“Los abogados no deberían casarse con otros abogados”

-Kip Laurie

El cine clásico norteamericano comprende, en teoría, las décadas de los 30, 40 y 50 del pasado siglo. En la última de ellas se alcanzó, según muchos, la perfección de este arte en ese país, y después de eso, no ha dado más que tumbos. El neoyorquino George Cukor, tenido por un gran director de actrices, dirigió esta famosa comedia en 1949, con la ya famosa y casi mítica por entonces pareja formada por Tracy y Hepburn.

Comedia bastante disparatada, sin llegar a los niveles de “screwball comedy”, centrada en la guerra de sexos y en el feminismo rampante por aquella época, con dos abogados rivales que resultan ser marido y mujer (algo que es ilegal, pero a quién le importa…), involucrados en un caso de infidelidad que casi termina en tragedia y que va a servir para un discurso que, a día de hoy, queda bastante naif.

Todo comienza con una secuencia que es, ciertamente, magistral, y que demuestra más de lo que el propio Cukor demuestra a lo largo de esta película: que tenía un gran sentido visual. Cinco minutos de cine mudo, con suspense y comedia a raudales, en los que seguimos a una mujer en su plan de vengarse del calavera de su marido, interpretado por un Tom Ewell como siempre espectacular. Cukor se entrega, después de este alarde, a dar todo el protagonismo a Tracy y Hepburn, en una trama que deja bastante que desear.

Lo de Hepburn es un caso de personalidad como no ha existido otra en la historia del cine. Nadie daba un duro por ella como estrella, aunque ya de joven era indudable su talento. Quién podía imaginar que enamoraría al católico Tracy, y a Howard Hugues, e incluso le haría perder la cabeza al lacónico John Ford, una mujer de atractivo físico escaso, pero de energía y vitalidad arrolladoras. Aquí se erige en icono feminista, que no es sino una de las batallas de su vida, mientras despliega sin prejuicios su complicidad y cariño con Tracy, que interpreta a un personaje mucho menos atractivo.

Como ejemplo de cine judicial, lo cierto es que la película no es gran cosa. El caso es forzado, poco creíble, y mal desarrollado. El juez incurre en actitudes incomprensibles, como muchos otros personajes, y todo no es más que una excusa poco divertida para lo que verdaderamente importa: el discurso feminista y las situaciones entre la famosa pareja. Además, ya sabemos cómo va a acabar. Es decir, no estamos en algo parecido a ‘Testigo de cargo’ en versión cómica, sino en un conservador vehículo de lucimiento.

Tampoco es gran cosa como creación cinematográfica, aunque a muchos se les llene la boca con este tipo de películas, que no son más que teatro filmado, llamándolas obras maestras y cosas por el estilo. Cukor se limita a poner la cámara sobre un trípide y filmar del modo más correcto posible, sin emplear el punto de vista en ningún momento y con una planificación completamente teatral. Es decir: plano general o plano medio, con los actores generalmente de perfil. Aún así, logra una narración fluida y competente, pero diez años después de, por ejemplo, ‘Lo que el viento se llevó’, que es mucho más dinámica y mucho más visual, pues queda anticuado. El cine evoluciona, por suerte.

Eso sí, la dirección de actores es soberbia. Aunque también es verdad que los actores son, todos, sin excepción, una gozada de profesionales, perfectamente conocedores de los resortes del ritmo interno de la secuencia y de la comprensión de la cámara. Es impresionante cómo dan vida a una secuencia tan ramplona.

Al final, todo queda en un espectáculo light, muy poco inspirado visualmente, con secuencias muy divertidas y llenas de ingenio verbal. Pero Cukor no fue nunca más (ni menos, ciertamente), que un director académico, brillante e impersonal. Nunca fue Hitchcock, ni Hawks, ni Welles. Las obras maestras del cine, las de mayor sentido visual, las firmaban otros. Pero su teatro filmado era siempre interesante.

Sitges ya tiene a sus ganadores. El palmarés de la 42ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña, siempre polémico, se dio a conocer este mediodía, tras la rueda de prensa con Viggo Mortensen y John Hillcoat, protagonista y director de ‘The Road’, la película que clausura Sitges 2009.

Recién estrenada en salas comerciales, ‘Moon’, el debut de Duncan Jones, ha sido elegida como la mejor película del Festival, y Sam Rockwell, el protagonista, ha sido nombrado el mejor actor, algo que es total y absolutamente justo; el guión y el diseño de producción también han sido premiados. Como os he ido comentando, ‘Moon’ no es la mejor película he visto en Sitges, pero sí es una de las cuatro o cinco mejores, muy inteligente y una gozada para los fans de la ciencia ficción, así que no me parece del todo mal el premio; mi favorita en todo caso era ‘Thirst’.

Precisamente, lo nuevo de Park Chan-wook no se ha ido de vacío, algo que hubiera sido muy injusto. Kim Ok-vin ha sido elegida mejor actriz, “ex-aequo” con Elena Anaya, por su trabajo en ‘Hierro’. Esto sí que resulta un tanto fuerte de asimilar, porque mientras que la primera realiza una interpretación asombrosa, la segunda se limita a hacer un papel de lo más corriente, algo así como lo que hizo Belén Rueda en ‘El orfanato’, pero peor, y desde luego, dentro de una película muy inferior.

Pero el escándalo está en otro premio. El de mejor director. El jurado de Sitges ha decidido otorgárselo a Brillante Mendoza, por su mareante y vacía ‘Kinatay’. Esto supone que el filipino repite el galardón que ya le dieron antes en el Festival de Cannes. Sé que no soy el único que opina que esto ha sido un completo error, pero desgraciadamente no podemos saber las razones exactas de por qué ha ocurrido. En cualquier caso, Sitges no es Cannes, ni debería querer ser Cannes. En fin, el ridículo se redondea con el premio a la mejor banda sonora, que también va para esta cosa soporífera que ha filmado Mendoza. Increíble.

