según Imdb, lo nuevo de Collet-Serra se titula ‘Unknown White Male’ y cuenta con Liam Neeson como protagonista.

El último día en Sitges fue el de ‘The Road’ (‘La carretera’). La película, adaptación de la novela de Cormac McCarthy, se proyectó por la mañana, en el pase de las ocho y media, y por la noche, siendo la encargada de clausurar la 42ª edición del Festival. A las once y media, estábamos citados para asistir a una rueda de prensa en la que iban a estar Viggo Mortensen y John Hillcoat, el protagonista y el director del film.

He estado en otras ruedas de prensa, creedme que se nota cuando viene una estrella. No se cabía en la sala, y el nerviosismo era muy palpable, todos querían tener el mejor sitio y la mejor visibilidad (muchos parecían fanáticos del actor). Con un poco de retraso, por fin entraron Hillcoat y Mortensen, recibiendo rápidamente una marea de flashes. Ángel Sala dio las gracias a todos, presentó a los invitados e inició la ronda de preguntas. No hubo mucho tiempo, y tampoco creo que las pocas preguntas que se hicieron (algunas ridículas) dieran la oportunidad de aprovechar mejor el encuentro, pero bueno, al menos pude oír y ver de cerca a uno de los mejores actores del planeta, y saber un poco más sobre la película, que por cierto, por lo que he oído ha gustado mucho, no sólo a mí.

• Viggo. La película me ha hecho pensar en que el hombre es un lobo para el hombre. ¿Piensas lo mismo?

VM: El hombre puede ser un lobo y también un cordero. En la novela, como en la película, que es bastante fiel, se quiere dar la idea de que el “good guy” (“hombre bueno”) se define por sus elecciones. Elegir por el amor, o por el odio. Todos podemos hacer cosas buenas o malas.

• Hola Viggo. Tu personaje lo pasa bastante mal en la película. ¿Que habrías hecho tú en su lugar?

VM: Bueno, soy testarudo. Intentaría aguantar todo lo posible. Nunca se sabe. Son situaciones por las que vamos al cine, las que se cuentan en este cuento. Lo importante es para qué, ¿para qué sobrevivir? ¿Sobrevivir nada más, o hay otra cosa, más allá? Una elección, como comenté antes.

• ¿Fue muy duro el rodaje, y cómo hacían para mantener el buen humor? Y luego para Viggo, el director de ‘Solomon Kane’ dijo que tú habías sido su primera elección, si nos podría decir algo sobre esto.

JH: Hacer la película fue muy duro. Se hizo en localizaciones exteriores, en invierno, fue duro. Pero dio significado a la película. Ayudó a contar la historia, y al equipo. Rodamos en 50 localizaciones, tuvimos que movernos por 4 Estados diferentes. Esto le dio una dimensión más a la película.

VM: A ver si me acuerdo… que otros directores quieren contratarme. Bueno, como actor me parece muy bien, hace falta trabajo [risas].

• Para los dos. La película da mucho miedo, ¿qué os aterra más?

JH: A encontrarme totalmente negado por el miedo. Es difícil, estar bajo tanta presión, guardar la humanidad, hacer lo correcto.

VM: Yo tengo miedo a fracasar como actor. El desafío era encontrar la forma de desnudarse desde dentro, de ser honesto, con los sentimientos, más que en otras películas, otros cuentos. Era importante encontrar al niño, encontrar a un genio en realidad. Con el trabajo de fotografía, de Javier Aguirresarobe, del equipo, la preparación del director… con todo ese trabajo, sin un niño, no tenemos nada. Y yo tampoco tengo un compañero, que me pueda sacar lo que tengo que hacer. Hay que tener un poco de miedo como actor, para aprender, para hacer algo nuevo e interesante.

• Para Viggo. ¿Cómo te preparaste físicamente para el papel?

