Los carteles que tenéis arriba pertenecen a las tres películas que ha dirigido hasta la fecha el estadounidense Spike Jonze; ‘Cómo ser John Malkovich’ (‘Being John Malkovich’, 1999), ‘Adaptation: El ladrón de orquídeas’ (‘Adaptation’, 2002) y ‘Donde viven los monstruos’ (‘Where the Wild Things Are’, 2009). Actualmente, Jonze tiene entre manos dos proyectos, una nueva colaboración con el guionista Charlie Kaufman (escribió las dos primeras obras del realizador) que sería una sátira política sobre líderes mundiales reunidos para discutir sucesos de gran importancia (guerras, el precio del petróleo…), y una historia romántica cuyo guion ha escrito en solitario. Aunque el primero suena bastante mejor, con mucho potencial, es el segundo el que va a arrancar antes, si bien no se ha anunciado la fecha del rodaje.

Curiosamente, Joaquin Phoenix y Carey Mulligan se han comprometido para participar en ambas películas (imagino que sus papeles dependerán de los huecos que tengan en sus agendas, son dos actores muy solicitados). Samantha Morton y Amy Adams también actuarán a las órdenes de Jonze en la historia romántica, cuya trama se mantiene en secreto. Lo único que se ha dicho es que gira en torno a un hombre que se enamora de una voz virtual similar al programa Siri que incluye el nuevo iPhone (podéis leer este artículo de Applesfera, básicamente es como si hablaras con tu propia secretaria personal a través del móvil). Puede ser un enfoque interesante, se le puede sacar partido a un modo de vida en el que las identidades virtuales llegan a importar más que las reales o físicas, donde la comunicación se realiza a través de las redes sociales y se prefiere mantener contacto con usuarios de Internet en lugar de con los seres humanos que están detrás. No me extrañaría que un día no muy lejano haya gente que prefiera mantener una relación estable con una entidad informática con inteligencia propia (la justa para amoldarse a la personalidad y las necesidades del propietario, claro). El progreso…

PD: Y sigue sin estrenarse en España la ópera prima de Kaufman, ‘Synecdoche, New York’ (2008).

Vía | /Film

Tras la polémica suscitada con la magistral ‘Brokeback Mountain’, el todoterreno Ang Lee se ha vuelto a su país de origen, Taiwán, a rodar lejos de los USA, aunque simplemente ha sido un cambio de localización, porque ‘Deseo, Peligro’ (‘Se, Jie’, 2007) es ante todo una película a la americana, por así decirlo. La historia se desarrolla en el Shangai de la Segunda Guerra Mundial, pero tranquilamente podría haberse situado en cualquier ciudad norteamericana, y en vez de ser japoneses y chinos, pues alemanes y americanos, con todos los cambios que eso hubiera llevado, evidentemente.

Y es que el amor de Lee por el cine americano, sobre todo el clásico, queda bien patente en esta película de corte oriental, aunque ya teníamos una buena muestra de ello en anteriores películas (siempre me sorprendió que un director como Lee se hiciera cargo en pleno 1999 de un western en la más absoluta tradición del género). No obstante, sus films en territorio americano, son eso, americanos, aderezados por supuesto con su muy personal mano. En ‘Deseo, Peligro’ esa fascinación queda todavía más clara al tratarse de un film oriental, en el que Lee no se corta un pelo.

‘Deseo, Peligro’ nos habla de una historia de espionaje y amor durante la ocupación japonesa en el Shangai de la Segunda Guerra Mundial. Una joven actriz es tentada a llevar sus cualidades interpretativas mucho más allá de las fronteras de un escenario teatral. Haciéndose pasar por una importante mujer casada, tendrá que trabar amistad con la esposa de un colaboracionista de los japoneses, a quien quieren eliminar. En un principio la misión fracasa, pero años más tarde, se les vuelve a presentar la oportunidad y todo vuelve a empezar, si cabe con más peligro para nuestra protagonista.

La película tiene una evolución dramática realmente conseguida, un crescendo especialmente delicado en el que lo único que habría que achacarle es su excesiva duración. Más de dos horas y media es demasiado para una historia que Lee bien podría haber narrado en hora y tres cuartos o dos horas. Lo demás, es simple y llanamente perfecto. La película empieza como una historia de espionaje, en la que nuestra atención se centra en el personaje femenino de este poderoso drama: una chica decidida a todo con tal de llevar a cabo sus sueños de liberación. Gracias a la extraordinaria composición de Tang Wei, el personaje nos resulta de lo más cercano, a pesar de la frialdad del film de la que le han acusado algunos espectadores especializados, cosa que por supuesto no comparto. Wei me parece sin duda el gran descubrimiento de la película, con esa fragilidad y unas gotitas de dureza, que la convierten en una actriz a seguir inmediatamente. Salvando las distancias podríamos estar hablando de una nueva Zhag Ziyi.

