Hace más de dos años, mi compañera Beatriz nos comentaba que Marty Adelstein y Scott Nemes tenían la intención de producir un remake de ‘León: el profesional’, la famosa película de Luc Besson con Jean Reno y Natalie Portman, que se titularía ‘Hanna’. Esta misma semana se ha hecho oficial que el director Joe Wright (en la foto junto a James McAvoy y Keira Knightley) ha sido contratado para encargarse del proyecto, después de que Alfonso Cuarón y Danny Boyle rechazaran la oferta. De este modo, ‘Hanna’ será el cuarto largometraje del británico, responsable de ‘Orgullo y prejuicio’, ‘Expiación’ (nominada a siete Oscars, pero no a mejor director) y ‘El solista’, aún pendiente de estreno en nuestro país.

Sin embargo, parece que durante todo este tiempo se ha transformado bastante el guión, para el que inicialmente fue contratado Seth Lochhead, incorporándose más tarde un segundo guionista, David Farr. Ahora, el argumento de ‘Hanna’ se centra en una chica de catorce años que es acogida por una familia que vive plácidamente en el campo; en algún momento, la niña se mete en problemas, pero descubre que fue entrenada por su padre para convertirse en una letal máquina de matar al servicio del gobierno… y entonces se liará la de Dios. Será un reto para Wright trasladar esta historia a la pantalla, ya que no ha filmado nada parecido hasta el momento, y tras ver sus anteriores trabajos cuesta imaginárselo orquestando una secuencia de tiros. Pero, quién sabe, puede que a partir de ahora se dedique a estos menesteres, y pronto informemos que ha sido fichado para dirigir ‘Rambo VI’...

PD: Tuve la oportunidad de ver ‘El solista’ en el mismo vuelo en el que vi ‘La mujer del viajero en el tiempo’, y me resultó decepcionante. ‘Expiación’, sin parecerme tan buena como a muchos de vosotros, sigue siendo su mejor película hasta la fecha.

Vía | Empire

Resulta extraño leer el nombre de Kenneth Branagh vinculado a una superproducción sobre un superhéroe, pero así es. Y de ahí que, al menos para un servidor, la película tenga ya la etiqueta de “must see” (obligado visionado). El brillante cineasta y actor británico se comprometió a llevar a la gran pantalla la historia de Thor, uno de los superhéroes que la factoría Marvel (comprada hace poco por la Disney, recordemos) quiere convertir en objeto de franquicia cinematográfica, junto a Iron Man o Hulk, de la que por cierto ya llevan dos intentos fallidos.

Ya conocíamos los nombres de los principales protagonistas con los que contaría Branagh, pero recientemente se han dado a conocer los tres últimos fichajes, que se incorporarán al proyecto para interpretar importantes papeles secundarios. Ellos son Stuart Townsend, Ray Stevenson y el japonés Tadanobu Asano, que se encargarán de dar vida a Fandral, Volstagg y Hogun, respectivamente. Serán los Tres Guerreros, los más leales amigos de Thor.

Imagino que de los tres actores, el que menos os suena es el último, ya que Towsend se ganó bastante fama con la adaptación de ‘La reina de los condenados’, y a Stevenson lo habéis visto muchos en la prestigiosa serie ‘Roma’ de la HBO, o si no en la lamentable nueva versión de El Castigador (‘Punisher 2: Zona de guerra’), ¿cierto? Bien, pues lo que tenéis que saber de Asano es que es uno de los actores asiáticos más populares, y que ha protagonizado títulos tan famosos como ‘Ichi the Killer’ (para espectadores con buen estómago), ‘Zatoichi’ (donde lucha contra Takeshi Kitano) o ‘Mongol’ (candidata al Oscar). Es un tipo muy frío, que gesticula lo mínimo, pero al mismo tiempo es sorprendentemente carismático.

Towsend, Stevenson y Asano se unen, por tanto, a un reparto en el que ya figuraban Natalie Portman, Tom Hiddleston, Anthony Hopkins, Samuel L. Jackson, Colm Feore, Stellan Skarsgard, Jaimie Alexander y Chris Hemsworth, que será quien interprete a Thor (durante mucho tiempo se dijo que sería Alexander Skarsgard). El rodaje, bajo las órdenes de Kenneth Branagh, comenzará el próximo mes de enero y se espera que la película pueda estar en los cines el 20 de mayo de 2011.

PD: Towsend también es famoso porque es el tío que se acuesta regularmente con Charlize Theron.

Vía | Empire

Un mes y un día. Eso es todo. Eso es lo que falta para que llegue a las carteleras ‘Avatar’, lo nuevo de James Cameron, la película que muchos estamos como locos por ver. Se supone que es algo realmente diferente a todo lo que hemos visto hasta ahora, y que cambiará el modo en que vemos las películas (en los cines). Es lo que se dice, y los que pudieron ver aquel corte de quince minutos en el ‘Avatar´s Day’, en general, confirman que lo que vieron les dejó alucinados. A partir del próximo 18 de diciembre comprobaremos, por fin, si esto es el gran espectáculo innovador que nos han prometido, o si por el contrario, se trata de la mayor tomadura de pelo de los últimos años.