VM: Bueno, dejé la tortilla a un lado [risas]. No, hay que comer un poco menos. Tenía que estar más flaquito. Escuché música, poesía, vi películas. Todo lo que yo creía que me ayudaría a entrar en un estado de emoción. Un estado de gracia con el niño. Pero no fueron las cosas exteriores lo más importante. Lo más importante era, como digo, encontrar el coraje para decir la verdad, sin palabras.

• Hola Viggo, buenos días. Para ti, ¿qué es más complicado, mantener a salvo tu vida privada o interpretar un papel? Lo digo porque si hay algo que te hace ser un actor enigmático y poderoso es eso, la clave para no aparecer en los medios y no desgastarte como actor.

VM: No lo pienso, la verdad. La protejo. Por respeto a mi familia y los amigos. No me interesa llamar la atención de esa manera. Lo que es difícil es portarte bien y admitir tus errores. Es lo que cuenta este cuento también. Ser honesto con el chico. Se creó un vínculo muy fuerte, una complicidad, por todo lo que vivimos. Es de verdad y creo que se nota. Eso no se puede fingir.

• ¿Cómo es trabajar con un niño tan joven y contarle cosas tan duras?

JH: En términos de logística, fue muy difícil. Me gran miedo era encontrar un niño así, que nos pueda llevar por un viaje tan oscuro. Hablé mucho con Viggo sobre esto, era muy importante. Y cuando lo encontramos [el niño se llama Kodi Smit-McPhee] fue una bendición. Fue un regalo. Aprendí mucho con él. Hubo un momento precioso. En la película, cuando el hombre está a punto de cruzar una línea moral, en el guión, y en la novela, se decía que el niño debía llorar desconsolado. Lo intentamos pero no le salía. Él decía que no funcionaba, que él lo que sentía era cabreo, que no podía llorar. Así que lo hicimos así. Y él tenía razón. Fue increíble.

VM: Quiero contar algo, para que sepáis cómo es. Es un niño, y durante el rodaje tenía que divertirse. Fue complicado, hacía frío, nevaba. Pero se burlaba de todo, en el buen sentido. Se mostraba maduro e ingenioso al rodar. Pasó algo muy divertido con Robert Duvall. Tras rodar un par de tomas, se me acercó y me preguntó dónde habíamos encontrado a este chico, es genial. Luego fui a ver a Kodi y le pregunté qué tal había ido. Me dijo: “Está bien el viejito” [risas]. Es australiano, pero no se nota. La gente piensa que es de Estados Unidos. Y además habla un castellano bastante bueno. Durante el rodaje, Javier era el que más sufría, por el tiempo, los cielos grises, y se ponía de rodillas, rogando, maldiciendo al cielo. El niño se partía de risa. Había otro chico argentino con nosotros y entre él y yo le enseñamos a hablar… el buen castellano [risas].

• Hemos visto varias películas sobre el apocalipsis, ¿qué pensáis sobre esto?

JH: Están pasando cosas en el mundo. Hemos vivido en una burbuja. Pero ahora estamos con el cambio climático, y estamos siendo más conscientes de todo.

VM: Yo soy optimista, es el fin del Festival, pero no del mundo… ni de la selección argentina [risas].

• Se dice que ya no hay películas sin publicidad. ¿Por eso aparece una Coca-Cola en la película?

JH: La Coca-Cola es parte de la novela. Se incluye por el poco corazón de las empresas. No fue por dinero. De hecho, tuvimos problemas. Quisimos ser fieles y contactamos con ellos, pero mejor que lo cuente Viggo.

VM: A mí no me interesa hacer propaganda. Excepto de la película, por eso estamos aquí. La Coca-Cola está en el libro. A mí me divertía la idea de que fuera una Coca-Cola light [risas]. Habría sido gracioso. Pero tuvimos problemas, ellos sólo ponen sus productos en películas para toda la familia. Así que me dieron un número, y yo les llamé. Les conté todo. Va a quedar genial. Más barato, gratis. Como si estuvieran gratis en el mundial [risas]. Si fuera Pepsi no sería como en el libro. La rodamos con varias, con Pepsi, con Fanta… Lo hicimos mejor con la Coca [risas]. Les enviamos escena rodada y quedaron impresionados. Y aceptaron.

