Dicen por ahí que ‘The Lovely Bones’, lo nuevo de Peter Jackson, huele a Oscar, a muchos Oscars. No sé, es posible, pero a mí no me da buena espina. No me ha gustado ni el primero ni el segundo tráiler que ha salido, y que os dejo en esta entrada (subtitulado en francés por el momento). Pero supongo que está relacionado con lo poco que me gustó el best-seller en el que se basa la película (‘Desde mi cielo’), que abandoné tras unas cien páginas, incapaz de creerme nada de lo que contaba Alice Sebold (que al parecer fue violada cuando tenía 18 años, de ahí el tema de éste y de su anterior libro).

Sinceramente, espero que Peter Jackson y sus mujeres, su esposa Fran Walsh y la guionista Philippa Boyens (los tres escribieron los guiones de ‘El señor de los anillos’), hayan arreglado el texto original y ofrezcan algo del estilo de ‘Criaturas celestiales’... aunque no hay que olvidar que lo último del realizador neozelandés fue el plomizo y hueco remake de ‘King Kong’. Cruzaré los dedos.

‘The Lovely Bones’ se centra en Susie Salmon, una adolescente que tras ser violada y asesinada observa a su familia desde el cielo; la joven se debate entre su sed de venganza y el deseo de que su familia se recupere. El reparto lo encabezan Saoirse Ronan, Mark Wahlberg, Rachel Weisz, Susan Sarandon y Stanley Tucci, entre otros. La fecha oficial del estreno es el 15 de enero, pero como quieren que aspire a los Oscars, se proyectará en diciembre en algunos cines de Estados Unidos. En España la veremos el 29 de enero.

PD: Aquí tenéis un pequeño “making of” que he encontrado en Youtube, con imágenes del rodaje y declaraciones de Jackson y los actores:

Vía | Youtube

Ahora que se aproxima la noche de Halloween, costumbre cada vez más extendida por todo el mundo, es buen momento para hacer un repaso al cine de terror. En la actualidad está viviendo un momento dulce, con títulos que están copando las carteleras y que, en muchos casos, con resultados más que decentes.

Voy a repasar un top ten con todas las dificultades y limitaciones que ello conlleva. Muchas se quedan fuera inmerecidamente, pero a la hora de escoger entre diez películas de terror de toda la historia, la decisión viene dada por el buen recuerdo, la experiencia vivida con su visionado y por cierta afinidad con sus creadores o intérpretes. Vamos a recordar algunos momentos terroríficos (sin orden de preferencia).

• ‘Phantasm’ (1979)

Solo la vi una vez (en VHS) y siendo muy joven, pero el recuerdo de algunas escenas aún perdura en mi cabeza. Quizás esta cinta dirigida por Don Coscarelli no sea una de las más reputadas dentro del género, pero si que contiene momentos realmente terroríficos y es de las que no quiero volver a ver para no perder ese ¿buen? recuerdo. Tiene un aire desconcertante, con muchos tópicos del género pero con un horror sobrenatural muy hábil y es difícil no asustarse con esas bolas metálicas que me provocaron más de una pesadilla.

• ‘La última casa a la izquierda’ (‘The Last House on the Left’, 1972)

Wes Craven logró hacerse un nombre en el género de terror con este título. Esta cinta contiene escenas realmente impactantes y de gran dureza. Es una verdadera pesadilla en forma de venganza sangrienta, quizás peca de falta de ritmo, pero su estética setentera y su auténtica serie B también me encandilaron hace muchos años. Otra de las que no he querido volver a ver (y menos el reciente remake) y que me provocó algún susto inolvidable.

• ‘El pueblo de los malditos’ (‘Village of the Dammed’, 1960)

El uso de niños para provocar pánico en el cine de terror ha tenido muchos capítulos ilustres, pero un destacado hueco tiene esta cinta protagonizada por George Sanders. Un grupo de pequeños niños con poderes mentales que anda fastidiando a toda la comunidad de una pequeña población. Su mirada y su actitud desconcertante provocan auténtico pánico. Vista hoy día, quizás pierda mucha de su eficacia, pero no se puede negar que con un planteamiento tan sencillo resulta muy efectiva.

• ‘Carrie’ (1976)

Gran acierto de Brian de Palma con esta historia ingeniada por Stephen King en una novela del mismo nombre, y quizás una las mejores traslaciones de sus obras literarias a la gran pantalla. Sabe transmitir ese sentimiento inquietante, gracias a un gran trabajo de Sissy Spacek con una joven con telequinesia y que lleva a cabo su particular venganza contra los que se burlaban de ella. Inolvidable la escena del baile de graduación. Estremecedora.

• ‘Al final de la escalera’ (‘The Changeling’, 1980)

Todo un clásico en la década de los ochenta, este título protagonizado por el inolvidable George C. Scott con casa encantada incluida. Contiene elementos visuales prodigiosos y un terror muy bien dosificado, con un suspense sensacional, generando la suficiente inquietud para que la película sea realmente entretenida. Muy bien narrada por Peter Medak y con un trabajo soberbio de Scott.

• ‘La profecía’ (‘The Omen’, 1976)

Parece que tengo una especial predilección por esta década con el género de terror, pero ciertamente fue una época fructífera y que dejó grandes títulos. ‘La profecía’ es una de ellas y fue un gran éxito que tuvo sus posteriores secuelas, algo habitual. Otro niño con cara de ángel, que con su sola mirada logra inquietar al más frío. Un guión magnífico, bien construido y que Richard Donner supo aprovechar a la perfección.

• ‘La noche de Halloween’ (‘John Carpenter’s Halloween’, 1978)

Primera y más auténtica aparición de Michael Myers, uno de esos asesinos clásicos que ha dado el género. Carpenter se lució con esta cinta, contando con la inestimable participación de Jamie Lee Curtis y Donald Pleasence que aportaron mucho para lograr que esta película consiguiera transmitir verdadero horror. Fue un fenómeno en la época (de ahí su consiguiente saga interminable) y no es para menos, puesto que con un presupuesto pobre se logró que un psyco-killer como Myers fuera un reclamo tan poderoso. El suspense y el ritmo son sus mejores armas para lograr que la película, que evidencia su falta de recursos, funcione.