En esta entrada os traigo lo último que he ido encontrando sobre ‘Avatar’ en la red. Arriba tenéis el último tráiler de la película, aparecido en la televisión norteamericana, que he calificado de definitivo porque realmente es el mejor de los que han salido; es muy parecido al último, pero los cambios me parecen más acertados, y la pieza en conjunto resulta impresionante, un avance realmente ejemplar. Más abajo tenéis un spot o mini-reportaje de la televisión japonesa sobre los temas que se tratan en la película, con declaraciones de algunos de los implicados en la producción. Por último, al final os he dejado cinco fotos más, las últimas que han salido, destacando la que muestra a tres de los protagonistas junto a James Cameron, en un momento del rodaje.

‘Avatar’ nos traslada al exótico planeta Pandora, para contarnos la historia de Jake, un ex-Marine en silla de ruedas que puede caminar y vivir a través de un Avatar, un cuerpo alienígena que controla con su mente; Jake se verá envuelto en una lucha desesperada por la supervivencia, entre la raza humana, invasora, y la indígena, unos seres llamados Na’vi. Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Michelle Rodriguez, Giovanni Ribisi, Joel David Moore, Wes Studi y Stephen Lang encabezan el reparto.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Quizá es porque he visto los tráileres mil veces, pero ahora sí me creo eso que decían hace meses sobre los Na’vi, que se verán totalmente reales en la pantalla. Mirad los gestos, cómo se mueven. Ah, y mínimo 5 Oscars.

Vía | Imdb, TrailerAddict y MovieWeb

“Recuerdo a mi madre cuando se estaba muriendo. Se veía encogida y gris. Le pregunté si tenía miedo. Ella sacudió la cabeza. Yo tenía miedo de tocar la muerte que veía en ella. No veía nada hermoso ni noble en su regreso a Dios. He oído hablar de la inmortalidad, pero aún no la he visto.”

-Soldado Witt

Del negro de la pantalla funde a la hipnótica y poderosa imagen de un cocodrilo que, lentamente, se introduce en la marisma, hasta que todo su cuerpo se sumerge en el agua. La música de Zimmer suena como en un templo, y se apaga al sumergirse la bestia. No hay cortes. Encadenado a la jungla: bellísimas y sobrecogedoras imágenes de la naturaleza en estado salvaje. De fondo, las reflexiones filosóficas del soldado Train (John Dee Smith). Comienza la película.

Las primeras secuencias de ‘La delgada línea roja’ nos trasladan, sin el menor complejo ni énfasis, al Paraíso en la Tierra. Eso sí, las palabras de Train nos trasladan un tono existencialistas ineludible: ¿por qué esta guerra en el corazón de la naturaleza? ¿Se enfrenta la tierra al mar? La cámara de Malick penetra con curiosidad en la misma textura de la jungla, suena un coro diríase celestial. En manos de Malick, la vegetación cobra personalidad, como un personaje más, o como el verdadero protagonista o Dios de la creación. Con su cámara los árboles parecen dioses.

La luz del mundo

Desde el mismo comienzo, la luz y la imagen del operador John Toll (fulgurante comienzo de carrera con dos Oscars consecutivos, uno de los pocos que lo ha logrado, por ‘Leyendas de pasión’ y ‘Braveheart’) se muestra un verdadero prodigio. Ya hablaremos poco a poco de la maestría desplegada por este hombre en este trabajo sublime, pero de momento anotar que toda luz es natural, solamente ayudada por algunas sedas y reflectores, y con el negativo expuesto hacia las sombras, aprovechando al máximo las localizaciones de Queensland, Guadalcanal y las islas Solomon, con un uso de los objetivos panavisión como no se recuerda haberse empleado jamás.

Malick vira de la naturaleza a sus habitantes, concretamente los indígenas de las islas Solomon, sobre todo sus niños, que son los primeros en que nos fijamos. Hay algo de documental en estas imágenes, que son como pedazos de vida antropológicamente arrancados del mundo. De ahí a varios planos de ensueño con los niños indígenas buceando en busca de conchas y otros objetos, como ángeles. Estamos en el Paraíso Terrenal, sin duda, y los cánticos se acentúan. Sobre los niños, en falso punto de vista, navega el soldado Witt (Jim Caviezel). El agua y la barca de Witt son dos de los iconos visuales más importantes de este primer bloque. El agua lo será de toda la película.

Witt, sobre la barca, asemeja un hombre entre dos mundos. Con su chapa de soldado está claro que pertenece al ejército. Pero no actúa como un soldado, sino que se parece a un nativo, y parece llevarse bien con ellos. Con exquisito gusto, Malick encadena, no corta, de ese viaje en barca, a un pequeño lago donde los nativos limpian a sus hijos. Pareciera que Malick le señala a su personaje su camino. Pero Witt se encuentra lejos del lago, y lo observa con extrañeza. Este soldado, que parece haber abandonado el ejército y haberse refugiado allí, es un hombre espiritualmente en el filo, que se pregunta sobre la muerte una y otra vez.

