Atentos al reparto de ‘Blood Ties’, la primera película de Guillaume Canet en EE.UU.: Clive Owen, Marion Cotillard, Billy Crudup, Zoe Saldana, Mila Kunis, Matthias Schoenaerts y James Caan, entre otros. Os informé sobre esta producción antes de que se iniciara el rodaje y ahora podemos echar un vistazo al cartel y el tráiler, distribuidos tras la presentación del film en el festival de Cannes —fuera de competición—.

Además de un estupendo grupo de actores, el actor y director francés ha contado con la colaboración en el guion de James Gray, quien le ayudado a adaptar la historia del thriller ‘Liens du sang’ (Jacques Maillot, 2008), coprotagonizado por el propio Canet. La historia del remake tiene lugar en Brooklyn durante los años 70 y gira en torno a dos hermanos, un detective de policía y un exconvicto que intenta recuperar su vida tras pasar diez años en la cárcel por asesinato; por caprichosas circunstancias, el primero se encuentra en una situación tan complicada que necesita la ayuda del segundo, forzándole a cruzar de nuevo la frontera de la ley…

‘Blood Ties’ se estrena en Francia el 30 de octubre, de momento no hay fecha para España pero imagino que con estos protagonistas nos llegará este año. Espero…

Algunos dicen ‘Casablanca’ o ‘Ciudadano Kane’, yo digo que ‘Jason y los argonautas’ es la más grande película de la historia (Tom Hanks cuando entregó el Oscar honorífico a Ray Harryhausen)

Ayer nos dejaba uno de los artistas más grandes que ha conocido el séptimo arte, Ray Harryhausen, experto en efectos visuales y stop motion. La propia familia de Harryhausen comunicó el fallecimiento a través de su página en Facebook.

Películas como ‘Simbad y la princesa’ (‘The 7th Voyage of Sinbad’, Nathan Juran, 1959) y ‘Jason y los Argonautas’ (‘Jason y los Argonauts’, Don Chaffey, 1963) forman parte del imaginario colectivo no sólo por el enorme canto a la fantasía que son, sino por la enorme contribucion del talento de Harryhausen a tamaña empresa. La stop motion de ambos films supera en ingenio, atrevimiento e imaginación a cualquier efecto digital de hoy día. Efectos visuales que trascienden el paso del tiempo gracias a la personalidad que Harryhausen, que también quiso ser actor, implantaba en ellos.

El ingenio y dedicación de Ray Harryhausen a lo que mejor sabía hacer se lo debemos a un film mítico: ‘King-Kong’ (id, Merian C. Cooper & Ernest B. Schoedsack, 1933), cuyo visionado le cambió la vida para siempre. Primero como pasatiempo, alentado por sus padres que le ayudaban, más tarde su pasión se convirtió en una profesión en la que su trabajo sería tomado como ejemeplo para futuras generaciones de creadores de efectos visuales, entre ellos Dennis Murren o Phil Tippett. Su primera aportación impoprtante para el cine fue en ‘El gran gorila’ (‘Mighty Joe Young’, Ernest B. Shoedsack, 1949), unproducción de John Ford, en la que Harryhaussen participó gracias a la ayuda de Willis O´Brien, clásico técnico de efectos visuales.

Productor de los trabajos en los que participó, metía a veces mano también en el guión y sus aportaciones jamás eran desoídas. Su interés por la intepretación pudimos verla en algunas películas en las que tuvo un pequeño papel, como por ejemplo en dos films de John Landis, gran admirador suyo, ‘Espías como nosotros’ (‘Spies Like Us’, 1985) o ‘Burke and Hare’ (id, 2010). Su última aportación en el campo de los efectos visuales fue en la admirada ‘Furia de titanes’ (‘Clash of the Titans’, Desmond Davies, 1981).

Su trabajo inspiró a muchos directores como George Lucas, James Cameron, Steven Spielberg o Peter Jackson, quienes han reconocido más de una vez que sin Ray Harryhausen ellos no serían lo que son.

Hasta siempre Ray.

