Antes de que el gran Billy Wilder diese lo mejor de sí mismo en su película más arriesgada, la figura de Sherlock Holmes había sido tratada infinidad de veces con anterioridad —de hecho, hablamos del personaje de ficción que más adaptaciones cinematográficas posee— en películas protagonizadas por actores tan ilustres como Peter Cushing, Christopher Lee y Basil Rathbone. En todas ellas se acentuaba el lado detectivesco de las historias, poniendo a Holmes antes situaciones de difícil solución, presentando a la creación de Arthur Conan Doyle como una especie de superdotado capaz de resolver los más intrincados misterios.

No sería hasta 1970 cuando se intentaría ir más allá del mito, para acercarse al ser humano que había detrás. Billy Wilder venía de brillar con gran intensidad durante tres décadas. Durante los 40 con perlas como ‘Perdición’ (‘Double Indemnity’, 1941) o ‘Días sin huella’ (‘The Lost Weekend’, 1945) —por la que ganó su primer Oscar como director—; en los 50 vinieron el atrevimiento de ‘El crepúsculo de los dioses’ (‘Sunset Blvd.’, 1950), la hithcockiana ‘Testigo de cargo’ (‘Witness for the Prosecution’, 1957), o la desternillante ‘Con faldas y a lo loco’ (‘Some Like It Hot’, 1959); en los 60 su mirada se volvió más amarga y con cierta melancolía, y nos brindó joyas del calibre de ‘El apartamento’ (‘The Apartment’, 1960) —por la que ganó su segundo Oscar como director— o ‘En bandeja de plata’ (‘The Fortune Cookie’, 1966).

Esa evolución en la carrera de Billy Wilder le hacía el director apropiado para semejante proyecto, aunque poco se imaginaba el director de ‘Traidor en el infierno’ (‘Stalag 17’, 1953) que con esta película tendría enormes problemas para acabarla como él quería, y que significaría el inicio de su decadencia; con films muy interesantes no volvería a ofrecernos el genio que una vez fue. ‘La vida privada de Sherlock Holmes’ tenía prevista una duración inicial de más de tres horas, pero viendo la productora que ésta iba a ser una película muy distinta a lo que esperaban, empezaron a cortarle las alas a Wilder, exigiendo cambios, y más tarde metiendo mano en el montaje.

Del material no filmado o cortado sólo se hayan las escenas escritas, y fotografías del rodaje, más toda una secuencia entera muy larga a la que le falta el sonido. Todo esto puede verse en los extras del DVD americano, no así en el español —por este tipo de cosas es por lo que prefiero comprar las películas en USA y no aquí—, en el que la mencionada secuencia es apoyada por unos subtítulos incrustados para que se sepa qué dicen los personajes. Uno puede hacerse una idea más o menos aproximada de lo enorme que hubiera quedado el film, una obra que Wilder pretendía que fuera un film épico sobre la mítica figura de Holmes, entendiendo la épica como algo muy distinto a directores coetáneos como David Lean.

‘La vida privada de Sherlock Holmes’ está dividida en dos partes bien diferenciadas, dos capítulos en lo que pretendía ser un gran mural con varias vivencias de lo más personal y desconocido —en el prólogo se advierte que lo expuesto en el film, recogido todo por Watson en su diario, jamás vio la luz por motivos de diversa índole—, mostrándonos a Holmes como un ser humano de carne y hueso, cuya superinteligencia puede verse engañada por un duro rival que utilizará una de las más antiguas tretas del mundo, el amor. Y es precisamente este sentimiento tan caprichoso el que marca buena parte del film, ya sea para ironizar sobre ello o para realizar una cruda mirada sobre el mismo. Billy Wilder haciendo que Sherlock Holmes muestre su lado humano, y que como cualquier otro puede sufrir de amor, ¿alguien puede dar más?

En una primera parte, nos encontramos con una divertida mirada que insinúa una relación homosexual entre Holmes y su inseparable Watson, cuando el famoso detective es requerido por una famosa bailarina rusa que quiere la deje embarazada para que el resultado sea un niño superdotado. La explicación que da Holmes para rechazar tan atrevida invitación es proclamar que es homosexual y que mantiene una relación con Watson, lo que más tarde da lugar a una de las escenas cómicas del film, aquella en la que Watson pasa de bailar con mujeres a hombres sin darse cuenta de la situación. El enfado posterior de Watson da lugar a uno de los diálogos más brillantes e irónicos del film:

- Espero que no me encuentre presuntuoso, pero ¿ha habido mujeres en su vida, verdad?

- La respuesta es sí... ha sido usted un presuntuoso. Buenas noches.

De esta forma Wilder hacía reconocer al propio personaje algo que siempre se había pensado, todo con un tono ciertamente desenfadado y con buen humor, preparándonos para el siguiente bloque, en el que Holmes, Watson y una extraña mujer viajarán hasta Escocia —país de donde es originario Conan Doyle— para investigar un caso en el que se verá involucrado el mismísimo monstruo del lago Ness. En este segmento, veremos como Holmes cae rendido ante el amor, y de forma muy sutil y emotiva asistimos a su derrota intelectual. Lo grande es que esto no empaña la figura de Holmes, sino que le hace más grande de lo que ya es, su fuerte personalidad y el tomarse su derrota personal con la elegancia del más distinguido caballero, nos describen a alguien de una fuerte sensibilidad, al nivel de su inteligencia, aunque para ello tenga que recluirse con droga en su habitación mientras Watson escribe la leyenda.

En un principio se pensó en actores famosos, como los británicos Peter O´Toole y Peter Sellers para los personajes principales. Pero Wilder quería que los actores no fueran conocidos por el gran público, y los elegidos fueron Robert Stephens y Colin Blakely, que realizan sentidas interpretaciones logrando las más humanas de las exhibiciones que haya dado el cine sobre ambos personajes. En un guiño sin parangón, Christopher Lee interpreta un papel secundario, el actor que ya había dado vida Holmes con anterioridad e incluso fue antagonista de su amigo Peter Cushing en cierta delicia de Terence Fisher, da vida al hermano del famoso detective. Y al lado del equipo de actores, sería injusto no resaltar la labor del director de fotografía Christopher Challis, el director artístico Alexander Trauner, o el compositor Miklos Rozsa, que juntos ceden a Wilder la oportunidad de revelarnos, con la ayuda de su inseparable I.A.L. Diamond, un mundo lleno de misterio, tenebroso, y también de arrebatador romanticismo, mientras desviste uno de los personajes más fascinantes de la literatura.

