Una nueva versión de ‘La bella durmiente’, cambiando a la princesa por una prostituta. Peculiar punto de partida el de la primera película de la escritora Julia Leigh, ‘Sleeping Beauty’, un trabajo que competirá por la Palma de Oro en Cannes 2011 (junto a ‘La piel que habito’ de Pedro Almodóvar). Aquí os dejo el tráiler del film, elegante, inquietante y sugerente. Definitivamente, esto llama mucho la atención.

Un detalle muy curioso es que la protagonista está interpretada por la joven Emily Browning, actualmente en nuestras carteleras con (la aburrida) ‘Sucker Punch’, donde también da vida a una chica que se prostituye (más o menos), huyendo de la realidad cuando está... “trabajando”. Producida por Jane Campion y escrita por Leigh, ‘Sleeping Beauty’ es un terrorífico cuento erótico que gira en torno a Lucy, una estudiante universitaria que a cambio de una vida más fácil, se entrega al oscuro mundo de la belleza y el deseo. Michael Dorman, Mirrah Foulkes, Rachael Blake, Hugh Keays-Byrne y Joel Tobeck, entre otros, completan el elenco de la película, que por el momento no tiene fecha de estreno para salas comerciales.

PD: Gracias a los lectores que nos enviaron el enlace.

Esta semana —hoy en algunas comunidades y el viernes, en el resto— se estrena ‘Kick-ass’, de Matthew Vaughan. Esta adaptación del cómic de Mark Millar y John Romita Jr. nos habla de un chaval normal y corriente que decide que cualquier persona puede convertirse en superhéroe. Lo que no se imaginará es que hay por ahí otras personas que, con mayor presupuesto, ya están desempeñando una labor similar, aunque no tan inocente.

El arranque

Los primeros minutos aparentan torpeza para relacionar a los diferentes personajes y asuntos con la trama principal o, más bien, entre sí. Pasa un tiempo considerable hasta que todos los elementos necesarios entran en juego. Es lo que ocurre cuando tienes un protagonista que, en realidad, no es más que un McGuffin y cuando hay que resumir de un plumazo mucha historia. Pero, una vez se presenta todo, se verá que encaja mucho más de lo que podría parecer. A eso me refiero cuando digo que «aparentan», ya que todo lo que se va mostrando será necesario en el transcurso ulterior.

Al inicio no le puedo reprochar su incapacidad para producir disfrute —si observo lo dicho en el párrafo anterior es con el ánimo de analizar, no porque me estuviese aburriendo—, ya que ‘Kick-ass’ en sus arranque es una teleserie de instituto. Las conversaciones como «¿Por qué nadie intenta ser un superhéroe?» son geniales, tanto por su humor como por su autenticidad y por otro porque son muy auténticas. En este tramo, nos encariñamos con el protagonista y con sus dos amiguetes y conocemos sus carencias en el terreno social y amoroso, muy típicas en esa edad y en el subgénero «friqui que no folla», que tanto me gusta.

El meollo

Tras algunos cambios extraños, el protagonista ya es una leyenda como el superhéroe llamado Kick-ass. Desde aquí, lo que predominará será la acción, aunque no se prescinde de las incursiones en el tema personal del protagonista. Y es a partir de aquí cuando el film comienza a ser absolutamente divertido, desternillante y trepidante. Quienes han leído el cómic pueden echar aspectos de menos o de más, pero hay que tener en cuenta que los autores, aunque colaboraron mano a mano con Millar y Romita Jr., no querían calcar la historia del papel.

Como quien realiza un robo de balón, el personaje de Hit Girl le arrebata el protagonismo a Kick-ass sin apenas despeinarse. No me refiero únicamente a que Chloë Grace Moretz destaque muy por encima de Aaron Johnson, sino también a que se convierte en la auténtica afectada por el conflicto central, mientras al otro se le puede considerar un mero side-kick —la mitad del nombre le encaja— o compinche. Nicolas Cage está genial en el papel de su padre, un loco vengativo que no ve el mundo como los demás, lo que me lleva a confirmar que este actor, que en papeles serios no me gusta, lo clava cuando hace de tarado.

Christopher Mintz-Plasse no está tan grande como en ‘Supersalidos’, donde él es la película, ni en ‘Mal ejemplo’, pues al ir creciendo va perdiendo el encanto, pero representa bien su papel y (spoiler) queda bien definido como posible némesis de una supuesta entrega futura (fin del spoiler). Mark Strong interpreta sin tacha el papel de la única persona a la que los cómics de superhéores le parecen una chorrada y que, por lo tanto, es el único malvado auténtico, como indica el creador de la película.

Han pasado tantos meses desde que se estrenó en su país de origen que ya parecería que alguno de los chiste está obsoleto, como el del final de ‘Perdidos’, pero lejos de parecerme que ha dejado de tener vigencia, me hace aún más gracia, pues ha cobrado una ironía que seguramente no estaba intencionada en el guión. Dan ganas de gritarle a la pantalla: «mejor para ti».