Observando a una madre jugando en el agua con su hijo, Witt recuerda a su madre y habla de ella. Lo que parece una voz en off es un diálogo (reproducido arriba del todo). La música cambia, entramos en un nuevo tono, en una nueva estrofa de este poema. Se establecen, de manera nítida, tres melodías que formarán una sinfonía: la imagen, la música y la voz en off. Las tres se alimentarán mutuamente, se negarán, se darán sentido y se superpondrán las unas a las otras, como en una sinfonía que se concentrara en lo abstracto para dar una expresión concreta de la vida y la muerte.

Witt asemeja una estatua de piedra, un hombre que no teme rechazar todas las convenciones del mundo y que se enfrenta, directamente, a las cuestiones más terribles e inasibles a las que puede enfrentarse todo ser humano: ¿existe la inmortalidad? ¿qué es la muerte? ¿qué sentiré cuando sepa que ese es mi último aliento? No recuerdo ahora mismo quién dijo que las únicas historias que merecen ser contadas son aquellas que le contarías a un moribundo en el lecho de muerte. Y es auténticamente cierto. Esta es una de ellas.

Con extrema sensibilidad, obtenemos un nuevo encadenado, posiblemente al recuerdo de la madre de Witt. Aunque no hay nada que nos haga pensar que no es, simplemente, la imagen de la muerte de cualquier ser amado. Con la música de Zimmer siempre consolándonos, observamos a una mujer en su lecho de muerte, esperando la parca con tranquilidad. Los gestos son sencillos pero extraños: la mujer se acerca a la niña, pero no sabemos si le da algo o le indica alguna cosa con un gesto. La niña es, además tremendamente misteriosa, vestida de blanco y con una sonrisa celestial, liberadora. Malick realiza un plano de dos pájaros en su jaula, en la misma habitación. ¿Metáfora del alma encarcelada que pronto echará a volar? Imposible asegurarlo. Con Malick el espectador ha de ser co-creador de la imagen, y otro verá algo diferente a lo que veo yo, sin duda.

Lo mismo sucede con el siguiente plano a ese: el camisón blanquísimo de la niña, con un extraño dibujo de tres círculos en su pecho. Que cada cual diga lo que puede sentir con eso, pero no hay duda de que existe algo poderoso e indescriptible en ese plano. Malick es un artista capaz de hacer levitar, explotar, la materia con que está hecha un plano, llevarlo más allá del mero carácter visual del mismo y convertirlo en algo más, mucho más, quizá el reflejo de la eternidad, la inmortalidad, precisamente aquello que Witt busca con tanta desesperación. La secuencia termina con las paredes de la habitación sin techo, con el cielo abierto sobre ellas, como si el espíritu quedase por fin libre. Y encadena al barco de Witt (tan inquietante como la barca de Caronte, que lleva a la otra “orilla”) y al propio Witt reflexionando en la playa. Parece que por fin ha encontrado la paz que tanto anhelaba.

El personaje de Witt va a ser fundamental en la trama, pero, de forma extraña, apenas va a tener presencia en la misma. Va a flotar sobre ella, por decirlo de alguna manera, y no precisamente porque habiendo encontrado el Paraíso en la Tierra sea un hombre libre e intocable, nada más lejos, sino porque Malick va a sembrar en este comienzo la semilla del tema y la razón de la película, que no es otro que la muerte y la inmortalidad, en una visión panteísta y elegíaca del mundo, pero también cruel y descarnada, sin falsas componendas.

Por alguna razón, el plano que coge a Witt de espaldas después de haber alcanzado o percibido esa inmortalidad que hasta ahora no había visto, es perfecto para ese momento, significa realmente entrar en un estado de ánimo. Por fin puede hablar con la madre y su hijo, al que lavaba en el arroyo. E incluso porta una visión más ingenua incluso que la de ella, cuando asegura que los niños nunca pelean, y ella le corrige pues sí pelean. Para Malick, la violencia es intrínseca al ser humano, incluso en ese paraíso. Siempre está latente, nadie está a salvo. Pero a Witt no le importa, para él ese es su cielo.

Trabajará con los nativos y jugará con los niños, acompañado por otro soldado renegado de la guerra y del horror, de quien ni siquiera conoceremos su nombre. Para Malick podría dar a otra película ese personaje anónimo, pero de momento se centra en Witt, aunque su compañero parece tan vivo y tan interesante, pese a su leve aparición, como él.

Por fin, tienen lugar los cánticos de las islas Solomon, que como la película, son un diálogo con Dios, pues Malick, como todo gran artista, tiene un diálogo con Dios, o si se quiere, con lo mejor y lo peor de nosotros mismos.

Con estos primeros diez minutos Malick alcanza uno de los comienzos más hermosos de la entera historia del cine norteamericano. Un despliegue de sensibilidad, profundidad, conmoción espiritual como este escritor pocas veces ha visto en su vida. Un bloque que concluye cuando el ejército norteamericano les “caza” y les devuelve a la disciplina militar, para hacer la guerra en Guadalcanal. Un prólogo tras el que comienza la verdadera película.