‘La vida privada de Sherlock Holmes’ es una obra maestra mutilada, dañada por la ignorancia de unos productores que, pensando sólo en el dinero, no supieron ver las enormes posibilidades del proyecto. Con todo, la maestría de Wilder está en cada uno de sus planos, y es el punto culmen de una filmografía como pocas. El paso del tiempo no hace más que evidenciar dicha sentencia.

Antes de que os dé mi opinión de la visión de Guy Ritchie, pasaremos por las que dieron en su momento Bob Clark y Barry Levinson.

De entre la enorme variedad de personajes que pululan por las películas, aquellos que suelen llamar más la atención, que enseguida se ganan las simpatías del espectador, son los solitarios. Personajes a los que las circunstancias hacen estar al margen de la sociedad, o simplemente de sus seres más queridos, viviendo en su propio mundo interno. Hay mucho atractivo en ese tipo de personajes, una cualidad que hace que nos acerquemos más a ellos pues la soledad marca tanto nuestro nacimiento como nuestra muerte, y hay dos géneros donde brillan con más intensidad, el western y el policíaco. No hay en la actualidad tantos personajes solitarios por lo que sentir fascinación como antes, ni siquiera son tratados con la misma fuerza que los maestros de antaño, pero actualmente hay dos films en cartelera que presentan a un par de tipos cuya mayor particularidad es que están solos ante el mundo: ‘Teniente corrupto’ (‘The Bad Lieutenant: Port of Call – New Orleans’, Werner Herzog, 2009) y ‘Un tipo serio’ (‘A Serious Man’, Joel y Ethan Coen, 2009).

En una, el solitario es un descontrolado teniente de la policía se ve superado por su dura cotidianidad, en la que tiene que lidiar con personajes de la más baja calaña,y también codearse con ellos. En la otra, el protagonista es un buen hombre, tanto que piensa que todo le va bien, hasta que sin saber por qué, su mundo se viene abajo quedándole sólo sus propias creencias como consuelo. Una es un drama policial, la otra una comedia. No son, ni serán, éxitos grandes de taquilla, pero de momento representan lo mejor de la oferta cinematográfica del presente año.

Un remake bien entendido

El a ratos excesivo Werner Herzog se ha atrevido con el remake de una de las películas de culto de principios de los noventa: ‘Bad Lieautenant’ de Abel Ferrara, para mí un film pretencioso donde los haya, eso sí, con una impresionante composición del gran Harvey Keitel. Las protestas por el nuevo remake no se hicieron esperar, incluidas las del propio Ferrara, quien llegó a insultar a a algunos de los responsables de la nueva versión. Herzog, que parece un tipo listo, se defendió explicando que él no había visto el film de Ferrara y que lo suyo en realidad no era un remake, sino algo muy distinto.

Así es, ‘Teniente corrupto’ se aparta considerablemente del film del 92 tanto en intenciones como resultados. Herzog habla de la locura desde una óptica menos provocadora, pero mayor en intensidad, viste a su protagonista con continuas amenazas y desgracias personales y al mismo tiempo dota al film de una extraña y conseguida atmósfera donde lo casi mágico tiene cabida, logrando embellecer un personaje odioso. Que Nicolas Cage se haya adueñado del personaje no deja de tener su gracia en esta inteligente broma de Herzog, pues aunque no resiste la comparación con Keitel —digamos además que los personajes son totalmente distintos—, logra conectar con el público gracias a su entregada composición, en la que evidentemente no le falta tiempo para gesticular como nunca, estando por primera vez en coherencia con lo que interpreta. Su histriónica interpretación se convierte en estrella absoluta de un film que avanza con ritmo firme gracias al inspirado trabajo de su director.

Un paseo por la locura ambientado en un decadente ambiente en la ciudad de New Orleans, producto del paso del huracán Katrina, que Herzog adorna con sugerentes secuencias oníricas en las que se atreve a hacer bailar a un alma break dance, entre otras locuras. Momentos casi mágicos, en los que cobra fuerza la excelente banda sonora obra del genial Mark Isham, que crea para la ocasión melodías jazzísticas con sabor a puro cine negro. Encima se atreve con un falso final feliz, que de irónica forma conecta con el principio, y aunque algunos elementos de su trama estén cogidos por los pelos, al final Herzog ha logrado divertirnos con su intensa y negra burla hacia el film de Ferrara, al que le da algunas lecciones de cine.

Una comedia muy personal

Tras haber sido el centro de atención con las exitosas, a nivel de premios y de taquilla, ‘No es país para viejos’ (‘No Country for Old Men’, 2007) y ‘Quemar después de leer’ (‘Burn After Reading’, 2008), films llenos de actores conocidos, los extraños hermanos Coen han decidido hacer algo más modesto, sin pensar tanto en la taquilla. ‘Un tipo serio’ (‘A Serious Man’) podría considerarse como una película menor dentro de la filmografía de los Coen, un pequeño cuento que curiosamente al que suscribe la ha parecido de lo mejor de los ilustres hermanos, de los que reconozco no ser ningún admirador. No soporto ni ‘Fargo’ ni’ Barton Fink’, y películas como ‘El gran Lebowski’ —cuyo mejor chiste está literalmente copiado de una película de Mel Brooks— me aburren soberanamente. Yo me lo paso mejor con cintas como ‘Arizona baby’ o ‘El gran salto’ (‘The Hudsucker Proxy’), e incluso ‘El hombre que nunca estuvo allí’ o ‘Ladykillers’ me parecen mucho más interesantes que sus títulos más alabados.