En el segundo acto por así llamarlo, el film se centra más en el personaje interpretado por el siempre excelente Tony Leung, uno de los mejores actores vivos. Y es en esta parte donde ocurre algo que me ha llamado la atención y que bien podría ser por culpa de la duración del film. Todo lo que vemos sobre este personaje es a través de los ojos de la protagonista, salvo en los poderosos instantes finales, donde el punto de vista del film cambia. La película se centra en la relación de los dos personajes sin que el espectador tenga conocimiento de las actividades por las que quieren eliminarlo. Tan sólo conocemos eso por boca de los mismos, y la película es tan larga que ésta se resiente en ese aspecto. Por supuesto, Leung con una dureza casi extrema da vida a un introvertido personaje que parece encontrar cierto sentido a las cosas cuando conoce a nuestra protagonista. En las duras escenas de sexo entre ambos, es donde Lee nos presenta todas las cartas, el deseo que uno siente por el otro, se convierte en verdadero peligro para ambos, reflejado excelentemente en la violencia contenida de dichas escenas.

Una escenas atrevidas como atrevido es Lee, que chocan (en el buen sentido de la expresión, si es que lo tiene) con ese clasicismo antes mencionado, y que no está ahí por casualidad. Al respecto cabe citar el hecho de que a la protagonista le encante el Cine, y se meta varias veces durante la película en una sala a ver un film, casi siempre americano. Hay citas a films como ‘Sospecha’, esa obra maestra de Hitchcock con la que ‘Deseo, Peligro’ puede emparejarse en más de un momento. Y luego, ya dentro de la propia trama del film, tenemos una clara alusión a ‘Cortina Rasgada’, el film que demuestra lo difícil que es matar a un ser humano en una de las escenas más duras y terroríficas que el cine recuerda. Lee rinde homenaje al maestro por segunda vez en una portentosa secuencia en la que más o menos ocurre lo mismo, no dejando indiferente al espectador.

Una película estupenda, que supone uno de los últimos títulos realmente buenos de este más bien mediocre 2007, y que a falta de ver qué ha realizado Ridley Scott con otra película bastante esperada, ‘Deseo, Peligro’ es el último resquicio de gran cine en este año.

En Blogdecine:

• ‘Deseo, Peligro’, Ang Lee con aroma de clásico

Mucho se comentará de esta película sobre sus escenas eróticas, pero pasando por alto la calidad de las mismas (y su necesidad para entender la relación entre los personajes protagonistas), Ang Lee nos regala con ‘Deseo, Peligro’, una película con aroma a cine clásico, obsequiándonos otra gran obra con un relato corto como base, esta vez de la autora china Eileen Chang, tal y como ocurría con ‘Brokeback Mountain’.

Ang Lee quiere contarnos el despertar a la madurez de un grupo de estudiantes universitarios durante la II Guerra Mundial, actores amateurs, en una época tan complicada como la China ocupada por los ejércitos japoneses. Y sobre ese arranque, hablar de la relación con los colaboradores en época de guerra. La trama sucede en un periodo de cuatro años, en el cual vemos como se desarrolla la relación de Wong Chia Chi (la debutante Tang Wei) y el traidor Mr. Yee (Tony Leung), que de trampa se convierte en deseo y a la vez en peligro para ambos protagonistas.

La narración gira en torno a ese proceso de seducción que se produce entre ambos protagonistas, o en concreto al deseo de Mr. Yee por poseer a la mujer que tanto le fascina. Y es en el mismo momento en el que Tony Leung aparece en pantalla (es tan grande el talento de este actor, que sólo con la mirada es capaz de componer su personaje, del traidor frío e insensible, pero que no puede resistirse a enamorarse), cuando ésta da un giro de tuerca más en la historia que nos están contando y sube un peldaño, para entrar en su juego, para convivir junto a ellos el deseo y el peligro.