Por otro lado, el premio del público ha sido para ‘Zombieland’, la comedia de Ruben Fleischer. Como dije en un comentario reciente, la película en general es muy divertida y recomendable. Claro, siempre y cuando toleres la presencia de muertos vivientes en una historia; quiero decir, no busques un drama con grandes interpretaciones o una temática realista, porque esto va de matar zombies y que te rías con las bromas de unos personajes que nunca existirían fuera de la pantalla (es bastante inverosímil el cuarteto que se forma en la película, aunque en realidad da lo mismo). A partir de la mitad baja mucho el ritmo, pero aun así merece la pena verla.

Otros premios destacables se los han llevado ‘Summer Wars’, a la mejor película de animación, ‘Splice’, a los mejores efectos especiales, y ‘Enter the Void’, a la mejor fotografía y también premio especial del jurado; ‘The Boy Who Wouldn´t Kill’ se lleva una mención especial (no sé qué significa esto) y ‘One Of Those Days’ ha sido elegido el mejor cortometraje. Excepto ‘Splice’, no he visto ninguno de estos cuatro títulos señalados, así que no puedo opinar si se ha acertado o no con esos premios. ¿Alguno de vosotros puede aportar un poco más de luz?

PD: A las ocho de la mañana pude ver ‘The Road’, una de las mejores películas que he visto en el Festival. Es muy fiel al libro, pero la historia me parece mejor narrada en la pantalla.

Vía | Web oficial de Sitges 09

España y el cine no se llevan bien. Yo no sé si es un asunto de genética, de ansiedad, o de simple y pura incompatibilidad. Pero así es. De hecho, hay dos palabras en nuestro vocabulario que a muchos, a mí no pero a muchos sí, les resultan antitéticas: Cine Español. Ya hablamos en cierto momento de aquellos que defienden el cine español a muerte, con una presencia de ánimo admirable pero estéril (y con unos argumentos bastante endebles), y ahora, con todo lo que se está cociendo en la industria, podríamos hablar un poco de La Orden Ministerial de la Ley del Cine.

He dicho podríamos, pero creo que va a ser un texto imposible de culminar. ¿Imposible? Sí. Se supone que, siendo redactor de Blogdecine, conociendo bien cómo se fraguan las películas en este desgraciado país, y siendo consciente de la desunión que nos caracteriza, debería poder hablar con conocimiento de causa, y ofrecer al lector un magnífico texto en el que dar mi opinión sobre el tema en cuestión y las partes implicadas. Pero me declaro incompetente, incapaz. Con esto de la Ley no sé si vengo o voy, o si soy rematadamente inútil para entenderlo.

De modo que este texto lo escribo para afirmar, primero, que lamento muchísimo haber nacido en un país tan cutre (política y socialmente hablando) como éste, y segundo para hacer un resumen de todo lo que está pasando y confirmar, de forma definitiva, que todo este embrollo de la Ley del Cine, de la discriminación positiva, de la super-guay-ministra de cultura y del buenrollista-director del ICAA, de las agrupaciones que firman contra leyes, de los cineastas que opinan, de los críticos que contraopinan y de los cinéfilos y aficionados que aprovechan para también dejar sus opiniones de esas opiniones.

Todo conforma un magma amorfo y cansino. Y yo no tengo intención de unirme al carnaval. Sólo voy a intentar desgranar un poco el asunto y seguro que hay lectores que me corrigen, me dan ideas y me sacan de este desconcierto. O no, vete a saber. Lo que sí es seguro es que, en materia de cine, hay más descontento, más disgregación y más desprotección que nunca. Y, personalmente, más hartazgo y menos esperanza de que la cinematografía española salga del abismo en el que se encuentra.

Pasaré por alto, pues no es el momento de dispersarse más, lo de que una directora de cine de cierto prestigio se meta a ministra, y a un político de la trayectoria de Guardans le pongan de director del ICAA. Lo que no pasaré por alto es de que por más que intentan ambos mejorar la situación, peor estamos. Pero lo malo no es eso, sino que los “amantes del cine”, como los definió Guardans, que presentaron sus quejas y su firma, tampoco parece que vayan a conseguir nada.

Lo último que ha trascendido, y de qué manera, es la decisión de ayudar a las directoras en sus proyectos, por eso de la disparidad sexual, con una ayuda del 50% más que a los hombres. Esto es un disparate en el que, de nuevo, Guardans se ha mostrado como el poli malo, y Sinde como el poli bueno. Creíamos, los ingenuos, que con eso del mínimo de 60.000 espectadores para acceder a las ayudas, los desvaríos de los jefazos habían alcanzado su clímax, pero nos equivocábamos, por lo visto.

Y es que esta pareja abre la boca y, como se suele decir, sube el pan. O, para ser más exactos, reciben palos desde todos los frentes. Y no es para menos. En teoría están para proteger y volver más fuerte y saludable el cine español, pero en lugar de eso le hacen más débil. Realmente no lo conocen, y parece importarles poco. Pero también da la impresión de que los firmantes del manifiesto sacan un poco más de quicio las cosas, si cabe. En cualquier caso, lo que está claro es que somos incapaces de dialogar, de entendernos. Una vez más, esta industria se define perfectamente a sí misma.

No sé qué opinará el lector sobre este asunto, más abajo dejo varios links, con los que espero colaborar para aumentar el desconcierto del lector, o quizá para simplemente informarle y que él me deshaga del mío. De lo que no me va a sacar es de la certeza de que somos geniales para liar las cosas más y más cada vez, y de que los jefes de todo esto son los que más perdidos están, y de que, como dice Rosales en su texto (texto con el que no estoy de acuerdo en muchas cosas), todo está tan politizado en este país que causa mareo, y de que, como dice Martín Cuenca en el suyo (con el que estoy aún más en desacuerdo), la justicia en esto de hacer películas cada vez está más desdibujada, y es más absurda.

Sólo me encuentro en disposición de afirmar una cosa. El cine es cultura, y como tal debe ser tratada. Y hay que protegerla, y hay que enfrentarse, con la ley en la mano, a las distribuidoras, que sólo pretenden sacar tajada con la cultura, y que hay que enfrentarse a la mala prensa con hechos, no con ideas, y que a mí, en el fondo, sólo me interesan las buenas películas y los artistas valientes, y que todo este follón de leyes y manifiestos, más que traérmela floja, me aburre soberanamente. ¿Por qué no nos dedicamos a aquello que mejor se nos da, en lugar de malgastar nuestro tiempo en asuntos que no nos conciernen?