La cosa acabó ahí, pero debo contar algo que me ocurrió esta misma mañana, para cumplir con los hechos, con la narración verdadera de mi estancia en Sitges. Ya sabéis todo eso del cansancio acumulado. Además, hoy llevaba mi portátil en la mochila (la que me dieron el primer día), por si se repetían los problemas de Internet que ya os conté, y se ve que la mochila estaba más agotada aún que yo, no ha aguantado el peso extra y se ha roto. Entre una cosa y otra, y que soy un desastre con la hora, eran las once y cuarto, estaba a punto de empezar la rueda de prensa y… ¡no encuentro mi acreditación!

Después de volverme loco buscando, me doy por vencido y concluyo que la única opción es volver al Auditori, por si se me hubiera caído mientras veía ‘The Road’. Me atendió una chica muy amable que me aseguró que buscaría en la sala una vez acabara lo que se estaba proyectando en esos momentos. Pero Mortensen y Hillcoat estaban a punto de llegar y yo seguía sin mi acreditación. ¿Me dejarían pasar?

A menudo, “mon amour” me habla del karma. Si hubiera estado allí conmigo, me lo habría vuelto a comentar. ¿Os acordáis de aquel “segurata” que protagonizó la anécdota de uno de mis textos? Bien, pues estaba allí, cuando me acerqué a la sala Tramuntana a punto de dar las once y media. Por supuesto que, de todos, tenía que estar él. Me acerqué. Y en lugar de pedirme nada, me hizo el típico gesto de “vale, puedes seguir”. Por si acaso, le conté lo de la acreditación. Me dijo que no había problema, que me conocía. Le doy las gracias. Sigo caminando, y me planto delante de una de las dos puertas. Hay demasiada gente y me voy a la segunda.

Entonces un tipo me para y me pide la acreditación. Le explico que la he perdido en el Auditori y que el vigilante me ha dejado pasar. Le da igual, no puedo entrar. Resoplo. Se lo vuelvo a contar, con más detalles. Me pregunta de qué medio vengo, como si me fuera a pillar. Le respondo. Me mira y me dice: “¿Cómo perdéis las acreditaciones, qué os pasa?”. Antes de que se forme en mi cabeza alguna respuesta adecuada, suficientemente contundente como para que deje de decir tonterías, se hace a un lado y me dice que pase, sin mirarme. ¿A qué venía esa actitud? ¿Por qué se comportó como si fuera un policía de aduana y yo un maldito terrorista que quiere inmolarse para despachar vírgenes eternamente?

Él mismo me lo aclaró un rato después. Por suerte, encontraron rápidamente mi acreditación y fui a buscar al tipo este de aire tan chulillo, para que las cosas quedaran claras. Me pidió disculpas en cuanto me vio, antes de decirle nada. Las acepté y me preguntó qué tal me había parecido el Festival. Le dije que bien, pero que estaba ya un poco harto. “Estamos todos hartos, demasiado estrés”, me respondió, y dio una larga calada a su cigarrillo, como si Jean-Luc Godard lo estuviera filmando. Asentí y me fui a comer algo, antes de ir al Retiro, con las prisas de siempre, y la mochila rota, a ver ‘Cold Souls’.

PD: Madre mía, qué bien se está en casa. Estos días os seguiré hablando del Festival, pero ya desde un hogar, con la paz que me aporta mi pareja, y sin sofocos. Dormir más de cinco horas, qué placer…

Se acerca el estreno de una de las películas más interesantes y esperadas de este año, ‘El imaginario del doctor Parnassus’, lo nuevo del director Terry Gilliam (‘Doce monos’, ‘Tideland’), y aquí os dejo los dos últimos carteles que han aparecido en Internet; uno de ellos está en español, confirmando que no se ha realizado una alocada traducción del título, que a veces hasta da vergüenza pedir la entrada a la taquillera (menos mal que siempre se puede decir el nombre de la sala).