Pero además, Ang Lee sabe preparar el camino y mostrarnos una historia que bebe de las películas antiguas, de los dramas de relaciones imposibles y no deseados, de las penurias que deben pasar los personajes (desde la pérdida de la virginidad para engañar al traidor, hasta el terminar creyéndose la impostura y el papel de amante), que termina siendo un retrato de época perfectamente ambientada. Porque no es más que recrear una lucha entre la obligación de cumplir con el deber a tu país, y el deseo irreprimible que te hace caer de rodillas ante él.

Si, como ya indicaba, de la película se habla más de las escenas eróticas, explícitas y violentas a su manera, en una lucha por dominar el deseo y obviar el peligro, Ang Lee las rueda tal y como la sentirían ambos personajes, sin gestos al inicio, con necesidad al final, al completo, para ver como paulatinamente ese Mr. Yee sin corazón, no puede dar la espalda a lo que éste le dictamina. Ni como ella, Wong Chia Chi o Sra. Mak, puede hacer frente al poder que ese ser, que ve como un traidor, termina dominando su cuerpo y su mente. Y es al final de la última secuencia erótica, en los detalles de dos cuerpos entregados, cuando entendemos que los dos amantes ya se han rendido al deseo de la otra persona, y no ven el peligro que esto les implica, que se han enamorado pero no saben verlo.

Pero también hay violencia explícita, en la que para mí es la mejor escena de la película, que marca el climax de la misma (y curiosamente no está Tony Leung, que impone el ritmo a la segunda parte del film), donde los estudiantes por necesidad tienen que aprender a matar, sin saber hacerlo, con lo que ello conlleva de agonía para el cadáver. Si alguna vez pensé cómo sería ésto, Ang Lee me lo enseña, y es importante, porque a ojos de Wong Chia Chi supone perder la inocencia, y equipararse al mismo traidor al que repudia y desea, por mucho que intente huir de la misión que tiene encomendada. Ese peligro, que el deseo te oscurece y que sin remedio es tu tumba.

Ang Lee se ha marcado un camino a espaldas de la industria, y ha vuelto a arriesgarse, sin caer en la línea peligrosa de llevar lo erótico por encima de la historia. Él no cayó en ese deseo en el que otros muchos acaban. Y los amantes del cine bien que se lo agradecemos. Por mucho que haya ganado, con justicia, el León de Oro de Venecia, estamos ante una obra de altas cotas. Ante una película que aguantará el paso de los años. Eso que algunos llaman el aroma de los clásicos.

Ya han aparecido las primeras imágenes oficiales de la nueva adaptación al cine de ‘Anna Karenina’ que está llevando a cabo Joe Wright, el director de ‘Expiación’ (‘Atonement’) o ‘Hanna’, entre otras. En estas primeras fotos podemos descubrir el aspecto que presentarán en pantalla los tres actores principales del reparto, Keira Knightley, Jude Law y Aaron Johnson (‘Kick-Ass’, ‘Albert Nobbs’); la primera encarna a la protagonista, el segundo a su marido y el tercero a su amante. Por el momento no hay fecha de estreno pero se espera que la película llegue a los cines a finales de este año, a tiempo para lograr nominaciones al Oscar.

Puede que a muchos les resulte innecesario o aburrido que se haga otra película basada en la famosa novela de León Tostói, pero la forma en la que Wright ha adaptado el material es bastante peculiar y atrevida. Toda la película se ha filmado en un solo set, un teatro construido a las afueras de Londres, donde el mundo exterior está representado por trenes de juguete y casas de muñecas. Veremos cómo queda eso en pantalla, el cineasta inglés asegura que el motivo es reflejar con mayor precisión el tema de la novela: la búsqueda de una vida auténtica. Tom Stoppard firma el guion de ‘Anna Karenina’, en la que una aristócrata infelizmente casada se enamora de un joven militar, surgiendo entre ambos un apasionado romance que no podrán mantener en secreto, provocando un escándalo social de trágicas consecuencias. Vuelvo a recomendar la película de 1935 dirigida por Clarence Brown, con Greta Garbo y Fredric March. Es en blanco y negro, pero desde ‘The Artist’ eso ha dejado de ser un problema, ¿verdad?

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Emily Watson, Matthew Macfadyen, Domhnall Gleeson, Kelly Macdonald y Michelle Dockery también intervienen en el film.