Vías para alimentar el desconcierto:

• Días de cine: discriminación, dinero público y copyleft (El Blog Salmón)

• Despoliticemos el cine (Jaime Rosales, El País)

• ¿Por qué? (Manuel Martín Cuencia, El País)

• Ley del cine, la batalla que no cesa

Lo que son las cosas. Peter Jackson sorprendió a muchos fichando al prometedor, y casi desconocido, Neill Blomkamp para dirigir la arriesgada y esperada adaptación del famoso videojuego ‘Halo’ a la gran pantalla; sin embargo, el proyecto fue finalmente cancelado (Steven Spielberg lo ha vuelto a recuperar). Jackson quedó decepcionado pero quiso seguir siendo el que le diera a Blomkamp el impulso para dirigir su primera película, y le preguntó si tenía alguna idea. De ahí surgió ‘District 9’, que ha cosechado un merecidísimo, y nada sorprendente, éxito en Estados Unidos.

Por suerte, el público español no tendrá que esperar demasiado para verla, ‘District 9’ se estrena en España el próximo viernes, día 11 de septiembre, y ya os adelanto que es una de las películas más estimulantes, inteligentes, espectaculares y entretenidas que se han hecho en los últimos años. Parece increíble que sea obra de un debutante en el cine, aunque al mismo tiempo no deja de ser lógico, viendo la manera en la que narra la conflictiva llegada de una nave alienígena a nuestro planeta. Sin exagerar, Neill Blomkamp ha estado cerca de debutar con la mejor película de ciencia ficción desde ‘Blade Runner’.

La idea que Blomkamp dio al máximo responsable de la trilogía de ‘El señor de los anillos’ estaba en un cortometraje que realizó en el año 2005, titulado ‘Alive in Joburg’. En dicha obra, el director sudafricano planteaba una visión fantástica del apartheid. Simulando un reportaje televisivo, se nos mostraba cómo una raza alienígena había llegado a nuestro planeta, pero lejos de suponer una gran alegría o un terrible temor, la situación resultaba problemática, ya que no había sitio para acoger a los extraterrestres; la salida humana (nótese la ironía de esto) fue aislarlos en una zona apartada, donde malviven y son tratados como animales peligrosos.

El cortometraje destacaba por el planteamiento y también por la forma en la que Neill Blomkamp integraba los efectos especiales en lo que parecía ser una pieza informativa real cubierta por medios de comunicación reales y protagonizada por personajes reales (que intervenían hablando a la cámara). El realizador quiso explotar estos hallazgos y darle una nueva dimensión, alargando y mejorando el desarrollo de tan interesante punto de partida.

Y así llegamos a ‘District 9’, en la que se da esa misma situación ya expuesta, extendiéndola y aprovechando al máximo el formato cinematográfico, ofreciendo un espectáculo que deja sin aliento. En la ficción, una nave alienígena llegó a la Tierra hace dos décadas; en concreto, a Johannesburgo, en Sudáfrica. Lejos de lo que cabía suponer, no hay contacto ni ataque, el aparato en el que han llegado estos seres de otro planeta se mantiene flotando en el cielo, quieto, como si se hubiera apagado. Pronto se descubre que la situación de los extraterrestres es precaria, están hacinados en un vehículo muerto.

El primer paso es sacar a los extraños seres de la nave e instalarlos temporalmente en el Distrito 9 (a saber por qué no se ha traducido el título, no aciertan ni una), hasta que se decida qué hacer con ellos. La situación se vuelve rápidamente insostenible y se decide volver a situarlos a otra parte, a una especie de campo de concentración, más alejado de las personas, donde podrán estar mejor atendidos… en realidad, controlados. La operación, peligrosa, será llevada a cabo por una poderosa compañía llamada Multi-National United (MNU), más interesada en la impresionante tecnología y el armamento alienígena que en la seguridad y el trato digno a las criaturas (llamadas de forma despreciativa como “gambas”).

Neill Blomkamp se descubre como un narrador de un talento impresionante, mostrándonos con garra el caos que se produce en la zona cuando el inevitable fallo del control humano se produce, iniciándose una cadena de acontecimientos explosivos, de una gran carga dramática, perfectamente planificados y puestos en escena, resultando una película arrolladora, fresca y sumamente divertida. Tenemos el clásico desencuentro entre civilizaciones, la imposición de reglas por los más fuertes a los (aparentemente) más débiles, el dilema del comportamiento humano, las posibilidades de una ciencia superior a la nuestra… pero también hay espectaculares escenas de acción y unos personajes de carne y hueso (nominación al Oscar para Sharlto Copley, ya).

Como las grandes obras del género de ciencia ficción, ‘District 9’ nos hace reflexionar sobre las circunstancias de un escenario que parece real, de hecho, sacado de la realidad para llevarlo más lejos, que nos resulta cercano y posible, coherente aunque estemos viendo a enormes insectos inteligentes rebuscando en la basura y vistiendo harapos. Por cierto, si hubiera que darle una nota a los efectos visuales de la película no podría ser otra que la matrícula de honor, porque la manera en la que se logra situar a los alienígenas y su tecnología en nuestro mundo es totalmente alucinante.

Entonces, ¿dónde falla? En algo que no puedo/quiero escribir aquí, porque mi último deseo con este texto es arruinaros cualquier sorpresa (ya sabéis que en mis críticas intento no destripar nada relevante de la trama), pero os esperaré en los comentarios cuando la veáis, y la comentamos con spoilers y todo. Sólo os digo que el problema está en el punto de vista, y, un poco menos, en ciertos comportamientos y aspectos concretos del guión que no casan con el crudo y realista conjunto, siendo más propios del resto de películas que nos llegan, repletas de tópicos e incoherencias, inverosímiles.

Es todo lo que tengo que decir sobre eso…

-Forrest Gump

Hay películas que extrañamente, al menos para mí, gozan de un estatus de intocables, pues son “vacas sagradas”. Es decir, que basta que digas algo negativo sobre ellas para que sus seguidores se abalancen a por tí. Supongo que sus razones no tendrán (o sí, que sorpresas te da la vida), pero nunca he creído en las vacas sagradas, ni en los consensos generalizados. Siempre me han hecho sospechar que detrás de ellos lo que se esconde es pereza para cuestionar las cosas. ¿Por qué no se puede disentir?