Lo que la hace única

Se puede decir sobre ‘Kick-ass’ que está repleta de humor, de referencias, de acción bien rodada, que combina los films de instituto con la violencia, que como parodia es diferente a todas las conocidas y que tiene algunos personajes inauditos. Y todo será verdad.

Sin embargo, nada de eso será lo que la hace diferente, única y, probablemente, pionera. Lo novedoso aquí es la actitud con la que sus creadores se toman todo lo mencionado. Cualquier otra película con matanzas tan numerosas (posible spoiler) buscaría una redención final, cualquier comportamiento como el del personaje de Cage llevaría a un mensaje acerca de la paternidad responsable y de la infancia —de hecho, probablemente sería el malo—, y todo lo mostrado para que el público disfrute a tope tendría que realizar una especie de «acto de contrición» con un final pegote que, tras el buen rato, hiciese al público salir con mala conciencia. Sin embargo, esta película no pide perdón a nadie: la violencia es la que acaba triunfando, no sólo sobre los malos, sino sobre cualquier tipo de moraleja o aprendizaje que otras películas dirigidas a un público juvenil no se atreverían a eludir (fin del spoiler). Por todo ello, ‘Kick-ass’ es una película catártica, liberadora, en la que está permitido reírse de desgracias ajenas sin el más mínimo reparo. ¿Y por qué no? Es todo una ficción.

En lugar de concluir con un resumen de lo ya dicho, añadiría que ‘Kick-ass’ no es una cinta exclusivamente dirigida a un público adolescente, ni tampoco es sólo apta para quien disfruta de los cómics de superhéroes, lo único necesario es dejarse en casa los escrúpulos contra la violencia visual y tener ganas de reírse un rato.

Otra crítica en Blogdecine | ‘Kick-Ass’: cómica, trepidante, violenta y divertida, de Jesús León.

Mi puntuación:

Antes de nada, dadle al play para poder disfrutar de este corto pues estará disponible únicamente durante quince días debido a que las normas de muchos festivales indican que para poder participar en los mismos, la obra no puede estar disponible on-line. ‘Mi amigo invisible’ es un trabajo dirigido por el barcelonés Pablo Larcuen a partir de un guión propio. Narra la historia de un chico que no tiene contacto con la sociedad, vive en casa de sus padres, aislado en su mundo interior, sin amigos, jugando a la consola, leyendo cómics y masturbándose. O sea, realismo puro y duro. Todo cambia cuando un día aparece un amigo imaginario que intenta ayudarle a salir de su soledad.

‘Mi amigo invisible’ ha estado en los festivales de Sundance y Los Ángeles, en los cuales ha cosechado excelentes críticas. No es para menos, estamos ante un corto lleno de ingenio y muy bien interpretado por casi todos sus actores. Un bonito canto a la amistad en el que pueden entreverse clarísimos homenajes a Star Wars y a otras conocidas películas. El acierto de Larcuen ha sido el saber despojarse de cualquier influencia para crear algo propio que funciona a la perfección, si obviamos algún error que se produce a partir del momento “sorpresa”, o ese final que tiende innecesariamente hacia el subrayado.

Ahora a esperar que Larcuen tenga la oportunidad que merece dirigiendo un largometraje.

“No habrá amanecer para los hombres”

-Saruman

Con el rey Theoden exiliando a su pueblo de Edoras, y conduciéndoles al abismo de Helm, donde en teoría estarán seguros, comienza una parte de la película que, si bien no es tan impresionante como sus primeros 40 minutos, no palidece en comparación, y sigue subiendo en la escalada hacia convertirse en una memorable película de aventuras. Lo hace estableciendo nuevas líneas narrativas: por un lado, la relación entre Eowyn y Aragorn, por otro, la conexión entre Frodo y Gollum. Y hay mucho talento en ambos niveles.

De esta forma el viaje de Frodo, Sam y Smeagol, además de una hazaña física, se revela una aventura psicológica de gran magnitud, cuando Sam comience a sentirse celoso de que Frodo defienda continuamente a la grimosa criatura, y cuando Smeagol comience a luchar contra su demonio interior para no traicionarles definitivamente. Pero, y esto es tremendamente interesante, Frodo tiene que seguir creyendo que hay alguna manera de que Smeagol vuelva a ser el que fue. A fin de cuentas, está recorriendo el mismo camino que él.