Sin embargo, y a partir de la oscarizada cinta con Javier Bardem, los hermanos Coen no hacen más que alegrarme mis sesiones cinéfilas. ‘Un tipo serio’ narra la historia de un pobre hombre que cree tenerlo todo, pero al que las circunstancias superan de modo inevitable. Su mujer, que le ha sido infiel con uno de sus amigos, le pide el divorcio, sus alumnos no le hacen ni caso cuando explica en clase, incluso cuando suspende a un chico oriental recibe un soborno de éste para que lo apruebe, algo que va en contra de sus férreas creencias. Para colmo es el único que aguanta la extraña locura de su hermano, que le meterá en más de un problema. Todo el tono del film está marcado por su excelente y divertido prólogo, que funciona perfectamente como un corto separado del resto del film. La contenida comicidad y el absurdo más desternillante bañan toda la película, que no avanza precisamente con el mejor de los ritmos, pero es su tono lo que la hace buena.

Esta vez, los Coen han echado mano de actores poco conocidos por el gran público, realizando todos un gran trabajo, aunque sobresale por derecho propio un inspirado Michael Stuhlbarg, quien se adueña de la función y nos hace partícipes de sus miserias. Su rostro a veces desencajado, es el perfecto retrato de la inestabilidad que todos podemos sentir de vez en cuando, por muy cómodas que aparenten nuestras vidas. La mala suerte de este personaje es retratada con un fino sentido del humor por los Coen, en el que el actor encaja como un guante. El conciso retrato de los Coen de la sociedad americana de finales de los 60, a través de la historia de estos judíos verdaderamente raros, está lleno de detalles ingeniosos por parte de unos autores que tienen más mala leche de la que parece. Las alusiones a una canción de Jefferson Airplane son buena muestra de ello.

Otras críticas en Blogdecine:

• Sitges 09 | Quinta jornada | Decepcionante ‘Splice’, excelente ‘Metropia’ y absurdo remake de ‘Teniente corrupto’

• ‘Un tipo serio’, el contundente cuento judío de los Coen

Si los Globos de oro son la antesala de los Oscars —el número de coincidencias en los premios a lo largo de la historia es lo suficientemente alto como para afirmarlo—, podríamos ir dando por ganadora a ‘Avatar’ en la ceremonia de la dorada estatuilla el próximo marzo. James Cameron está a punto de batir su propio récord consiguiendo la película más taquillera de todos los tiempos, y tal vez vuelva a hacerse con un buen puñado de Oscars con la película que esta pasada madrugada se ha alzado como la gran vencedora en los Globos de oro.

Sorpresas no ha habido ninguna. Muchos esperábamos que el premio a mejor director fuera a parar a manos de Kathryn Bigelow, pero al final su ex se ha llevado el premio. Esto hace bajar las esperanzas que tenemos puestas en esta mujer de cara al próximo marzo, donde es posible que se vuelva a ver las cara con directores de la talla de Cameron o Clint Eastwood. Así pues, ‘En tierra hostil’ (‘The Hurt Locker’) pierde la primera gran batalla de premios, tras haber recibido un montón de numerosas asociaciones de críticos.

Sin más, los ganadores de la 67 edición de los Globos de oro:

Mejor película dramática:

• ‘Avatar’

Mejor película musical o comedia:

• ‘Resacón en Las Vegas’

Mejor interpretación por un actor en un película dramática:

• Jeff Bridges, por ‘Corazón rebelde’

Mejor interpretación por una actriz en una película dramática:

• Sandra Bullock, por ‘The Blind Side’

Mejor interpretación por un actor en una película musical o comedia:

• Robert Downey Jr., por ‘Sherlock Holmes’

Mejor interpretación por una actriz en una película musical o comedia:

• Meryl Streep, por ‘Julie y Julia’

Mejor interpretación de un actor en un papel secundario:

• Christoph Waltz, por ‘Malditos bastardos’

Mejor interpretación por una actriz en un papel secundario:

• Mo’Nique, por ‘Precious’

Mejor director:

• James Cameron, por ‘Avatar’

Mejor guión:

• ‘Up in the Air’

Mejor canción:

• ‘The Weary Kind’, de T-Bone Burnett y Ryan Bingham, para la película ‘Corazón rebelde’

Mejor música original:

• ‘Up’, compuesta por Michael Giacchino

Mejor película de animación:

• ‘Up’

Mejor película extranjera:

• ‘La cinta blanca’

Vía | IMDb

“Soy de Buenos Aires, ¡y digo que les aniquilemos a todos!”

-Johnny Rico

Dos años después del desastre de ‘Showgirls’, Verhoeven regresó al género que le había dado estabilidad en Estados Unidos, el de la ficción científica, llevando a la pantalla la adaptación de Edward Neumeier (que recordemos, había escrito el formidable guión de ‘Robocop’) de la famosa novela de Robert A. Heinlein ‘Tropas del espacio’. Un presupuesto elevado para una nueva película de acción y aventuras, pero Verhoeven se guardaba un as en la manga, ya que su nueva película iba a resultar una sátira feroz que poco o nada tenía que ver con el espíritu de la novela original.

Cuando se estrenó la película muchos se quedaron mudos (sobre todo, imagino, los productores de la misma), ante el despliegue de imaginación, pero también de mala uva reconcentrada, que despide esta película. Pocas veces se ha visto en el cine una superproducción tan cara y tan cuidada destinada a poner patas arriba las constantes del género, tanto sci-fi como bélico, un filme que funciona como una perfecta parábola de cualquier guerra del siglo XX, y que no deja títere con cabeza. Muchos creyeron que la cosa iba en serio, y denostaron la película. Al parecer, no tenían la inteligencia suficiente para comprender que no hay que tomarla en serio.