En 1001 Experiencias | La fantasía tiene un nombre, Ray Harryhausen

Hace poco os hablaba de la fallida ‘Emergo’ (Carles Torrens, 2011) como uno de los infinitos ejemplos de la ya cansina técnica de rodaje conocida como found footage. En este especial de placeres culpables entra de lleno un reciente found footage que tal vez posea todos los defectos de este tipo de films en los que el punto de vista se altera peligrosamente. ‘Project X’ (id, Nima Nourizadeh, 2012) es una salvajada; la película más bajada del año pasado propone la fiesta casera más bestia jamás vista. Tanto que recientemente sirvió de inspiración a un grupo de imbéciles que celebrando un cumpleaños destrozaron una casa rural por valor de 30.000 euros, justificando ante la Guardia Civil el presente film como única razón para su acto. La realidad superando a la ficción, o los débiles de mente demostrando cuan peligrosa es la ignorancia.

En cualquier caso el film puede verse como una puesta al día de lo realizado por John Landis en películas como ‘Desmadre a la americana’ (‘Animal House’, 1978), salvando las distancias evidentemente. El director de ‘Resacón en las Vegas’ (‘The Hangover’), Todd Phillips, más el veterano Joel Silver, producen el evento siendo muy conscientes de la fórmula. Se tratada de filmar un fiestón, como en el caso del film mencionado —y cuya tercera entrega nos llegará próximamente— pero bajando la edad del público objetivo. Esta vez serán unos adolescentes con las hormonas disparadas los que prepararán una enorme fiesta de cumpleaños que se les termina yendo de las manos, perdiendo el control hasta límites insospechados.

(From here to the end, Spoilers) ‘Project X’ no tiene un argumento complicado o difícil, ni siquiera hay peligro de spoilers. Se trata de una fiesta por el decimo séptimo cumpleaños de Thomas (Thomas Mann), organizada por su amigo del alma Costa (Oliver Cooper), y cuyo argumento encuentra su razón de ser en un hecho real acaecido en Australia —el cine inspirándose en un hecho real, y la película que inspira un hecho real, la pescadilla que se muerde la cola— en la que un chaval daba una fiesta en su casa y puso su dirección en My Space. Acudieron unas 500 personas y los destrozos fueron cuantiosos, apareciendo periodistas y policías a informar unos y tratar de pararlo todo los otros. Como decía uno de los que me acompañaba en el visionado, ojalá yo tuviera una fiesta como esa —¿quién no lo desea?— pero en una casa que no fuera la mía.

‘Project X’ —no confundir evidentemente con la película de idéntico título protagonizada por Matthew Broderick y que trataba de un chimpacé más inteligente que todos los personajes juntos del presente film— posee todos los elementos característicos de los found footages. Primero tenemos una presentación de personajes, tres amigos que desean ser populares y para ello organizan un fiestón. Más tarde, metidos en harina, la situación va degradándose más y más, con situaciones hilarantes algunas más locas que otras y siempre con un muy bien marcado crescendo que concluye con todo un clímax antológico en el que la anarquía reina a sus anchas. Y es que cuando una situación escapa al control del orden, es realmente difícil contenerla. En ese aspecto, la película es un continuo “más difícil todavía”, como si se tratase de una película de acción pero aplicada a lo que se supone una comedia adolescente.

Es encomiable el trabajo de montaje, teniendo en cuenta que todos los implicados en el film, incluidos los extras, estaban grabando material para la película, llegando a grabar más de diez horas. Incluso algunas de las escenas son reales, como la de la chica orinando detrás de un coche o aquellas en las que alguno de los personajes está borracho. Realismo mezclado con ficción imitando la realidad, y que en este caso sirve perfectamente a las pretensiones de un film que no busca nada más que entretener y escapa de realizar todo juicio moral, marcando eso sí una línea muy fina entre lo que significa ser adulto y ser adolescente. Mientras el colegio vitorea la fiesta vivida, los adultos la condenan pero el padre se siente orgulloso de que su hijo haya sido capaz de algo así, y en la fiesta incluso llega a colarse un vecino que les triplica la edad a todos y se lo pasa en grande.

Efectivamente, me sumaría a una fiesta de esas proporciones y dejaría que el descontrol me dominase con el resto, pero en casa de otro. Y no terminaría a las seis de la mañana, sino mucho más tarde.