Shakesperiano Smeagol

Es del todo fascinante, y muy sencilla en su realización, la secuencia en la que Smeagol y Gollum discuten en el interior de la criatura. Primero, sin cortes, la cámara se mueve a un lado y a otro, a medida que cambia de personalidad. Luego, el director recurre al corte, y aunque sabemos que sigue hablando consigo mismo, también percibimos de forma mucho más nítida la lucha interior. Y pocas veces hemos sentido hasta entonces tanta compasión por una criatura generada por ordenador. Su dolorosa dualidad respira una verdad y una veracidad sorprendentes. Esta grandiosa secuencia, además, nos habla de la capacidad de la mente para crear demonios internos, y también para expulsarlos…

Pero, como no podía ser de otra manera, el destino se interpone en los buenos deseos de Smeagol. Es uno de los aspectos más importantes de la literatura tolkiana: el destino como un elemento inevitable y muchas veces despiadado. El trío se cruza con Faramir, y los acontecimientos serán cruciales para que Gollum regrese. Y aquí, además, hay una de las variaciones respecto del libro más inteligentes por parte de Jackson y sus guionistas: hacer más creíble el precioso personaje de Faramir (un estupendo David Wenham), que en la novela se limitaba a dejar marchar a Frodo, sin sentirse tentado por el anillo.

Y ese sentido shakesperiano de Smeagol se extiende a toda la trama, incluso a la relación fraternal, y quizá al deseo romántico, entre Eowyn y Aragorn. Miranda Otto está realmente bella, y la cámara parece enamorada de ella. Lo cierto es que el cariño que Eowyn demuestra por él, a él le hace recordar con más viveza a Arwen, y tenemos una secuencia onírica muy hermosa entre ambos, al parecer inducida por los poderes de la elfa. Luego habrá un momento aún más hermoso, pero antes, y es que estamos en una película soberbia, entre ambos nos regalan una secuencia de aventuras y acción brutales.

La épica de un combate feroz

Para mí, la emboscada de los orcos de Saruman, montados sobre lobos gigantescos (Tolkien les llamó Huargos), es una secuencia antológica, que por una vez, y sin que sirva de precedente, convierte a Jackson en un grandioso director de aventuras, con una fuerza épica que yo he visto en cine muy pocas veces. Es una escena de violencia salvaje, de intensidad indescriptible, que está contada con una fuerza narrativa, una limpieza visual, y un crescendo admirables. Nada que ver con tantas paupérrimas películas de aventuras.

Un explorador ataca por sorpresa, y termina con Háma (John Leigh), pero es abatido por Legolas, quien le grita a Aragorn, que se ha adelantado, que les atacan. Aragorn corre a avisar a la columna, en la que hay mujeres y niños. El montaje es buenísimo: los jinetes se preparan, Legolas sube al pie de un risco y divisa al fondo a muchos jinetes de lobos acercarse en tromba, primer plano de Legolas (¿por qué tuvo que interpretarlo Orlando Bloom?...), plano más cercano de lo que observa, plano de mujeres horrorizadas, plano del rey Theoden que habla con Eowyn, plano de Eowyn.

Hay un plano que me pone la carne de gallina siempre que lo veo (como toda la secuencia, por otra parte), y es ese en el que los jinetes suben la ladera a galope, tan deprisa que la cámara no los capta bien, y a Aragorn en primer término mirando a Eowyn, o eso quiere creer ella, me parece. Luego el plano continúa a cámara lenta. Y luego un plano sin Aragorn con los jinetes subiendo. Más épica no se le puede pedir a una película.

Esperándoles arriba, Légolas dispara su arco con mortífera precisión. Cuando le alcanza, se sube a un caballo con la agilidad de los de su raza. Cuando por fin los jinetes de caballos y los jinetes de lobos se encuentran en la explanada, el sonido y la imagen duelen físicamente, de la tremenda violencia y energía que desprende ese momento. Pero también cabe el humor, con la rivalidad entre Legolas y Gimli para ver quién aniquila más lobos. El combate es breve y bestial, y las muertes numerosas y siniestras. Esto no es cine para niños, es cine de aventuras de altura.

El precio de la inmortalidad

La probable muerte de Aragorn, que tanto hace sufrir a Eowyn, hace posible una de las secuencias más bellas, y sin duda la más lírica, de toda la trilogía, pero ahora hablaremos sobre el precio de no morir jamás. Antes, observamos hasta qué punto Saruman ha desplegado su poder y su crueldad, creando un ejército formidable, con el objetivo de borrar del mapa el reino de Rohan. Nada menos que 40.000 orcos bien armados, y con un invento formidable (algo similar a la pólvora), para poder traspasar los muros de Helm. Es impagable la cara de Grima al ver las huestes de Isengard.

El tono está tan bien establecido, que hasta la conexión mental de Arwen con Aragorn, que en otro contexto parecería forzada, aquí es creíble. Aragorn despierta en la orilla del río, y parte hacia Helm, mientras que Arwen vuelve a enfrentarse al dilema moral de quedarse con él, o marcharse a Valinor. La escena con su padre (qué buen actor es Hugo Weaving), con una luz nocturna especialmente afortunada, tiene el sabor de un drama místico. Elrond no cree que haya esperanza, pero ella se lo niega.

Por supuesto, Elrond no puede ni imaginar que ella sea capaz de renunciar a su inmortalidad, y le explica cuál será su posible futuro. Y las imágenes que acompañan esa explicación son de una belleza, un lirismo, una melancolía, sencillamente inenarrables. Arwen ve lo que será su probable futuro, en el caso improbable de que sobrevivan: que Aragorn fallezca de viejo, en el mejor de los casos, y se pase la eternidad vagando en pena. Imágenes como esta son las que responden afirmativamente a aquellos agoreros que esperaban que Jackson fuera un referente futuro del cine fantástico.