¿De verdad los productores pensaban que Verhoeven sería fiel a la novela original? En ese caso, una de dos, o son unos reaccionarios peligrosos o no se habían leído el texto de Heinlein. La novela está fenomenalmente escrita, pues Heinlein es un novelista de primera fila, pero el fondo y la forma son absolutamente fascistas. Es decir, justifican de manera aplastante la guerra, la invasión y la destrucción sin piedad del enemigo. Verhoeven, si por algo se ha caracterizado, no es precisamente por una ideología conservadora, por mucho que algunos miopes se empeñen. Pero al estreno en España aún recuerdo ciertas críticas que tildaban al filme y al director de fascistas. No soy amigo de incluir definiciones, pero una sátira es una composición poética u otro escrito cuyo objeto es censurar acremente o poner en ridículo a alguien o algo. Y esto lo hace de manera evidente el filme de Verhoeven.

La guerra como forma de vida

Un gran Casper Van Dien (actor que prometía mucho y que últimamente parece desaparecido) da vida a un pijo enamorado de una bruja que se mete en una guerra salvaje para impresionarla. Poco más o menos este es el punto de partida de una sátira delirante que dispara todo lo que se mueve, y para empezar el cine de adolescentes rubios y guapos y ricos y sus dramas estúpidos con sus chicas monas y cursis. El guión es inteligentísimo y Verhoeven no deja escapar ni uno solo de sus detalles, si no que los explicita en una puesta en escena elegante y transparente. Y de manera completamente natural pasamos de un universo de instituto a un universo bélico perfectamente coherente.

Verhoeven usa un género que desprecia, la sci-fi, para pasar de un tipo despreciable de representación cinematográfica a otra. Y es mérito que, a pesar de ello, las secuencias bélicas estén tan increíblemente bien filmadas. Porque Verhoeven es un directorazo, y lo demuestra con un sentido del ritmo reservado a muy pocos. La secuencia del primer desembarco de tropas en el planeta enemigo, que termina en una masacre, está a la altura de las grandes del género. Es un subidón de adrenalina (gracias también a la sensacional música del sinpar, y ya fallecido, Basil Poledouris) indescriptible, en una secuencia que podría haber filmado el Spielberg más inspirado.

Pero todas las secuencias de acción o suspense tienen ese nivel, con lo cual se establecen dos niveles plenamente complementarios y gozosos, el de la sátira y el de la aventura, y Verhoeven se mueve por cada uno de ellos con soltura y tremenda facilidad, excepto ya en la parte final, en la que parece que su mirada y su tono se contaminan del espíritu bélico del relato y pierde, de forma extraña, el tono satírico. Es como si, de alguna manera, se hubiera olvidado de lo que está contando, aunque le redime ese fantástico final en el que los entrañables soldados humanos celebran que el cerebro enemigo “tiene miedo”.

Y entre bloque y bloque, veremos unos desvergonzados clips informativos que son la cumbre del gamberrismo verhoeveniano, y que no comprendo cómo muchos espectadores pueden tomarse en serio. Pero ver a unos niños coger cartuchos de balas de la mano de un soldado como si fueran golosinas, o viéndoles “participar” de la aniquilación del enemigo pisoteando cucarachas (recordemos cómo los altos mandos llamaban cucarachas al vietcong), es asistir a una violenta crítica al belicismo estadounidense (y por ende del resto del mundo), y a una despiadada descripción del risible ser humano. No hay compasión, pero sí muchísima diversión y muchísima épica.

Formidable película, muy superior a ‘Desafío total’, por ejemplo, por mucho que esta sea defendida con uñas y dientes por los aficionados, con la que Verhoeven podría haber cerrado su periplo estadounidense de forma casi inmejorable, en lugar de hacer con una película tan irregular como ‘El hombre sin sombra’.

Paul Verhoeven en Blogdecine:

• ‘Instinto Básico’, un thriller magistral
• ‘Desafío total’, endeble relato de ficción científica
• ‘El Libro Negro’, Verhoeven regresando con fuerza

• ‘El Libro Negro’, Verhoeven vuelve a lo grande con un intenso film de espionaje

En el cine, a la hora de narra una historia, uno de los objetivos perseguidos y no siempre conseguidos, es el lograr que el espectador se crea lo que le están contando. Es curioso comprobar como a veces, algunos dramas intimistas no son nada creíbles, y como films de Sci-Fi, o que se desarrollan en mundos imaginarios son de una convicción que asusta. Incluso, muchas películas de animación son más creíbles que infinidad de films de imagen real, y aunque en las primeras evidentemente se requiere de una mayor complicidad por parte del público, no deja de llamar la atención como muchos personajes animados rezuman mucha más vida que otros interpretados por actores.

Hay actualmente en cartelera dos películas de corte fantástico en las que puede apreciarse precisamente eso. ‘Número 9’ (‘9’, Shane Acker, 2009) y ‘Solomon Kane’ (Michael J. Bassett, 2009), avaladas la primera por tratarse de una producción de animación en la que ha metido mano Tim Burton, y la segunda por tratarse de la primera adaptación de un personaje creado por Robert E. Howard, el mismo responsable de Conan. Ambas tienen cierto sabor a serie B, y ninguna es gran cosa, pero al menos la primera entretiene y sobre todo posee unos personajes muy vivos, mientras que la segunda no levanta vuelo y sus personajes no nos importan.

Otro futuro desolador

‘Número 9’ —¿a qué habrá venido eso de alargar innecesariamente el título original?— es la segunda película de animación producida por Focus Features tras ‘Los mundos de Coraline’ (‘Coraline’, Henry Selick, 2009), y se trata de la ópera prima de Shane Acker, quien ha contado con la producción de Tim Burton y Timur Bekmambetov, que por extraño que parezca, dejan ambos su huella en el film. Por un lado, la animación recuerda en formas, que no en técnica, a films que no necesito nombrar porque todos los tenemos en mente; y por otro, la acción del film está planteada de la misma forma que las cintas del ruso, aunque sin llegar a los excesos de éste.

Acker adapta su propio corto de 2005, recurriendo a Pamela Petter para adaptarlo a la duración de un largometraje. Petter, escritora de series de televisión, participó en los guiones de la maja ‘Monster House’ (Gil Kenan, 2006) y la magistral ‘La novia cadáver’ (‘Corpse Bride’, Tim Burton, Mike Johnson, 2005), dos films que se diferencian del presente precisamente en lo mejor elaboradas que están sus historias. ‘Número 9’ es una película cuya historia está demasiado basada en coincidencias, y que a lo largo del metraje no parece más que una repetición del mismo esquema. Si a esos sumamos que todos los datos que desconocemos nos son desvelados en su parte final, y éstos resultan insatisfactorios, por no decir forzados, ‘Número 9’ decepciona bastante en su argumento, en realidad poca cosa.