El cartel que aquí veis pertenece a ‘La reencarnación de Peter Proud’ (‘The Reincarnation of Peter Proud’, 1975), film dirigido por el artesano J. Lee Thompson, que narraba las andanzas de un hombre que, obsesionado por sueños y pesadillas que tiene, descubre haber vivido otra vida en el pasado. Una premisa muy sugerente, basada en la novela de Max Ehrlich, quien también se encargó del guión cinematográfico, pero que a Thompson le quedaba muy grande —entre otras cosas porque se salía totalmente de su estilo—, y que terminaba resultando un film bastante tedioso y confuso. Sus protagonistas eran Michael Sarrazin —un actor muy de moda por aquellos años—, Jennifer O´Neill y Margot Kidder.

Ahora, en los despachos de Hollywood se ha dado luz verde para realizar el consabido remake de dicho film. El guión correrá a cargo de Andrew Kevin Walker, y la puesta en imágenes será obra de David Fincher, en lo que será su segunda colaboración con Walker tras ‘Seven’ —tercera si contamos el cameo del guionista en ‘La habitación del pánico’ (‘Panic Room’, 2002)—. Una buena noticia dados los pobres resultados del film original, y sobre todo teniendo en cuenta que con ese material Fincher podría hacer maravillas.

Vía | Worstpreviews

‘Sgt. Rock’ va a ser realidad. Tras un montón de años esperando una adaptación en pantalla grande del cómic creado por Robert Kanigher y Joe Kubert —en los 80, el film estuvo a punto de realizarse con Arnold Schwarzenegger como protagonista—, ahora el todopoderoso Joel Silver anuncia que producirá una película que será dirigida por Francis Lawrence. Si tenemos en cuenta que este tipo es el responsable de ‘Constantine’ y ‘Soy leyenda’, films muy interesantes en alguna de sus partes, pero desprovistos de toda mirada personal, no tengo muy claro qué esperarme de este nuevo proyecto. El guión será obra de un tal Chad St. John, y uno de los coproductores de Silver será Akiva Goldsman, una razón de peso para no esperarnos lo mejor.

Lo llamativo del proyecto es que según sus productores, el film no se ambientará en la Segunda Guerra Mundial, tal y como hace el cómic, sino en el futuro. ¿La razón? Pues que según ellos eso afectaría a los resultados taquilleros de la película. Claro, ‘Salvar al soldado Ryan’ (‘Saving Private Ryan’, Steven Spielberg, 1998) y ‘La delgada línea roja’ (‘The Thin Red Line’, Terrence Malick, 1998) fueron estrepitosos fracasos, lo mismo que ‘Cartas desde Iwo Jima’ (‘Letters from Iwo Jima’, Clint Eastwood, 2006) o ‘Malditos bastardos’ (‘Inglorious Basterds’, Quentin Tarantino, 2009).

Evidentemente, seguramente hablamos de un film de enorme presupuesto, mucho más que las cintas citadas, y para recuperar una gran inversión hay que pegar un bombazo. Aún así, me suena a excusa barata. Ahora, a pensar quién sería el actor idóneo para el personaje principal, se admiten apuestas.

Vía | Worstpreviews

De las películas más recientes no aparece esta semana en DVD o Blu-ray ninguna de gran popularidad. Encontraremos unos cuantos títulos interesantes, pero de cine clásico o de estrenos de otras décadas, muchos de ellos en forma de pack, una de las mejores maneras de timar a los compradores de cine para el disfrute casero. Raro es que te interesen todas y que, además, no tengas ninguna, por lo que es muy habitual acabar pagando por una película que no quieres ver o por una que ya poseías, si no quieres renunciar a otro título. Los envoltorios atractivos, regalos y extras de los discos también atraen hacia este tipo de productos. No son listos ni na.

Venta

‘Un Conejo sin Orejas’ (‘Keinohrhasen’, 2007)

Uno de los pocos films de reciente estreno que aparece en venta en DVD. Esta comedia romántica, protagonizada por el atractivo Til Schweiger (‘Malditos bastardos’), nos habla de un periodista que debe hacer horas de servicios sociales en una guardería. Tiene bastante humor y consigue lo imprescindible en este género: la química entre los protagonistas. Aunque al final tarda demasiado en solucionarse, en general es un título muy recomendable, como ya dije en mi crítica.

‘El día del delfín’ (‘The Day of the Dolphin’)

Film de Mike Nichols, de 1973, protagonizado por George C. Scott. Ha sido calificado como uno de los veinte mejores trabajos de ciencia ficción y se ha convertido en film de culto, por lo que es uno de los títulos inéditos más esperados. Está basado en el relato de Robert Merle y narra un experimento para encontrar la manera de comunicarse con otras especies.

‘Simón del desierto’ (1965)

Luis Buñuel parodia la alienación religiosa y la aspiración a la santidad en esta cinta irreverente en la que Claudio Brook interpreta a Simón, un hombre que aspira al ascetismo y permanece sobre una columna para purgar sus pecados. Pese a lo radical de su planteamiento y a que debería hacerse difícil soportar un film que no se mueve de ese lugar del desierto, tiene un ácido sentido del humor y otras aportaciones que la convierten en grandiosa.

