Empiezo a detestar la expresión Obra Maestra. Se usa con demasiada complacencia y, a menudo, con insuficiente modestia o quizá exceso de coraje. También debería ser empleada con algo más de conocimiento. El término alude a películas en las que la diferencia entre lo buscado y lo encontrado es inexistente. Y no sólo a eso, también a dramas que convocan una tensión psíquica y emocional extrema en el espectador, a la vez que extraen de él lo mejor y lo peor de su interior. Nada más y nada menos. Una de las películas de este año que merece tal calificativo es, a mi juicio, y sin ninguna duda, la cuarta realización de Juan José Campanella.

Decía el director que gana mucho más dinero con un solo episodio de la inigualable serie de televisión ‘House M.D.’, para la que ya ha dirigido tres episodios, que con cualquiera de sus películas. Puede que sea cierto. Pero aunque su gran tríptico televisivo es digno de elogio, en la memoria de los cinéfilos de todo el mundo va a quedarse, y para siempre, ‘El secreto de sus ojos’, un melodrama impredecible, conmocionador y apasionante, muy intrincado, pero resuelto con sencillez y precisión admirables. ¿La película del año?

Tuve la oportunidad de ver esta noble película hace pocos días, durante el último Festival Internacional de San Sebastián. Yo estaba allí, y puedo atestiguar que, justo antes de los títulos de crédito, ya comenzó una atronadora ovación que es, o eso se decía, una de las más inolvidables que ha conocido una película en ese certamen. Y he de reconocer que, dada la respuesta colectiva unánime ante ese visionado, tenía mis dudas de que fuera, en verdad, tan magnífica. Pero la he vuelto a ver y es cierto. No sólo es magnífica, además, es bellísima.

Campanella ya había conocido un éxito masivo con el estupendo melodrama ‘El hijo de la novia’, en la que ya mostraba sus armas como buen director de actores, competentísimo realizador y sensible y habilidoso guionista. Sus otras películas conocidas, ‘El mismo amor, la misma lluvia’ y ‘Luna de Avellaneda’ (entre una filmografía no muy extensa, no tuvieron una respuesta tan global, aunque eran tragicomedias bastante interesantes. En todas ellas el protagonista fue Ricardo Darín, quien de nuevo repite en esta última, y que está, a falta de otra palabra mejor, espectacular.

Pero es que todos los actores, hasta el último del extenso reparto, están increíbles. Nunca vimos más guapa y fascinante a Soledad Villamil, y Guillermo Francella borda el precioso personaje sanchopancesco de Sandoval, tan importante en esta historia de perdedores cuyo pasado sentimental quedó unido para siempre con el profesional, y cuyas heridas nunca caducan sino que supuran fantasmas imposibles de redimir si no es con una investigación policial interminable y angustiosa.

De modo que se trenzan, de manera magistral, una historia romántica y una historia criminal, que se alimentan y se repudian mutuamente, y el director se mueve entre ambos tonos como pez en el agua, sin perder jamás el control de la historia, capaz de armar la atmósfera precisa a cada momento, y dando muestras de un nervio narrativo inusitado. Los que ya la hayan visto recordarán un plano secuencia (lógicamente trucado, pero no por ello menos meritorio), que tiene lugar en un estadio de fútbol, que será el decorado de una persecución memorable. Pero es la excepción, porque despliega una elegancia y una contención que no aspiran a impresionar al espectador, sino a conmoverle.

Hay secuencias truculentas, otras muy tensas. Pero en ninguna de ellas Campanella se entrega a lo morboso ni a lo efectista, sino que persigue solamente la verdad y la emoción más primaria, más noble. Este cineasta se convierte, de manera incontestable, en un maestro del melodrama y del cine negro, de la ironía y de la convocatoria más sincera a las lágrimas que dentro de una sala de cine nos liberan del propio pasado, de los propios fantasmas, pues nos coloca un espejo, hermoso y libre, en el que desahogarnos y sentirnos vivos de nuevo.

Entre lo que aparece a la venta esta semana destacan las colecciones y los packs. Los más llamativos son los de Stanley Kubrick y James Bond, con 12 y 22 películas respectivamente. Y también los dedicados a actores clásicos, que se definen con un sustantivo: “el carácter”, “la mirada”, etc… Me parece una chorrada, pero supongo que les sirve para vender. A cualquiera de nuestras madres le encantaría tener el de Gregory Peck o el de Paul Newman… Y a nosotras también, ¿no te fastidia?

Estaría bien que aprovechaseis esta ocasión para echar un vistazo a las páginas de producto y votar. En cada título o nombre os pongo en enlace que lleva hasta ellas.

‘Los Mundos de Coraline’

Henry Selick adapta la novela de Neil Gaiman, célebre autor de cómics que ya ha tenido que ver antes con el cine, por ejemplo, cuando en su novela se basó el guión de ‘Stardust’.