Vía | FilmStage

Poco a poco van desvelándose los ganadores de todos los premios que sirven de antesala para los próximos Oscar (cuyas nominaciones podéis ver aquí). En esta ocasión le ha tocado el turno al sindicato de actores de elegir las mejores actuaciones y reparto del año, es decir, cinco premios en total en la categoría de cine. Y tres de esos cinco premios han ido a parar a ‘Criadas y señoras’ (‘The help’), siendo el más llamativo el que ha ganado Viola Davis como mejor actriz principal, ya que no son pocos los que esperan que Meryl Streep consiga llevarse su tercer Oscar este año, aunque parece que lo va a tener más difícil de lo esperado. La cinta dirigida por Tate Taylor ha conseguido alzarse también con los premios a mejor actriz secundaria, que ha recaído en Octavia Spencer, y mejor reparto, reconociendo así la labor en su conjunto de Jessica Chastain, Viola Davis, Bryce Dallas Howard, Allison Janney, Chris Lowell, Ahna O’Reilly, Sissy Spacek, Octavia Spencer, Mary Steenburgen, Emma Stone, Cicely Tyson y Mike Vogel.

Los premios de actuación masculina han ido a manos de Christopher Plummer como mejor actor secundario por ‘Beginners (Principantes)’ y Jean Dujardin como mejor actor protagonista por ‘The Artist’. Plummer está arrasando y sería una enorme sorpresa que no acabase llevándose el Oscar para casa, mientras que la victoria de Dujardin refuerza un poco el favoritismo de ‘The Artist’, algo a lo que también ayudó el hecho de haber sido elegida recientemente la película mejor dirigida de 2011 por el gremio de directores. Sin embargo se da la curiosidad de que dos películas cuentan con más nominaciones a los Cesar franceses, país de origen de la cinta dirigida por Michel Hazanavicius. Y es que sería muy curioso que ‘The Artist’ ganase el Oscar, pero no triunfase en su Francia natal, ¿verdad?

PD: ‘Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2’ se ha llevado un SAG de honor por la labor del equipo de especialistas, mientras que el premio de honor a toda una carrera fue a manos de Mary Tyler Moore.

Vía | SAG

Corre la voz entre los cinéfilos de que ‘J. Edgar’ puede ser un traspiés en la carrera de Clint Eastwood, y no podemos culparles, ya que la crítica americana la ha recibido con una frialdad considerable, siendo además completamente ignorada en las recientes nominaciones a los Oscar. Soy consciente de que hay no pocos amantes del cine que lo consideran poco menos que un Dios, como por ejemplo mi compañero Alberto, el cual está demostrando su alta estima hacia el director de ‘Un mundo perfecto’ (en mi opinión su mejor película) en el especial que le está dedicando en Blogdecine. Seguro que ni el propio Eastwood esperaba alcanzar el nivel que ha logrado cuando decidió dar el salto a la dirección con la estimable ‘Escalofrío en la noche’

He de reconocer que yo no soy un adorador de la religión de Clint Eastwood, ya que tiene unas cuantas películas que me encantan, pero también varias que catalogo entre lo regular (‘Banderas de nuestros padres’ o la aún reciente ‘Más allá de la vida’) y lo malo (‘Deuda de sangre’ o ‘Ejecución inminente’). Imagino que algunos de vosotros ya estaréis buscando piedras bien grandes y de canto afilado para lapidarme por soltar semejante blasfemia, pero lo que busco afirmando esto no es causar una polémica gratuita, sino dejar claro de entrada que no soy un fanboy suyo, sino alguien que no tiene problemas en atacar sus películas si creo que la ha pifiado ¿Estamos ante un caso así con ‘J. Edgar’, su nueva película que llega hoy 27 de enero a los cines españoles?

Lo cierto es que no soy muy amigo de los biopics, en especial cuando apestan a estar hechos con la intención de rascar algo en los Oscar, ya que por todos es sabido la debilidad que tienen a premiar al menos a los intérpretes que sufren una metamorfosis para acercarse al personaje real. Y no voy a negar que hasta cierto punto ‘J. Edgar’ transmite esa sensación, pero lo que no hace es caer en muchos de los errores habituales de estas producciones. Voy a tomar como ejemplo ‘La dama de hierro’, de la cual ya os comenté a principios de este mes el multitud de pegas que la le encontraba, las cuales pueden resumirse en que lo único realmente cuidado era el apartado interpretativo, y limitándolo en exclusiva a los protagonistas. Ese es el gran mal de muchos biopics, los cuales confían en que un actuación superlativa salve los muebles de una película que en el resto roza la mediocridad. Ya puedo confirmaros que eso no sucede en ‘J. Edgar’.