‘Viernes 13’ (‘Friday the 13th’)

Sale a la venta la colección completa de esta larguísima saga de películas de las que podría ser absurdo hablar de su calidad. Por supuesto, no la había en las primeras y la hay menos aún en las últimas. Pero quién podría negar que se trata de una serie mítica que ha marcado a generaciones enteras. Con sus planteamientos inverosímiles, pero imprescindibles —esa cantidad de jóvenes reunidos en un lugar desamparado— se ha convertido en un clásico en el imaginario colectivo.

‘El placer’

Dirigida por Max Ophuls, ‘El placer’ (‘Le plaisir’, 1952), cuenta tres historias cortas de Guy de Maupassant, que versan sobre este sentimiento: ‘La máscara’, que explora el placer y la juventud al retratar a un hombre que se oculta tras una máscara para acudir a bailes; ‘La casa Tellier’, donde se tocan los temas del placer y la pureza en una historia sobre las “empleadas” de la señora Tellier, y ‘La modelo’, en el que el concepto central es el placer y la muerte, pues nos habla de un pintor enamorado de su modelo, que acaba perdiendo la vida.

‘Barba Azul’ (‘Bluebeard, 1944)

John Carradine protagoniza esta cinta de terror sobre un pintor que asesina a sus modelos. Juraría que la vi de pequeña, pero no la recuerdo con exactitud. Curiosa la relación argumental con una de las historias cortas que adapta Ophuls y que aparece en DVD el mismo día.

Se trata de un film de Edgar G. Ulmer, director de ‘El desvío’ (‘Detour’, 1945), que salió a la venta la semana pasada y de la que se dice que es la mejor película de serie B de la historia. Con un tono de cine negro y todos los ingredientes de este género, esta road-movie, está narrada a través de un largo flashback en el que se nos comunican los avatares de un amargado viajero (Tom Neal) y una femme fatale (Claudia Drake).

Clint Eastwood Essential

Una compra interesante pueden ser las cajas tituladas Clint Eastwood Essential. El volumen 1 contiene: ‘El Bueno, el Feo y el Malo’,  ‘Million Dollar Baby’, ‘Firefox’, ‘Space Cowboys’, ‘Mystic River’, ‘Los Puentes de Madison’, ‘El jinete Pálido’, ‘Un Mundo Perfecto’, ‘Harry el Sucio’ y ‘Harry el Fuerte’.

El volumen 2 incluye: ‘Cartas desde Iwo Jima’, ‘Banderas de Nuestros Padres’, ‘Sin Perdón’, ‘Sargento de Hierro’, ‘Poder Absoluto’, ‘El Fuera de la Ley’, ‘Ejecución Inminente’, ‘Los Violentos de Kelly’, ‘En la Cuerda Floja’ y ‘Bird’.

En Blogdecine no es difícil que encontréis críticas o información de cualquiera de ellas. Entre otras cosas, podéis consultar el Especial Clint Eastwood, donde se hace un estudio de todas estas películas. Por lo tanto, poco quedaría que decir. Por supuesto, los films valen la pena, pero lo que quizá tiene poco sentido es el formato caja, pues los más aficionados seguro que ya tienen muchas de ellas, si no todas.

Pack de Sergio Leone.

No son los films más característicos del director de spaghetti Westerns lo que se publica aquí, sino los primeros trabajos de Leone, quien trabajaba como ayudante de dirección en Cinecittá y recogió la batuta que dejó Mario Bonnard para finalizar la realización de ‘Los últimos días de Pompeya’. Tras ello, se encargó de ‘El coloso de Rhodas’ y ‘Rómulo y Remo’.

Otros:

Igualmente se podrán comprar esta semana en DVD los films ‘7 minutos’, ‘Anamorph’, ‘Dame veneno’, ‘El año pasado en Marienbad’ (de la que ya hablé en otra entrada), ‘Máncora’, ‘Policía Python 357’, ‘Presencias extrañas’ o ‘Superfrikis’ (‘Bickford Shmeckler’).

En Blu-ray aparecen a la venta: ‘300’, ‘Heat’, ‘La milla verde’, ‘El negociador’ y ‘Un Mundo de Fantasía (Willy Wonka)’, que es la versión anterior a la de Tim Burton de ‘Charlie y la fábrica de chocolate’, de Roald Dahl.

Alquiler

‘Bruno’

Una nueva locura de Sacha Baron Cohen, que me parece muy gracioso como humorista y un genial imitador, sin embargo, no creo que lo que hace sean películas, son sketches de programa y como tal habría que verlos, de hecho, así ocurre con ‘Da Ali G Show’. Juan Luis Caviaro, en su crítica, le pone estrella y media, más o menos lo mismo que le puse en mi reseña

‘Desgracia’

Desde que salió la película en cines hasta ahora me he leído el libro y, sinceramente, no me ha gustado demasiado: me parece que Coetzee fuerza mucho la decisión del final que toma el personaje de la hija. Juan Luis nos dijo que estaba bien, aunque le encontró defectos y confiaba en que el libro fuese superior, por eso comencé por leérmelo. Pero la decepción en éste me ha quitado las ganas de acercarme al film.