Como sabéis, pues no es la primera vez que hablamos de ella, se trata de la última película en la que participó Heath Ledger, fallecido accidentalmente cuando aún estaban en pleno rodaje. Por suerte, Gilliam entendió que había que seguir adelante, y consiguió que los estelares Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell, amigos del actor, tomaran el relevo e interpretaran el papel que había quedado desierto. El dinero que debían haber cobrado por su trabajo fue donaron a la hija que tuvo Ledger con la también actriz Michelle Williams (se enamoraron durante el rodaje de ‘Brokeback Mountain’).

El film ya se ha paseado por varios festivales y pronto lo hará también por Sitges (donde estaremos, al igual que estuvimos en San Sebastián), pero el público español no deberá esperar con los dientes largos durante mucho más tiempo, ya que la fecha de estreno para salas comerciales está fijada para el próximo 23 de octubre. Por lo que nos contó Adrián, y lo que se ha comentado en otros medios, la espera va a merecer la pena.

PD: Christopher Plummer, Tom Waits, Lily Cole, Verne Troyer y Andrew Garfield completan el reparto protagonista.

Vía | Impawards y Empire

Muchos nos habéis escrito, desde el domingo, enviándonos la noticia del famoso arresto del director Roman Polanski en Zurich, donde iba a recibir un homenaje por toda su obra. Pensamos que no era muy buena idea comentar aquí el asunto, ya que se prestaba más a la discusión sobre el viejo caso por el que se le juzgó, cuando lo que a nosotros nos interesa en este sitio es hablar de cine. Pero la detención de Polanski ha afectado a su última película, y eso ya sí que entra totalmente en nuestro terreno.

Tenía pendiente hablar sobre ‘The Ghost’ en Blogdecine, después de que este verano empezase a circular en Internet un primer y diminuto avance de la película, lo nuevo de Polanski desde la adaptación de ‘Oliver Twist’ (2005). Según se ha informado a la prensa, el último trabajo del cineasta no está totalmente acabado, y ahora mismo corre peligro, ante la posibilidad de que Polanski sea deportado a Estados Unidos. Al parecer, faltaba terminar el montaje y añadir la música, tareas que están en el aire en este momento.

Basada en la novela de Robert Harris, ‘The Ghost’ (‘El fantasma’) gira en torno a un primer ministro británico y a un escritor “fantasma”, contratado para ayudarle a terminar sus memorias pero cuyo nombre no aparecerá acreditado; lo que aquí llamamos un “negro”. La trama explota cuando el político revela secretos que ponen en peligro la vida del escritor. A continuación tenéis el “teaser” tráiler de la película, que apenas dura diecisiete segundos:

La película, que está protagonizada por Pierce Brosnan, Ewan McGregor Kim Cattrall, Tom Wilkinson, Timothy Hutton, Eli Wallach, Olivia Williams y James Belushi, no tenía aún distribuidor para Estados Unidos, y con el arresto, que ha vuelto a levantar la polémica en torno al director, parece improbable que alguien esté interesado en hacerse con los derechos para estrenarla allí, con lo puritanos que son.

Esto no tiene nada que ver con Europa, el estreno de ‘The Ghost’ en países como Alemania y Francia ya estaba asegurado, por lo que la llegada a los cines españoles no corría peligro. Eso era antes, cuando todo iba según lo previsto. Pero así es la vida, todo puede cambiar en un segundo. Ya veremos qué ocurre con la película, y con el director, al que ahora mismo le debe importar un pimiento el cine.

PD: Un extra, un consejo del señor Polanski para los aspirantes a cineastas:

Vía | Empire

Ya ha salido el esperado tráiler de ‘This Is It’, la película documental dirigida por Kenny Ortega que nos muestra las últimas grabaciones de Michael Jackson, mientras preparaba la que iba a ser su nueva gira, poco antes de su muerte.