En lo que sí luce el film es en su animación, mostrándonos otro de esos futuros desoladores tantas veces ilustrados en las películas de Sci-Fi, una terrible descripción del ser humano vencido ante las máquinas que él mismo ha creado. Los deliciosos muñecos protagonistas no son más que tópicos, sí, pero con mucha vida, y resulta imposible no empatar con ellos. Además, el desfile de voces es realmente impresionante, Elijah Wood en el papel principal, Jennifer Connelly, John C. Reilly, Crispin Glover, y los veteranos Martin Landau y Christopher Pulmmer ayudan con sus trabajos a que el espectador se crea a unos simples muñecos como el último resquicio de la vida humana. Una pena que la historia no esté a la altura de las circunstancias.

Otro héroe salvando el mundo

Robert E. Howard, quien no necesita presentación para muchos de vosotros por ser el creador de cierto mítico personaje, que curiosamente no ha tenido de momento una buena traslación en pantalla grande —no, la película de John Milius no es ninguna maravilla—, es también el padre de otro personaje, tal vez no tan conocido por la gran audiencia, Solomon Kane. Su primera aparición, a finales de los años 20 y tras una serie de relatos, aguantó durante cuatro años. Fue en el 2008 cuando se publicó un cómic protagonizado por Kane, a cargo de la Dark Horse, y ahora el desconcertante Michael J. Bassett se ha encargado de la primera película basada en dicho personaje. ¿El resultado? Tan atractivo como frío, y con un montón de posibilidades casi todas desaprovechadas.

Hay en ‘Solomon Kane’ un vano intento por recuperar la esencia de los films de espada y brujería de los años 80, que ciertamente buenos no hay muchos. En sus intenciones de ser una digna serie B, de presupuesto relativamente bajo para este tipo de producciones, no puede evitar que la sombra de la espantosa ‘Van Helsing’ (Stephen Sommers, 2004) planee en todo momento sobre ella. Y es que el mencionado film tenía un look muy parecido al del personaje creado por Howard, por lo que ahora le hace un flaco favor a este film, que parece demostrar que nunca veremos una digna adaptación de una obra de Howard. Michael J. Bassett, realizador de la curiosa ‘Deadwatch’, fracasa en su puesta en escena, de buen diseño de producción, pero de nula personalidad y carente de fuerza, por no hablar de que por momentos parece un mal telefilm.

En su doble faceta de director y guionista, el realizador maneja una serie de tópicos sin ningún valor, incapaz de sacar un mínimo de esencia de ellos. La historia está más vista que el tebeo, cae en lugares comunes demasiado trillados, y Bassett hace lo imposible por dar vida a algo que no la tiene. Y he ahí su mayor problema, ‘Solomon Kane’ no tiene vida. James Purefoy —Marco Antonio en la espléndida serie ‘Roma‘— no es el actor adecuado para dar vida al atormentado Kane —una especie de guerrero puritano en lucha contra el mismísimo Mal en pleno siglo XVI—, es algo así como una especie de Thomas Jane en horas bajas; el resto del elenco sigue más o menos el mismo camino, desde una insípida Rachel Hurd-Wood hasta dos veteranos desaprovechados, Pete Postlewaithe y Max von Sydow, con papeles tan relevantes en la trama como desganados. Hablan de una trilogía —también son evidentes los parecidos con la trilogía de Peter Jackson—, pero mucho me temo que servidor se apea aquí.

Otras críticas en Blogdecine:

• Sitges 09 | Séptima jornada (y II) | ‘9’ y ‘Panique Au Village’, animación interesante, guiones flojísimos
• Sitges 09 | Novena jornada (I) | Risas con ‘Zombieland’, bostezos con ‘Solomon Kane’ y algo sobre la ‘Zombie Walk’

• ‘Solomon Kane’, la tediosa introducción a otra trilogía

Después de tantas ideas y venidas, de si aquel la produce, de si el otro la escribe, y demás vainas que se tantean cuando un proyecto de estas características sale a la luz, al final ha surgido lo inevitable. ‘Ghostbusters III’, o lo que es lo mismo ‘Los cazafantasmas 3’ —como aquí la titulen de otra forma me da algo—, será dirigida por Ivan Reitman, el mismo responsable de las anteriores entregas, que recordemos ha dejado un buen montón de dinero en las arcas de la Columbia. Nunca le cogí el gustillo a ambos films, pero es innegable que marcaron toda una época, y el hecho de que ahora continúen con la saga es una noticia que alegrará a un montón de gente.

‘Los cazafantasmas 3’ ya tiene asegurado a la mayor parte del reparto de las dos entregas anteriores, o sea, Bill Murray, Dan Aykroyd, Harold Ramis y Ernie Hudson. La gran Sigourney Weaver y Rick Moranis —en la foto— aún no han confirmado su participación en el film, pero sería un enorme placer —sobre todo para un servidor— el contar con la presencia de esa maravillosa actriz, a la que a este paso nunca darán un Oscar, y menos por esta película. Aunque claro, si a don Alfred Hitchock jamás le dieron uno, ¿por qué se lo iban dar a ella, no?

Sí, esta entrada es en realidad para reivindicar a una gran actriz, ¿qué pasa, no puedo?

Vía | Comingsoon

Cuando se habla de cine clásico entre las nuevas generaciones de cinéfilos los nombres más comunes suelen ser los de siempre, John Ford, Orson Welles, Alfred Hitchcock, Akira Kurosawa, Howard Hawks, Billy Wilder —pronto os hablaré de su mutilada obra maestra—, Ernst Lubitsch o François Truffaut, por citar sólo unos ejemplos de los más conocidos. Pero hay una serie de autores, no tan conocidos por el gran público, y que incluso la crítica en su momento no consideró como debía. Dicen que el paso del tiempo pone las cosas en su sitio, y ahora gente como Phil Karlson, Samuel Fuller o André de Toth —grandísimo olvidado entre los olvidados— tienen el respeto que merece, aunque sólo sea en cierto sector.