No conozco la obra del escritor francés Boris Vian y por lo tanto, desconocía ‘La espuma de los días’, la novela de 1946 que ha adaptado al cine el siempre especial Michel Gondry, aunque leyendo su argumento parecía bastante obvio que si alguien debía llevarla al cine, ese era Michel ‘amante de los cachivaches’ Gondry: una pareja se enamora locamente y tras casarse a ella le encuentran un nenúfar en el pulmón y todo ello, situado en un universo poético y algo surrealista, que bien se adapta al imaginario del director francés.

Aunque todavía sin fecha de estreno en España, ‘La espuma de los días’ es, sin duda, una de las grandes apuestas del cine francés del año, ya no solo por su reputado director, sino porque adapta una novela muy popular en Francia y cuenta en su reparto con cuatro de las grandes estrellas del cine galo: Romain Duris, Audrey Tautou, Omar Sy y Gad Elmaleh. Quizás por sus altas expectativas –y por su demasiado apabullante propuesta visual de la que os hablaremos luego–, la película resulta algo fría y no consigue que el espectador entre de lleno en la triste y poética de Colin y Chloé.

El surrealismo y sus cachivaches

Una película de Michel Gondry, no sería de Michel Gondry si el surrealismo no fuera una parte crucial de su forma de contarnos la historia, y es que hasta los títulos de su filmografía que parecen más normales como ‘¡Olvídate de mí!’ (‘Eternal sunshine of the spotless mind’, 2004) o ‘Rebobine, por favor’ (‘Be kind rewind’, 2008), no serían lo que son sin ese toque surrealista y poético que las envuelve. El surrealismo es uno de los puntos clave del cine de Gondry y ‘La espuma de los días’ con todas sus metáforas poéticas sobre el amor, la enfermedad y la muerte es el escenario perfecto para que el director francés despligue todo su arsenal de trucos de mago, para adentrarnos en este universo único y especial que creó Boris Vian; un universo luminoso y lúgubre y que llega a ser pantanoso y desagradable, como la vida misma.

Y es que se podrían hacer diferentes lecturas de ‘La espuma de los días’. Podemos aceptar lo que es: la historia de una pareja enamorada y feliz que tiene que afrontar un duro golpe como la enfermedad y la muerte de uno de ellos, o entenderla como una metáfora en sí misma sobre el amor y como acaba muriendo con el tiempo –para esto último os recomiento la fantástica ‘Blue Valentine’ (id, 2010) de Derek Cianfrance–. Una lástima que lo que podría haber sido una interesante y original historia sobre la pérdida y la degradación del amor, termina apabullándonos con semejante propuesta visual.

Si tuviéramos que compararla con alguna de sus anteriores trabajos, ‘La espuma de los días’ estaría mucho más cerca de ‘La ciencia del sueño’ (‘La science des rêves’, 2006) y a su uso, completamente disparatado de trucajes a la vieja usanza y cachivaches inútiles por doquier. Está claro que es una de las señas de identidad del director galo, al que le gusta bien poco usar efectos especiales por ordenador y que ese ‘veo el truco’ y la utilización del stop- motion le da ese toque especial y original a la historia de Colin y Chloé, pero sólo hasta cierto punto. Y es que llega un momento en el que parece que Gondry está más interesado en mostrarnos su apabullante, alocado y original mundo interior que el de sus personajes, y alguna secuencia llega a convertirse en un auténtico catálogo de cachivaches inútiles que sólo sirven para que el espectador se aleje poco a poco de la historia. Pero no todo es malo en esta apabullante propuesta visual, y es que el uso de colores y su degradación, pasar del tecnicolor de los años 60 al más arcaico blanco y negro del cine mudo, funciona sin que el espectador se dé casi cuenta.

Y como siempre me gusta hablar del reparto, en esta ocasión no podía ser menos, sobre todo, teniendo en cuenta de que la película la protagonizan cuatro grandes estrellas del cine francés. Romain Duris y Audrey Tautou interpretan a la pareja protagonista, dotándole él el punto romántico justo y ella, esa fragilidad de lo efímero que requiere su personaje. Junto a ellos y en papeles pequeños, el siempre desbordante y aquí un poco desaprovechado Omar Sy, como amigo complice –y cocinero– de la pareja o Gad Elmaleh y hasta una participación del propio director.