El primer gran acierto de ‘J. Edgar’ es evitar caer en querer pasar por todos los momentos históricos en la vida del protagonista, ya que centra su interés en un único caso de toda su carrera profesional (el secuestro del hijo de Charles Lindbergh) para explicar el ascenso meteórico de la influencia de Hoover. El guionista Dustin Lance Black no quiere hacer un repaso ligero sobre varias etapas de la historia americana, sino centrarse en la persona de J. Edgar Hoover. Valga por ejemplo el caso de John Dillinger, el cual sirvió recientemente para que Michael Mann rodase la apreciable ‘Enemigos públicos’, pero que aquí se ve limitado a un par de menciones para reforzar el carácter egomaníaco y obsesivo del protagonista. Es cierto que para ello quizá se abuse un poco de los diálogos, dejando así poco espacio para el trabajo físico de los protagonistas para definir y/o reforzar a sus personajes a través del trabajo gestual. No ayuda mucho en este punto el maquillaje empleado, fruto de constantes críticas que califican casi de robótico el trabajo de Leonardo DiCaprio y Arnie Hammer cuando tienen que aparentar ser adultos, algo con lo que yo no estoy demasiado de acuerdo. Cierto que no es un trabajo memorable, pero, salvada la sorpresa inicial, funciona con corrección.

Lo que sí permite el guión de Lance Black es que Clint Eastwood reincida en su estilo de abordar sus películas en varias capas, aunque no con la misma fortuna en todos los casos. Y es que se ha comentado mucho el componente de thriller de ‘J. Edgar’, pero es aquí donde la película tiene alguna de sus mayores debilidades, ya que carece de grandes momentos de tensión. Todo lo relacionado con el FBI se centra en intentar definir las formas de investigación que él estaba empeñado en que fuesen implantadas o detenciones relámpago, es decir, sin un gran trabajo previo para darles una relevancia especial. No obstante, esto no es algo que dañe de forma irremediable la película, porque la creación y desarrollo del FBI es consecuencia y no causa de lo que se nos está contando. ¿Cuál es la causa? La obsesiva personalidad de J. Edgar Hoover.

No voy a decir que Leonardo DiCaprio sea uno de mis actores favoritos (aunque muy lejos no queda), pero sí que ha demostrado suficiente versatilidad y talento para que lleve años sin desentonar lo más mínimo en sus escasas apariciones en una película. En el caso que nos ocupa, el protagonista de ‘Origen’ muestra otra forma de obsesión diferente a la que dio en la cinta de Nolan (y es que sigo defendiendo que ese es el gran tema de toda la obra del director de ‘Memento’), ya que allí se incidía en su dolor, mientras que aquí es la egomanía de Hoover lo que vertebra su actuación. Y es que a Eastwood no le interesa el personaje público tanto como descifrar qué es lo que había detrás de la persona. Y es que es habitual en su cine que cuando se centra en la parte humana de la historia, la película gane muchos enteros. Y ‘J. Edgar’ no es una excepción, algo que el protagonista de ‘Diamante de sangre’ sabe aprovechar perfectamente.

Sé que es un poco injusto hacerlo de esta forma, pero voy a optar por hablar ás de Hoover en función de su relación de dependencia con respecto a otros tres personajes que aparecen en la película que por sí mismo. Hoover es un hijo devoto que ante todo busca la aprobación de su madre (una Judi Dench que cumple bien, pero que ha estado mejor en otros trabajos suyos), la cual es poco menos que una fanática religiosa y ancla a su hijo en unas convicciones morales que le llevan hacia atrás, es decir, hacia una ideología retrógrada que no cuadra demasiado con la obsesión de su hijo por modernizar la forma de llevar a cabo investigaciones en USA. Sin embargo, la disensión entre ambos no es algo que se muestre como una opción real, sino que el personaje de su madre funciona como freno cuando su hijo quiere tomar una serie de decisiones personales alejadas de lo que le ha sido inculcado.

En un punto intermedio tenemos al personaje de Naomi Watts, la cual da vida a la secretaria fiel del protagonista, con la cual intenta en primera instancia iniciar una relación sentimental, pero eso no es más que un señuelo que utiliza ‘J. Edgar’ ante lo que está por venir. No obstante, la fidelidad profesional de ella está fuera de toda duda, con lo cual es un acierto que sea a través de ella que veamos cuáles son los objetivos del protagonista y su entusiasmo por llevarlos a cabo. Y es que es mediante su personaje que tenemos una visión más neutra de Hoover, un hombre metódico que sólo quiere lo mejor para su país. El problema es que esta visión es la que menos interesa a Eastwood (normal, sería muy aburrido centrar el relato en este aspecto), lo cual convierte a Watts en un personaje marginal durante buena parte del metraje, lo cual no quita que ella haga un buen trabajo.