• ‘El cuervo’ (The Raven’, 1963)

No podía olvidarme del maestro Roger Corman. Un genio que gastaba lo mínimo pero que dejaba su entusiasmo a la hora de plasmar historias fantásticas y de terror como esta. Con un reparto de cinco estrellas (Vincent Price, Peter Lorre, Boris Karloff, Jack Nicholson) consigue una historia muy de su estilo, con decorados barrocos, un tono decadente y buenas dosis de humor. Pura y auténtica serie B.

• ‘La cosa’ (‘The Thing’, 1982)

De nuevo Carpenter dio en el clavo con esta historia claustrofóbica ambientada en la Antártida, con unos investigadores (Kurt Russell de protagonista) que se enfrentan a algo misterioso que provoca verdadero terror. Está narrada con maestría, con insipiración y cuenta con unos efectos especiales nada desdeñables para una producción así. De verdad que su eficaz suspense y su asfixiante trama la convierten en un gran clásico.

• ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960)

Dudaba mucho en incluir a esta película de Hitchcock en el top, pero creo que le tengo especial afecto y no podía excluirla. Poco nuevo se puede decir de una obra maestra así, con escenas cumbre del género en la historia del cine y con un personaje tan mítico como el interpretado por Anthony Perkins. Y reivindico la banda sonora del absoluto genio Bernard Herrmann como una de las más sobresalientes. Menos mal que logró convencer a Alfred de incluir su música en la famosa escena de la ducha. A la postre fue una de las mejores decisiones que se tomaron. Hasta el tráiler es de culto:

Por cierto, ahora que se aproxima ‘Paranormal Activity’, ¿será un título que permanezca en la memoria? (en cuanto a cifras, seguro).

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas de gángsteres de los últimos años
• Mis películas de zombis favoritas

• Mis películas bíblicas inolvidables

No hacía falta, como la gran mayoría de los remakes, pero aquí lo tenemos. El vulgar Michael Bay sigue produciendo nuevas versiones de rentables películas de terror, así que tras las actualizaciones de ‘La matanza de Texas’ y ‘Viernes 13’ le ha llegado el turno a ‘Pesadilla en Elm Street’, dirigida por Wes Craven en 1984. Veinticinco años después de la original, nos llega el tráiler del remake, con un nuevo Freddy Krueger dispuesto a sembrar el terror entre los jóvenes de estos tiempos, en los que el cine cada vez importa menos.

Para dirigir la nueva versión de ‘A Nightmare On Elm Street’ se contrató al debutante Samuel Bayer, hasta ahora director de videoclips y anuncios comerciales (nada que objetar, si ha sabido cambiar el chip al dar el salto al cine, cosa que muchos no hacen). Y para dar vida al mítico monstruo del jersey de rayas rojas y negras se fichó a Jackie Earle Haley, un estupendo actor en alza tras su fantástico trabajo en ‘Juegos secretos’ (por la que fue justamente nominado al Oscar) y ‘Watchmen’, donde bordaba el papel del no menos mítico Rorschach. Nadie duda que Haley será lo mejor del remake de este tal Bayer.

Thomas Dekker (John Connor en la serie ‘Las crónicas de Sarah Connor’), Rooney Mara, Katie Cassidy, Kellan Lutz (uno de los vampirillos de la saga ‘Crepúsculo’) y Kyle Gallner (el protagonista de ‘Exorcismo en Connecticut’) son los jovencicos pijos que tendrán la mala suerte de soñar con Krueger y sus características garras; a ver quién le toca la memorable muerte de Johnny Depp en la original. La fecha del estreno es el 30 de abril de 2010, en Estados Unidos. A continuación os dejo el cartel de la película, aparecido hace tiempo en la Comic-Con de San Diego:

PD: Por un momento, parecía que se iba a hacer un homenaje a ‘Un perro andaluz’ en esta cosa.

Vía | Impawards y ZonaFandom

Hemos hablado de ‘The Fighter’ con anterioridad. Protagonizada por Mark Wahlberg y Christian Bale, se trata de la nueva película del director David O. Russell (‘Tres reyes’, ‘Extrañas coincidencias’), que entró en el proyecto sustituyendo a Darren Aronofsky, quien no se sentía cómodo trabajando tan pronto en otra película sobre un luchador. Hace vimos unas imágenes del rodaje, y ahora podemos echar un vistazo a las primeras fotos que pertenecen propiamente a la película. Ojito a Bale.

Basada en hechos reales, ‘The Fighter’ nos presenta la historia de Mickey Ward (Wahlberg) y su hermanastro Dicky Eklund (Bale). Dicky, que fue a la cárcel por robo y tráfico de drogas, cumple su condena y sale en libertad transformado en un hombre completamente nuevo. Viendo que su hermano, un boxeador en horas bajas, está a punto de abandonar su ilusión y colgar las botas, decide ayudarle y convertirse en su entrenador. Con Dicky a su lado, Mickey recupera la ilusión y vuelve a competir por ser el mejor en su categoría.

Por el momento sigue sin haber una fecha de estreno concreta, sólo que la podremos ver en 2010.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Un combate difícil. Wahlberg gana, con la ayuda de su hermano. Mientras lo celebran, otro agente le ofrece más dinero y el título de campeón. Wahlberg se pierde en la reflexión, ¿qué debe hacer? Continuará...

Vía | Worstpreviews

De vez en cuando, en una de esas reuniones cinéfilas en las que varias personas apasionadas y a menudo prepotentes (yo el que más, muchas veces) hablan sin complejos del cine que más llena sus vidas, y también del cine que más detestan, con todo tipo de argumentos y barbaridades verbales, surge un tema que a mí, en lo personal, suele dejarme estupefacto, pues siempre encuentro a más de uno (y más de dos) capaces de defender lo indefendible: que el cine español es tan bueno como el estadounidense.

Carlos Heredero, uno de los pocos críticos a los que leo que no tiene complejos para abrir debates teóricos sobre cine (lo que a otros “críticos” les produce risa, quizá porque no tienen la capacidad para ello), lo llama la ‘técnica del avestruz’. Consiste en no ver lo que hay, en inventarse una realidad paralela. Y que conste que siempre dejo que intenten desarrollar sus argumentos, a ver si alguno de ellos dice alguna verdad. Pero de momento (¡qué curioso!) nunca lo han conseguido.