Como os conté cuando salió el cartel, ‘This is It’ sólo estará en los cines durante dos semanas, pero hay que destacar que las entradas se pondrán a la venta con mucha más antelación de lo normal, hasta un mes antes del estreno, previendo la cantidad de fans del artista que pasarán por las taquillas. El negocio va a ser redondo, y más aún cuando salga la película en DVD y Blu-ray…

‘Michael Jackson´s This Is It’ ofrecerá al público la oportunidad única de echar un vistazo a la preparación de un concierto del artista, mostrando su preocupación por todos los aspectos del espectáculo. Del mismo modo, se intercalarán testimonios de las personas que estuvieron más cerca del rey del pop y secuencias musicales en 3D, para que los fans puedan tener la sensación de estar en primera fila, de un concierto que nunca se pudo llevar a cabo. La fecha del estreno es el próximo 28 de octubre.

PD: Michael Jackson en 3D. Casi podrás tocarlo. La de situaciones extrañas y macabras que se pueden dar en los cines… habría que grabarlo.

Vía | TheMovieBox

Acaba de aparecer en la red y ya lo tenéis aquí, el nuevo y definitivo tráiler de la película ‘Tiana y el sapo’, el esperado regreso de Disney a la animación en dos dimensiones. ‘The Princess and the Frog’, que es como se titula originalmente (debería ser “La princesa y la rana”, que además suena mejor) es una comedia musical que tiene lugar en la Nueva Orleans de los años 20. La película se centra en Tiana, una chica que una noche se encuentra con un príncipe convertido en sapo, quien necesita un beso para poder recuperar su forma humana. El beso se produce, pero las consecuencias no son las esperadas, dando lugar a todo tipo de aventuras, orquestadas por los responsables de ‘La sirenita’ y ‘Aladdin’, Ron Clements y John Musker.

El tráiler pinta muy bien, mejor que el anterior para mi gusto, y la apuesta de Walt Disney Animation Studios por la vuelta al dibujo tradicional es algo que resulta muy atractivo. Sí, vale, el 3D es estupendo, tiene muchas posibilidades, pero, ¿por qué dejar las 2D abandonadas, cuando se han hecho magníficas películas de ese modo? Esperemos que ‘Tiana y el sapo’ sea tan buena como parece, y nadie se arrepienta. La fecha del estreno de la película en Estados Unidos es el próximo 11 de diciembre, pero a las salas españolas no llegará hasta el 4 de febrero de 2010. Tarde, muy tarde…

PD: Terrence Howard, Anika Noni Rose, Jim Cummings, Keith David, John Goodman, Jenifer Lewis y Oprah Winfrey prestan sus voces a los personajes principales.

Vía | TheMovieBox

No me puedo imaginar a ningún artista cinematográfico a quien resulte más apasionante, y a la vez más complejo, dedicarle un análisis en Blogdecine, que el esquivo, huidizo y poco fructífero en títulos (no así en imágenes de gran altura estética), el norteamericano, de ascendencia parcialmente libanesa, Terrence Malick. Este director, guionista y productor, sólo ha filmado 4 largometrajes en 65 años de vida y 35 de carrera (la quinta, ‘The Tree of Life’, podría verse en 2010), y aún con tan exigua producción es, sin duda, uno de los más importantes cineastas vivos.

Por supuesto, y como debe ser, no carece de numerosos detractores que tachan su cine de pretencioso, vacío, preciosista y aburrido. Personalmente, creo que su cine sólo puede ser degustado como merece por los paladares más exigentes, pues Malick pertenece a esa raza de cineastas incapaz de pactar ninguna concesión al espectador, construyendo una obra alejada de los gustos de la mayoría con el formidable coraje de un artista coherente sólo consigo mismo y con sus necesidades creativas, delimitadas por unas reglas que le son propias y que no pueden ser compartidas por ningún otro cineasta, lo que le convierte en un autor inaccesible para muchos, pero irrepetible para algunos.