La última capa, y la más interesante de todas, de la personalidad de Hoover nos viene dada a través del personaje que interpreta, y muy bien, Arnie Hammer. Él es el elemento modernizador, el que se sale de los esquemas iniciales del protagonista. Valga por ejemplo cómo se nos presenta su contratación: Hoover tiene una serie de requisitos muy estrictos a la hora de citar a los candidatos, y el personaje de Hammer está lejos de cumplirlos todos. Sin embargo, orquesta una cita, en la que no duda en espetarle los problemas que tiene con él y los motivos por los que no encaja, a lo cual recibe una réplica tan sincera y desarmante que no le queda otro remedio que ficharle, llegando bien pronto a ser su hombre de confianza (quizá el único que lo consiguió).

Él representa el cambio, el progreso, algo que choca constantemente de frente con lo que la madre de Hoover le ha inculcado, siendo estos momentos los de mayor riqueza de toda la cinta. Es aquí donde surge el conflicto personal y la película sube varios enteros. Y es que Hoover puede ser una persona cuyos métodos rozan lo despreciable (su forma de despedir a ciertos agentes), pero eso no debe restar importancia a todos los avances que logró durante su etapa al frente del FBI. La cuestión es que a nivel personal había más claroscuros con los que enriquecer la visión cinematográfica de Hoover, y eso es algo que Eastwood aprovecha para conseguir una película de mayor interés y DiCaprio una actuación más matizada que ni siquiera ha sido premiada con una nominación al Oscar.

Podría daros más detalles sobre la película como lo mucho que se agradece el habitual clasicismo en la puesta de escena de Eastwood, la lograda recreación de la época, tanto a nivel de ambientación como de vestuario o que el resto de actores que pueblan el extenso reparto realizan un trabajo remarcable, sin abusar de la presencia de otros personajes reales famosos, pero tampoco evitando su aparición cuando eso sirve para definir un poco mejor la personalida de Hoover, pero ni quiero alargar esta valoración al infinito ni dejar margen alguna para la sorpresa cuando os decidaís a echar un vistazo a ‘J. Edgar’, así que opto por aglutinarlo todo en que todo funciona bastante bien, aunque falta ese puntito extra de brillantez (quizá si la capa de thriller funcionase mejor, quizá dejarse llevar un poco más en lo humano) que convierta a ‘J. Edgar’ en una cinta memorable.

En definitiva, ‘J. Edgar’ es un biopic que opta por contarnos la vida de un personaje real adoptando una hipótesis sobre él en la que no existe unanimidad al respecto, lo único que no opta por una polémica desvergonzada como sucedió en ‘Anonymous’, sino que lo hace con talento y buen gusto, algo habitual en el cine de Eastwood. Eso sí, tampoco es la nueva obra maestra de su director que muchos estarían esperando, pero sí una muy buena película que merece la oportunidad de ser vista con una mente abierta a ver una producción coherente en la carrera de su realizador. Sin grandilocuencias innecesarias, ganando enteros cuando se centra en la parte humana de la historia, pero no por ello dejando de ser interesante cuando nos habla de la obsesión profesional del protagonista. Hay que verla.

1. ¿Nada para Clint Eastwood?
Aunque todavía no la he visto, y no me faltan ganas de hacerlo para ser vaquero en esta tierra de eastwoodófilos, la sola presencia de ‘J. Edgar’ (id, 2011), una película contemporánea ahora que nuestro país ha incluido la corrupción en cultura y deportes, me genera unas simpatías muy extremas. Y un DiCaprio en modo-todoterreno y un retrato oscuro de un hombre que era todo poder, secretos íntimos y malas decisiones y un guionista como Dustin Lance Black, premiado anteriormente. ¿Vamos a irnos de vacío?

2. El gato con botas ¿EN SERIO?

Decidme, y hacedlo con prosa que no sea de alquitrán, que la última película de DreamWorks SKG supera a la entrada más floja del canon de Pixar, esa película de coches y ecologismo y simpatía europea, y os creeré, pero es que la decisión de apartar la Pixarada padre se me antoja a un momento de descanso por parte de una Academia que ya parece haber decidido que ‘Brave’ (id, 2012) será previsible vencedora….