Argumentos apasionantes

No hace falta un gran esfuerzo de memoria para echar mano de los consabidos lugares comunes a los que se aferran estos cinéfilos-avestruces. La primera maniobra verbal es destrozar sin ningún tipo de escrúpulo el 99% del cine de Hollywood, aludiendo que no hacen más que remakes, películas ultra comerciales y comedias imbéciles (como si todo el cine estadounidense viniera de Hollywood). A mi habitual respuesta de que también hacen cine en otras partes de ese país (además, se diferencian notablemente entre sí), la segunda estrategia, de un ingenio deslumbrante, es la de despreciar sistemáticamente a cualquier autor importante, aludiendo que son una panda de pseudo-artistas muy por detrás de los genios europeos, y sobre todo los españoles.

Para terminar de rematar la estupenda estrategia comparan la absoluta libertad de los cineastas españoles, su empuje, su juventud, su progresismo ideológico (aquí el interlocutor suele alzar el mentón, orgulloso de que sus compatriotas directores sean tan progres, como él, claro…ejem), mientras que los “aburguesados”, “fachas” o simplemente “falsos” directores americanos (independientes o no), no hacen más que demostrar una y otra vez su necesidad de triunfar en las taquillas (aquí no importa la taquilla, ejem, importa el arte…), descuidando el nivel estético de sus películas.

Si cree el lector que, hacia el final de estos argumentos, sigo prestando atención, se equivoca. Mi cerebro hace lo que el de Homer cuando escucha a Flanders, se larga a otros lugares, pero mi cerebelo registra las conversaciones. Ni siquiera me tomo la molestia en replicar. Total, para qué. Sin embargo puedo replicar ahora. Esta clase de avestruc…errrr, digo, de aficionados, suele meterse también mucho con grandes nombres como Spielberg o Cameron, en un punto de esnobismo que termina por delatar su absoluta falta de personalidad. De hecho, es habitual oír el clásico: “Spielberg, en verdad, no tiene ni puta idea, sólo vale para entretener”.

Vale, bien, yo soy tan crítico con cierto estilo de producciones norteamericanas como cualquier otro. Pero en cuanto a lo de entretener (muchos habituales lectores de Blogdecine creen que detesto que me entretengan, cuando no es cierto), ni siquiera para eso, que es lo mínimo que puede hacer el cine, sirve el 95% de los directorcillos que hacen películas en este desgraciado país que es España. Por supuesto, siempre pueden echar mano, estas avestruces, de Alejandro Amenábar, que según ellos es tan hábil como Spielberg… ¡pero mucho más coherente y humano que él! Claro que sí. Bravo y bravo.

Y para terminar, el recurso definitivo: “aquí hay menos dinero que allí, y eso tiene mucho mérito”.

Pero más allá de los gustos de cada cual, y de argumentos más o menos válidos: las cosas caen por su propio peso. El argumento del dinero, más que tendencioso, no tiene ni pies ni cabeza. ¿Por qué no se puede hacer en España una película como ‘Olvídate de mí’ (Michel Gondry, 2004), o como ‘Brokeback Mountain’ (Ang Lee, 2005)?, sendas obras de arte. No tienen grandes presupuestos. Ahora bien, sus directores son de primera fila en el mundo. No son americanos, dirían algunos. Ya, pero están realizadas en una industria que funciona con una perfección suiza. ¿Quieren directores americanos? No he visto en toda la década una película española de la calidad de ‘Punch-Drunk Love’, ‘Match Point’, ‘Million Dollar Baby’, ‘Hijos de los hombres’, ‘Little Children’, todas ellas películas bastante asequibles.

El cine de animación español es lo único que da un poquito de esperanza, pero en lo demás tenemos a una serie de pseudo-profesionales (sobre todo directores) sin ningún mérito ni formación para ponerse detrás de una cámara, sin referentes y sin futuro. Sin vigor. Sí, claro, están los “artistas”, el universal Pedro, el cotidiano Trueba (que sin duda es el rey de las avestruces), el humilde Cuerda. Comparémoslos, aunque sólo sea por un segundo, con el valor universal de David Lynch, de Terrence Malick, de Francis Ford Coppola, de Martin Scorsese, de Clint Eastwood, de James Cameron, de Paul Thomas Anderson, de Quentin Tarantino, de Steven Spielberg, de Woody Allen, de John Lasseter y compañía, de Gus Van Sant, de Sidney Lumet, de Brian de Palma, de Kathryn Bigelow, de John Carpenter, de Todd Haynes, de David Fincher, de Christopher Nolan, del gran M. Night Shyamalan. Nah…esos nombres no tienen nada que hacer con el gran cine español, ¿no es cierto?

Todos ellos han hecho grandes, incluso excepcionales películas, con cuatro cuartos. Aquí nuestro “gran” Jose Luis Garci hace una basura como ‘Sangre de mayo’ con más dinero con el que se hizo ‘The Terminator’. Pero así andamos cuando nuestro gran cineasta vivo, Víctor Erice, no dirige un largometraje desde hace casi veinte años, y el único que ha hecho gran cine en esta década, Enrique Urbizu con ‘La caja 507’, no da muchas señales de vida.

Pero seguro que estoy cegado, que le tengo manía al pobre cine español, que sólo me gusta lo vulgar y lo comercialoide, que dentro de cien años los estudiosos hablarán del glorioso cine español. Os dejo ya, tenía una hamburguesa que comer, pero me han ofrecido una merienda a base de jamón serrano y vino tinto. Y no puedo decirle que no a eso.

“Su moralidad, su ética… es un chiste sin gracia. Lo abandonan en cuanto huelen un problema. Sólo son tan buenos como el mundo les permite ser. Te lo mostraré. Cuando las cosas se tuerzan, estas… personas civilizadas… se comerán entre ellos”.