Coraline y sus padres, escritores muy ocupados, se mudan a un caserón donde sólo hay tres apartamentos. Al ser hija única y tener poco con lo que divertirse, la niña deja volar su imaginación y se inventa un mundo perfecto.

Se han volcado con la edición a la venta de ‘Los mundos de Coraline’ o más bien, con las ganas de vender. Aparecerá una versión normal, otra que incluye a una muñeca y otra edición, especial, en 2D y 3D.

La película es una preciosidad, como nos decía Jesús en su crítica, y tan fascinante como explica Alberto Abuín, pero también se puede hacer aburridilla en algún momento, como comentaba en mi reseña.

‘París, París’

Christophe Barratier dirige a Gérard Jugnot y Clovis Cornillac en ‘París, París’ (‘Faubourg 36’): primavera de 1936, un distrito de clase obrera en el norte de París llamado Faubourg: el teatro de variedades Chansonia lleva ya cuatro meses cerrado y sus antiguos empleados Pigoil, Milou y Jacky, se encuentran en paro. Con el apoyo de los vecinos, los tres protagonistas, que a su vez tienen sus conflictos personales, deciden ocupar el Chansonia para producir el musical de éxito que les permita comprar el local.

De nuevo una película a la que le puse una nota bastante mala porque me pareció tópica y larga de más, mientras que Juan Luis Caviaro la encontró deliciosa.

‘Destellos de Genio’

‘Destellos de genio’ es una pésima traducción de ‘Flash of genius’, que quiere decir es “genialidad”, “ocurrencia”, “chispa”, “inspiración”.

El film trata sobre Robert Kearns, un hombre a quien las empresas automovilísticas le roban el invento del limpiaparabrisas de diferentes velocidades. Por ello, se ve envuelto en juicios sobre patentes. El título original hace referencia a una cuestión legal: en los juicios por patentes en EE. UU. se estableció una doctrina por la que el juez podía echar mano de lo que se llamaba el test del “flash of genius”, que se podría traducir por el “test de la ocurrencia”. Determinaba que, si al inventor se le había ocurrido la idea en un destello de inspiración, se le otorgaría la patente; mientras que, si hubiese llegado hasta ese invento por habilidad artesanal, no tendría derecho a ella.

Alberto Abuín, en su crítica, nos dice que puede ser prescindible.

‘MR73’

En su crítica, Juan Luis nos dice que le gustó, pero que podría haber estado mejor y también que peca un poco de esos defectos que sabemos que suele tener el cine europeo, es decir, que hablan mucho y resulta algo pretenciosa.

La trama nos habla de un policía atormentado por el desafortunado accidente que le dejó sin familia, por las atrocidades que debe presenciar en su profesión y por la corrupción del cuerpo policial. Con todo en contra, Louis está decidido a concluir su último caso.

‘Séraphine’

Edición especial de una película ‘Séraphine’, dirigida por Martin Provost y protagonizada por Yolande Moreau.

Narra la relación entre Séraphine Louis, una pintora desconocida, que trabajaba como empleada del hogar de un marchante de arte alemán, que la descubre.

No la he visto, pero me han comentado que, a pesar de que te puede bajar la moral, podría valer la pena verla, ya que es buena. Pero también me decían que se hace pesada.

The Stanley Kubrick Collection

¿Hay algún tópico mayor que decir que alguien no necesita presentación? ¿Y algún absurdo mayor si luego lo vas a presentar? Pues me da lo mismo: Stanley Kubrick, en un blog sobre cine y en casi cualquier otro sitio, no necesita presentación. Y, por si alguien necesitase saber más, en Blogdecine hay todo un especial sobre el desaparecido director.

De lo que sí se puede hablar es de la colección de Stanley Kubrick (1955-1999), que aparece a la venta esta semana. La caja incluye todas las películas de Kubrick desde el ’55, que son ‘El beso del asesino’, ‘Atraco perfecto’, Senderos de gloria’, ‘Espartaco’ (2 discos), ‘Lolita’, ‘Teléfono rojo volamos hacia Moscú’, ’2001, una odisea del espacio’ (2 discos), ‘La naranja mecánica’, ‘Barry Lyndon’, ‘El resplandor’, ‘La chaqueta metálica’ y ‘Eyes Wide Shut’ (2 discos).

Colección James Bond

Sale a la venta una Edición Especial con 22 películas de 007, James Bond. Podremos verlo encarnado por Sean Connery, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan y Daniel Craig.

‘Madame de…’

Dirigida por Max Ophüls en 1953, esta película está protagonizada por Danielle Darrieux, Charles Boyer, Vittorio DeSica, Jean Debucourt, Lia de Lea y Mireille Perrey.

Louise vende los pendientes que le había regalado su marido, un general, el día de su boda, para pagar sus deudas. El marido recompra los pendientes y se los regala a su amante. Ésta se marcha a Estambul, donde se los vende a un diplomático, que más tarde conocerá a Louise y ella encontrará el amor con él.