3. ¿Nada para Drive?
Buenas tardes, queridos Oscar. Me encanta que estéis al día, pero la sensación Windign Refn me parece mucho más importante que Woody Allen, que ejecuta un trabajo a duras penas turístico y rutinario con la encantadora ‘Medianoche en París’ (Midnight in Paris, 2011). Parece divertido devolver a Allen a una competición con Scorsese o Malick o Payne, pero no procede: la dirección de Windign Refn ha sido la más obviamente perfecta dentro del sistema. Me haré el mudito respecto a las invenciones de los hermanos Weinstein.

4. Racanería iraní.
Bien está que Nader y Simin: Una separación (2011) se ha colado en mejor guión original, dice mucho del admirable buen gusto de los chicos de la Academia, PERO la película podría estar en mejor película sobradamente, sin ese pesado extranjero que suena a trámite y más aún cuando han expandido las nominaciones. ¿En serio el calado moral y la complejidad psicológica de esta cinta tienen menos peso que el relato de “ay, mi caballo, donde esté mi caballo” de ese cineasta en perpetua huida hacia adelante de su falo?

5. Saltarse las reglas, esa quimera.
Ignorando el hecho de que ame ver nominado a Pitt por ‘Moneyball: rompiendo las reglas’ (Moneyball, 2011), justamente escogido por su carisma actoral de estrella del viejo estilo, la Academia ha cumplido a rajatabla lo que esperábamos de ella: interpretaciones-mímesis, revelación, actor latino-ya-consagrado-en-mercado internacional…¿Para cuándo un poco de transgresión? ¿Qué tal el estólido Ryan Gosling por su interpretación cuasi-paródica en ‘Drive? ¿Y Michael Fassbender? ¿Por qué le han ignorado tan salvajemente? No lo entiendo.

Por fin podemos echar un vistazo al tráiler de ‘Luces rojas’ (‘Red Lights’), el tercer largometraje de Rodrigo Cortés, el director de ‘Concursante’ y ‘Enterrado’ (‘Buried’). El avance da mucha más información que el primer tráiler que vimos hace meses, pero se ha tenido el buen gusto de no desvelar demasiado, de mantener la intriga y dejar con la miel en los labios; voy a ser el primero que lo diga: pinta muy bien. Ya os habréis enterado que ‘Luces rojas’ se pudo ver por primera vez en el festival de Sundance, al igual que el anterior trabajo del realizador español, y las reacciones en general han sido muy positivas, el público ovacionó al equipo de la película, la única pega que se le ha puesto, al parecer, son los minutos finales, de los que se ha dicho, en pocas palabras: “WTF?”. Lo tendremos en cuenta. Millennium Entertainment ya se ha hecho con los derechos de distribución en Estados Unidos. Aquí la podremos ver a partir del 2 de marzo. No sé vosotros, yo no me la pienso perder, es uno de los estrenos que espero con mayor interés este año.

Robert de Niro, Sigourney Weaver, Cillian Murphy (uno de los intérpretes actuales que más me gustan), Elizabeth Olsen, Joely Richardson, Craig Roberts, Toby Jones y Leonardo Sbaraglia, entre otros, son los actores protagonistas de ‘Luces rojas’, un thriller cuyo guion ha escrito el propio Cortés. La historia se centra en dos investigadores que analizan fenómenos paranormales para demostrar que todo es un fraude; su próximo reto es dejar en evidencia a un renombrado psíquico que llevaba desaparecido durante décadas. A continuación os dejo también el cartel definitivo de la película, el que llegará a las carteleras españolas. No está mal, aunque personalmente me gustaba mucho más el teaser.

PD: Los únicos títulos que pueden eclipsarla en taquilla el día del estreno son ‘Indomable’ (‘Haywire’), lo nuevo de Soderbergh, y ‘En tierra de sangre y miel’ (‘In the Land of Blood and Honey’), la ópera prima de Angelina Jolie.

Los dueños de los cines de medio mundo sonríen tras el primer fin de semana con Kim Schmitz fuera de juego. Los resultados de recaudación, recién horneados, y aún provisionales, son sobresalientes tanto en Estados Unidos como en España, gracias, quizá, al cierre de Megaupload.