Colores ocres, púrpuras y grises, con infinitas variaciones, para este episodio tan especial. Y son colores que, de alguna otra forma, están presentes en toda la película, que, como ya dijimos, tiene una homogeneidad visual mucho mayor que ‘La comunidad del anillo’, ni que decir tiene que ‘El retorno del rey’.

También hay gran sentido de la atmósfera, y excelente dirección de actores en la crucial escena del Estanque Vedado. Está muy cuidado el estado anímico de Faramir, uno de los personajes más dolientes de la saga. Y no hacía falta esa bonita escena que sólo podemos ver en la edición extendida, en la que presenciamos la reconquista de Osgiliath por parte de su hermano Boromir. Por sí solo se basta para mostrarnos su tensión interior, su frustración con su padre, su pesimismo respecto a la guerra futura. Guerra cuya primera batalla, la de Helm, comentaremos en la última parte del análisis a esta película maravillosa.

Acabo de enterarme, gracias a uno de nuestros amables lectores, que ya ha salido el primer tráiler de ‘Spanish Movie’, la parodia del cine español que todos estábamos esperando con gran ilusión (ejem, ejem, vaya tos me ha dado de repente).

El tráiler es un teaser muy breve, de menos de un minuto, que se centra en recordarnos dos de los mayores éxitos del cine parido aquí. Y al final hay una sorpresa. Personalmente, creo que esto huele bastante mal, porque la idea da mucho juego, pero si al final todo va a ser como otra ‘Scary Movie’ más, con personajes dándose golpes con todo lo que haya a mano… pues vaya forma de tirar el dinero. O no. Igual es un exitazo de taquilla. ¿Puede ser?

‘Spanish Movie’ ha sido dirigida por el debutante Javier Ruiz Caldera y el guión es de Paco Cabezas. La película está protagonizada por Alexandra Jiménez, Carlos Areces, Silvia Abril y Joaquín Reyes, entre otros. Dicen que estará en los cines a finales de año.

PD: ¿Qué película española no puede quedarse sin su correspondiente parodia?

Vía | Telecinco | Gracias a agege por darnos el toque.

Mientras escribo estas líneas me empapo de la maravillosa banda sonora de ‘Once’, que ya me he apresurado a pedir a amazon.com, tanto el cd como el dvd de esta estupenda película, de la que hace poco nos habló mi compañero Juan Luis. Y es que ‘Once’ es más que una película, es toda una experiencia, única y gratificante desde cualquier punto de vista. Porque a veces ocurren cosas o personas que queremos retener en un momento eterno, sólo para nosotros, y ‘Once’ lo capta a la perfección. Porque todos nos hemos enamorado alguna vez, porque alguna vez nuestros ojos miraron a otros que junto con el silencio se entendieron, porque otra vez fue la música compuesta para alguien especial, o una canción, o un poema… o una película.

Quiero volver a perderme en esta sencilla historia de ese músico callejero, que un día conoce a una chica a la que le encantan sus canciones, y que toca el piano. Él no le tiene miedo a nada, ella no tiene dinero para un piano y toca en una tienda donde le dejan hacerlo. Él tiene el corazón roto por una mujer que un día simplemente se fue, ella no se lleva bien con su pareja. En este momento se tienen el uno al otro, y sus canciones, con las que se dicen más cosas que hablando entre ellos.

Tanto el director, John Carney, como el protagonista principal, Glen Hansard, fueron compañeros en el grupo musical The Frames. Existe una complicidad latente entre ellos dos en el film, ya que Hansard está en verdadero estado de gracia, enamorando literalmente a una cámara juguetona y cercana a nosotros, que demuestra una extraña habilidad por parte de Carney para filmar. Y digo extraña porque el realizador utiliza tanto el método de cámara en mano, casi en tono documental, como largos planos secuencia, como grandiosos travellings realizados con grúa, dependiendo de los distintos momentos emocionales del relato.

Un relato que a simple vista puede parecer que no cuenta nada, y tal vez sus líneas sean más bien pocas. Pero el gran acierto del film es haber transmitido un montón de cosas con un mínimo de elementos, de forma que cuando la película termina descubrimos con alegría, y terriblemente emocionados, que no necesitamos nada más. A ello por supuesto contribuye la más que perfecta combinación de unas canciones compuestas para la ocasión, con lo que se nos cuenta, unas canciones que no están puestas para adornar, sino brillantemente utilizadas como elementos narrativos y que hacen avanzar la historia. Desde ya merecen estar en los altares del musical (en el caso de que tuviéramos que etiquetar la película, y aún así estaríamos equivocados) temas tan increíbles como ‘Falling Slowly’, que sirve de primer contacto entre los dos personajes, o ‘If You Want Me’, que suena en una secuencia prodigiosa del personaje femenino escuchando la canción mientras camina por la calle en bata y zapatillas.