Packs de actores

Pack Bette Davis: El Exotismo, Cary Grant: La Elegancia, Gene Tierney: La Perfección, Gregory Peck: El Carácter, John Wayne: La Personalidad, Paul Newman: La Mirada, Tyrone Power: El Romanticismo.

Vía | Zona DVD

No resulta fácil (y muchas pruebas existen) llevar el fútbol al cine con suficiente capacidad dramática para no caer en un excesiva idolatría, más propia de un hincha. Sin embargo, no se puede negar la apasionante e interesante historia de la obra original que da pie a esta película. ‘The Damned United’ es un retrato del fútbol, pero visto desde la intensidad (y también la tragedia) de un fracaso anunciado, de una ambición que lleva a un brillante entrenador de fútbol a toparse con la máxima representación de aquello que significa lo opuesto de lo que predica.

Esta obra, adaptada por Peter Morgan, quien hace poco nos brindó la magnífica ‘El desafío: Frost contra Nixon’, cinta con la que guarda alguna relación, y no sólo por protagonizarla uno de los mismos actores, posee suficiente dramatismo como para retratar un capítulo del fútbol, que si bien pertenece a un pasado reciente, resulta especialmente estimulante y notable como para convertirse en una de las mejores películas sobre el fútbol que recuerde.

Ambientada entre finales de los sesenta y comienzos de los setenta, ‘The Damned United’ nos cuenta la poderosa rivalidad entre dos entrenadores de fútbol con caracteres antagónicos y una visión del fútbol que no podía ser más diferente. Don Revie es el paternalista entrenador del Leeds United, un equipo que ha conseguido alcanzar la cúspide del fútbol británico y que lidera las clasificaciones. Brian Clough es un joven preparador que trabaja duro en un club modesto como del Derby County, pero que consigue catapultarlo desde la segunda división a la Premier League a base de esfuerzo, estrategia y fútbol deportivo.

La rivalidad germina, cuando el Leeds se enfrenta al Derby en un partido de copa y les pasan por encima con prepotencia y desplante incluido. Es suficiente para que el odio de Brian Clough se convierta en orgullo y alimente sus ganas de triunfo, empujado a lograr algún día la revancha.

Con una narración brillante, apoyada en interpretaciones sobresalientes de todo el reparto, pero en especial del inspirado y sobresaliente Michael Sheen, vamos conociendo como la rivalidad toma caminos inesperados, pero igualmente enfrentados. Cuando Revie acepta la designación como seleccionador de Inglaterra, el todopoderoso Leeds le ofrece a Clough la oportunidad de su vida. Sin embargo, su opuesta visión y actitud, hacen que el recelo de directivos, y en especial, de jugadores se haga sumamente manifiesta, hasta el punto de hacerle el imposible a Clough. Que no puede imponer su criterio, ni hacer olvidar a Revie, para llevar al Leeds por su camino, también el de la victoria, pero alcanzada de forma muy distinta.

Los jugadores del Leeds, plenos de coraje, dureza y que se han servido del juego agerrido, duro e incluso antideportivo para cosechar sus triunfos, se niegan a aceptar a Clough. Éste, que incluso en sus aspiraciones ha dejado de lado a Peter Taylor, su fiel ayudante de siempre, y parte importante de su éxito como entrenador, se topa con la sombra demasiado alargada de Revie.

En una entrevista en directo con ambos entrenadores, se pone patente el odio y las diferencias, pero que acaban evidenciando el fracaso y la soledad en la que Clough ha terminado al aceptar su cargo en el Leeds. Tan sólo 44 días estuvo a cargo del equipo, hasta que fue destituido. Su intento de acabar con el juego sucio, de imponer criterio deportivo no surte efecto resulta en balde.

Esta rivalidad, retratada con gran interés y ritmo frenético (sin renunciar a profundizar con pasión en el drama planteado) por Tom Hooper, queda excelentemente representada en las interioridades de los vestuarios. Allí, donde el entrenador arenga a sus jugadores e intenta elevar el ánimo y la esencia de su particular visión del fútbol. En liza, también entran valores como la lealtad y la amistad, que finalmente son los verdaderos protagonistas de este drama futbolístico, excelentemente ambientado en una época crucial del deporte rey en Inglaterra. Una época de cambios y en la que finalmente (con un epílogo emotivo con imagenes reales y televisivas de los protagonistas) Clough parece triunfar con su personalidad, aunque en la cinta se destile más el sabor amargo de la derrota. La mejor lección para un espíritu deportivo, que sigue luchando con ambición para alcanzar las metas.