‘La proposición’

Sandra Bullock y Ryan Reynolds tratan de darle algo de frescura y originalidad al género de la comedia romántica. Es un film que no está mal y con el que es posible reírse, pero no emociona como deberían hacerlo los del género. Podéis leer más extensamente mi opinión en mi crítica. A pesar de que los actores son menos conocidos, recomiendo mucho más la comedia romántica que abre este artículo.

Otros:

Asimismo, salen en alquiler ‘G. I. Joe’ y ‘Zhao’.

Como Blogdecine no es una página publicitaria de estos lanzamientos en concreto, las únicas opiniones que se ofrecen aquí son las puramente cinematográficas y si se habla de calidad o de ausencia de ella, será de las películas, no de las ediciones. Todo lo que concierna al tipo de edición, a los contenidos extra y a las características, no fílmicas, sino materiales de los DVD o Blu-ray, se podrá consultar en el punto de venta o la siguiente fuente:

Vía | Zona DVD.

El 18 de diciembre se acerca y cada vez nos van llegando más cosas de ‘Avatar’, el esperado nuevo film de James Cameron. Cada nuevo avance, o como en este caso, una featurette —vídeo promocional para entendernos—, es más impresionante que el anterior, con lo que las expectativas de todo el mundo están subiendo. Estas Navidades me temo que no habrá ninguna competencia directa para esta película que promete revolucionar el cine, algo que Cameron ha conseguido ya más de una vez, desde un punto de vista técnico. Sobra decir que a Cameron le habrá hecho falta algo más que unos impresionantes efectos visuales para realizar un buen film.

Sam Worthington, Zoe Saldana, Michelle Rodriguez, Stephen Lang, Giovanni Ribisi, y la siempre excelente Sigourney Weaver, encabezan el reparto de ‘Avatar’, film que servirá para encumbrar aún más, o crucificar, a un director que ha demostrado ser un experto en filmar acción y suspense como pocos, dando lecciones de cómo ofrecer espectacularidad sin quedarse en la superficie. Una vez más, Cameron poniéndose otra prueba de fuego, tal y como ha ido haciendo desde que dirigió ‘Terminator’ (‘The Terminator’, 1984).

Recordad, el 18 de diciembre tenéis una cita ineludible.

Vía | Moonfleet

Analizada la primera parte de la carrera de uno de los cineastas más importantes de la actualidad, conviene efectuar un paréntesis, pues pasar de ‘Días del cielo’ a ‘La delgada línea roja’ sin hacer una serie de recapitulaciones obligatorias, dejaría este ensayo bastante cojo. En realidad, se impone una reflexión tras las dos primeras películas del realizador y antes de comentar las dos siguientes.

Muchos consideran ‘Malas tierras’ como la película mejor acabada de su máximo responsable, mientras que otros hablan de ‘Días del cielo’ como la precoz confirmación de un estilo único y la cima de una personalidad artística que se silenciaría a sí misma durante dos décadas para convertirse en el director más enigmático del mundo. ¿Cuántos desaparecen sin dejar rastro, después de asombrar a medio mundo, y vuelven mucho tiempo después para asombrarle mucho más?

Malick pertenece, por concomitancias temáticas y por generación, al importante grupo denominado Nuevo Hollywood. Pero en realidad tiene poco que ver con ellos. Con ‘Malas tierras’ había ingresado en el grupo de narradores de relatos itinerarios de la violenta América, con un presupuesto pequeño y una dirección sin grandes alardes. Y había triunfado en el selecto Festival de Nueva York. Pueden rastrearse sus influencias, demasiado bien asumidas para tratarse de un principiante, como la poética de la huida de Charles Laughton, o el tono contemplativo más propio del cine japonés de los años 50.

En cualquier caso ya quedaba claro que el objetivo de Malick no era ni labrarse una fama como narrador entre el gran público, ni mucho menos convertirse en uno de esos realizadores de prestigio. Desde el principio quedaba claro que era un autor, o quería serlo, al estilo más europeo. La Concha de Oro del Festival de San Sebastián por su primera película confirmaba ese anhelo, y le situaba en el horizonte de los futuros maestros. Horizonte que para algunos se confirmó, aunque para otros lo que se confirmaba era su vacío, con ‘Días del cielo’.

Por lo que se sabe, Malick desapareció de Estados Unidos después de ganar el premio a la mejor dirección por su segunda película en el Festival de Cannes. Ha contado alguna vez que trató de ganarse la vida como profesor en Europa, sobre todo en Francia. También se sabe que en aquella época conoció el relato de James Jones sobre la batalla de Guadalcanal. También profundizó de manera extraordinaria en sus conocimientos sobre geología, botánica, zoología. Se convirtió en un verdadero erudito de la Naturaleza.

Malick no sería considerado ahora mismo el maestro que es si se hubiera quedado en aquellas dos películas. El aspecto único de su carrera es cómo siguió evolucionando hasta convertir aquellos dos grandes logros en meros peldaños hacia la condición de artista total, de director isla con el que, dada su prolongada inactividad y el estilo sin precedentes, es muy difícil establecer influencias o jugar a ese juego analítico consistente en establecer puentes entre autores.