En el campo interpretativo, decir que los dos actores principales provienen del mundo musical y se nota sobremanera en el caso de Markéta Irglová, quien se le notan sus limitaciones como actriz, algo que no tenemos en cuenta cuando en un par de ocasiones se sienta al piano y es capaz de derrumbarnos emocionalmente. A su lado, en perfecta compenetración, un Glen Hansard estupendo que pareciera que lleva toda la vida en esto de la actuación, él solito aguanta con todo el peso de la función, no sólo por sus más que excelente momentos musicales, sino en aquellos otros en los que habla o simplemente no dice nada. Atención a como mira a su compañera de película cuando ésta está sentada en el piano, ¿cuántos actores de verdad son capaces de transmitir lo que él transmite en ese bellísimo momento?

Quizá la película es algo reiterativa, no lo niego, pero un servidor disfrutó de lo lindo. No sé, tal vez he pasado muchas horas en infinidad de jam sessions (como alguna que sale en el film) bebiendo y tocando sin parar hasta altas horas de la madrugada, con gente con la que sólo te comunicas con música, sea cual sea el tema de conversación. De eso habla la película, y creo que lo hace entendible para todo el mundo, y además lo hace cinematográficamente, yo no le puedo pedir más. Espero volver a perderme en esta preciosidad, con su historia, sus personajes, sus canciones, por lo menos más de una vez.

El pasado 31 de octubre nos decía, con resignación, mi compañera Teresa que ‘Once’, estrenada ese día, podía ser una de las sorpresas de la temporada, pero que no iba a poder comprobarlo por la limitada distribución del film. Aquí en Granada tenemos suerte en ese sentido, aunque seamos pocos los que lo aprovechemos, y es muy raro que algún estreno no se proyecte en alguno de los cuatro cines (hace nada eran seis) de la ciudad. Incluso el reestreno de la mítica ‘Blade Runner’ ha caído.

En respuesta a su pensamiento, no creo que ‘Once’ vaya a sorprender a nadie. Es muy poca cosa, es casi un videoclip barato y extendido con el propósito de que escuchemos canciones sobre el amor y el desamor. Si sabes que vas a esto, y te atrapan las canciones, disfrutarás de la sesión; si esperas un musical o que te cuenten una historia compleja o no te convencen las canciones, pasarás un rato muy aburrido en el cine. Si te pasa esto, más te vale que seas de los que abandonan la sala para, una vez gastado el dinero, no perder más el tiempo. ¿Mi caso? El primero.

La sinopsis de ‘Once’ (2006) es la siguiente: un anónimo cantante y compositor interpreta sus canciones por las calles de Dublín, cuando no está trabajando en la tienda de su padre (repara aspiradoras). Durante el día, interpreta temas conocidos para los transeúntes, por la noche toca sus propios temas. Su talento no pasa desapercibido para una chica, inmigrante checa, que vende flores en la plaza para sacar adelante a su hija y a su madre. Ella también compone canciones y toca el piano, pero nunca se ha atrevido a cantar en público.

La película está escrita y dirigida por John Carney, que se toma la tarea como si de un falso documental se tratase. Así, tenemos situaciones que parecen reales, ya sean en una habitación o en plena calle, donde hay que destacar un plano secuencia magnífico. Sin embargo, también nos encontramos con planos que se tambalean cuando no deberían. Por ejemplo, resulta lamentable cuando vemos a los dos personajes principales, en su primera charla con algo de intimidad, desde fuera de la cafetería, alejándonos de la situación, y además que se note tanto el pulso del cámara. Todo esto tiene sentido cuando pensamos en la falta de medios y en la de pretensiones, cosas que, por cierto, no tienen que ir ligadas de forma obligatoria.

Carney, por otra parte, no filma un musical tradicional y no usa las canciones para avanzar la trama. Éstas las reserva para que conozcamos mejor a los dos protagonistas, sus sentimientos, su pasado y su situación actual. Cuando esto ya lo consigue con un tema o dos, el resto pueden llegar a sobrar, porque no aportan casi nada. Salvo que, como a mí, simplemente, te guste pasar el rato escuchándolas. Ah, y no, no han tenido la mala idea de doblar las canciones. A Kubrick gracias.

El reparto de ‘Once’ es tan limitado como sus pretensiones. De hecho, los dos protagonistas son músicos, no actores. La buena noticia es que esto no se nota para nada (me refiero a la parte no musical, claro). Así, básicamente, “nuestra” mirada se va a posar casi todo el tiempo, primero, en Glen Hansard y, en menor medida, en Markéta Irglová. Hansard es sencillamente el rey de la función, aunque Irglová tiene momentos muy inspirados, como la primera vez que se sienta al piano y ya mucho más adelante, en el estudio, durante el descanso, cuando vuelve a posar sus manos sobre las teclas.