Mi puntuación:

Son las once de la mañana. Me encuentro ahora mismo en la sala de prensa del hotel Meliá. Tecleo con rapidez. Mi cabeza quiere que escriba. Lo que sea, ya. ‘Mr. Nobody’ tiene la culpa. Acabo de verla y necesito decirlo: me ha emocionado tanto, me he sentido tan dentro de la película, que he sentido la necesidad de llorar, de aplaudir, de gritar. Me ha dejado clavado en la butaca. Aún no he podido asimilar lo que he visto, ni que dentro de un rato podré charlar con el director de esta impresionante, preciosa, única obra de arte. No la he comentado con nadie todavía, claro, pero supongo que es de esas películas que o te llegan, y te tocan el alma, o te resbalan por completo, y te parece una gran bobada. Lo comprobaré cuando se estrene en cines, si es que lo hace…

Ha sido curioso, como el protagonista de la historia, hace unas horas tuve una especie de visión del futuro. Me vi a mí mismo en esa misma butaca, fascinado por las imágenes de la película. En realidad estaba frente a un espejo, mojándome el pelo, y me quedé un momento quieto, pensando en eso, mirando mis enrojecidos ojos y teniendo claro que eso que tenía en mi cabeza iba a ocurrir. Me acordé también de ‘La fuente de la vida’ (‘The Fountain’). No sé si porque Jared Leto, el señor nadie de Jaco Van Dormael, trabajó antes para Darren Aronofsky, o porque la película con Hugh Jackman me dejó en el mismo estado en el que me encuentro ahora. Ya sabéis, como cuando miras al horizonte y te sorprende la imagen que forman las nubes, el Sol y la luz. No, no he fumado nada. Cine, en todo caso. He experimentado cine de gran calidad.

Y es que el cine puede ser mágico, maravilloso, una increíble cura. Al terminar los créditos, acompañados por una delicada melodía, me he encontrado prácticamente solo en la gran sala que es el Auditori (los demás debían tener prisa, incluso los que han aplaudido), y ha sido entonces cuando he empezado a notar mi cuerpo. Como sabéis los que leísteis mi anterior artículo sobre el Festival, anoche estuve escribiendo hasta las cinco y media de la madrugada; no me acosté hasta un rato después, y a las ocho menos cuarto ya estaba sonando la alarma del móvil. Me ha dolido todo, desde que puse el pie derecho en el suelo. Desde el apartamento hasta el Hotel hay una media hora, pero lo he recorrido en quince minutos, porque llegaba tarde. Imaginad el estado en el que llegué al pase de prensa. Sólo la película ha logrado interrumpir el cansancio y las molestias. Que ahora vuelven, poco a poco…

Sobre la educación

Son las once y cuarto. Me distrae la gente de mi alrededor, hablando en varios idiomas. Dos italianos hablan a gritos a medio metro de donde me encuentro. Me doy cuenta del ruido de la sala. Sólo bebí un soso zumo de naranja envasado, no comí nada. Tengo la entrevista con el señor Jaco van Dormael a las doce y cuarto. En el jardín del Hotel. Probablemente, como siempre, tendré que esperar. A la una y cuarta proyectan ‘Bronson’ en el Prado, a unos quince minutos de aquí, caminando con prisa. Veremos si llego a tiempo. A las cuatro debo volver aquí para recoger los “tiquets” de mañana. Oh, esto es un asunto especial. Ya os comenté cómo funcionaba. Pero no os dije nada de la educación de quienes, como un servidor, han venido a Sitges para ver películas y escribir sobre ellas.

Veréis. El horario es de cuatro (16:00) a nueve (21:00). Uno llega pronto, porque no puede perderse determinadas películas. Así que a las cuatro y algo, cuatro y diez, cuatro y cuarto, uno llega allí y descubre que ya hay una cola de otros que pensaron lo mismo que tú, pero se pusieron en marcha antes, por lo que sea. Te pones el último. Llega más gente. La cola aumenta. Y en esas llegan otros, normalmente entre risas, como si nada, y no respetan la fila, sino que se van hacia delante. Hacen dos cosas: buscan a alguien a quien conocen, que llegó pronto, y se sitúan a su lado, alegremente; o bien ni eso, hablan con ese alguien que ya estaba allí, a veces con alguien más, y poco después, como por arte de magia, reciben las invitaciones que deseaban, sin moverse, sin perder tiempo, sin colas. Sin respeto alguno por todos los demás que estamos ahí, esperando, cumpliendo las normas.

Con todo lo que he visto y lo que veo, me sigue sorprendiendo que haya tanta gente que se comporte tan estúpidamente con los demás, porque gana más dinero, porque lleva una maldita acreditación, porque es director o actor, o porque sencillamente cree que es más valioso que todos esos individuos que tiene frente a sus narices. Y ya no hablemos del respeto a los animales… ¿Decirles algo? ¿Para qué? Les dará igual, y sólo me sentiría más insultado aún. Porque no cambiará nada, y no, nadie más moverá un dedo en seguirme, no soy Luis Tosar en medio de un motín. Pero que se sepa. Que quede aquí. Hay niñatos sinvergüenzas dentro de cuerpos adultos con una acreditación colgando del cuello, ahora, en Sitges. Doy fe.