Es para mi un placer presentar a todos aquellos cinéfilos a los que les interese, tres películas, ninguna una obra maestra, todo hay que decirlo, que representan a la perfección los estilos y formas de tres directores injustamente olvidados. Sin duda el menos conocido de los tres es Phil Karlson, director que como muchos de la época —años 50— dedicaban buena parte de su tiempo a realizar trabajos en televisión, el nuevo gigante que empezaba a hacer sombra al cine acaparando la audiencia del público. ‘El imperio del terror’ (‘The Phenix City Story’, 1955) es su film más recordado, un duro drama sobre el poder de la corrupción.

El poder del pueblo

La historia de ‘El imperio del terror’ narra cómo en una ciudad del estado de Alabama todo está controlado por el crimen organizado. Allí los mafiosos campan a sus anchas sin preocuparse por la policía a quien tienen comprados. Sólo unos pocos hombres se rebelarán ante tal situación, tratando de que el miedo del pueblo se convierta en valentía para plantar cara al crimen. John Patterson es un abogado que convence a su padre —un hombre muy respetado en la comunidad— para que se presente a fiscal del estado, para así poder vencer a los criminales en un lugar mejor: las urnas. Pronto los acontecimientos se precipitarán, poniendo en peligro la vida de muchas personas.

Karlson presenta la historia como si de un documental se tratase, logrando un gran verismo en su puesta en escena con un excepcional trabajo de fotografía por parte de otro olvidado, el experimentado Harry Neumann, logrando que el espectador se vea totalmente involucrado en la historia. Una historia llena de una violencia inusitada para la época, llegando a alcanzar por momentos una dureza indescriptible, haciéndose patente las claras intenciones del autor, que el público sienta repugnancia ante las injusticias de la corrupción. Karlson lo maneja todo con un sentido del ritmo envidiable, y el problema de la cinta llega en su tercio final, cuando una salida de tono enturbia la capacidad de sugestión del film.

Lo que impide que ‘El imperio del terror’ sea una obra maestra absoluta es sacarse de la manga las connotaciones religiosas que la historia presenta en su tramo final, resultando una conclusión un poco insatisfactoria. Aún así es una estimable película, adornada además con la excelente labor de un elenco de actores, entre los que sobresalen John McIntire y Richard Kiley, en los papeles centrales. Si todos los films actuales de denuncia tuviesen la fuerza de éste, otro gallo cantaría, es increíble comprobar cómo, más de 50 años después de su realización, la película sigue vigente en su mensaje.

Amor y guerra

De Samuel Fuller ya os he hablado con anterioridad en estas páginas. Sin duda el más conocido de los tres, el nombre de Fuller se asocia sin remedio a tres géneros clave, el western, el bélico y el film noir. Películas como ‘40 pistolas’ (‘Forty Guns, 1957), ‘La casa de bambú’ (‘House of Bamboo’, 1955), ‘Corredor sin retorno’ (‘Shock Corridor’, 1960) o ‘Uno rojo: división de choque’ (‘The Big Red One’, 1980) son excelentes muestras del talento de un hombre, cuyo sentido de la narración se encuentra entre lo mejor de una época de continuos cambios en el séptimo arte. Y como todo buen narrador, sabía que todo radicaba en el adecuado uso de la imagen.

‘Verboten!’ es el film bélico más extraño en toda la filmografía de Fuller, y aún no estando en el grupo de las mejores películas de su autor, se trata de un filma nada desdeñable, muy entretenido, y que entre otras cosas es un clara denuncia y crítica hacia los ideales presentados por el nazismo, ideales que terminaron con la vida de millones de personas en la lamentable Segunda Guerra Mundial. Por primera vez de forma tan clara, en el cine de Fuller, que en otras épocas de su vida había ejercido de periodista, aparece la denuncia. Es por eso que el film posee un aspecto que recuerda en cierto modo al trabajo de los neorrealistas italianos al estilo de ‘Paisá’ de Roberto Rossellini. Otra película con marcado tono documental.

El film, ambientado en la posguerra, tiene lugar entre ruinas de una ciudad destruida por los bombardeos, y en ella Fuller nos mezcla dos tramas que terminan entrelazándose; por un lado, una peculiar historia de amor entre un soldado americano y una mujer alemana, y por otro, el plan de cierto sector rebelde alemán para alzarse de nuevo con el poder que Hitler tuvo en su día. El film mezcla drama amoroso —con sus conflictos y todo, pues una pareja entre un americano y una alemana no está bien visto—, y drama criminal, en una mixtura no siempre afortunada. La historia de amor se ve descuidada por la parte bélica —cuya mejor baza es que es mostrada como si de cine negro se tratase—, y la película accede a convencionalismos que provocan un happy end a todas luces injustificado.

Adelantándose a su tiempo

En los últimos años, el infravalorado cine de acción ha gustado de ofrecernos sus historias imposibles en marcos europeos. La trilogía sobre Jason Bourne, ‘Venganza’ (‘Taken’, Pierre Morel, 2008), o más anteriormente, ‘Ronin’ (John Frankenheimer, 1998), son una clara muestra de ello, pero los antecedentes de este tipo de historias se encuentran en cintas como ‘Hidden Fear’ (1957), uno de las cintas de cine negro que realizó André de Toth, y que es tratada como la menos afortunada de todas. En mi opinión, creo que nos encontramos ante un film espléndido de pasmosa modernidad, que encierra no pocas virtudes. No alcanzo a comprender como la crítica de la época, y aún ahora, no quiso ver en ‘Hidden Fear’ la estupenda película de acción que es, ¿falta de la perspectiva que ahora nosotros tenemos?