En definitiva, ‘La espuma de los días’ no termina emocionar como debería porque el espectador se entretiende más contemplando las maravillas del piano que hace cócteles o las mesas ondulantes o al pequeño ratón con cara de Alain Chabat que recorre la casa, que en la triste y trágica historia de amor. Una pena.

Por razones que escapan a cualquier lógica, la cartelera está un poco abandonada, sin una oferta demasiado interesante, ideal para que arrase con todo el último blockbuster distribuido por Disney, ‘Iron Man 3’ (Shane Black, 2013) —hay cines que le dedican varias salas: 2D, 3D, digital… y porque no la hay en 4D—, pero esto va a cambiar pronto. El próximo viernes llega a nuestras pantallas una propuesta muy atractiva: ‘Stoker’ (2013), lo nuevo de Park Chan-wook.

Se trata del debut estadounidense del prestigioso cineasta surcoreano, quien ha trasladado a la gran pantalla un guion original de Wentworth Miller —la estrella de la serie ‘Prison Break’ (2005-2009)—, música de Clint Mansell y un reparto encabezado por Nicole Kidman, Mia Wasikowska y Matthew Goode. ‘Stoker’ se presentó ayer en el Festival de Cine Fantástico de Bilbao (FANT) tras pasar por otros certámenes como los de Sundance, Rotterdam y Toronto. Por si os sirve de algo, tiene una valoración de 7,5 en IMDb, casi 6 en Metacritic y un 6,4 en RottenTomatoes.

La sinopsis de ‘Stoker’

Cuando India Stoker (Wasikowska) pierde a su amado padre y a su mejor amigo Richard en un trágico accidente de tráfico el día de su 18º cumpleaños, su tranquila vida familiar se ve sacudida. Con una gran delicadeza, India muestra una actitud impasible que enmascara los profundos sentimientos que sólo su padre podía entender. India se ve entonces atraída hacia el hermano de su padre, Charlie (Goode), que se presenta de manera inesperada en el funeral y decide quedarse con ella y su emocionalmente inestable madre, Evie (Kidman). En un principio India no confía en su encantador y misterioso tío, pero después descubrirá todo lo que tienen en común…

El director

Park Chan-wook (23-08-1963, Seúl, Corea del Sur) es presentado en el cartel de ‘Stoker’ como “el director de Old Boy“. Ciertamente, la adaptación del manga de Garon Tsuchiya y Nobuaki Minegishi consolidó la carrera de un realizador conocido por su ingenio visual y su gusto por las historias retorcidas y violentas. Su primer éxito fue el thriller ‘JSA: Joint Security Area’ (‘Gongdonggyeongbiguyeok jeieseuei’, 2000), continuado por la llamada “trilogía de la venganza” compuesta por ‘Sympathy for Mr. Vengeance’ (‘Boksuneun Naui Geot’, 2002), ‘Old Boy’ (‘Oldeuboi’, 2003) —cuya nueva versión nos llegará este año de la mano de Spike Lee— y ‘Sympathy for Lady Vengeance’ (‘Chinjeolhan geumjassi’, 2005), con la que empezó a perder caché.

Su siguiente film, ‘Soy un cyborg’ (‘I´m a Cyborg, but that´s OK’/‘Ssaibogeujiman Gwaenchanha’, 2006), parecía confirmar que el coreano estaba en declive tras tocar techo con ‘Oldboy’, pero recuperó su mejor nivel con ‘Thirst’ (‘Bakjwi’, 2009), su particular aportación al cine de vampiros, tan de moda en los últimos años por cierta saga para adolescentes. Después de debutar en inglés con ‘Stoker’ ayudó a su amigo Bong Joon-ho como productor de la ambiciosa ‘Snowpiercer’, uno de los estrenos más esperados de los próximos meses, y tiene entre manos dos proyectos: ‘Corsica 72’ y ‘The Brigands of Rattleborge’.

Los protagonistas

La primera gran oportunidad en el cine para Mia Wasikowska llegó cuando Disney la eligió para protagonizar ‘Alicia en el país de las maravillas’ (‘Alice in Wonderland’, 201) una de las películas más flojas pero también más taquilleras de Tim Burton. La joven actriz australiana no estuvo acertada pero el papel le sirvió para darse a conocer y tener más oportunidades, algo que sin duda está aprovechando. Demostró su talento en ‘Los chicos están bien’ (‘The Kids Are All Right’, Lisa Chodolenko, 2010) y ‘Jane Eyre’ (Cary Fukunaga, 2011), y personalmente recomiendo ver su trabajo en la serie ‘En terapia’ (‘In Treatment’, varios, 2008-2011).