Lo dejo aquí. Voy a ir adelantando trabajo, os prometí entrevistas y aún no he publicado ninguna. Me pongo a ello. Pero antes, permitidme un café con leche. De esos tan caros que ponen aquí, ya sabéis. Esta noche os hablaré de las otras películas que veré a lo largo del día, ‘Bronson’ y… bueno, ya os contaré, todavía no sé cuál será la tercera. Espero tener más suerte que cuando decidí apostar por ‘The Countess’ en lugar de por ‘Summer Wars’. Son las once menos veinte. Bon dia.

PD: ¡He estado a punto de perder el texto entero! He guardado el borrador y un segundo después se ha quedado la pantalla en azul, con mensajes de error que suenan a chino. Gracias mariposa. Me duele la cabeza…

Es de suponer que van a ir cayendo sucesivas imágenes hasta que llegue el, en teoría, triunfal estreno de ‘Avatar’, la nueva realización del que es, al menos para quien esto suscribe, el más grande director de Ficción Científica de la Historia del Cine. Es esta una nueva táctica de los directores de marketing de los grandes estudios, que alcanzara su plenitud con la muy exitosa adaptación que Peter Jackson capitaneó sobre la obra de Tolkien. Algunas imágenes borrosas, un primer cartel poco elaborado, finalmente un avance (un teaser), luego algunas imágenes, a continuación unas pocas imágenes más, un nuevo teaser. Y así hasta el gran trailer.

Como casi todos sabemos ya, la séptima película de este gran director es un regreso al género que le ha hecho célebre, doce años después de su colosal triunfo con la inolvidable ‘Titanic’, y en ella nos cuenta la historia de un soldado discapacitado y en silla de ruedas que tendrá la oportunidad de ocupar el cuerpo de un alienígena del planeta Pandora, y allí conocer una cultura y un pueblo completamente extraños para él.

Aunque no tengo ningún problema en declarar mi admiración sin límites por este cineasta, me reservo las opiniones sobre esta nueva aventura hasta el día que la vea. No sé si tiene buen aspecto o no, no sé si será una revolución o un fiasco. Muchos ya han dejado sus ideas sobre ella sin haberla visto siquiera, allá ellos. Ya sabéis, si queréis ver las imágenes en tamaño grande y con excelente definición, sólo tenéis que hacer click en la galería de más abajo. Gracias a Juan, por el aviso.

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Vía | Myspace

Steven Soderbergh es un director que parece no tener un estilo propio definido, y que al igual que vuestro admirado Tarantino, gusta de reciclar antiguas fórmulas, mezclándolas con experimentos —por llamarlo de alguna manera—, adaptando todo el material a los nuevos tiempos. De la enorme pedantería de títulos como ‘Sexo, mentiras y cintas de vídeo’ (‘Sex, Lies and Videotape’, 1989) o ‘Full Frontal’ (2002), es capaz de pasar a demostrar una enorme solvencia narrativa en films como ‘Traffic’ (2000) —a juicio de quien esto firma, su mejor película— y ‘Ocean´s Eleven’ (2002), o perderse formalmente en rarezas como ‘El buen alemán’ (‘The Good German’, 2006) o ‘Che: Guerrilla’ (2008). Ahora, con ‘¡El soplón!’ (‘The Informant!’, 2009), se adentra en el terreno del drama con elementos de thriller, basado en hechos reales, grupo en el que podríamos incluir películas tan dispares como ‘Todos los hombres del presidente’ (‘All the President´s Men’, Alan J. Pakula, 1976) o ‘El dilema’ (‘The Insider’, Michael Mann, 1999).

Precisamente, en un principio, da la sensación de que nos encontramos ante una historia muy parecida al mencionado film de Mann. Ambientada en el mundo empresarial agrícola, tenemos la historia de un colaborador del FBI que se enfrenta a su empresa, acusándola de convenir con otras empresas los precios internacionales de mercado, creándose una serie de problemas que afectarán a su vida laboral y personal. Esa es la sensación que produce durante su primera mitad, para luego presentar sus verdaderas cartas, en un giro que deja al espectador totalmente desconcertado, perdido, sin llegar a saber qué se está viendo realmente.

Matt Damon da vida a Mark Whitacre, quien a principios de los 90 desató un escándalo empresarial en su lugar de trabajo, la ADM, colaborando con el FBI como si fuese un agente infiltrado en una arriesgada operación de espionaje. Con sólo esta premisa y cierto tono desenfadado por parte de Soderbergh, parece que nos hallemos ante una comedia, y así se producen situaciones supuestamente cómicas cuando el protagonista tiene que realizar grabaciones ocultas. Todo así durante la primera hora de película, la cual parece estancarse, dando vueltas alrededor de lo mismo, y donde el espectador termina abrumado por la enorme cantidad de datos de todo tipo, mucho de los cuales nos suenan a chino, sobre todo aquellos que estamos alejados del mundo que refleja el film.