Cuando se supo que volvía, muchas de las llamadas estrellas de Hollywood hicieron todo lo posible por tener un papel, por pequeño que este fuera. El rodaje se extendió durante seis meses, y el montaje durante un año, después de que el guión tardase en finalizarlo más de una década (guión que como veremos fue “traicionado”). Cuando tuvo lista la película, a finales de 1998, la llevó a Berlín, donde en febrero del año siguiente se alzó, por aclamación, con el Oso de Oro. Una nueva etapa comenzaba en su carrera.

Vosotros sois la plaga…y nosotros la cura

-Agente Smith

La ciencia ficción (o, más exactamente, la ficción científica, que es una traducción más exacta y no un anglicismo), cuenta entre su cinematografía con pocas obras excepcionales, quizá porque domeñar sus códigos, su misma esencia, y al mismo tiempo crear algo original, personal, es algo extremadamente difícil, que muy pocos grandes artistas han podido convertir en algo único. Ahora bien, maravillas como ‘Hijos de los hombres’, ‘The Terminator’, ‘El planeta de los simios’, ‘Stalker’, ‘Metrópolis’ o ‘Soylent Green’ demuestran hasta donde puede llegar esta forma de poesía en su función de radiografía del presente y en la de profetizar el futuro.

Quizá sea necesario estar hecho de una pasta especial, además de la vasta cultura y observación analítica para cuajar un gran título de ficción científica. También creo que es necesaria una honradez a prueba de divismos y de búsquedas de éxitos económicos, y una gran dignidad artística para ir hasta el final. Dudo mucho que los ínclitos hermanos Wachowski reúnan ni una sola de estas condiciones, sino más bien algunas otras, directamente opuestas.

Realidades alternativas y profecías

Resulta muy interesante constatar hasta qué punto todos los relatos estructurados según la convención de “la búsqueda del héroe” repiten un cierto esquema hasta la saciedad. Esquema que tan solo un talento como George Lucas pudo fusionar con gran belleza en la fundacional ‘Star Wars’, y que en 1999 fue transcrito con algunas ideas interesantes por los proverbiales hermanos en un guión con bastantes posibilidades, recurriendo, eso sí, al clásico cuento de realidades alternativas. Pero vamos por partes.

La cosa empieza bastante bien, aunque tampoco sea nada excepcional. Una fugitiva de la justicia, aparentemente, es acorralada por la policía en un edificio, y después perseguida por los agentes, y por unos individuos con el aspecto clásico de pertenecer al FBI (aunque pronto veremos que esto no es así). Tras una persecución no demasiado lograda, aunque digna, por varias azoteas, la chica realiza un salto imposible entre dos edificios, para después lanzarse, casi volando, por una ventana. Uno de los supuestos federales realiza un salto similar para alcanzarla. La secuencia termina con la chica desapareciendo en el último segundo antes de ser aplastada por un camión (conducido, claro, por estos supuestos federales), mientras intenta “escapar” efectuando una llamada telefónica.

Digamos que este arranque promete una atmósfera, unos códigos y un frenesí que nos mantiene atentos a lo que sucede, a ver a dónde nos llevan los directores. El siguiente bloque es bastante peor. Nos presentan a una especie de hacker que durante el día tiene un puesto en una empresa informática. Neo (anagrama facilón de One, el único o elegido) está interpretado con absoluta falta de recursos por el paupérrimo actor Keanu Reeves. La cosa empieza a hacer aguas. Desde su aparición, es completamente imposible experimentar la mínima empatía por este individuo. Pero le vemos encontrarse con Trinity (una desaprovechada Carrie Anne-Moss, una actriz casi siempre muy interesante), tras un guiño al cuento de Lewis Carroll “Alicia en el país de las maravillas” (esos guiños se irán sucediendo durante la primera parte de la película). En su oficina, tiene lugar la primera secuencia absurda de una película que, incomprensiblemente, patina con la desidia de los cuentos mal armados: un tal Morfeo, al que Neo no conoce, le llama a su oficina y le insta a salir de allí porque sabe que vienen a buscarle. Neo, de manera risible, se pone en tensión tras escuchar las advertencias de un desconocido y hasta llega a intentar hacerle caso, saltando del edificio.

Soy consciente de que esto representa una primera prueba de fe para Neo, en teoría el elegido de una profecía que asegura que él salvará el mundo. Y también que, al fracasar (como Luke en Dagobah) comienza su aprendizaje hacia la comprensión de sus capacidades. Pero mientras Skywalker (interpretado con gran convicción por el siempre denostado Mark Hamill) queda creíble cayendo en sus miedos y sufriendo un doloroso fracaso, Neo, por una mala escritura y una peor dirección, queda ridículo, imposible de creer.

Regresa un personaje bastante interesante, el agente Smith, interpretado con gran fuerza por un estupendo Hugo Weaving (sin duda entre lo mejor de la película) para intentar adherirse a Neo, a lo que el elegido se niega. Detalles como este indican que los hermanos W. iban escribiendo sobre la marcha, pues guarda poca coherencia argumental que Smith intente primero ganarse a Neo, para luego pasarse tres películas buscando la forma de destruirle, más aún cuando incluso es capaz de borrarle para siempre la memoria.