También de Australia, curiosamente, proceden otras dos importantes intérpretes del reparto: Nicole Kidman y Jacki Weaver. La primera fue una de las mayores estrellas de Hollywood desde finales de los 90 pero prácticamente desde que ganó el Oscar por ‘Las horas’ (‘The Hours’, Stephen Daldry, 2002) una serie de decisiones profesionales desafortunadas mancharon su brillante carrera. Poco a poco Kidman se ha ido recuperando y caben destacar sus trabajos en ‘Rabbit Hole’ (John Cameron Mitchell, 2010) y ‘El chico del periódico’ (‘The Paperboy’, Lee Daniels, 2012). Weaver se ha convertido en una secundaria de lujo tras optar al Oscar por ‘Animal Kingdom’ (David Michôd, 2010); recientemente pudimos verla en ‘El lado bueno de las cosas’ (‘Silver Linings Playbook’, David O. Russell, 2012).

Colin Firth iba a encarnar al personaje de Charlie pero a causa de otros compromisos tuvo que ser sustituido por Matthew Goode, con quien compartió escenas en ‘Un hombre soltero’ (‘A Single Man’, Tom Ford, 2009). A Goode lo reconoceréis probablemente por ‘Match Point’ (Woody Allen, 2005) o por la adaptación de ‘Watchmen’ (Zack Snyder, 2009). También figuran en el elenco de ‘Stoker’ Dermot Mulroney —‘La boda de mi mejor amigo’ (‘My Best Friend’s Wedding’, P.J. Hogan, 1997), ‘Infierno blanco’ (‘The Grey’, Joe Carnahan, 2011)—, Lucas Till —‘Hannah Montana – La película’ (‘Hannah Montana: The Movie’, Peter Chelsom, 2009), ‘X-Men: Primera generación’ (‘X-Men: First Class’, Matthew Vaughn, 2011)—, Alden Ehrenreich —‘Tetro’ (Francis Ford Coppola, 2009), ‘Hermosas criaturas’ (‘Beautiful Creatures’, Richard LaGravenese, 2013)— y Harmony Korine —guionista de ‘Kids’ (Larry Clark, 1995) y director de ‘Spring Breakers’ (2012)—-, entre otros.

Todos los carteles de la película

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Todos los vídeos de ‘Stoker’

• Spot televisivo en español:

• Tráiler español:

• Tráiler original subtitulado:

• Clip con una escena del film (en español):

• Clip en versión original:

• Rueda de prensa con Park Chan-wook en el FANT 2013:

James McTeigue parecía destinado a convertirse en el nuevo chico de oro de Hollywood. Avalado por los hermanos Wachowski, debutó con la adaptación cinematográfica de ‘V de Vendetta‘ (‘V for Vendetta’, 2006), pero, sin llegar a ser un fracaso, no respondió a las expectativas comerciales que había a su alrededor. Peor fortuna tuvo con ‘Invasión‘ (‘Invasion’, Oliver Hirschbiegel, 2007), donde, gracias al apoyo de los Wachowski, rodó la mayoría de la película pese a no figura oficialmente como su director, la olvidable ‘Ninja Assassin‘ (id, 2009) y la lamentable ‘El enigma del cuervo‘ (‘The Raven’, 2012), por lo que parece destinado a encargarse de proyectos no especialmente estimulantes como ‘Survivor‘, cinta que acaba de saberse que será dirigida por McTeigue.

Encabezando el reparto de ‘Survivor’ tenemos a Clive Owen —una lástima que en Hollywood no estén sabiendo aprovechar su talento— y Katherine Heigl. La historia girará alrededor de una trabajadora del Departamento de Estado que acaba de empezar a trabajar en la embajada americana en Londres. Su vida dará un giro de 180 grados cuando una bomba acaba con la vida de todos sus compañeros, siendo acusada posteriormente por crímenes que no ha cometido y perseguida por un grupo de asesinos que quiere acabar con ella. Todo se complica aún más cuando tiene que darse la fuga y hacer todo lo posible para evitar un ataque terrorista que tendrá lugar durante la noche de fin de año.