La tentación es demasiado grande para no sucumbir a ella. No es cuestión de crear polémica (bueno, no en parte), sino de decir lo que se piensa por el mero placer de hacerlo. Me siento tan marciano cada vez que algún cinéfilo me cuenta lo mucho que ama esta película, que al menos tengo que concederme el capricho de escribir que ‘Forrest Gump’ es mucho más que el ‘E.T’ particular de Zemeckis. Este delirio yanqui es, probablemente, la más calculada y presuntamente ingenua oda a la grandísima falacia en que se ha convertido ese chiste llamado Estados Unidos.

Poética de las barras y las estrellas

Imaginemos por un momento que ésta película, en lugar de ser norteamericana, es española, o francesa (tampoco quiero dañar sensibilidades…). Así, en lugar de contarnos la vida de un chico que vivió y creció en la América Profunda, pues vivió y creció en Ávila, o en Normandía. Y en lugar de ir a la Guerra de Vietnam, pues sirvió en la Guerra de Ifni, o fue un activista de Mayo del 68. ¿Podría tener cabida ahí un retrasado mental y un tono de cuento de hadas? Creo que sería una historia ridícula. Pero, cosa curiosa, a pocos le parece ridículo si tiene lugar, como en esta memez de película, en los Estados Unidos. Hasta ese punto hemos llegado en la colonización (pseudo)cultural de ese país a otros territorios, europeos por ejemplo.

En otras palabras, la poética de la historia (que comenzó con el western…menos mal que tenemos a Peckinpah o al tito Clint) de Estados Unidos no puede tener lugar en ningún otro país del mundo, y las más de las veces no es más que una mentira, un romanticismo que encubre y justifica atrocidades históricas. Es decir, un impulso ultraconservador con el que el cine estadounidense, que estoy pronto a admitir que es el de más vitalidad del mundo (le pese a quien le pese) impregna a veces películas que requieren de un poco de perspectiva para ser juzgadas como merecen.

Porque de ingenuidad, mucho me temo, aquí no hay nada. Ingenuos seríamos nosotros, espectadores, si defendiéramos que, a fin de cuentas, Forrest va a la guerra, sí, pero allí pierde a su mejor amigo, además de que su superior (Gary Sinise, lo mejor de la película, pues es un gran actor) resulta terriblemente mutilado y sufre una vida, desde entonces, llena de miseria, y que sólo retomará cuando haga las paces con Dios… A mí no me basta nada de eso, pues me parece mucho más importante constatar que Zemeckis retrata aquella guerra con todos los tópicos a su alcance, y dota a ese evento de una superficialidad que, personalmente, me causa náuseas.

Ya, se supone que lo vemos todo según los ojos de Forrest. Pero eso es un arma de doble filo, porque si nos identificamos con él pasamos de la superficialidad a un ultraconservadurismo feroz, maquillado por la óptica del personaje, que justo cuando va a decir algo sobre Vietnam, ¡voilá!, se queda sin micro. Así, para Zemeckis (antes el gran director de ‘Regreso al futuro’ o ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’), este gran fresco de Estados Unidos le sirve para crear un cómic vistoso y bienintencionado, en el que nos cuenta la preciosa y un poquito sangrienta, pero en definitiva entrañable, historia de su nación.

Porque, a fin de cuentas, el mismo Forrest no es más que una parábola de lo más hermoso de ese país. Forrest representa el corazón roto de Estados Unidos, lo más puro y lo más noble que hay en él, su esperanza de futuro y su capacidad para olvidar el pasado. Es la cristalización definitiva del Sueño Americano, pues triunfa en los deportes, va a la guerra y se hace millonario gracias al duro trabajo. Y, para rematar esa vida que le espera a todo americano, si no se cuestiona las atrocidades de su país, conoce a varios presidentes. Qué vida más maravillosa…

Todo ello aderezado por un bonito piano cuando la cosa se pone triste, y con preciosas imágenes creadas por ordenador de atardeceres y paisajes exóticos. ¿Qué más se le puede pedir al cine?

Scarlett Johansson es muy guapa, para qué vamos a engañarnos. No es el suyo un rostro fácil o típico, más bien al contrario. Hay quien dice que no es guapa, sino que resulta tremendamente atractiva a cámara. Pero además de guapa, es una mujer, y ella lo sabe muy bien, de explosiva sensualidad, que ha sabido explotar en algunas películas y en muchísimos actos públicos, a los que acude a veces resaltando su voluptuoso cuerpo, y casi siempre con un vestuario que le otorga algunos años más de los que verdaderamente tiene.

Estas dos características pueden fluctuar dependiendo de la película o el momento en que la retraten las cámaras, pero hay un consenso generalizado. Y creo que ahora mismo, son las únicas razones que justifican la gran fama mundial de una actriz que, en mi opinión, lleva demasiados años viviendo de las rentas. Sí, es cierto, no hay muchos papeles femeninos importantes en el cine, pero si ella no los consigue, no creo que haya muchas más que lo puedan hacer. ¿Qué fue de la virtuosa joven de mirada de ángel que nos subyugó a finales de los años noventa?

De Niña Actriz a Diva Erótica

Scarlett siempre supo que quería ser actriz. Dicen que desde los tres años, para asombro de sus amorosos padres. Y consiguió debutar profesionalmente a la temprana edad de ocho años. Pero fue en el teatro, y ella lo que quería era convertirse en una estrella de cine. A los nueve años llegó su primera película, dirigida por Rob Reiner, ‘North’, y la cosa fue bien a pesar de su temprana edad, pero durante algunos años tuvo que aceptar prácticamente cualquier cosa. A fin de cuentas era una niña actriz. Sin embargo tuvo la suerte de que un señor llamado Robert Redford se fijara en ella para un importantísimo papel en su quinta película como director.