El enigma Terrence Malick

Pero lo que es, sobre todo, es un autor enigmático, quizás el más enigmático de todos los autores contemporáneos. Malick raramente concede entrevistas (la última tuvo lugar en el Festival de Roma de 2007, a la que se pudo asistir libremente), y siente aversión hacia cualquier tipo de cámara que le grabe o le fotografíe, de modo que el material gráfico de que se dispone se limita a un par de fotografías de aquí y de allá y a su aparición en su cortometraje ‘Lanton Mills’ y a sus breves cameos en la fundacional ‘Malas Tierras’, y ‘Los indeseables’, de Stuart Rosenberg, en las que podemos observar a un hombre alto y afable, de extraños ojos oscuros.

La obra de Malick se rebela contra cualquier intento de simplificación, o sobre cualquier acercamiento al uso por parte de los especialistas. Se le pueden rastrear, como es lo común, algunas infuencias, pero su punto de vista y su particular universo son tan prístinos que hacerlo parece un mero lugar común. Además, el profundo abismo que separa las dos mitades temporales de su carrera atenta seriamente contra las teorías cinematográficas acerca de la evolución de un cineasta, pues los 20 años transcurridos entre ‘Días del cielo’ y ‘La delgada línea roja’, en los que, al contrario que otros cineastas, no hizo, que se sepa, ningún cortometraje o publicidad, no explican la fortísima estilización y la incuestionable depuración de su cine.

En el momento en que su nombre era acogido por los cinéfilos como el de un cineasta fuera de toda norma, de poderosísima personalidad (aunque no falta, por supuesto, quien deteste ‘Días del cielo’), Malick desapareció literalmente del mapa, se refugió en Francia, donde dio clases de filosofía y literatura, se casó a mediados de los ochenta, regresó a Texas en los 90, y empezó, lentamente, a preparar ‘La delgada línea roja’. Imposible recordar, ahora mismo, otro ejemplo de un director que se retire voluntariamente durante veinte años para regresar con una portentosa obra maestra del calibre de la de Malick, que no sólo es la mejor de su año, 1998, sino que es, a juicio de quien esto escribe, la mejor película norteamericana realizada desde entonces.

El escalofrío de la naturaleza

Estudiante de filosofía en Harvard, autor de una tesina no concluida acerca de Heidegger para el Magdalene College de Oxford, profesor de filosofía en Massachussets y en Francia, antiguo periodista freelance para la revista Life, autor de los primeros borradores de ‘Harry el sucio’, Malick pertenece a la llamada generación Neo-Hollywood, la de los Scorsese, Coppola, Spielberg, De Palma y compañía, tanto por concordancia histórica como por lo que estos cineastas significan de deconstrucción y renovación de los mitos audiovisuales norteamericanos. Y, de todos ellos, es el más afín a la tradición histórica y literaria de Estados Unidos, y el que de manera más rotunda y melancólica se zambulle en la naturaleza.

Porque las historias de este hombre sólo podrían encontrar su marco perfecto en la naturaleza. Más que eso, existen a través de ella, y con ella formula su discurso formal. No lo hace de una manera directa o manipuladora, pero sus historias poseen un fondo en el que el escalofrío por la mera belleza de lo salvaje, le acercan a Thoreau y a Whitman, dos escritores con los que comparte numerosos puntos en común, y que pueden explicar tan bien su personalidad como esa visión netamente panteísta que recorre todo su cine y que le dota de un aura de inasible espiritualidad.

Siempre rodeado de los mejores directores de fotografía, en su debut contó nada menos que con tres: Stevan Larner, Brian Probyn y Tak Fujimoto. En cuanto a los dos primeros, ya fallecidos, no tuvieron una carrera anterior o posterior relevante. Pero sí Fujimoto, que ha desarrollado una espléndida carrera, después de debutar también en ‘Badlands’, siendo el responsable de la imagen de la magistral ‘El silencio de los corderos’ y de algunas de las mejores películas del gran M. Night Shyamalan. Para su segundo filme, contó con la gran labor de Néstor Almendros, galardonada con el Oscar.