Está previsto que el rodaje de ‘Survivor’ comience este próximo mes de julio y he de reconocer que sentiría mayor interés en el proyecto si contase con una auténtica actriz para su papel principal y no con la sosa de Katherine Heigl, ¿y vosotros?

Vía | Screen Daily

“¡Nazis y ocultismo! ¿Si le funcionó a Spielberg, por qué no iba a funcionarme a mí?”. Algo así tenía que estar pensando Michael Mann cuando, tras su estreno en la gran pantalla en 1981 con ‘Ladrón‘ (‘Thief’, 1981), comenzó a buscar el proyecto con el que continuar su carrera cinematográfica, encontrándolo en este filme que suponía la adaptación de ‘The keep‘ una novela firmada por F.Paul Wilson en la que, como apuntaba al comienzo del párrafo, se mezclan nazis, ciencias ocultas, demonios y ángeles en un cóctel tan explosivo que no es de extrañar que le terminara estallando en la cara al realizador de ‘El último mohicano‘ (‘The last of the mohicans’, 1992).

Y lo irónico es que, sobre el papel y atendiendo a la novela original, había material como para poder haber rodado un filme que no se arrastrara por el fango tras un primer acto en el que la exposición de personajes todavía no apunta al infumable esperpento que tendremos que soportar durante el resto del metraje. De hecho, un rápido vistazo al reparto confirma que había voluntad por parte de Mann de filmar algo medianamente digno a tenor de nombres como Jürgen Prochnow, recién salido del éxito que había sido ‘El submarino‘ (‘Das boot’, Wolfgang Petersen, 1981), Ian McKellen, Scott Glenn —que el mismo año estrenaba ‘Elegidos para la gloria‘ (‘The right stuff, Philip Kauffman, 1983)— o un Gabriel Byrne al que dos años antes habíamos visto en ‘Excalibur‘ (id, John Boorman, 1981).

(Spoilers ahead) Presupuestada en 6 millones de dólares, todo se aúna en ‘El torreón‘ (‘The keep’, 1983) para que el espectador tenga que hacer un duro ejercicio de contención y no termine profiriendo insultos contra aquellos que, hace treinta años, fueron responsables de un filme que no hay por donde cogerlo: ya en el comienzo, con esas tropas nazis avanzando al compás de la horrenda partitura compuesta por Tangerine Dream —¡y pensar que este grupo fue el elegido para sustituir la música de Jerry Goldmisth para ‘Legend‘ (id, Ridley Scott, 1985) en su versión europea americana!— comienza a intuirse que algo no cuadra, pero lo enigmático del arranque, la presencia de Prochnow y la intriga por saber qué será esa fortaleza imponente que guarda un pequeño pueblo de Rumanía hacen que la actitud crítica quede aletargada momentáneamente.

De hecho, si dejamos a un lado lo ridículo del planteamiento visual inicial de la secuencia —digna hija de los ochenta, por otra parte— el momento en el que los dos soldados alemanes descubren la inmensa cueva que oculta la fortaleza es de esos que promete, a partir de entonces, emociones de una dimensión considerablemente épica. Pero el concepto de la épica de Mann, que trata por todos los medios de ser original con sus encuadres y ese especial abuso que hace de la cámara lenta, es de una endeblez tal que, en cuanto Byrne y McKellen se suman a la función, toda ilusión de estar ante una cinta medianamente sólida se esfuma en cinco minutos, los que necesita el realizador para que haga acto de presencia Molasar, el perverso demonio que la fortaleza mantenía atrapado.

A partir de ahí, la poca suspensión de credulidad que le quedaba al filme se toma unas vacaciones y la cinta da un brusco giro hacia el completo festival del absurdo que podemos ver en su segunda mitad. Una mitad en la que se suceden secuencias de diálogos sin sentido, montadas con un extremo grado de dejadez por parte de Dov Hoenig y Chris Kelley —inexplicable el pésimo trabajo que hace aquí el primero, editor de títulos como ‘Dark city‘ (id, Alex Proyas, 1998) o ‘Heat‘ (id, Michael Mann, 1995)—, con un affair romántico/sexual entre la única mujer del reparto y un hierático Scott Glenn, y la construcción de un clímax en el que la norma es que no hay normas.