Pero, repito, Hansard es quien sostiene la débil película. Tiene un rostro que hace que te caiga simpático desde el principio, y cuando se pone a cantar y tocar la guitarra está fantástico. También encarna a un personaje que, dicho simplonamente, es un pedazo de pan, es fácil identificarse con él. Su amistad con Irglová está bien llevada y se compenetran estupendamente. De nuevo nos encontramos con la típica historia de amor que no llega a ninguna parte, centrándose únicamente en la contemplación de momentos concretos de la misma; esto queda claro desde casi el principio y es un error, porque permite al espectador dar por hecho el desenlace y relajarse aún más (o mirar más veces el reloj).

En resumidas cuentas, ‘Once’ podía haberse quedado en un disco, pero qué mejor que acompañar las canciones con imágenes para tener una experiencia más completa. Desgraciadamente, es un film de bajo vuelo, que no pretende hacer ruido (ya, ya) y que puede sacar de quicio al espectador impaciente o que se encuentre algo cansado. La mejor opción, opino, es centrarse en las canciones y pasar un poco del resto, no hay para rascar ni tampoco se pretende.

Tenemos nuevo número uno en la taquilla española. ‘Up’ ha vuelto a caer al dos (ya lo estuvo cuando se estrenó ‘Enemigos públicos’, aunque a la semana siguiente volvió a lo más alto) y deja la cima para ‘Qué les pasa a los hombres’, que se estrenó el pasado viernes con, por lo visto, un considerable éxito de público. Parece claro que los espectadores se dejaron seducir por el espectacular reparto protagonista (Scarlett Johansson, Jennifer Aniston, Ben Affleck, etc.) de esta insípida comedia sobre los líos entre hombres y mujeres (aunque en el título sólo se haga referencia a los primeros). Durará poco en el primer puesto.

‘Año uno’, con Jack Black, cae del segundo al cuarto puesto, confirmando que esta comedia no ha interesado demasiado al público español, que sin embargo se ha visto atraído por otra de las nuevas entradas de la cartelera, ‘Gamer’, con Gerard Butler. Los otros dos estrenos que han conseguido entrar entre las diez más vistas son ‘Agallas’, en un decepcionante noveno puesto (¿no se esperaba algo más para este thriller?), y ‘Hazme reír’, en el último puesto, a pesar de contar con un reparto con gancho (Adam Sandler y Seth Rogen, entre otros). Cabe destacar, por último, la bajísima recaudación de otra película española, ‘Mapa de los sonidos de Tokio’, la infumable nueva propuesta de Isabel Coixet; imposible que llegue a recuperar lo que ha costado, casi 6 millones de euros.

La semana que viene llegan tres títulos que pueden hacer buena taquilla: ‘District 9’, ‘Gordos’ y ‘San Valentín sangriento 3D’. ¿Conseguirá alguno el primer puesto?

PD: Ayer me di cuenta que Bradley Cooper está presente en hasta tres estrenos, actualmente en España (‘Qué les pasa a los hombres’, ‘Expediente 39’ y ‘Resacón en Las Vegas’). Les da por un actor y nos lo meten hasta en la sopa…

Vía | BoxOffice.es

En un principio no tenía pensado incluir ‘Gamer’ (Mark Neveldine, Brian Taylor, 2009) en esta sección de películas ridículas. El film es un bodrio de proporciones cósmicas, sin ningún tipo de interés artístico, sociológico o de cualquier otra índole; no hay en ella un sólo elemento salvable, es un sufrimiento de menos de hora y media que hace creer que la muerte del cine está cerca. Pero pensando un poco en ella después de su tortuoso visionado, se encuentran instantes delirantes en su loco argumento, tratado de igual forma por sus dos máximos responsables: Mark Neveldine y Brian Taylor, los mismos tipos que hinchan el pecho por haber dirigido las dos películas de la saga ‘Crank’.

Curiosamente ‘Gamer’, siendo posterior a ‘Crank: alto voltaje’, se ha estrenado antes en nuestras salas, mientras que el film protagonizado por Jason Statham aún duerme el sueño de los justos, esperando una nueva fecha de estreno, que a este paso no se producirá. Mientras rezamos por ello, nos ha tocado disfrutar de la tercera película como directores, de dos sujetos que van camino de convertirse en auténticos terroristas del séptimo arte.

El argumento de ‘Gamer’ —toma nota de originalidad, la película va sobre un videojuego, y la titulan ‘Gamer’, comiéndose el coco, sí señor— recuerda sobremanera, primero a un film reciente: ‘Death Race’, que comparte con el mismo la condición de bodrio soberano, pero sobre todo a un film de los 80 protagonizado por Arnold Schwarzenegger: ‘Perseguido’ (‘The Running Man’, Paul Michael Glasser, 1987), de la que prácticamente se puede considerar un plagio. Un condenado a muerte es usado como conejillo de indias en un videojuego de clamorosa respuesta popular. Por supuesto es inocente del delito que se le acusa, y cómo no, se convierte en la máxima estrella del juego, el cual consiste en un grupo de soldados disparando a diestro y siniestro en un campo de batalla, dichos soldados están dirigidos realmente por un jugador que los hace caminar, disparar y pelear desde el mundo exterior. Si un soldado llega a 30 batallas superadas, conseguirá el indulto.