En cuanto a John Toll, de fulgurante inicio de carrera con dos Oscar, le contrató para la que en mi opinión es una de las mejores fotografías de la historia del cine en su tercer largometraje. En 2005, llamó al que creo es el mejor director de fotografía de su generación, Emmanuel Lubezki, para retroceder cuatrocientos años en la historia de su país. Es el único de todos sus operadores que va a repetir con él, pues es el encargado de la imagen de la venidera ‘The Tree of Life’. No creo exagerar si afirmo que estos grandes artistas alcanzaron su cima personal trabajando con Malick. Y no sólo eso, sino que nunca nadie filmó la naturaleza de manera tan hermosa y tan trágica como ellos con Malick.

Jack Fisk

Pero no sería justo hablar de colaboradores sin nombrar a su colaborador más fiel desde el comienzo de su carrera. Se trata del ya mítico director artístico y diseñador de producción Jack Fisk, de escasa pero apasionante carrera. Ha trabajado en los cinco largometrajes de Malick, en los dos primeros como director artístico y en los tres siguientes como diseñador de producción, pero también como director artístico de ‘Carrie’ (de Palma, 1976), y como diseñador de producción de ‘El fantasma del paraíso’ (de Palma, 1975), de ‘The Straight Story’ y ‘Mulholland Drive’, ambas de David Lynch, y de la impresionante obra maestra de Paul Thomas Anderson ‘There Will Be Blood’.

En todas ellas ha dejado su huella, y es imposible hablar del cine de Malick sin hablar del cine de Fisk, considerado un maestro en su profesión. Casado con la gran actriz Sissy Spacek desde que la conoció en el rodaje de ‘Badlands’, nunca ha ganado el Oscar, pero como suelo decir, ese premio adquirirá categoría cuando se lo den a gente como él.

Previo a un análisis

Vamos a hablar de las cuatro películas de Malick, claro está. Y por orden cronológico. Y vamos a intentar profundizar en cada una de ellas lo máximo posible, en su puesta en escena, cómo no, pero también en su música, en su significado y en su importancia en el cine moderno. Y teniendo en cuenta que la gran mayoría de nuestros lectores prefieren hablar de películas de super héroes...pues uno se siente un poco Malick comenzando esta aventura.

Si me preguntáis, charlando entre copas, cuál es la mejor película que vi en 2006, sin dudarlo ni un instante, mi respuesta será ‘El nuevo mundo’ (‘The New World’), que aunque se estrenó en diciembre de 2005, aquí no la pudimos ver hasta febrero del año siguiente. Conociendo la escasa valoración que se le dio, en general, a esta impresionante obra de arte, lo más probable es que a continuación, y repito que estamos tomando copas, estallaran las carcajadas, poco antes de empezar a preguntar si vi tal o cual otra película; con resignación, lo sé por experiencia, diría que sí a todos los títulos (más de una vez me reiría yo también), manteniendo invariable que el cuarto trabajo de Terrence Malick fue lo mejor de aquel año.

Tras terminar ‘Días del cielo’ (‘Days of Heaven’, 1978), Malick, autor enigmático donde los haya (se ha llegado a decir que en realidad no existe, que es un seudónimo de otras personas, pero esto no tiene sentido si se echa un vistazo a su obra, tan escasa como única y coherente), nos tuvo esperando dos décadas hasta que por fin se decidió a rodar otra película, ‘La delgada línea roja’ (‘The Thin Red Line’). Mereció la pena que se lo pensara tanto, qué duda cabe, pero por fortuna no necesitó tanto tiempo para lanzarse a crear su nuevo trabajo, centrado en la famosa leyenda de John Smith y Pocahontas, lo cual descolocó a muchos (sigue haciéndolo).