Revelados los oscuros planes del demonio —intuimos que son oscuros, porque en ningún momento se nos dice qué pretende más allá de hacer el mal— y el papel que Scott Glenn juega en todo el tinglado, la secuencia del enfrentamiento final entre el bien y el mal sólo puede calificarse como desopilante, quedando para el recuerdo ese tubo metálico que dispara fulgores rosáceos con el que el personaje de Glaeken Trismegestus, el “ángel” encarnado por el citado actor, derrota a Molasar, todo un claro ejemplo de lo olvidable que termina resultando un filme que se estrelló en taquilla y que, inexplicablemente, mucha gente considera como una producción de culto.

Una mujer corre aterrada. De fondo el skyline neoyorquino termina desapareciendo en un hongo nuclear. Un hombre despierta gritando. Todo ha sido un sueño. Y en torno a los sueños gira ‘La gran huida‘ (‘Dreamscape’, Joseph Ruben, 1984), horrible traducción del título original y uno de esos filmes que se abraza a “tenemos una idea estupenda para una película, ¿qué podemos hacer para arruinarla?”. Quizás no lo haga con la intensidad que otros filmes de los ochenta ostentaban —y no voy a poner ejemplos por no hacer eterno este párrafo introductorio—, y los varios aciertos terminen sobresaliendo sensiblemente por encima de sus más que sus visibles errores, pero ello no quita para que esta cinta de fantasía desaproveche sobremanera su premisa de partida.

Esta no es otra (spoilers de aquí en adelante) que la existencia de una investigación gubernamental que pretende utilizar a personas con poderes psíquicos para introducirse en los sueños de otros y solucionar los problemas de su subconsciente. Pero, como suele pasar cuando una rama oculta del gobierno está presente en la trama, hay intereses que van más allá de la ayuda, y el potencial de asesinar a alguien mientras duerme es algo que Bob Blair, el personaje interpretado por un espléndido Christopher Plummer, no va a dejar pasar.

Captado por la organización tenemos al héroe de la trama, un joven Dennis Quaid recién salido de su simpático Gordon Cooper en ‘Elegidos para la gloria‘ (‘The right stuff’, Philip Kauffman, 1983) que interpreta a ese tipo de caraduras que tan bien encarnaría, tres años más tarde, en ‘El chip prodigioso‘ (‘Innerspace’, Joe Dante, 1987). Reclutado por el otro gran miembro del reparto, el siempre excelente Max Von Sydow, el personaje de Quaid se verá absorbido por un experimento controlado por la Dra. Jane DeVries, a la que pone rostro y desigual convicción una Kate Capshaw que el mismo año se dejaba los pulmones de forma mucho más eficaz en ‘Indiana Jones y el templo maldito’ (‘Indiana Jones and the temple of doom, Steven Spielber, 1984).

Completando el reparto, el niño malo de la acción, un personaje horriblemente dibujado llamado Tommy Ray encarnado de teatrales maneras por David Patrick Kelley, el T.Bird de ‘El cuervo‘ (‘The crow’, Alex Proyas, 1994). Hasta su aparición, que más o menos marca el segundo acto del filme, la cinta se ha movido con interés en la presentación de los diversos “actores” de la trama y el ya citado planteamiento en torno al cual gira el filme, pero el esfuerzo del guión —escrito a seis manos por David Loughery, Chuck Russell y el propio Joseph Ruben— por que desde un principio sepamos que Tommy Ray es uno de los malos de la película comienza a abrir una brecha en la misma.

Aunque otro tanto pase con el personaje de Plummer, las tablas y lo comedido de su interpretación se apartan de la caricatura que es su mentorizado, encontrando el filme sus mejores momentos en los cara a cara del actor con Von Sydow y Quaid. Será éste último el que, con sus diversas incursiones en los sueños vaya animando un segundo acto resuelto con celeridad en el que hay lugar para el humor, el terror e inanes aproximaciones al erotismo, todo ello bajo la dirección de un Ruben que se mantiene en la sombra sin ningún atisbo de personalidad que sea digno de destacar algo que, lamentablemente, es extensible a su mediocre trayectoria.