‘El hombre que susurraba a los caballos’ no sólo es la mejor película de Robert Redford, sino que es una gran película. Y en ella Scarlett Johansson, con 14 años, borda la primera de las tres mejores interpretaciones de su ya larga carrera. Que con esa edad, y con tan poca experiencia, fuera capaz de sostenerse, de tú a tú, con el veterano Redford y con la maravillosa Kristin Scott Thomas, es una hazaña que quizá a simple vista no lo parezca. Pero más allá de eso, creo que la mejor de ese doloroso triángulo es precisamente Johansson, que sin apenas interpretar, tan solo con su mirada y su presencia, enamora al espectador.

A continuación pudo participar, en 2001, en sendas películas independientes, la absurda ‘El hombre que nunca estuvo allí’ y la irreverente y tierna ‘Ghost World’, aunque no había nada en esos pequeños papeles que aportaran algo a su carrera. Pero el 2003 iba a ser su año. En él verían la luz ‘Lost in Translation’ y ‘La joven de la perla’. Ese fue el inicio de su madurez como actriz, ya convertida en una bella muchacha de 18 años de enigmático rostro. La segunda era una preciosa pieza de época que explotaba el rostro casi mudo y anhelante de una etérea Johansson, en un papel perfecto para ella.

Pero, como habrá supuesto el lector, la de ‘Lost in Translation’ me parece la segunda de sus tres grandes interpretaciones. Se trataba de una aventura emocional de tremenda elegancia que buceaba en las posibilidades de un amor apasionado…pero casto, entre un hombre maduro y una jovencita. Un papel nada fácil, por mucho que se empeñen los numerosos detractores de esta cinta. En esta película Johansson era un dechado de belleza, de verdad, de sinceridad, de dulzura. Incluso aquellos a los que les gustó la película elogiaban su arrolladora, pero delicada, presencia.

Y finalmente, tras un año, 2004, repleto de proyectos intrascendentes, llegó en 2005 la mejor película que Woody Allen había dirigido en diez años, la magnífica ‘Match Point’, para la que Johansson interpretó un maravilloso papel, que iba a exigir de toda su habilidad. Y salió triunfante con creces. En este intenso relato de sexo y crimen, formaba una pareja explosiva con Jonathan Rhys Meyers. Ambos forman una de las parejas más apasionantes del cine moderno.

Con estas tres interpretaciones (de niña herida, de adolescente desorientada y de muchacha perdedora pero sensual), Johansson había demostrado talento y versatilidad, justo lo que le está faltando desde entonces. Además, hacían olvidar las pobres elecciones entre ellas. Ahora bien, el rápido aprendizaje como diva mundial ha ido acompañado de un rápido declive en la elección de sus papeles. Hablando en plata, la preciosa niña se ha convertido en una estrella mundial y en una diva erótica, y ha descuidado completamente su carrera.

Un rápido declive

Digamos que ya no es una niña, y tres papeles buenos entre dos docenas largas de trabajos no sostienen una carrera que se anunciaba tremendamente interesante. Desde ‘Match Point’, esta sensual actriz se ha estancado completamente. Sus dos siguientes papeles con Allen, no son sólo inferiores al primero, sino que está horrible (y muy poco atractiva en ambas, todo sea dicho). En ‘Scoop’ se limita a imitar al anciano director, y en ‘Vicky Cristina Barcelona’ está literalmente espantosa, muy poco creíble y sin la menor chispa.

Tampoco dos papeles que debieron ser importantes le han reportado nada. En la extraña ‘La dalia negra’ se limita a lucir tipazo. Exactamente igual que en la también extraña ‘The Prestige’. De pronto, una promesa del cine independiente, una actriz brillante, se convertía en una mera tía buena sin frase, en otra rubia en papeles postizos. No, sólo podía ser un espejismo. Pero después han llegado ‘The Spirit’ y ‘Las hermanas Bolena’, en las que confirmó que, si se empeñaba, era definitivamente una mala actriz. Eso sí, en ambas sale guapísima.

¿Y el futuro? Suena prometedor: ...será la Viuda Negra en ‘Iron Man 2’ (cuya primera parte aún no comprendo cómo hay gente que la considera una buena película). Es decir, otro papel para lucir tipazo, engrosar su cuenta corriente, y jugar a ser estrella de cine, y que pongan su foto en revistas y blogs para ganar ventas y lecturas. Sin embargo, lo que algunos queremos, es que vuelva esa maravillosa actriz que nos enamoró hace años. Todavía no es tarde. A fin de cuentas…¡sólo tiene 25 años! No será tan díficil…digo yo…

Se trata de un film multi-historia, dirigido por Ken Kwapis, en el que se cuentan varias situaciones de amor y desamor y de lo que hay entre medias de esas dos cosas: la pareja estable. Más allá del atractivo elenco y del chiste que sale en el tráiler, poco puede aportar el film, pues incluso aunque no esperemos que nos sorprenda con nada novedoso, ni como distracción tonta o como emoción facilona cumple demasiado bien.

Siempre ocurre con las películas que intercalan varias tramas que unas interesan más que otras. De aquí, aquella que interpretan Ginnifer Goodwin y Justin Long es la única que se puede disfrutar como una comedia romántica. Las demás probablemente se introdujeron como relleno y son menos sugestivas que la principal.

¿Qué les pasa a los guionistas? Abby Kohn y Marc Silverstein se han basado en el libro de Greg Behrendt y Liz Tuccillo para escribir este libreto que no tiene nada que aportar, salvo unas lecciones sobre cómo darse cuenta de que la persona que te gusta no está interesada en ti que cualquiera que no salga del parvulario ya puede conocer por sí misma. A diferencia de ‘Pagafantas’, esa película que para muchos era de terror y que mostraba crudos aspectos de la realidad a quien aún no quería verlos, lo que aquí se descubre son verdades que cualquiera que desee quitarse la venda de los ojos en seguida percibirá.

Para trasladar los consejos del librito al formato cinematográfico, se han puesto en boca de uno de los personajes: el interpretado por Justin Long. Esto, en principio, no es una mala solución para resolver el problema de encajar en una historia de ficción una sarta de consignas. Lo que pasa es que no se ha disimulado bien y se hace demasiado patente que ese chico no es un personaje, sino la voz de la razón, que nos va explicando lo que ya deberíamos ver por nosotros mismos en acciones y poniendo en palabras no disimuladas todo el subtexto del film.