Porque ‘El nuevo mundo’ se vendió como lo que no era/es, una película de trepidantes aventuras en un entorno exótico con el típico amor imposible; puro marketing, los hombres tendríamos aventuras y las mujeres amor, el producto perfecto. No en vano, la esperadísima y superanunciada ‘Avatar’ de James Cameron ofrece lo mismo, tal como vimos en el tráiler, cambiando al conquistador inglés del siglo XVII por un soldado norteamericano del futuro y a la indígena americana por una alienígena de un planeta lejano (por supuesto, el tono y el tratamiento de ambas películas no tendrá nada que ver).

‘El nuevo mundo’ se centra en el descubrimiento de las enormes tierras salvajes de Norteamérica por los colonos británicos, que llegaron en tres pequeños barcos y levantaron el fuerte Jamestown, en 1607. Los hombres “civilizados”, a miles de kilómetros de su hogar, buscan introducir su cultura, religión y economía en este “nuevo mundo” al que acaban de llegar, y que no está deshabitado. Los nativos americanos ya estaban ahí y, aunque diferente, también tienen su propia forma de vida, negándose a permitir que unos intrusos alteren la naturaleza y el orden con el que ellos habían estado conviviendo hasta entonces.

En medio del conflicto entre ambos pueblos surgirá el amor entre dos jóvenes, uno de cada bando. Él era un rebelde que llegó a América condenado a la horca por insubordinación, un buscador de fortuna llamado John Smith (Colin Farrell, excelente), un hombre valiente y diferente al resto; ella (Q´Orianka Kilcher, todo un descubrimiento, nunca mejor dicho) es una joven curiosa y atrevida a la que han apodado Pocahontas (“juguetona”), y es la favorita del jefe de su tribu. El vínculo que surge entre ellos es tan repentino e intenso como imposible de mantener, de la misma forma que los pueblos a los que pertenecen están condenados a enfrentarse.

Como decía, esto no es lo que parece, la realidad es que la cuarta película de Terrence Malick no está hecha para ser consumida como la gran mayoría de productos que nos llegan de Estados Unidos; la intención no es que te sientes a desconectar, a pasar el rato, sino lo contrario, que experimentes y reflexiones sobre lo que se te muestra en la pantalla. La trama de Smith y Pocahontas es una excusa y la película no se ciñe a ella, no pretende contar lo que pasó realmente o darnos un nuevo enfoque de los hechos, va más allá, y le da igual la Historia, porque el propósito es otro, es exponernos la triste y bellísima historia de un paraíso perdido.

‘El nuevo mundo’ guarda un gran parecido con ‘Días del cielo’ y ‘La delgada línea roja’, no tanto con ‘Malas tierras’ (‘Badlands’, 1973), la ópera prima del cineasta. Malick vuelve a ofrecernos unos impresionantes retratos de la naturaleza (la labor fotográfica de Emmanuel Lubezki fue lo único nominado al Oscar), miradas secretas y esquivas, la poética voz en off y escasos diálogos, un lento y suave curso de los acontecimientos (acompañado por la composición de James Horner), que aun así a veces se muestran, como en la propia vida, erráticos y repentinos, fruto del capricho del azar y de las erróneas decisiones de los hombres, incapaces de apreciar el mundo, la belleza, la inocencia y el amor que están destruyendo.

Si esta película me parece tan extraordinaria es por la capacidad que tiene para despertar emociones y reflexiones, porque sus preciosas imágenes no dejan indiferente y transmiten justamente el mensaje que desea Malick, impactando y alterando los sentidos como si estuviéramos en el mismo lugar y la misma época de los hechos, y también porque pocas veces se ha plasmado en la pantalla con tanta sutileza y elegancia una historia de amor tan cercana y tan verdadera, como la que se muestra en ‘El nuevo mundo’, una obra maestra que mejora con cada visionado. Y eso que todavía no hemos podido ver la versión completa, que no dura 135 minutos sino 170, totalmente necesarios para la mejor integración de un apasionante conjunto.

Otra crítica de la película en Blogdecine:

‘El Nuevo Mundo’, la peor película de Terrence Malick