Con la avance de la trama marcado por la estridente partitura que Maurice Jarre compone para la ocasión, la cinta encara el showdown: referencias a la guerra fría, la amenaza nuclear de ella derivada y el manido recurso del ansia por la acumulación de poder que termina desdibujando al personaje de Plummer, son los motores que impulsan la cinta hacia la onírica secuencia final, en la que Quaid y Kelley se ven las caras en unos dominios que el personaje del segundo controla a placer.

El tono apocalíptico en el que se enmarca dicho enfrentamiento, y el ¿consciente? homenaje a Ray Harryhausen que se saca de la manga el equipo de efectos visuales conforman los mayores atractivos de un clímax en el que la sensación de supuesto peligro que corren los personajes queda diluida por lo patético de la puesta en escena y el ¿inconsciente? humor que deviene de ver a Tommy enfundado en un kimono negro y usando unos nunchakus (sic). A partir de ahí da todo igual, tanto que los buenos salgan airosos como que los malos pierdan la razón, no dejando el chiste final lugar a dudas acerca de la gran broma que es un filme simpático y poco más.

El estreno de la notable ‘Hard Candy‘ (id, 2005) hizo que muchos cinéfilos tuvieran grandes esperanzas en los siguientes trabajos detrás de las cámaras de David Slade, pero las dudas no tardaron en llegar. A la decepcionante ‘30 días de oscuridad‘ (‘30 Days of Night’, 2007) le siguió ‘La saga Crepúsculo: Eclipse‘ (‘The Twilight Saga: Eclipse’, 2010), la, eso sí, entrega menos mala de una cuestionable franquicia que hace unos meses llegó a su final. Sólo sus trabajos televisivos en series como ‘Breaking Bad‘ (2008-2013) o ‘Hannibal‘ (2013-En emisión) ayudaban a mantener la fe en Slade, pero acaba de confirmarse su retorno al cine con ‘The Widow‘.

David Slade regresará al thriller psicológico con ‘The Widow’, ya que nos contará la historia de una joven mujer que inicia una amistad con una viuda solitaria, pero las cosas se complican cuando descubra que su primer encuentro estuvo lejos de ser una simple coincidencia. Del guión se ha encargado Ray Wright, el hombre detrás de los libretos de cintas como ‘The Crazies‘ (id, Breck Eisner, 2010) y ‘Expediente 39‘ (‘Case 39’, Christian Alvart, 2009), un bagaje un tanto desigual que despierta ciertas dudas sobre lo que pueda haber hecho en ‘The Widow’. Está previsto que el rodaje comience a finales de año, pero aún no se sabe la fecha exacta.

Vía | Hollywood Reporter

No había oído hablar de ‘Tú eres el siguiente’ (‘You´re Next’) hasta hace muy poco, y me sorprendió leer en un par de sitios que era una de las más películas esperadas del año. La siniestra imagen de unos tipos con máscaras de animales me llamó la atención, decidí informarme más y buscar el tráiler. Ahora entiendo por qué hay gente deseando verla. Más abajo os he dejado el avance, en inglés y con subtítulos en castellano. Si os gusta el cine de terror, no os lo podéis perder.

Aunque ‘Tú eres el siguiente’ es una producción de 2011 se estrenará finalmente este verano, tanto en EE.UU. como en España; concretamente, Filmax nos la traerá el 30 de agosto. El film se enmarca dentro del subgénero de los asaltos domésticos, en la línea de ‘Funny Games’ (M. Haneke, 1997), ‘Los extraños’ (‘The Strangers’, Bryan Bertino, 2008) o ‘Secuestrados’ (Miguel Ángel Vivas, 2010). La historia, escrita por Simon Barrett, se centra en una reunión familiar que es interrumpida por la llegada de un grupo de asesinos enmascarados.

De la dirección se encarga Adam Wingard —‘A Horrible Way to Die’ (2010), el segmento “Q Is for Quack” de ‘The ABCs of Death’ (varios, 2012)— mientras que el reparto, sin caras conocidas, está encabezado por Sharni Vinson, Ty West, Barbara Crampton, Amy Seitmetz y Rob Moran, entre otros.

PD: La película tiene una valoración de 6,6 en IMDb y alcanza el notable en la exigente Metacritic.