De repente, y casi sin venir a cuento —y da igual que el film esté basado en hechos reales, pues muchas veces lo que ocurre en la vida real no tiene porqué ser creíble en un film, todo depende de la forma—, Soderbergh cambia de tono, y lo que parecía un amable thriller, se convierte en un intento de estudio sobre la mentira. Tal vez esto funciones en el libro, obra de Kurt Eichenwald, que toma como base, pero en la película se torna forzado, y prácticamente inútil, pues a esas alturas es tal la cantidad de datos que el espectador posee, que da exactamente igual qué es cierto y qué no. Los desvaríos del personaje central, sus manías persecutorias, su enfermedad, deja más bien indiferente, y aunque Soderbergh trata de no aburrir al personal, lo cierto es que la película se aguanta por el excelente trabajo de todo su reparto, en el que brilla a gran intensidad un entregado Matt Damon, en una de las mejores composiciones de su carrera, afortunadamente muy alejada de la que sigue su amigo del alma Ben Affleck.

Por eso, la película también parece una excusa para que Soderbergh le dé una oportunidad única para que su colega Damon se luzca. Hay pocos instantes en los que el actor no salga, y es él quien logra transmitir parte del tormento interior de un personaje que podría haber sido mucho más fascinante, si en el guión se hubieran ocupado más de él, y no dejarlo todo en manos de Damon. El protagonista de la trilogía Bourne eclipsa a prácticamente todos sus compañeros de reparto, quienes cumplen más que con creces con sus respectivos roles. Melanie Lynskey, como la entregada y despistada esposa del personaje central; Scott Bakula, como el amable agente del FBI que llega a acercarse más al testigo de lo debido; o el grandullón Clancy Brown —actor que recuerda mucho por sus composiciones a Laird Cregar— en un breve papel de abogado, son los actores que más sobresalen entre todo el elenco.

Pero da igual que tengamos una interpretación extraordinaria, tanto que la película se salva por esa única razón, si Soderbergh se pasa todo el rato filmando sin la gracia de otras películas, incluso jugueteando menos con el montaje de lo que suele hacerlo. Al final, nos queda una extraña sensación de indiferencia ante lo narrado, lo cual no queda muy claro. ¿Qué quería filmar realmente Soderberg? ¿Qué cuenta en verdad la película? No se sabe, y no importa. A mí me da exactamente igual, y esa impresión no debería dejarla ninguna película. En el caso de Soderbergh, podemos fijarnos que en sus últimas obras la indiferencia es la sensación reinante.

El 2 de octubre se estrena ‘[REC] 2’, el film de Paco Plaza y Jaume Balagueró. Está interpretada por Manuela Velasco, Carlos Olalla, Jonathan Mellor, Óscar Sánchez Zafra, Ariel Casas, Alejandro Casaseca y Pablo Rosso.

‘[REC] 2’ retoma los hechos pocos minutos después de donde finalizó ‘[REC]’. Un equipo de los GEOS entra en la casa bajo el mando de un doctor que conoce la infección de los habitantes del edificio. Tienen órdenes de grabar todo lo que vean. Pero pronto descubrirán que el doctor no es tal y que los infectados tampoco son exactamente eso.

Podría parecer redundante o superfluo algo que transcurre inmediatamente después de lo que pasaba en la entrega original. Muchos de los planos se asemejan a los ya vistos y los sustos que nos han dado ya los conocemos. Sin embargo, los guionistas —los directores y Manu Díez— consiguen darle un enfoque novedoso.

Si bien en la primera las explicaciones quedaban en el aire, aquí se concretan y se achacan a un motivo. Todo es más tangible, más cercano y se puede apreciar con mayor claridad. De este modo, esos planos que podrían parecer iguales se ven bajo otro prisma. El tratamiento estético también varía ligeramente y se hace un juego con la estructura que no tenía la película inicial. Más que una segunda parte, es como una aproximación alternativa a la historia.

Así, este film funciona tanto a modo de continuación —incluso encajaría un montaje conjunto, ya que resuelve lo que se apuntó al final de la primera parte — como a modo de pieza independiente, pues los primeros minutos ponen en situación de forma tan clara que no es necesario haber visto la uno para comprender la trama.

La explicación sobre la infección de los encerrados supone un cambio de tono con respecto a ‘[REC]’ y entra, por ello, con dificultad. Si fuese, efectivamente, un film que comienza ahí, aceptaríamos ese tipo de solución. Pero, tras todo lo visto, encaja como una broma. Cuesta trabajo tomarse ‘[REC] 2’ muy en serio y el ambiente de la sala en la que la vi, que aplaudía cada vez que se producía una muerte o irrumpía en carcajadas con cada afirmación categórica, no ayudaba. De este modo, sentir miedo, tensión o cualquier otra de las sensaciones que los films de este género quieren transmitir resulta complicado. Sé que los autores introducen el humor a propósito y que en la primera parte ya había muchas dosis de este ingrediente, que me gustó particularmente. Pero lo que ocurre aquí es que cuesta abandonar el chip de la risa durante los momentos dramáticos.