Probablemente la respuesta se encuentre en que André de Toth nunca estuvo bien considerado. Su nombre asociado siempre a la serie B, también menospreciada, no hacía que se le tratase con el respeto que merecía. Además, su película más famosa, ‘Los crímenes del museo de cera’ (‘House of Wax’, 1953), aún tratándose de una maja cinta no es precisamente de las mejores, de Toth sólo la realizó porque creía interesante las posibilidades del formato 3D. Afortunadamente, la obra de este director puede encontrarse fácilmente, y descubrir algunas de las joyas que abarcan su interesante filmografía, necesitada de una urgente y justa reivindicación.

‘Hidden Fear’ es un relato criminal, en el que se investiga la presunta culpabilidad de una mujer en un asesinato, investigación llevada a cabo por el hermano de ésta, un policía que destapará un turbio asunto de dinero falsificado. De Toth imprime al film un ritmo brutal, permitiéndose extraños juegos con el montaje, y sacando un enorme provecho a su actor principal, John Payne. Por primera vez, la inexpresividad del actor sirve para vestir a su personaje, una especie de superhombre —su habilidad para salir de todos los entuertos en los que se mete le convierte en un claro antecesor de Jason Bourne, con quien compite en invencibilidad—, y que incluso no duda en tratar como escoria a su propia hermana, a la que considera una mujerzuela. En este aspecto, ‘Hidden Fear’ es una película llena de violencia, plasmada de forma muy directa por de Toth, sin concesiones ni florituras, además de poseer cierto atractivo exótico al estar filmada en suelo europeo.

Las tres películas son claros ejemplos de un tipo de cine que ya no se hace, y que corre serio peligro de caer en el olvido. Para que os hagáis una idea, comprobad la cantidad de votos que tienen en la IMDb.

Aquí tenéis la primera imagen de ‘Little Fockers’ (2010), nada más y nada menos que la tercera parte de ‘Meet the Parents’, aquella comedia en la que Ben Stiller no dejaba de hacer el tonto en casa de Robert de Niro. La película, titulada en España como ‘Los padres de él’ ‘Los padres de ella’, fue un gran éxito y tuvo una secuela, ‘Meet the Fockers’, en la que Dustin Hoffman metía mano a Barbra Streisand; aquí se estrenó como ‘Los padres de él’.

Robert de Niro, Ben Stiller, Barbara Streisand, Dustin Hoffman, Owen Wilson y Teri Polo regresan en esta nueva entrega, a la que se han incorporado tres importantes novedades: Harvey Keitel, Laura Dern y Jessica Alba. La película, escrita por John Hamburg y Victoria Strouse, y dirigida por Paul Weitz (‘Un niño grande’, ‘In Good Company’), se centra en las dificultades que deben superar los Follen cuando tienen su primer bebé. Imagino que el título es un pequeño spoiler, y que luego descubrirán que son gemelos, por lo que sus “tronchantes problemas” se multiplicarán.

La fecha del estreno de ‘Little Fockers’ es el próximo 30 de julio, aunque a los cines españoles no llegará hasta casi un mes más tarde, el 20 de agosto. Sospecho que esta vez a nadie le va a molestar el retraso.

PD: A ver cómo titulan aquí la tercera, se admiten apuestas: ¿‘Los niños de ellos’, ‘Los pequeños Follen’...? Ya veremos, siempre nos sorprenden.

Gracias a nuestro incansable ent18, tenemos aquí el segundo tráiler en español de una de las películas más esperadas de este 2010, ‘Furia de titanes’. Y digo esperadas porque todo en ella huele a blockbuster de primera, actores famosos en su reparto, encabezado por el actor de moda Sam Worthington, que gracias a James Cameron conocerá lo que es la fama de verdad, y efectos visuales impresionantes, a tenor de lo visto en el espectacular avance. Remake del famoso film de los 80 dirigido por Desmond Davis, puede ser una buena oportunidad para hacer las cosas mejor de los que las hicieron en el citado film, donde sólo destacaban los maravillosos efectos del gran Ray Harryhaussen, que trabajó por última vez en el cine con esa película.

De todos modos, y por muy vistoso que sea el tráiler, hay algo que no termina de convencerme pues una poderosa sensación de déjà vu me ha corroído durante todo el avance, algo parecido a lo que se siente viendo el tráiler de ‘Robin Hood’ de Ridley Scott. Se podría hacer una lista con la cantidad de referencias que se ven sólo en el avance; y el hecho de que el que se ha puesto tras las cámaras es Louis Leterrier no añade nada de atractivo al asunto. Recordemos que ese tipo es el responsable de films como ‘Danny the Dog’, ‘Transporter 2’ y ‘El increíble Hulk’.

El próximo 26 de marzo saldremos de dudas.

El cine a lo largo de su más de un siglo de existencia ha servido en muchas ocasiones para escaparnos de la realidad de nuestras vidas, para entrar en otros mundos, fantásticos o no, que nos haga olvidar nuestra miserable existencia —no, Adrián, no voy a citar ‘Avatar’ como bálsamo a la pobreza de nuestras vidas—; incluso se han valido de esos mundos como alegorías a cosas auténticas y reales. En la actual cartelera pueden encontrarse varias cintas que pretenden, de una forma u otra, unas muy directamente, otras de otro modo más sutil, hablar del ser humano en general, de nuestros miedos, nuestros sueños, de aquellos que hace que nos sintamos realizados, o todo lo contrario.

‘Donde viven los monstruos’ (‘Where The Wild Things Are’, Spike Jonze, 2009) es la adaptación de un famoso cuento de Maurice Sendak que en los USA es prácticamente una lectura obligada —eso en un país donde se admiran memeces como ‘El guardián entre el centeno’ no quiere decir mucho—. Dicen que Spike Jonze se aparta considerablemente del cuento para poder adaptarlo adecuadamente al medio cinematográfico, pero como ya sabemos una cosa es lo escrito y otra bien distinta lo filmado. Y aunque dé la sensación de que Jonze podría apartarse del estilo con el que nos bañó en dos ocasiones, lo cierto es que su estilo está más vivo que nunca, por primera vez, diría yo. Tanto que, para el que esto suscribe, ha firmado su mejor trabajo hasta la fecha.

Me he acercado con muchísimo miedo a ver ‘Donde viven los monstruos’, pues los dos anteriores films de Jonze me aburren sobremanera, y en el caso de ‘Adaptation’ me sacan de quicio. Creo que Charlie Kaufman —ganador de uno de los Oscars más merecidos de los últimos años— y Jonze jamás se entendieron, no sé si por lo denso de los guiones del primero, o por la desfachatez de puesta en escena del segundo. Ahora Jonze no ha contado con Kaufman y parece que todos hemos salido ganando. La historia del niño que decide crear un mundo imaginario para él solo es más asequible para el público que lo narrado en sus dos anteriores películas, en las que realidad y ficción intentaban darse la mano. Tal y como diría mi compañera Beatriz, ejercicios de metalingüismo, que en mi caso me provocaban verdadero dolor de cabeza, no por sus alegorías, sino por su pedantería disfrazada de cine culto.

En ‘Donde viven los monstruos’, Jonze nos narra el viaje de madurez de un pequeño rebelde, que huyendo de casa llega con una barca hasta una isla habitada por monstruos de lo más peculiar. En un principio, Jonze da vueltas a lo mismo una y otra vez, cayendo en la repetición hasta lo extenuante, pero hay algo en la imagen del film que cautiva, que fascina en cada fotograma, sobre todo en su segundo tercio. Un acercamiento al complicado mundo de la infancia, que en realidad es la mirada del propio director sobre el tema, y es ahí donde creo que el film no alcanza la perfección que pedía a gritos. Al distanciarse de su personaje —porque Jonze lo hace suyo— lo distancia también de nosotros, lo aleja sin que nos importe demasiado lo que le ocurra. Aún así, Jonze logra una buena película que llega a emocionar con sólo el poder de la imagen —no, Adrián, no voy a decir que ‘Avatar’ cumple eso a la perfección—, aunque argumentalmente sea de lo más vacía.

‘Bienvenidos a Zombieland’ (‘Zombieland’, Ruben Fleischer, 2009) es la nueva aportación yanqui al tan manido tema de los zombies que a finales de los 60 puso de moda George A. Romero. Esta vez el tono elegido es el de una comedia, aunque con resultados muy distintos a los obtenidos en ‘Zombies Party’ (‘Shaun of the Dead’, Edgar Wright, 2004), film que Fleischer admira y sobre el que ha declarado inspirarse a la hora de hacer esta película, en la que un servidor sólo ha encontrado un chiste digno de risa, el de un cameo de cierto actor, que además de reírse de sí mismo hace que el espectador suelte una gran carcajada con lo que le sucede en un film que pretende ser una locura, pero termina siendo una de las memeces del año pasado, aunque no de las peores, todo hay que decirlo.

Columbus es un muchacho medio tonto y virgen —las dos cosas suelen ir juntas— que ha sobrevivido a un mundo lleno de zombies gracias a unas valiosas reglas que nunca ha incumplido. Eso al menos es lo que tratan de hacernos ver durante todo el metraje, sin tener en cuenta que muchas de esas reglas son obviedades tan grandes como una casa. Mucho se ha hablado de su inicio, en el que se presenta al personaje central, un despistado Jesse Eisenberg que no sé porqué me recuerda mucho a otro sosainas, Michael Cera, y si no, mirad ‘Adventureland’, el nuevo intento de Gregg Mottola por hacer cine ochentero. En dicho prólogo, que algunos comparan con la maravilla de introducción de ‘Watchmen’, se exponen las ideas de un film que enseguida agota sus armas. Y ése es su mayor problema, pues a partir de los primeros minutos, el film carece totalmente de interés y no funciona ni como divertimento, lo que pretende ser.

‘Bienvenidos a Zombieland’ es un aburrimiento soberano, su falso ritmo alarga innecesariamente una premisa —su parte central es totalmente insípida— hasta un tramo final en un parque de atracciones donde se suceden despropósitos uno tras otro. Incluso el reparto no está muy inspirado, y es raro ver a Woody Harrelson haciendo algo parecido a lo que hizo en ‘2012’, aunque armado hasta los dientes. Emma Stone está muy buena, pero ni a eso le quitan provecho; y Abigail Breslin iba para estrella, pero como siga así se perderá como otras tantas estrellas infantiles en los últimos años. Con todo, el film ha tenido bastante buena aceptación, y no sería de extrañar una secuela. Conmigo que no cuenten.

‘Ninja Assassin’ es la peor de este paquete de tres. Su director, James McTeigue, había conseguido cierto prestigio con esa maravilla titulada ‘V de Vendetta’, pero más tarde consiguió todo lo contrario filmando escenas adicionales para el tercer remake de ‘La invasión de los ladrones de cuerpos’. Ahora nos ofrece una película llena de mamporros y escenas de acción, con la única finalidad de que el espectador pase un buen rato. Eso sería importante si realmente lo hubiese conseguido, pero esta película se pierde en insensateces, aunque intente recuperar el espíritu de las cintas de acción de los 80.

Eso es precisamente lo mejor de ‘Ninja Assassin’, su violencia sin parangón, llegando a momentos gore, que en estos tiempos de rectitud se agradecen. La pena es que McTeigue no entiende absolutamente nada de la violencia como elemento catártico —si Peckinpah levantase la cabeza, moriría de nuevo del susto—, y llena su película de escenas de acción —en las que expone a un Rain en impresionante forma física—, bien filmadas técnicamente, y coreografiadas al dedillo, pero sin alma ni pasión. Una vez más, el infravalorado subgénero de acción se ve malogrado por productos de este tipo, y así cierto sector del público nunca valorará que el cine de acción es tan bueno como cualquier otro.

Otras críticas en Blogdecine

• ‘Donde viven los monstruos’, un videoclip alargado
• ‘Donde viven los monstruos’, el cine de los sentimientos
• ‘Bienvenidos a Zombieland’, los zombis como excusa

• ‘Bienvenidos a Zombieland’, un arranque genial, un cierre lamentable