Ése es el primer párrafo de una “noticia” que ha publicado hoy el diario El Mundo, firmada por Luis Alemany. Básicamente, viene a decir que los dueños de los cines están muy contentos porque sin Megaupload se están llenando las salas y ellos ganan más dinero. Quizá, quizá, quizá, como diría Osvaldo Farrés… Para defender la teoría, esto es, que la gente ha despertado y repentinamente ha redescubierto su pasión por el cine (y no sabe que existen otras vías para descargar películas), en el artículo se manejan los siguientes datos: la recaudación del fin de semana en EE.UU., la previsión de lo que iba a lograr en la taquilla española el film ‘Los descendientes’ (‘The Descendants’) y el aumento de tráfico en un videoclub on-line que justamente lanzaba una oferta este fin de semana. Aunque ya así planteado causa risa, vamos a analizar estas pruebas demoledoras.

Apunta el señor Alemany que en Estados Unidos la taquilla del fin de semana dejó una recaudación de 136 millones de dólares, “un 32% más que lo recaudado en el tercer fin de semana del año” (ahí falta añadir “anterior”, supongo que es un error sin intención). Y esto es por el cierre de Megaupload. Claro que sí. Lo extraño, como apuntan en Malaprensa, es que hace dos años, en 2010, los cines recaudaron casi 170 millones de dólares en esa misma fecha. Y el año anterior, en 2009, la cifra asciende a más de 190 millones. Vaya, a lo mejor es que hay más factores que influyen en las cifras de taquilla de un fin de semana concreto, qué complicadez...

Dejando al margen el asunto del videoclub (no pienso hacer publicidad) vamos a los datos de la taquilla en España. Señala el artículo, como clara consecuencia de que los usuarios de la malvada Megaupload han empezado a ir al cine ahora que ya no pueden descargar películas como locos enfermos sedientos de porno ilegal, que ‘Los descendientes’ ha recaudado en torno a 2,3 millones de euros en su estreno, según estimaciones provisionales. Y ya está. No tiene en cuenta datos oficiales ni el total de la recaudación del fin de semana, porque no han sido publicados. Su única aportación son cifras provisionales de una película y la previsión que había hecho una web que toman como referencia, donde pensaban que recaudaría 600.000 euros. Desde que cerraron Megaupload, George Clooney tiene más fans. Termino con una pregunta, para responder con sinceridad: ¿iríais más veces al cine si no pudierais descargar películas de forma gratuita?

PD: Gracias al compañero Alex C. por el aviso.

Ryan Murphy tiene nueva película entre manos. Temblemos. Responsable de las exitosas series de televisión ‘Nip/Tuck’, ‘Glee’ y ‘American Horror Story’, Murphy está preparando su tercer trabajo en el cine después de dirigir las lamentables ‘Recortes de mi vida’ (‘Running with Scissors’) y ‘Come, reza, ama’ (‘Eat Pray Love’). ‘The Normal Heart’ es el título del proyecto y me resultaría todavía menos interesante que el comportamiento reproductor de los políticos, de no ser por el reparto que está reuniendo Murphy. De momento, su próxima película contará con Julia Roberts, Mark Ruffalo, Alec Baldwin, Matt Bomer y Jim Parsons (‘The Big Bang Theory’). Nada mal, ¿eh?

‘The Normal Heart’ es una obra de teatro semiautobiográfica escrita por Larry Kramer (autor también del guion con el que trabaja Murphy) que se centra en la aparición y la lucha contra el sida en Nueva York. Ruffalo, cuya ópera prima sigue inédita en España (aunque parece que no nos estamos perdiendo nada), interpreta al personaje central sobre el que giran las vidas de los demás, el escritor y activista Ned Weeks; Baldwin encarna a su hermano, un abogado que no está de acuerdo con la vida que lleva Ned, Roberts interpreta a una doctora que desde el principio se toma muy en serio la enfermedad, Bomer dará vida a un periodista que mantiene una trágica relación sexual con el protagonista mientras que Parsons será un colega de Ned en su lucha por dar a conocer la enfermedad y ayudar a la comunidad gay. Brad Pitt no interviene en la película (de momento) pero es uno de los productores a través de su compañía Plan B. No se habla de fecha de estreno aún.

PD: La obra ganó tres premios Tony el año pasado: mejor reposición de una obra, mejor actor de reparto (John Benjamin Hickey, su papel se lo ha quedado Bomer) y mejor actriz de reparto (Ellen Barkin en el rol que ha caído en manos de Roberts).

Vía | ComingSoon