No significa que no existan esas secuencias de terror, pues hay instantes en los conductos y recovecos donde funcionan la tensión y los sustos. Las criaturas que atacan a los protagonistas mientras gritan despavoridas están creadas a la perfección y la sensación de agobio que hace pensar lo sencillamente que pueden contagiarte se transmite como si fuese la propia infección. Destacaría la escena en la que se graba con la cámara estropeada el exorcismo a la niña.

La credibilidad y la naturalidad de las interpretaciones fue ya en la primera y es también ahora uno de los puntos clave. Actores no profesionales o poco prodigados, algún doblador y la breve, pero intensa presencia de Manuela Velasco componen un reparto que en casi todo momento destila realidad, salvo quizá por la voz doblada de alguno de los miembros del equipo.

La novedad de ‘[REC]’ aquí ya no existe. Nos quitábamos antes el sombrero ante lo que habían conseguido estos dos directores, pero en este momento la capacidad de sorpresa ya se ha perdido. ‘[REC] 2’ tiene interés, no digo que no, pero de otra forma: es un acercamiento más de género a lo que ya hemos visto, es una nueva dosis para quienes lo echasen de menos y es un film que, de ser único, podría haber obtenido las mismas alabanzas que el primero.

Mi puntuación:

Teníamos pendiente decir algo sobre ‘Pandorum’ en Blogdecine; es una película que ha dado mucho que hablar, si bien, como nos comentó Alberto, en la taquilla norteamericana no ha sido precisamente un éxito, recaudando apenas cuatro millones y medio en su fin de semana de estreno (costó cuarenta millones).

Como podéis ver en el revelador tráiler, o en los llamativos carteles que acompañan este texto, la película cuenta con Dennis Quaid, Ben Foster, Antje Traue y Cam Gigandet al frente del reparto y narra la terrorífica odisea de un puñado de humanos en el espacio. Acordarse de ‘Alien’ y sus secuelas es inevitable, sólo faltaba que en el vídeo apareciese la famosa frase de los gritos (y un plano de la lengua de un bichejo a un centímetro de la cara de la chica protagonista).

Dirigida por Christian Alvart (responsable de la flojísima ‘Expediente 39’) y producida por Paul W.S. Anderson (‘Resident Evil’, ‘Horizonte final’, ‘Alien Vs. Predator’), ‘Pandorum’ se estrena en los cines españoles el próximo 9 de noviembre; antes podrá verse en el Festival de Cine Fantástico de Sitges, así que ya os contaré.

Dos miembros de la tripulación de una nave espacial se despiertan en sus cámaras de hibernación sin recordar nada, quiénes son, cuál era su misión o dónde están las demás personas que viajaban con ellos. Conforme se adentren en las zonas más profundas de la nave, descubrirán que no están solos y desvelarán el terrible misterio que rodea la desaparición del resto de la tripulación y de los pasajeros.

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PD: Es imposible ver el tráiler y no atar cabos, ¿queda alguien que no sepa ya qué ha pasado con la tripulación? Qué manía de destripar películas antes de tiempo…

Vía | Impawards

Todavía queda mucho para verla, pero ‘John Carter of Mars’ promete ser una verdadera bomba. El estudio Pixar está preparando el salto de la animación a la acción real, y para ello se ha propuesto adaptar al cine la obra de Edgar Rice Burrough, con el director Andrew Stanton (‘Ratatouille’ ‘WALL·E’) al mando del proyecto. Por si esto no fuera suficiente para despertar el interés, la película va a contar con un reparto de auténtico lujo. Los últimos en subirse a bordo han sido los actores James Purefoy, Mark Strong y Thomas Haden Church (en la imagen, de izquierda a derecha), quienes acompañarán a Taylor Kitsch, Lynn Collins, Dominic West, Polly Walker, Samantha Morton y Willem Dafoe, ya fichados con anterioridad.

Como os contamos, Taylor Kitsch (Gámbito en ‘X-Men Orígenes: Lobezno’) interpretará al personaje principal, John Carter. Carter es un veterano soldado de la Guerra Civil norteamericana que, huyendo de un grupo de apaches (¿liderada por Aldo Rayne?), se esconde en una misteriosa cueva que le transporta al planeta Marte. Allí conocerá a todo tipo de personajes extraños, se enamorará de la chica de turno, y se verá involucrado en un montón de aventuras. Michael Chabon y Stanton están todavía inmersos en la escritura del guión, no estando previsto que el rodaje comience antes de 2010. Si todo va bien, quizá veamos la película en 2012. Y quizá el mundo siga ahí después.

PD: Church interpretará a Tal Hajus, un peligroso guerrero marciano, un personaje gigantesco, verde, con cuatro brazos y los ojos situados a los lados de la cabeza. Afortunadamente, sabe hablar.