¿Qué les pasa a los personajes? Un personaje que tiene más razón que ninguno de los demás no suele dar buen resultado. A pesar de eso, nos identificamos mejor con este sabelotodo que interpreta Long, que con el personaje de quien de verdad debería invitar a la identificación, es decir: el de Ginnifer Goodwin, protagonista de la película. Esta chica es tan inocente, que la única reacción que provoca es la desazón y ganas de que reaccione. Por mucho que se diga que esta película es para mujeres, es mucho más fácil ponerse del lado de cualquiera de los personajes masculinos que de los femeninos.

¿Qué nos pasa a las mujeres? El film no analiza los problemas de los hombres con respecto a la pareja, sino los de las mujeres, por ello, el título español, aunque refleje lo que ellas se preguntan, no es el más acertado. Todos los personajes femeninos de esta película piensan igual y tienen las mismas obsesiones sobre las relaciones amorosas. La ventaja que podría tener la historia múltiple es ofrecer diferentes puntos de vista sobre un mismo asunto. Por ello, se podría aplicar el tópico de que las mujeres lo único que desean es casarse a algunas y otras, no. Si una obra presenta un único individuo de un grupo social y dice que es de una manera diferente, no tenemos por qué tomarlo como análisis y conclusión sobre ese grupo. Sin embargo, cuando presenta a varios especímenes y de todos dice lo mismo, no podemos evitar concluir que ésa es la imagen que tiene y quiere transmitir sobre todos los individuos de ese grupo.

¿Qué les pasa a los espectadores? Les pasará que acabarán viendo esta película porque se dejarán seducir por la presencia de tantos intérpretes famosos. Este aspecto no les decepcionará, ya que todos interpretan muy bien sus papeles. Si no son demasiado exigentes, podrán pasarlo medianamente bien, pero no porque se trate de un film comercial que no satisface a los intelectuales, sino porque, dentro de sus pretensiones cómicas y ligeras, podría haber estado mejor.

Más información en Blogdecine sobre ‘Qué les pasa a los hombres’

Mi puntuación:

Studio Ghibli ha firmado un acuerdo con una distribuidora de nuestro país para editar en DVD sus grandes clásicos, incluyendo varios que no se habían estrenado en cine ni habían aparecido en ningún tipo de formato. Tras diversas experiencias no del todo satisfactorias, la productora Ghibli ha sido muy cautelosa en la elección del distribuidor.

La campaña comenzará el 28 de octubre con un lanzamiento doble. Saldrá a la venta la última obra maestra de Hayao Miyazaki, ‘Ponyo en el acantilado’. Más adelante, este film verá la primera edición en Blu Ray que se hace de una película de Ghibli en el mundo, ya que hasta ahora no se había autorizado.

Actualización del 3 de septiembre: ‘Mi vecino Totoro’ se podrá disfrutar en salas comerciales, a partir del 30 de octubre por tiempo limitado, y como preludio de su edición en DVD, el próximo 9 de diciembre.

Actualización del 20 de octubre: Ghibli lanza su página web oficial española.

Al mismo tiempo que ‘Ponyo en el acantilado’, aparecerá uno de los animes no editados en nuestro país: ‘Mimi wo sumaseba’ (1995). El título japonés significa literalmente “si escuchas atentamente”. En inglés se conoce como ‘Whisper of the Heart’ y de ahí sale la traducción española: ‘Susurros del corazón’. Está dirigida por el animador Yoshifumi Kondo sobre un guión de Hayao Miyazaki, que adapta el manga de Aoi Hîragi. A continuación se puede ver el tráiler:

‘Susurros del corazón’ nos cuenta la historia de Shizuku, una adolescente aficionada a la lectura, que pasa sus vacaciones en la biblioteca leyendo y traduciendo canciones extranjeras. Para su sorpresa, descubre que siempre aparece el nombre de Seji Amasawa en las fichas de los libros que toma prestados. Un día en el tren, se encuentra con un gato misterioso que la llevará a la tienda donde Seji trabaja como aprendiz de luthier. Seji le cuenta a Shuzuku que su sueño es llevar su arte a Italia, animándola también a escribir libros. A partir de entonces Shizuku y Seji prometen que estarán siempre juntos.

Curiosa la versión en japonés de la canción ‘Country Roads’ que ameniza el tráiler de ‘Susurros del corazón’. La marca del estudio Ghibli queda tan clara en esta producción que podría decirse que es otra creación más de Miyazaki.

En DVD, esta distribuidora ha editado ya títulos emblemáticos como ‘Cuentos de Terramar’ (‘Gedo senki’, 2006), de Goro Miyazaki; ‘Mis vecinos los Yamada’ (‘Hôhokekyo tonari no Yamada-kun (1999)’) y ‘Las Aventuras de Panda y sus Amigos’ (‘Panda kopanda’, 1972), ambas de Isao Takahata, cofundador, junto con Miyazaki, de la productora Ghibli; y ‘Puedo escuchar el mar’ (‘Umi ga Kikoeru’, 1993), de Tomomi Mochizuki. ‘El catillo ambulante’, la penúltima obra del propio Miyazaki padre, ya ha aparecido a la venta

Entre 2009 y 2010 se va a editar en DVD nueve películas, totalmente remasterizadas y en ediciones especiales. No sabemos si serán las únicas que aparezcan o si se continuará en los próximos años con más títulos. Seis de estos animes están dirigidos por Hayao Miyazaki y son los siguientes:

‘El Castillo en el Cielo’ (‘Tenkû no shiro Rapyuta’, 1986). Además de tener uno de los títulos que más problemas podrían dar si se pasasen directamente al español (a Miyazaki le ocurre un par de veces más), es una película bellísima en la que la noción fantástica de poder volar junto con tu hogar sirve de punto de partida para grandes aventuras. Si acaso se puede decir algo malo de Miyazaki, es que a veces la narración de los finales se le desfonda y este film puede ser uno de los que tienen ese pequeño defecto.

‘Mi Vecino Totoro’ (‘Tonari no Totoro’, 1988) puede ser la más lenta, pero también fascinante película de Miyazaki. Durante mucho tiempo ha sido la que se consideraba más de culto del director japonés.

‘Nicky, La Aprendiz de Bruja’ (‘Majo no takkyûbin’, 1989) Lo más notable es la recreación de las ciudades europeas de la zona de Suiza. Su historia es sencilla, pero los personajes son entrañables.