Las casualidades existen, vaya que sí. El mismo día que compramos unos altavoces nuevos para ver cine en casa, decidimos ver ‘El caballero oscuro’ una vez más, para probar la calidad del sonido (y de paso, volver a disfrutar de la película en versión original, en una pantalla relativamente grande), y me preparo para sacar punta a un par de ideas que me rondaban por la cabeza, que estaba deseando escribir aquí... y ese día, mi compañero Adrián publica un artículo sobre la misma película. Pero ya veis que he seguido adelante, y no es para repetir nada.

Apuntaba mi compañero, acertadamente, que a pesar de lo mucho que se ha dicho sobre ‘The Dark Knight’, aún se puede añadir algo más. Lo que me sorprendió es que no aportara nada nuevo sobre el final (casi final) de la película, aunque lo comenta y ha dado juego a un interesante debate entre los lectores. Precisamente, uno de los dos asuntos sobre los que yo quería hablar aquí era la secuencia de los dos barcos, el experimento social del Joker. Y es que, tras volver a verla, y volver a pensarla y discutirla, sigo creyendo que nadie se ha enterado realmente de lo que ocurre ahí, que no se ha pasado de una lectura superficial, no reflexionada.

La primera vez que vi la película, me pasó como a la mayoría con la polémica secuencia. Los detonadores a mano, el Joker esperando, la composición de Hans Zimmer aumentando de intensidad, de forma agobiante, y… no pasa nada. Los barcos siguen ahí, los de a bordo miran nerviosos el reloj, la hora señalada transcurrió. Y no pasa nada. La expresión de incredulidad del Joker es la mía, y me consta que la de muchos más. Porque la película estaba siendo bestial hasta ese momento, sin concesiones. Y llega ese momento cumbre y Christopher Nolan se baja los pantalones. Finalmente, ‘El caballero oscuro’ se revelaba como un producto comercial de Hollywood, donde no se permiten determinadas actuaciones, donde los personajes, de pronto, se comportan honradamente y no atacan la conciencia del público.

Lo bueno, esta vez, me decía, es que la película tiene otro final, y cuando lo normal es que nos resultara pesado seguir con la trama, aquí nos alegramos, porque aún quedan cosas por ver, y Nolan puede hacer olvidar la ñoñería anterior. Así ocurre, en cierto modo, pues el cierre de ‘El caballero oscuro’ es de los que no se olvidan, con un monólogo precioso a cargo de Jim Gordon, y la fantástica banda sonora, otra vez, acompañando las emocionantes palabras dedicadas al no-héroe de Gotham, mientras éste huye, injustamente perseguido por perros y policías.

Un inciso aquí. Ya en el primer visionado lamenté algo de lo que sigo sin recuperarme. Y es el desenlace de Harvey Dent. Porque este hombre, destrozado, se merecía algo más. El Joker le utiliza, Bruce Wayne le utiliza, hasta Rachel Dawes le utiliza (para alejarse de Wayne). Y él sólo hace lo que debe, honestamente. Su recompensa es una muerte deshonrosa. Convertido Dent en el tercer “freak” de la historia, rabioso y descontrolado, habla de justicia, de responsabilidades, de decencia… y Batman se lo carga, sin más. Adiós, monstruo. Se merecía un final más digno (a mí no me paga la Warner por pensar, pero quizá un suicidio habría servido) y es lo que me deja más insatisfecho de ‘El caballero oscuro’. Lo de los barcos no, porque tras el segundo visionado descubrí lo que pasaba realmente. Y voy ya a eso.

Situación límite. El Joker ha descontrolado Gotham con un bidón de gasolina y un par de balas (sus propias palabras). La gente huye. Las carreteras están bloqueadas, y los dos ferrys son una excelente opción para abandonar la ciudad. Dos grupos dentro, uno de ciudadanos y otro de presos, delincuentes, criminales. Nada más salir descubren que cada grupo cuenta con un dispositivo para hacer explotar el otro barco. Y si no lo hacen, ambos vuelan por los aires. El Joker los va a utilizar para demostrar la teoría que expuso a Batman (la cita de arriba), el “bad joke” sobre el que se sostiene la sociedad, en realidad, según él, poco menos que una frágil manada de perros salvajes (lo de esta película y los perros es algo singular).

Pero ya sabemos lo que ocurre. Y todos hablan de cobardía de Nolan, de no hacer lo que debía, que era que, al menos, uno de los grupos activasen los explosivos del otro barco. Porque es una película para el gran público y Hollywood son unos mojigatos. Bueno. Eso es lo que yo pensé la primera vez que la película. Pero no es así. En realidad, todo es bastante más crudo que eso. ¿Por qué nadie, dentro del barco, hace lo que la mayoría ha decidido y activa el detonador? La respuesta no es porque son bondadosos, como mantiene Batman. Él, que está lejos y no sabe lo que ha ocurrido, dice lo que cree, que la gente es buena por naturaleza. El caballero oscuro está equivocado, es un ingenuo.

“Batman vive al margen de la ley. Pero no le pedimos que se entregue por eso. Lo hacemos porque tenemos miedo. Hasta ahora éramos felices dejando que Batman limpiara nuestras calles”.

Ahí está la clave. Es parte del discurso que da Harvey Dent en la rueda de prensa en la que Batman iba a aceptar las condiciones del Joker y desvelar su identidad. Dent habla claro. La gente es cobarde. Es egoísta. Y no piensa en nada mientras está asustada, sólo es seguir adelante con su vida, tal como está. El mismo Joker dice algo parecido, más tarde, vestido de enfermera. Mucho antes, en un restaurante, Dent discute sobre la presencia de Batman y lo defiende, pues la ciudad le necesita; tal como están las cosas, ese justiciero al margen de la ley ayuda mucho más que toda la policía junta. Por supuesto, en cuanto las cosas se tuercen un poco, como señalaba el payaso, nadie se acuerda de nada, y aquí tienen que caer cabezas. La primera, la de Batman.

Todo esto tiene su culminación en la secuencia de los ferrys. La gente vota que se explote al otro barco. Eso anula la teoría de la bondad humana, sin discusión. Los ciudadanos civilizados se amparan en la democracia para justificar el terrible acto de asesinar a todos los que viajan en el otro ferry. Pero no activan la bomba. Claro. Porque son unos cobardes. Necesitan a alguien que pulse el botón. Y no hay nadie con la voluntad suficiente para hacerlo. Porque eso puede conllevar problemas, responsabilidades, que los demás te señalen. Y nadie, nadie, nadie, quiere problemas. Que lo haga otro. Aunque signifique que todos volamos por los aires.

Por eso necesitan a Batman. Porque es el único que puede hacer lo que los demás no pueden, porque lo da todo por la protección de la ciudad, no es egoísta (bueno, sólo cuando le piden que elija entre su amor y el caballero blanco, pero ahí sólo demuestra su humanidad). Él, Jim Gordon, Rachel Dawes (la única que se encara al Joker en la fiesta), Harvey Dent (antes de su tragedia)... ellos se lo juegan todo. Y algunos lo pierden. El resto, la ciudad, la gente, los protegidos… son unos cobardes que sólo buscan su propio beneficio, ante todo. Al mínimo problema, nadie mira por nadie. Nolan no nos da otra explosión no porque se baje los pantalones; no nos la da porque está dando su visión de la sociedad. Y de eso va realmente, en el fondo ‘El caballero oscuro’. Porque no es casual que se titule como el cómic de Frank Miller. Aunque las casualidades existan.

PD: El preso tira el interruptor al agua. ¿Bondad? No, él no tiene miedo, y no entra en el juego del payaso. Tan sencillo como eso.

¿Qué se puede añadir a estas alturas a lo que se ha dicho hasta la extenuación sobre una película que, estrenada casi un año de manera triunfal, es ya una leyenda del cine, tanto por razones cinematográficas como extra-cinemátográficas, y que a pesar de tener una legión de fans, también tiene a un núcleo de detractores bien aguerrido y con las ideas bien claras? Yo creo que algo se puede añadir siempre, y como la tengo en DVD desde hace un tiempo y de vez en cuando pongo alguna secuencia suya (todas ellas con el Joker presente, dicho sea de paso), creo que debo sentarme y escribir lo que pienso. No teman, no es una crítica más. Se trata, más bien, de una pataleta.

Desde luego, no hay duda de que fue una buena película, y creo que va a envejecer realmente bien. Y ello no sólo por un par de motivos superficiales, sino por más de uno importante. Pocas veces una película de gran presupuesto y de gran calado entre el público masivo ha demostrado tanta solidez, tanta elegancia y tanto ingenio. Sin embargo, y a pesar de que me cuesta mucho decirlo, resulta bastante frustrante enfrentarse a un final que destruye en parte las expectativas creadas, sin llegar a empañar los grandes logros de la película.

Antes de entrar en materia (no hay que vender el pescado tan pronto) podríamos detenernos en algunos aspectos que no han sido comentados por casi nadie, o nadie, al menos que yo haya leído. Me llama la atención la extrema elegancia de Nolan a la hora de tratar la muerte violenta de las múltiples personas que pierden la vida en esta película (merecería la pena ponerse a contar cuántas, serían bastantes). Para entendernos, nunca, en ningún momento, se ve cómo la persona es mutilada, o disparada, o volada en pedazos. Recordemos de qué forma, cuando el Joker le corta la boca a Gambol, el plano corta al plano del testigo de ese acto.

O cómo, cuando el Joker dispara a un policía desde el camión, el plano corta a la siguiente secuencia. También cuando Dos Caras dispara al chófer de Maroni, o cuando el propio Lau está a punto de morir calcinado. Nunca, pero nunca, vemos a una persona, sin cortes, pasar de la vida a la muerte de forma gráfica. Esto, teniendo en cuenta que se trata de un thriller, es notable e interesantísimo. Y no por ello hay menos violencia, además. Pero hay otros aspectos igualmente interesantes que en una crítica ordinaria en el momento del estreno, se pasan por alto o simplemente se ignoran.

Como por ejemplo la identificación del Joker con los perros, y con algunos otros elementos visuales infernales. Me llama poderosamente la atención la primera secuencia en la que vemos a Batman, esa que también tiene al Espantapájaros de protagonista. El gangster Chechen (Ritchie Coster) intenta intimidarle, sintiéndose timado: “¡Mis perros tienen hambre”!, le espeta. Muchas escenas más tarde, justo cuando el Joker le prende fuego a cientos de millones de dólares y a Lau, y decide asesinar también a Chechen, decepcionado porque sólo se preocupa por el dinero y él tiene más categoría, entrega a Chechen a sus propios perros, y le dice: “ya veremos cuánta hambre tienen de verdad”.

Esto da que pensar. A fin de cuentas, en aquella escena con el espantapájaros, a Batman un perro le da estopa a base de bien. Precisamente la misma raza de perros con los que el Joker le espera en su enfrentamiento final. Sin duda el salvaje villano (memorable la creación de Ledger) fue testigo de aquel acontecimiento. En caso contrario, ¿cómo iba a saber que el superhéroe tiene dificultades con los canes? Pero hay más. Pues los perros negros son una de las representaciones del demonio, desde la antigüedad. Y el propio Joker parece un perro. ¿Acaso no olisquea a Rachel para intimidarla, como hacen los mastines? ¿Acaso no se define a sí mismo como un perro que persigue coches?

Pero hay más detalles…infernales, por llamarlos de alguna manera. En una película con una fotografía tan azul (que inventó Cameron hace muchos años, y que perfeccionó con la insuperable ‘Terminator 2’), es significativo observar de qué modo el color vira a un naranja o a un rojo infernal en los momentos en que debe hacerlo. Por ejemplo en la soberbia escena de acción en la que el Joker intenta dar caza a Harvey Dent. De qué modo destaca, con fuerza indescriptible, el rojo de las llamas del camión de bomberos, y el rojo de las luces del túnel, sobre el entorno azulado. Y, para más inri, la comitiva se desvía hacia el subsuelo. Es decir, hacia abajo, hacia las profundidades, donde se desatará el caos.

Pero además, el relato funciona a niveles bastante abstractos, como el hecho de que el propio Joker (el único personaje que me interesa de toda la película, y con el que me siento teremendamente identificado, como posiblemente les suceda a muchos, mal que les pese, que me estén leyendo en estos momentos) se alimenta de manera invisible de la mezquindad y los bajos instintos de las personas que les rodean, teniendo como ejemplo máximo a Dos Caras. Por eso tiene sentido que cuando los ocupantes de los dos ferrys condenados a muerte finalmente deciden no accionar la bomba, el Joker pierda su aparentemente superioridad frente a Batman y no tarde ni un segundo en resultar derrotado.

Ahora bien, y ya vamos a vender todo el pescado, precisamente hablábamos de los dos ferrys, y tengo que decir que es una verdadera lástima que los ocupantes de cualquiera de los dos no apretara el botón y mandara a los otros al cuerno. Es más, tal como me sugería una amiga, el giro genial habría resultado que los ocupantes de cualquier barco que accionara la bomba murieran engañados, volando en pedazos por el hecho de apretar el botón. A fin de cuentas, el Joker se había encargado durante dos horas de darle la vuelta a todas las hipocresías y etiquetas sociales. Aquél hubiera sido su clímax. Pero supongo que era ir demasiado lejos. Y es una lástima.

Es decir, ya nos había convencido, más que de sobra, nuestro villano favorito, de que el hombre es un lobo para el hombre, de que somos tan buenos como nos permiten ser, y de que cuando las cosas van mal abandonamos nuestras falsas reglas para salvar el culo. Entonces, ¿cómo intentan colarnos a ese fornido preso tirando por la ventana el aparato que haría accionar la bomba que les salvará a ellos la vida? Cuando Batman le responde al Joker que los ciudadanos de Gotham le acaban de demostrar su capacidad para el bien, lo siento, pero me dan ganas de vomitar. La peña, la gente, la people, no está preparada para el bien, ni ahora, ni nunca. Está preparada para sobrevivir sea cual sea el coste. Los santos sólo existen por fanatismo.

Al menos Nolan tiene el talento suficiente como para regalarnos ese precioso final con Dos Caras y el discurso final, emocionante y exacto, del comisionado Gordon. Que les den por saco a sus defectos. Qué gran película, redios…

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Sí, la verdad es que estoy muy cabreado. Este fin de semana tenía que haber supuesto un acontecimiento para todos los amantes de la buena ficción científica, pues por fin nos cuentan aquella guerra del futuro en la que las máquinas ponen a la humanidad al filo del exterminio. Confieso que durante todos estos años, intrigado ante las posibilidades que se le abrían al eventual director de la nueva película, imaginé (y llegué a escribir) historias, personajes y situaciones que podrían haber culminado aquella creación insuperable de ficción científica. Pero ya se sabe. No está el horno para bollos.

De un modo implacable, y a lo largo de las dos últimas décadas, los grandes mitos (además de los más populares) de la ficción científica, han ido conociendo nuevas entregas, y todos ellos, salvo una honrosa excepción, han naufragado del modo más patético a la hora de recoger el testigo para las nuevas generaciones. Y es que una mala suerte increíble, sumada a una incompentencia o a una enorme presión de los estudios, parece haberse cebado en los icónicos terminators, aliens y depredadores.

Todo esto me produce ahora las ganas de escribir porque en alguna parte he leído que McG y su equipo, con muy buen criterio, no repiten lo que ya funciona. Yo siempre he pensado que si algo ya funciona, no hay ningún motivo para cambiarlo. Y si tienes un ansia brutal de hacerte el geniecillo y de pasar olímpicamente de aquello que fue sublime (lo que a mi modo de ver esconde una gran inseguridad estética), puedes hacerlo. Pero ahí te ves en la tesitura de ser capaz de reinventar. La honrosa excepción de la que hablaba es la de Christopher Nolan y su soberbio díptico ‘Batman Begins’/‘El caballero oscuro’. Tan poderosa es su creación, que deja en un nivel muy bajo todas las anteriores, incluidas aquellas añoradas de Burton, que siempre me parecieron tan falsas y faltas de ritmo.

Ahora bien, lo que Nolan ha hecho con esa saga de ficción científica, no es tan espectacular como lo que se logró con ‘Aliens’ respecto de ‘Alien’, porque lo antecedentes para Nolan no eran especialmente brillantes, y para el director de la segunda aventura de Ripley era un reto siquiera sostenerse al lado de la primera. Y aquí llegamos al meollo de la cuestión. ¿Por qué hoy, 23 años después, aquél logro es tan extraordinario? Lo que Cameron hizo con la segunda parte no fue ignorar lo hecho por Scott. De una parte se alejaba de él, pero por otra le era absolutamente fiel en dos cosas: el personaje de Ripley (y todo lo que vivió en la primera), y la fascinación por la criatura.

De esa fascinación surge el elaborado código de ficción científica que Cameron diseñó en solitario con el guión. La segunda parte englobaba a la primera. Mientras que esta era el primer esbozo, aquella era la confirmación y el ensanchamiento de un universo. Ahora bien, ¿por qué la tercera parte fracasaba? Es cierto que Sigourney Weaver se esforzaba por mantener una continuidad anímica, pero el relato lo impedía, porque el ‘Alien 3’ de Fincher intentaba parecerse a la primera y era incapaz de sorprender, porque se alejaba visualmente de aquel universo tan bien fijado en la retina. Ya la penosa cuarta parte, ‘Alien Resurrección’, del competente Jeunet, buscaba un diseño de producción, un ambiente, que uniese la segunda y la tercera, pero se diluía porque el personaje principal estaba desligado de sus aventuras precedentes y porque no sentía la menor fascinación por su criatura. Es decir, le importaba un comino lo que el espectador sentía por todo este universo.

Lo malo fue que todo continuó sin Ripley, y escuchando las peticiones de los espectadores más frikis, que consideraban una necesidad ver fusionadas ambas sagas, llegó el hijo bastardo más nauseabundo de la ficción científica, ‘Alien vs. Predator’. El filme original de McTiernan era una vigorosa aventura que, a pesar de sus limitaciones, ofrecía al espectador una experiencia adrenalítica y aterradora, que se adentraba en una fisicidad y un bestialismo muy de agradecer y que parece casi perdida en el cine de aventuras. Se continuó con una segunda parte muy inferior, pero aún así disfrutable e igualmente salvaje. Pero el personaje parecía agotado porque ningún director de fuste parecía querer darle vigor. Ahora bien, no se merecía ni ese cruce bastardo ni la penosa secuela que aún mucha gente defiende, eso sí, sin más argumentos que “mola mogollón”, o el que da Jesús Palacios: “qué gran diseño de producción”.

Así podemos otorgar el mérito que se merecen los grandes artistas (esos a cuyo esfuerzo suele hacer oídos sordos el espectador medio) cuando arma una trilogía imposible, como es el caso de Coppola con ‘El Padrino’, donde logra un difícil equilibrio entre todas las partes, más aún con tantos años de distancia, o el de Lucas, cuando, a pesar de ser cierta su inferioridad respecto a las primeras, nunca se sale del universo que él se ha trazado en las tres nuevas películas de ‘Star Wars’.

Ahora amenazan con darnos una nueva versión de ‘Alien’, dirigida por un desconocido que dicen que es un genio. Y con otra de ‘Predator’, dirigida por el flojísimo Robert Rodríguez, quien, menos mal y esperamos que sea definitivo, aplaza así su película sobre Red Sonja. Es decir, lo peor no es que se haya degradado e infantilizado a estos iconos, sino que la degradación continúa, pues hay directores con poder (y sin talento) dispuestos a sacar toda la tajada que puedan. No me parecería mal si tanta gente no les diese crédito, es decir, si les diesen la espalda como por suerte parece que está ocurriendo con la infumable cuarta parte de ‘Terminator’. Y es que los espectadores somos confiados, pero no lelos.

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Posiblemente, la película más desastrosa que hay ahora mismo en la cartelera. Empecemos por ahí. Por donde hay que empezar a la hora de hablar de ‘Dragonball Evolution’ (2009), que como todos sabéis, se estrenó en España (y en otros países) el pasado 8 de abril. Seguro que habréis visto el cartel, en el cine o en las calles. Todo lo que hay de adaptación en esta película queda patente ya en el póster promocional. Podríamos decir que sólo se mantienen el título y los nombres de los personajes, casi todo lo demás ha sido, por decirlo amablemente, “reinterpretado”. Contando con eso, que no tiene nada que ver con lo que, en teoría, está adaptando, ¿qué tal como película? Bueno, sólo me viene a la cabeza un adjetivo: patético. Es una película tan mal hecha que su visionado se hace eterno, y apenas llega a los 80 minutos de duración.

Desde que se anunció que en Hollywood se estaba preparando una película sobre ‘Dragon Ball’, saltaron las alarmas, y las risas. Los fans de la serie de dibujos y del manga, que son muchos y ruidosos, se mostraron en general preocupados, mientras que los que no eran fans (o dejaron de serlo hace tiempo) se tomaron a broma que algo así pudiera realizarse realmente. Ambos grupos, con puntos de vista muy diferentes, se ponían de acuerdo en algo: era complicado hacer una buena película de la obra de Akira Toriyama. A esto había que sumar que el estudio responsable de la tarea era la odiada 20th Century Fox, la misma que está detrás de otra de las cosas más lamentables que nos ha llegado últimamente, ‘Street Fighter: La leyenda’ (también hablaremos de ella próximamente).

Es curioso porque, en cierto modo, todo esto recuerda a lo que ocurrió con ‘Watchmen’. Ambos proyectos levantaron una gran expectación desde el inicio, desde el anuncio de su desarrollo, resultando finalmente que el producto estrenado no logró satisfacer al público ni tampoco reventar las taquillas, como se esperaba en los despachos de quienes manejan este negocio (tampoco en los de quienes hicimos previsiones). Pero ahí acaban las similitudes, desde luego, porque mientras los avances de ‘Dragonball Evolution’ iban asustando y desvelando un producto rancio, los de la película de Zack Snyder no hacían más que aumentar las expectativas. Y en cuanto a lo cinematográfico, sería como comparar ‘Supersalidos’ con ‘El gran dictador’.

Dice James Wong, el director de este descalabro, que cuando le ofrecieron el proyecto, no sabía casi nada de la obra de Akira Toriyama. Reconoce que “lo que sabía era por mis hijos, que veían ‘Dragon Ball Z’ en el canal de dibujos animados, así que en realidad no sabía prácticamente nada”. No tienes que jurarlo, James, se nota. Es imposible no comentar esta película sin destacar lo poquísimo que se parece a ‘Bola de dragón’. Cualquiera que haya visto un par de episodios o leído algunos de los cómics, se da cuenta enseguida que ‘Dragonball Evolution’ es un desastre como adaptación. Al parecer, en una primera versión del guión de Ben Ramsey (a quien hay que juzgar con relativa dureza, pues no deja de ser un encargo y no sabemos cuánto es suyo realmente), entre otras cosas, había un animal que hablaba. Y eso no le encajaba al director: “La intención era sentar las bases para que los no aficionados pudieran adentrarse en este mundo, ese animal hubiera sido demasiado cambio”.

Y uno se pregunta el porqué. ¿Por qué compran los derechos y luego hacen algo así, tan alejado del producto original? El dinero, claro, puede ser la respuesta. Pensaron que la marca ‘Dragonball’ vendería y punto. Que una historia cualquiera valdría, que con tomar los nombres y algunas situaciones, bastaba. Para qué invertir en talento y tiempo, si da igual. En mi opinión, el dinero no puede ser la razón principal, porque hay demasiados cambios y no todos tienen que ver con el presupuesto, sino más bien con una idea errónea de lo que iba a funcionar y lo que no, como lo del animal parlante (ni que fuera la primera vez que íbamos a ver eso). Además, tampoco tuvieron un presupuesto tan limitado, según Wong contaron con 50 millones de dólares. No me parece poco, es más, no sé en qué lo gastaron, viendo la pobre factura de la película. ¿En el sueldo de los actores? Lo dudo mucho.

El propio Toriyama reveló que se quedó pasmado cuando le mostraron el guión y los diseños de los personajes. No era para menos, pero, pasado el susto, el mismo creador del universo de ‘Dragon Ball’ pidió confianza y comprensión en la producción cinematográfica; confianza en los profesionales que estaban llevándola a cabo y comprensión en el sentido de que esta película era lo que decía más arriba, una nueva interpretación de la historia y los personajes, otra “cosa”. Hasta ahí estupendo. Es lógico además, ya decíamos que era imposible ser fiel a la obra original (muy rápido lo decimos, ¿seguro que no?), y no está nada mal que se intente introducir elementos nuevos o cambiar lo que no encaje en un guión de cine. Estupendo. Además, si la idea era que la película funcionase para todo tipo de público, es necesario que para entender la película no se requiera haber visto o leído nada sobre Goku y compañía.

Bueno, desde luego, todo ser vivo va a entender la trama de ‘Dragonball Evolution’. Hasta los recién nacidos. Se ha simplificado tanto que el resultado es cuanto menos ridículo. No es sólo que los personajes parezcan tontos, es que hasta repiten las mismas frases, varias veces a lo largo de la película. Perdí la cuenta de las ocasiones en que dijeron lo de tener “fe en uno mismo”. Aparte de eso, los diálogos pueden dividirse fácilmente entre “frases tópicas” y “frases sin sentido”. Del último tipo, entre otras, destacaría “Que me llame Chi-Chi no significa que sea estúpida” y “Ahora lo entiendo, para ser yo mismo debo ser dos”. No creáis que he seleccionado con dificultad, si a pesar de todos los avisos aún tenéis pensado ir a ver la película, preparad la libreta o la grabadora, os vais a cansar de apuntar diálogos patéticos.

En cuanto a la trama, buf… A ver, sin desvelar nada importante, os cuento. Tenemos a Goku, que es el protagonista. Es el típico adolescente del que se burlan los matones del instituto, pero tiene la suerte de haber sido entrenado por su abuelo, Gohan (al que sin embargo pide consejos para ligar). Así que gracias a eso, y su extraño poder interior, es capaz de moverse como Neo en ‘Matrix’ y derribar a cualquiera, antes de que las gotas de sudor caigan al suelo; cuando los matones le tocan demasiado las narices, son derribados sin esfuerzo. Por supuesto, Goku también tiene la suerte de volver loca a la chica más guapa del instituto, Chi-Chi, y cuando cumple dieciocho años lo celebra en una fiesta que ésta organiza, dejando solo a su querido abuelo.

Irremediablemente, éste es destripado por el malo, que llevaba mucho tiempo encerrado en algún sitio y ahora ha vuelto (el motivo y la forma en que ha escapado no se explican), para buscar siete bolas mágicas que, reunidas, hacen aparecer un dragón que concede un deseo. Que Piccolo sea aquí sumamente poderoso y luego, por el final, mucho más asequible es algo que se me escapa. Lo mismo que el uso de una ayudante para algo que podría hacer él mismo, sin problemas. No parece que esté ocupado en otros menesteres. Seguimos. Antes de morir del todo, Gohan revela a Goku que debe buscar a Roshi, su maestro, y reunir las bolas antes que el malo, la única forma de detenerle (esto es falso, como se demostrará más adelante). Porque pasaba por allí, Bulma se une al protagonista con la idea de hacerse famosa (es su objetivo en el film) y los dos se lanzan a la aventura. Primero a por Roshi y luego a por las bolas. Y a aprender a controlar el “ki”. Ah, y a conseguir pareja (Chi-Chi y Yamcha, que también aparece de la nada). Uy, y ya por último, a por Piccolo.

Sobre la leyenda de Oozaru, la edad de Roshi, la sorprendente habilidad luchadora de Chi-Chi, el torneo espontáneo, la utilidad de los esbirros creados por Piccolo… os lo dejo a vosotros, porque yo no le encuentro ningún sentido. Del reparto, bueno, creo que lo más amable que puede decirse es que el guión es tan malo que no pueden hacer nada mejor con sus vacíos personajes. A mí el único que me parece destacable es Chow Yun-Fat, pero quizá sea porque me siempre me ha caído muy bien este actor, desde su brillante etapa como héroe de acción (‘A Better Tomorrow’ es mi favorita); una pena que participe en productos como éste, debe ser que no le llegan demasiadas propuestas interesantes, artística y económicamente. Y bueno, el peor, para mí, Justin Chatwin. Sencillamente, no puedes construir una película de éxito con este actor, no tiene carisma y es incapaz de expresar nada; de hecho no sabe ni llorar, a pesar de que lo intenta cuando muere el abuelo.

En conclusión, y por dejaros la palabra (creo que ya dije bastante), ‘Dragonball Evolution’ no se sostiene por ninguna parte, es exactamente eso que todos entendemos por un “bodrio”. Intenta ser una comedia de aventuras con toque fantástico, pero no consigue hacer nada bien, a menos que te partas de risa con los momentos de seriedad, claro. A mí me viene la imagen de un combate de boxeo; de tantos golpes, se pierde el sentido y el cerebro se acaba por desconectar. Es lo que hace para impedir más daños. Esta película es algo así, un cúmulo de golpes al buen gusto, a la lógica, al entretenimiento, al cine y, por supuesto, a los fans de la obra de Toriyama, que deberán correr a refugiarse en el VHS o el DVD para lavar sus heridas. Al resto nos queda pasar página, y buscar otra película, a ver si hay más suerte.

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Especial sobre la película de ‘Dragon Ball’

Arnold Schwarzenegger está volviendo al cine poco a poco. Su fama le reclama para aparecer en plan cameo en dos producciones en las que su presencia casi parece obligada. A la ya sabida participación en ‘The Expendables’, dirigida por Sylvester Stallone, hay que añadir la confirmación de su aparición en uno de los platos fuertes de este 2009, ‘Terminator Salvation’, una película tan apetecible como temible.

McG siempre ha mostrado callado al respecto, pero no así Terry Crews, uno de los actores del reparto, que ha declarado que efectivamente Schwarzenegger aparecía en la película. No se conocen los detalles del cameo debido al secretismo con el que se ha llevado el tema. No hace falta ser muy listos para darse cuenta del papel que desempeñará el actor que saltó a la fama precisamente por protagonizar la película que inauguró esta saga.

Terry Crews también aparece en el citado ‘The Expendebles’, el otro cameo de nuestro añorado Arnie.

Vía | Worstpreviews – Impawards