Vía | Empire

Soy pobre, negra. Puede que sea fea. Pero, por Dios, estoy aquí. ¡Estoy aquí!

- Celie

A la película más desatada, más frenética y trepidante de Spielberg, le sigue, con pocos meses de diferencia, un largometraje que inaugura el escaso ramillete de títulos que algunos han venido a llamar las “cintas serias” de un director que ya era, a mediados de la década de los ochenta, el más famoso del mundo, pero que quería obtener un prestigio que muchos dudaban que pudiera llegar a obtener. Y que otros muchos, aún hoy, le niegan sistemáticamente.

Es decir, que tras la locura, el cómic barroco de ‘El templo maldito’, Spielberg decide adaptar la novela ganadora del premio Pulitzer, escrita por Alice Walker pocos años antes. Por primera vez en varios proyectos (y la única desde entonces), Spielberg no contaría con John Williams para hacer la música, sino que echaría mano de Quincy Jones. Y por primera vez su admiración e influencia por John Ford sería obvia y apasionada.

Un melodrama social

Si repasamos la carrera de Steven Spielberg, muy pocos de sus relatos son contemporáneos. Muy al contrario, la mayoría se centran en épocas más o menos recientes de su país, o bien en el futuro del mismo. En este caso, el trasfondo es el sur de Estados Unidos, aunque la región exacta no es especificada, y la época es a principios del siglo XX. Pero no es necesario establecer con exactitud fecha y lugar. Basta atisbar ligeramente el ambiente para hacerse una idea general.

No sería justo, por cierto, etiquetar esta película como un mero melodrama racial, porque no lo es. Si la observamos bien, pronto sale a la luz que en realidad es un relato profundamente feminista. Pero tampoco se queda ahí. Si ‘El color púrpura’ es la gran película que muchos admiran, una de las razones es que bajo su superficie y sus arquetipos sabe profundizar como pocas películas de su director en la condición humana, y como ninguna otra en la condición femenina, en su fragilidad y en su fuerza, en la eterna lucha por la dignidad que una mujer debe emprender cada día, muchas veces pisoteada por la crueldad y la indiferencia de los hombres.

Es por eso que este conmovedor relato no es otra cosa que la búsqueda de la libertad por la reina de las perdedoras, la entrañable Celie Johnson, interpretada con estremecedora verdad por la excelente actriz Whoopi Goldberg. Detrás de eso, por supuesto, tiene lugar una certera y poco complaciente con el espectador descripción de una dura y descarnada realidad social, en la que la diferencia entre los pobres y los ricos, y, más aún (y es un tema apasionante en la película), entre los ignorantes y los que tienen estudios o preparación, es brutal y dramática, en el sentido más visual y dinámico de la palabra.

No creo que sea exagerado calificar de exquisita la búsqueda del detalle en los ambientes que Spielberg y su diseñador de producción, el legendario J. Michael Riva, pues consiguen alcanzar la excelencia, en una labor que sí puede considerarse como de tres dimensiones, pues traspasa la pantalla el amor por la verosimilitud en la dirección artística, los decorados, el vestuario (que es portentoso), el atrezzo. Pero claro, Spielberg también contó con la inestimable labor del operador Allen Daviau, con quien ya había trabajado en ‘E.T’ y volvería a trabajar en ‘El imperio del sol’, que aquí firma sin duda su mejor trabajo, captando a menudo la hora mágica y otorgando una luz suave y aterciopelada durante el día, a la vez que contrastada y audaz en las tomas nocturnas.

Vivir, sentir, ser persona

Celie es pisoteada de manera inmisericorde desde el mismo comienzo de la película, tanto física, como psicológica y moralmente. Spielberg la sigue con una cámara que nunca había sido tan contenida, tan compasiva y tan humilde. Para él, no existe mayor heroína, ni mayor peripecia vital, que la historia de esta cría mil veces violada y mil veces arrojada al barro, que con una tenacidad indescriptible, aguanta estoica el castigo, y sólo al final, en la última secuencia, se revuelve y rompe las cadenas que la someten.

Y en ese itinerario vital, en esa cárcel que la convierte en esclava del brutal personaje de Danny Glover, caminaremos a menudo al borde de las lágrimas, desde las reglas más nobles del melodrama más desatado. Pero eso no nos impedirá observar a los miserables y a menudo débiles, estúpidos, crueles hombres negros, y a las fuertes, generosas, vitalistas y resueltas mujeres negras que parecen contentarse con su suerte, pero que no dejan de luchar por un futuro mejor, y por recobrar su dignidad. La vehemencia conque Spielberg filma a estas pobres pero orgullosas señoras negras carece de todo prejuicio, y se entrega sin complejos a emocionarnos.

Al final, hay un gozoso regreso a la infancia, un renacer. Y Spielberg se postula como el gran director de actores que es, y el versátil y poderoso narrador de historias que, aún hoy, sigue asombrándonos de cuando en cuando. Esta joya es uno de sus logros más importantes como cineasta.