‘Pòrco Rósso’ (‘Kurenai no buta’, 1992). De las de Miyazaki, es una de las pocas películas de aventuras clásica, casi como si fuese de Hollywood o como si la hubiese firmado Howard Hawks. El final es muy elegante. Pero no le falta el punto fantástico, pues el protagonista se convierte en cerdo por una maldición.

‘La Princesa Mononoke’ (‘Mononoke Hime’, 1997) es como una auténtica pesadilla lúcida, llena de violencia y de enorme calidad. Miyazaki tiene algunas películas donde la narración se entiende peor que en otras porque son más oníricas o surrealistas. Ésta podría estar entre ellas, junto con ‘El castillo ambulante’ o ‘Totoro’.

‘Nausicäa del Valle del Viento’ (‘Kaze no tani no Naushika’, 1984), que es la única de Miyazaki que no he visto, así que me vendrá muy bien esta edición para recuperarla.

Además de la ya comentada ‘Susurros del Corazón’ (‘Mimi wo Sumaseba’), saldrán otras dos películas que no son de Miyazaki para completar los nueve títulos mencionados: ‘Recuerdos del Ayer’ (‘Omohide Poro Poro’, 1991), de Isao Takahata; que se conoce internacionalmente como ‘Only Yesterday’. De esta película lo que más me llamó la atención fue una escena en la que la familia come una piña como si fuese una cosa de otro planeta. La otra es ‘Pompoko’ (‘Heisei Tanuki Gassen Pompoko’, 1994), también de Takahata.

Las fechas de los demás lanzamientos se irán anunciando según se vayan acercando. Igor Ibeas, Director General Adjunto de Aurum Producciones, confiesa que están “aún definiendo, junto con Studio Ghibli, los plazos y los contenidos de los que vamos a disponer, empezando a trabajar en nuevos doblajes,etc… por lo que no queremos aún anunciar ninguna fecha concreta. Queremos tenerlo todo muy atado y que no vuelva a pasar lo que históricamente ha pasado con las películas de Ghibli. Los tiempos son distintos a los de otros lanzamientos, ya que además Ghibli supervisará todos los pasos que emprendamos. Lo que sí podemos asegurar es que este mismo año una parte de el catálogo estará disponible y que en el 2010 se editarán todas las demás películas. No descartamos incluso la posibilidad de estrenar en cine alguno de los títulos más emblemáticos”.

Vía | Aurum.

De vez en cuando, en una de esas reuniones cinéfilas en las que varias personas apasionadas y a menudo prepotentes (yo el que más, muchas veces) hablan sin complejos del cine que más llena sus vidas, y también del cine que más detestan, con todo tipo de argumentos y barbaridades verbales, surge un tema que a mí, en lo personal, suele dejarme estupefacto, pues siempre encuentro a más de uno (y más de dos) capaces de defender lo indefendible: que el cine español es tan bueno como el estadounidense.

Carlos Heredero, uno de los pocos críticos a los que leo que no tiene complejos para abrir debates teóricos sobre cine (lo que a otros “críticos” les produce risa, quizá porque no tienen la capacidad para ello), lo llama la ‘técnica del avestruz’. Consiste en no ver lo que hay, en inventarse una realidad paralela. Y que conste que siempre dejo que intenten desarrollar sus argumentos, a ver si alguno de ellos dice alguna verdad. Pero de momento (¡qué curioso!) nunca lo han conseguido.

Argumentos apasionantes

No hace falta un gran esfuerzo de memoria para echar mano de los consabidos lugares comunes a los que se aferran estos cinéfilos-avestruces. La primera maniobra verbal es destrozar sin ningún tipo de escrúpulo el 99% del cine de Hollywood, aludiendo que no hacen más que remakes, películas ultra comerciales y comedias imbéciles (como si todo el cine estadounidense viniera de Hollywood). A mi habitual respuesta de que también hacen cine en otras partes de ese país (además, se diferencian notablemente entre sí), la segunda estrategia, de un ingenio deslumbrante, es la de despreciar sistemáticamente a cualquier autor importante, aludiendo que son una panda de pseudo-artistas muy por detrás de los genios europeos, y sobre todo los españoles.

Para terminar de rematar la estupenda estrategia comparan la absoluta libertad de los cineastas españoles, su empuje, su juventud, su progresismo ideológico (aquí el interlocutor suele alzar el mentón, orgulloso de que sus compatriotas directores sean tan progres, como él, claro…ejem), mientras que los “aburguesados”, “fachas” o simplemente “falsos” directores americanos (independientes o no), no hacen más que demostrar una y otra vez su necesidad de triunfar en las taquillas (aquí no importa la taquilla, ejem, importa el arte…), descuidando el nivel estético de sus películas.

Si cree el lector que, hacia el final de estos argumentos, sigo prestando atención, se equivoca. Mi cerebro hace lo que el de Homer cuando escucha a Flanders, se larga a otros lugares, pero mi cerebelo registra las conversaciones. Ni siquiera me tomo la molestia en replicar. Total, para qué. Sin embargo puedo replicar ahora. Esta clase de avestruc…errrr, digo, de aficionados, suele meterse también mucho con grandes nombres como Spielberg o Cameron, en un punto de esnobismo que termina por delatar su absoluta falta de personalidad. De hecho, es habitual oír el clásico: “Spielberg, en verdad, no tiene ni puta idea, sólo vale para entretener”.

Vale, bien, yo soy tan crítico con cierto estilo de producciones norteamericanas como cualquier otro. Pero en cuanto a lo de entretener (muchos habituales lectores de Blogdecine creen que detesto que me entretengan, cuando no es cierto), ni siquiera para eso, que es lo mínimo que puede hacer el cine, sirve el 95% de los directorcillos que hacen películas en este desgraciado país que es España. Por supuesto, siempre pueden echar mano, estas avestruces, de Alejandro Amenábar, que según ellos es tan hábil como Spielberg… ¡pero mucho más coherente y humano que él! Claro que sí. Bravo y bravo.

Y para terminar, el recurso definitivo: “aquí hay menos dinero que allí, y eso tiene mucho mérito”.