Por supuesto, y a pesar de que la premisa recuerda sobremanera a los films mencionados, sus responsables intentan encuadrarlo todo dentro del universo de los videojuegos, ese mundo multipoblado que crece y crece, y que por momentos vive emparejado al cine, el cual se ha dejado influenciar, sobre todo estéticamente, y viceversa. Da la impresión de que en ‘Gamer’ han querido unir los dos mundos en un imposible mezcolanza, queriendo satisfacer a dos tipos de público muy distintos. Por un lado, los amantes de loas buenos videojuegos, y por el otro, los amantes del cine de acción. Muchas veces ambos coinciden, pero me temo que en este caso no ha sido así. Desconozco por completo qué habrá sentido un aficionado a los videojuegos a la hora de ver ‘Gamer’, pero desde luego los que amamos el buen cine de acción —ése que nos han servido directores como John McTiernan, James Cameron, Richard Donner o Kathryn Bigelow—, nos hemos quedado con cara de idiota, sufriendo más que el pobre protagonista del film.

Y es que el injustamente infravalorado subgénero de acción está menospreciado incluso por parte de sus propios defensores. No llega, muy señores míos, el filmar una película que nos ofrezca una ensalada mal mezclada, de hostias, persecuciones, explosiones, y efectos visuales sin parangón, no. El cine de acción necesita lo mismo que cualquier otro género, un guión mínimamente decente, y un realizador que sepa mantener el tono y enfoque de la historia, y a ser posible que ponga algo de pasión en el asunto. Porque si de algo peca ostentosamente ‘Gamer’ es de una total y absoluta falta de garra por parte de sus dos directores, que se creen que con dejar que la cámara sea manejada por un enfermo de parkinson, ya han conseguido ritmo. Por no hablar de la alarmante falta de coherencia en su historia.

Una historia que podría haber escrito mi perro —que es mucho más inteligente que algunas personas que conozco, dicho sea de paso— en una noche de descomposición. Claman al cielo los despistes del villano de la función, que tiene todo un entramado plan para hacerse con el mundo, y se olvida por completo del chaval que maneja desde su casa a Kable, el protagonista del juego. Ése quizá sea el más llamativo, aunque le sigue de cerca el hecho de que del juego se puede salir con una facilidad pasmosa —el detalle del combustible para una furgoneta es lo más forzado que se ha visto en años en este tipo de cine—, o la facilidad con la que desenmascaran al villano, cosa que podrían haber hecho mucho antes. Detalles que le restan credibilidad a lo narrado, y donde las ínfulas de denuncia hacia la sociedad, que hay en el inicio, se van desinflando de sopetón, para caer en una burda apología del ojo por ojo y diente por diente.

De lo que indudablemente puede presumir ‘Gamer’ es de contener un reparto más que decente, y desaprovechado al 100%. Gerard Butler es un actor que necesita de personajes mejor dibujados, y también cambiar de agente. Kyra Sedgwick descansa de la premiada ‘The Closer’ para hacerse cargo de un personaje más vacío que las propia película. Alison Lohman quedó medio tocada de su experiencia con Sam Raimi en ‘Arrástrame al infierno’ (‘Drag me to Hell’, 2009) y tiene cara de seguir viendo diablos por todas partes. Michael C. Hall —grandioso en ‘Six Feet Under’ y ‘Dexter‘— se esfuerza por resultar lo mejor de la película, pero su labor queda reducida a hacer literalmente el payaso, y si no, atención a cierto numerito musical en el que suena el glorioso I´ve Got You Under my Skin, interpretado por Sammy Davis Jr. De vergüenza ajena.

‘Gamer’ fracasa por completo en haber querido reunir dos mundos que, aunque beban el uno del otro, tienen sus propias reglas. Como película es un chiste, como videojuego es de los aburridos. Curiosamente no está basada en ninguno en concreto, aunque se pueden ver las referencias a muchísimos de ellos, así que esta vez no puedo decir aquello de que no hay una buena película salida de un videojuego, pero sí es evidente que los intentos de fusión entre ambos mundos no han funcionado, y tal vez deberían dejar de intentarlo. ‘Gamer’ no es cine, y tampoco lo otro.

Lo que son las cosas. Peter Jackson sorprendió a muchos fichando al prometedor, y casi desconocido, Neill Blomkamp para dirigir la arriesgada y esperada adaptación del famoso videojuego ‘Halo’ a la gran pantalla; sin embargo, el proyecto fue finalmente cancelado (Steven Spielberg lo ha vuelto a recuperar). Jackson quedó decepcionado pero quiso seguir siendo el que le diera a Blomkamp el impulso para dirigir su primera película, y le preguntó si tenía alguna idea. De ahí surgió ‘District 9’, que ha cosechado un merecidísimo, y nada sorprendente, éxito en Estados Unidos.

Por suerte, el público español no tendrá que esperar demasiado para verla, ‘District 9’ se estrena en España el próximo viernes, día 11 de septiembre, y ya os adelanto que es una de las películas más estimulantes, inteligentes, espectaculares y entretenidas que se han hecho en los últimos años. Parece increíble que sea obra de un debutante en el cine, aunque al mismo tiempo no deja de ser lógico, viendo la manera en la que narra la conflictiva llegada de una nave alienígena a nuestro planeta. Sin exagerar, Neill Blomkamp ha estado cerca de debutar con la mejor película de ciencia ficción desde ‘Blade Runner’.

La idea que Blomkamp dio al máximo responsable de la trilogía de ‘El señor de los anillos’ estaba en un cortometraje que realizó en el año 2005, titulado ‘Alive in Joburg’. En dicha obra, el director sudafricano planteaba una visión fantástica del apartheid. Simulando un reportaje televisivo, se nos mostraba cómo una raza alienígena había llegado a nuestro planeta, pero lejos de suponer una gran alegría o un terrible temor, la situación resultaba problemática, ya que no había sitio para acoger a los extraterrestres; la salida humana (nótese la ironía de esto) fue aislarlos en una zona apartada, donde malviven y son tratados como animales peligrosos.

El cortometraje destacaba por el planteamiento y también por la forma en la que Neill Blomkamp integraba los efectos especiales en lo que parecía ser una pieza informativa real cubierta por medios de comunicación reales y protagonizada por personajes reales (que intervenían hablando a la cámara). El realizador quiso explotar estos hallazgos y darle una nueva dimensión, alargando y mejorando el desarrollo de tan interesante punto de partida.

Y así llegamos a ‘District 9’, en la que se da esa misma situación ya expuesta, extendiéndola y aprovechando al máximo el formato cinematográfico, ofreciendo un espectáculo que deja sin aliento. En la ficción, una nave alienígena llegó a la Tierra hace dos décadas; en concreto, a Johannesburgo, en Sudáfrica. Lejos de lo que cabía suponer, no hay contacto ni ataque, el aparato en el que han llegado estos seres de otro planeta se mantiene flotando en el cielo, quieto, como si se hubiera apagado. Pronto se descubre que la situación de los extraterrestres es precaria, están hacinados en un vehículo muerto.

El primer paso es sacar a los extraños seres de la nave e instalarlos temporalmente en el Distrito 9 (a saber por qué no se ha traducido el título, no aciertan ni una), hasta que se decida qué hacer con ellos. La situación se vuelve rápidamente insostenible y se decide volver a situarlos a otra parte, a una especie de campo de concentración, más alejado de las personas, donde podrán estar mejor atendidos… en realidad, controlados. La operación, peligrosa, será llevada a cabo por una poderosa compañía llamada Multi-National United (MNU), más interesada en la impresionante tecnología y el armamento alienígena que en la seguridad y el trato digno a las criaturas (llamadas de forma despreciativa como “gambas”).

Neill Blomkamp se descubre como un narrador de un talento impresionante, mostrándonos con garra el caos que se produce en la zona cuando el inevitable fallo del control humano se produce, iniciándose una cadena de acontecimientos explosivos, de una gran carga dramática, perfectamente planificados y puestos en escena, resultando una película arrolladora, fresca y sumamente divertida. Tenemos el clásico desencuentro entre civilizaciones, la imposición de reglas por los más fuertes a los (aparentemente) más débiles, el dilema del comportamiento humano, las posibilidades de una ciencia superior a la nuestra… pero también hay espectaculares escenas de acción y unos personajes de carne y hueso (nominación al Oscar para Sharlto Copley, ya).

Como las grandes obras del género de ciencia ficción, ‘District 9’ nos hace reflexionar sobre las circunstancias de un escenario que parece real, de hecho, sacado de la realidad para llevarlo más lejos, que nos resulta cercano y posible, coherente aunque estemos viendo a enormes insectos inteligentes rebuscando en la basura y vistiendo harapos. Por cierto, si hubiera que darle una nota a los efectos visuales de la película no podría ser otra que la matrícula de honor, porque la manera en la que se logra situar a los alienígenas y su tecnología en nuestro mundo es totalmente alucinante.

Entonces, ¿dónde falla? En algo que no puedo/quiero escribir aquí, porque mi último deseo con este texto es arruinaros cualquier sorpresa (ya sabéis que en mis críticas intento no destripar nada relevante de la trama), pero os esperaré en los comentarios cuando la veáis, y la comentamos con spoilers y todo. Sólo os digo que el problema está en el punto de vista, y, un poco menos, en ciertos comportamientos y aspectos concretos del guión que no casan con el crudo y realista conjunto, siendo más propios del resto de películas que nos llegan, repletas de tópicos e incoherencias, inverosímiles.