Pero Neo tiene un destino y Morfeo (un inaguantable, pasadísimo, risible, Lawrence Fishburne, que a menudo demuestra su talento, no aquí) logra “despertarle”. En una secuencia bastante bien escrita, le saca de su hibernación, por así llamarla, y le explica la cruda realidad. Con la famosa frase “bienvenido al mundo de lo real”, concluye la primera parte, que pese a sus defectos, es bastante interesante. Los W establecen un tono y una atmósfera (con sus luces y sus sombras) y se disponen, una vez establecidos los cimientos, a culminar la historia.

Un desarrollo de autocomplacientes aficionados

El problema es que, a partir de aquí, lo (poco) que se había conseguido se echa a perder. Creo, sinceramente, que este mundo es en verdad una suave apariencia, que puede desmoronarse con un poco de esfuerzo y mucho coraje. Por eso me gustan las historias que indagan acerca de la mentira del mundo en que vivimos, sea en clave metafórica o directamente gráfica. Pero para cuando Neo acude a visitar al Oráculo, se han abandonado de forma incomprensible los rasgos científicos, para abrazar sin pudor los fantásticos.

Existen renombrados filósofos que han encontrado ideas de incontestable resonancia en el pequeño bloque que tiene al Oráculo (interpretado por la fallecida Gloria Foster) como protagonista. Yo debo ser lelo, o de necesitar una lobotomía, porque no encuentro nada de especial en él. La robusta mujer negra examina los ojos y la boca de Neo, llega a la conclusión de que no es el Elegido (luego sabremos que es un truco suyo para demostrarle que sí lo es…) y, finalmente, deja caer una advertencia: “vas a tener que elegir”. Y coloca a Morfeo en una mano y su propia vida en la otra. Sólo uno se salvará. Podría ser emocionante si Neo fuera ese héroe compasivo que nunca es, entre otras cosas por la incapacidad, ya citada, de Reeves para otorgar a su personaje algo más que un peinado molón.

Efectivamente, llegan los agentes, capitaneados por el brutal Smith, cogen a Morfeo (que se sacrifica porque cree en Neo) y se lo llevan. El último bloque de la película consiste en el inevitable intento de rescatar a Morfeo por parte de Trinity y Neo, un intento de crescendo más basado en el despilfarro de balas y destrucción que en auténtica capacidad de tensión y frenesí narrativos. Como no podía ser de otra manera, rescatan a Morfeo, y como no podía ser de otra manera, Neo se enfrenta a su destino y descubre su verdadera naturaleza.

No voy a profundizar, una vez más, en que Neo es un personaje que me parece falto de todo interés. Podríamos hablar, llegados a este punto, del punto de vista inherente a dos personalidades artísticas tan cuestionables como los Wachoswki. A fin de cuentas, en el arte, lo bueno es que puedes (y debes) ponerte en el lugar del artista. Me voy a permitir la licencia de hacerlo con algo de sorna, pidiendo perdón por adelantado: “somos Andy y Larry Wachowski, queremos forrarnos de pasta y hacer alucinar al espectador, de modo que vamos a plagiar esa idea de que las máquinas toman el control de la Tierra (que vimos en ‘The Terminator’), mezclada con una fusión de teorías mesiánicas y cultura cyber-punk, y vamos a triunfar”.

Puede parecer exagerado lo que digo, pero si estamos hablando de la destrucción de la humanidad, parece un tono descaradamente frívolo coger a tus personajes, unos luchadores que se sacrifican para que la raza siga adelante, y ponerles una ropa y un aspecto super cool, y unos movimientos de combate tan chulos, y unas frases tan forzadamente poéticas (algunas ridículas: “lo que te ha dicho es para tí...y sólo para tí”). Sobre todo, finalmente, queda un desarrollo de aficionado, que alimenta la idea de improvisación en la escritura y de soluciones incoherentes en la puesta en escena. Fijémonos bien en su endeble andamiaje: presentación, liberación de Neo, entrenamiento de Neo, encuentro con el Oráculo, salvación de Morfeo y revelación de Neo. No hay más. Y de todo ello, lo mejor la liberación de Neo.

Conclusión: floja acción, tristes continuaciones

¿Es este la gran acción que tantos defienden? A mí me parece una planificación digna de un videojuego de Play Station 2. Además, si el espectador se fija, resulta que Reeves es el intérprete menos adecuado para hacer acción. Quizá por sus múltiples accidentes de moto (porque en ‘Point Break’ no le pasa lo mismo), el caso es que Reeves es incapaz de mover el cuello. No bromeo. Presten atención. Corra, salte o se gire, su cuello permanece en la misma posición. Este lamentable actor no puede ni hacer creíble una patada. Sin comentarios.

En cuanto a las dos partes que siguieron a este éxito de taquilla, he de reconocer, no sin vergüenza, que jamás he podido verlas completas sin caer dormido, aunque esto fuera a las dos de la tarde. Prometo volver a intentarlo, para completar mi apreciación sobre la “obra magna” de los ínclitos hermanos W.