Pero más allá de los gustos de cada cual, y de argumentos más o menos válidos: las cosas caen por su propio peso. El argumento del dinero, más que tendencioso, no tiene ni pies ni cabeza. ¿Por qué no se puede hacer en España una película como ‘Olvídate de mí’ (Michel Gondry, 2004), o como ‘Brokeback Mountain’ (Ang Lee, 2005)?, sendas obras de arte. No tienen grandes presupuestos. Ahora bien, sus directores son de primera fila en el mundo. No son americanos, dirían algunos. Ya, pero están realizadas en una industria que funciona con una perfección suiza. ¿Quieren directores americanos? No he visto en toda la década una película española de la calidad de ‘Punch-Drunk Love’, ‘Match Point’, ‘Million Dollar Baby’, ‘Hijos de los hombres’, ‘Little Children’, todas ellas películas bastante asequibles.

El cine de animación español es lo único que da un poquito de esperanza, pero en lo demás tenemos a una serie de pseudo-profesionales (sobre todo directores) sin ningún mérito ni formación para ponerse detrás de una cámara, sin referentes y sin futuro. Sin vigor. Sí, claro, están los “artistas”, el universal Pedro, el cotidiano Trueba (que sin duda es el rey de las avestruces), el humilde Cuerda. Comparémoslos, aunque sólo sea por un segundo, con el valor universal de David Lynch, de Terrence Malick, de Francis Ford Coppola, de Martin Scorsese, de Clint Eastwood, de James Cameron, de Paul Thomas Anderson, de Quentin Tarantino, de Steven Spielberg, de Woody Allen, de John Lasseter y compañía, de Gus Van Sant, de Sidney Lumet, de Brian de Palma, de Kathryn Bigelow, de John Carpenter, de Todd Haynes, de David Fincher, de Christopher Nolan, del gran M. Night Shyamalan. Nah…esos nombres no tienen nada que hacer con el gran cine español, ¿no es cierto?

Todos ellos han hecho grandes, incluso excepcionales películas, con cuatro cuartos. Aquí nuestro “gran” Jose Luis Garci hace una basura como ‘Sangre de mayo’ con más dinero con el que se hizo ‘The Terminator’. Pero así andamos cuando nuestro gran cineasta vivo, Víctor Erice, no dirige un largometraje desde hace casi veinte años, y el único que ha hecho gran cine en esta década, Enrique Urbizu con ‘La caja 507’, no da muchas señales de vida.

Pero seguro que estoy cegado, que le tengo manía al pobre cine español, que sólo me gusta lo vulgar y lo comercialoide, que dentro de cien años los estudiosos hablarán del glorioso cine español. Os dejo ya, tenía una hamburguesa que comer, pero me han ofrecido una merienda a base de jamón serrano y vino tinto. Y no puedo decirle que no a eso.

El anime de Mamoru Hosoda, ‘Toki o kakeru shôjo’ (2006), de la productora Mad House, se conoce internacionalmente como ‘The Girl Who Leapt Through Time’ (‘La chica que saltaba en el tiempo’). Está inspirado en la novela homónima de Yasutaka Tsutsui, publicada en revistas juveniles entre 1965 y 1966. Existen ya dos adaptaciones anteriores: una serie televisiva de 1972 y una película de 1983, y próximamente volverá a ser llevada a imagen real.

La versión de nuestro siglo nos sitúa unas décadas después, para contarnos la historia de una estudiante de instituto que adquiere el poder de viajar en el tiempo y comienza a utilizarlo de manera frívola para resolver problemas o simplemente para divertirse. Suele quedar con dos chicos para jugar al béisbol de manera inocente, pero, cuando se va acercando el final del curso, se va haciendo patente que ambos sienten por ella algo más que amistad.

Ganadora de varios premios, ‘The Girl Who Leapt Through Time’ es una película de imágenes preciosas y de una elegancia exquisita. Los planos recurrentes de una calle peatonal en cuesta que acaba en la vía, de un semáforo y una barrera ferroviaria, así como del amenazante tren que se acerca creando un peligro mortal son de una enorme belleza. Es en ese lugar donde ocurren casi todos los saltos temporales y donde tienen lugar los importantes giros de la trama que harán avanzar el argumento.

El estilo del dibujo es sencillo, limpio, con grandes planos generales y la animación en 2D está bien resuelta, aunque tenga menos intercalado que las grandes producciones. Los colores cercanos al pastel y los grises y azules muy apagados contribuyen a esa delicadeza que tienen todas las imágenes. Son especialmente originales los relojes y las imágenes que se pueden ver cuando se producen los saltos en el tiempo.

El retrato de los personajes transmite una gran inocencia que se traduce en un encanto general en el tono de la película que acaba invadiendo el espíritu de los espectadores. Esto se armoniza a la perfección con un ritmo pausado y contemplativo que demuestra que el film tiene más interés en mostrarnos los sentimientos de su joven protagonista que en narrarnos una peripecia de ciencia ficción. La idea de los viajes en el tiempo se convierte, así, en una mera excusa para hablarnos de Makoto, Chiaki y Kousuke.

Sin despegarse de ese estilo, en algunos momentos, ‘La chica que saltaba en el tiempo’ muestra destellos de un humor, que casi roza el slapstick, provocados por el patoso personaje de la protagonista. Estos instantes son igual de torpes para arrancarnos la risa que la propia Makoto, sin embargo, dentro de una película tan entrañable, antes que parecernos tontos, nos hacen sonreír por ternura.

Los saltos en el tiempo, como decía, tienen un lugar secundario en el argumento del film. Por este motivo, la explicación que la película introduce en sus minutos finales de por qué se producían estos viajes temporales y la solución que da a esta parte de la trama puede parecer pobre o poco estudiada. Quien espere ver un film del género de ciencia ficción, dejándose guiar por el título, puede que no encuentre en esta película lo que está buscando. El poso que deja ‘The Girl Who Leapt Through Time’ es el de haber visto algo muy bello de imágenes, pero que no ha satisfecho en cuanto a la historia, pues se trata de un argumento romántico dirigido a chicas adolescentes.

En España no se ha estrenado, pero se puede comprar en DVD por correo. Más adelante podéis ver un trailer subtitulado al inglés:

Mi puntuación: