Favoritos de los expertos de djalma en Blogdecine http://www.blogdecine.com/usuario/ seleccionado por los expertos de djalma http://www.blogdecine.com <![CDATA[Oleg Sentsov, cineasta, condenado a 20 años de prisión]]> http://www.blogdecine.com/noticias/oleg-sentsov-cineasta-condenado-a-20-anos-de-prision http://www.blogdecine.com/noticias/oleg-sentsov-cineasta-condenado-a-20-anos-de-prision Tue, 25 Aug 2015 13:31:49 +0000 seleccionado por los expertos de djalma Oleg Sentsov

El cineasta ucraniano Oleg Sentsov ha sido condenado por un tribunal militar ruso a veinte años de prisión por delitos de terrorismo, entre ellos el derribo de una estatua de Lenin y prender fuego a las oficinas de una organización pro-rusa en Crimea.

El gobierno ucraniano asegura que se trata de un gesto político por el conocido activismo de Sentsov en favor de Ucrania y en contra de la anexión. El realizador asegura que es inocente y por su parte, la Academia del cine Europeo ha pedido su liberación, con el apoyo de cineastas como Pedro Almodóvar o Mike Leigh. La única película dirigida por Sentsov es ‘Gámer’ (2011) un drama sobre un adolesente obsesionado con los videojuegos.

Las noticias, tristes, se suman a las condenas de cineastas por razones políticas. El caso más reciente (y me temo que no el último) fue el del cineasta Jafar Panahi, censurado y perseguido por el gobierno iraní.

Via | Screendaily

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<![CDATA[Sam Peckinpah, elegíaco (1)]]> http://www.blogdecine.com/reflexiones-de-cine/peckinpah-elegiaco-1 http://www.blogdecine.com/reflexiones-de-cine/peckinpah-elegiaco-1 Fri, 21 Aug 2015 13:15:59 +0000 seleccionado por los expertos de djalma Vlcsnap 2015 08 11 17h40m15s587

De ‘Pat Garrett y Billy The Kid’ (Pat Garrett and Billy The Kid, 1973) me asombra todavía la valentía con la que Sam Peckinpah se propuso hacer una película de despedida y traición, sin apenas rastro de heroísmo, nobleza.

Es una película llena de limitaciones. No parece que existan las mujeres más que para complacer hombres y en su tono de elegía, la amistad entre machos parece lo único posible en un mundo despiadado.


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Es sabido que Peckinpah modificó el guión que firma Rudolph Wurlitzer. La película empieza con Garret, encarnado por James Coburn, siendo asesinado por los hombres que, sabremos luego, son aquellos para los que decidió trabajar.
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Pero esta es una película de gente diciendo adiós, Peckinpah está, por eso mismo, verdadderamente trágico, casi tanto como en la anterior ‘Grupo Salvaje’ (The Wild Bunch, 1969).
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Por ejemplo, compone a sus personajes en entornos sucios, vacíos, más bien vulgares. Sus planos generales vacian, nunca engrandecen.
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Un lugar donde morir

La secuencia más famosa, donde se convoca el tema de la banda sonora de Bob Dylan, es también una de las más más hermosas. Peckinpah imagina una mujer distinta, de armas tomar, que luchan junto a Garrett, a modo de favor, para capturar a Billy el Niño. El sherif Baker, al que da vida Slim Pickens y su esposa,interpretada por Kathy Jurado, tendrán un rol breve en la historia, pero eso no es para Peckinpah una excusa o una secuencia transitoria. De hecho, protagonizan una de las más hermosas, si no la más.

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Es hermoso como aquí el plano general es solamente de despedida. Es asombroso como Peckinpah respeta los puntos de vista – tres – mediante planos medios para dotarlos de emotividad. La figura siempre permanece en medio y es de hecho, el plano general – omnisciente, metafórico – el que rompe y barroquiza la imagen de la muerte – el hombre cruza el río para morir, y también se dirige a él para marcharse con lo que queda de dignidad.

Porque esta es una película donde todos dicen adiós, adiós, adiós.

Otra crítica en Blogdecine:

Sam Peckinaph: ‘Pat Garrett y BIlly the Kid’

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<![CDATA[Algunas objeciones a 'Perdida' ('Gone Girl')]]> http://www.blogdecine.com/reflexiones-de-cine/algunas-objeciones-a-perdida http://www.blogdecine.com/reflexiones-de-cine/algunas-objeciones-a-perdida Thu, 06 Aug 2015 08:20:48 +0000 seleccionado por los expertos de djalma Vlcsnap 2015 08 06 02h30m04s623

Adaptada por su propia autora, Gillian Flynn, en realidad ‘Perdida’ (Gone Girl, 2014) es una película relativamente extraña para David Fincher. También es aparentemente perfecta.

La película es un thriller que sigue la acusación de Nick Dunne, encarnado por Ben Affleck, del asesinato de su esposa Amy, a quien da vida una Rosamund Pike en obvio deje británico y hitchockiano. Aunque finalmente es ella quien ha planeado todo, como venganza al marido, la trama, como parece inevitable, se complicará.


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Por supuesto ‘Perdida’ es, pretendidamente, una sátira del matrimonio, ya en la premisa: la idea de que la esposa es la más letal extorsionadora del marido. Pero ¿de qué trata la sátira? ¿Y dónde están sus límites?

La sátira y sus contextos

La sátira es, en su forma literaria, una eficaz forma de moralismo. Jonathan Swift, uno de los más audaces, usaba la sátira para la denuncia clara de un problema. El cine no es ajeno a la sátira ¿qué es si no ‘Tiempos Modernos’ (Modern Times, 1936) si no un ataque directo a una etapa del capitalismo?

Pero Fincher está aquí entrando en el matrimonio y sus límites, así que su territorio está, por así decir, más cercano al de Alfred Hitchock, cuyas películas si incluían sátira (nada infrecuente) sobre la vida en pareja.

Pero ‘Crimen Perfecto’ (Dial M For Murder, 1954) o ‘Extraños en un tren’ (Strangers on a train, 1951) giraban alrededor de la culpa también. En una sociedad menos permisiva, y ajena al divorcio como conducta aceptable, Hitchock ironizaba con el peligro de los deseos de un modo tan conservador como provocador
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En una sociedad con el divorcio naturalizado, con modos de vida posteriores a la píldora y la revolución sexual, Fincher construye una fábula donde una mujer impiadosa que se esfuerza en torturar a su marido eternamente es, de hecho, algún tipo de sátira. Supongamos que sí ¿qué sátira? Una bastante estúpida y conservadora.

Conservadurismo y matrimonio

No me parece que el problema de Fincher sea solamente ofrecer una versión negativa del ser humano. Me parece que su versión negativa es profundamenete estúpida. Tomemos, por ejemplo, un gran clásico nihilista, ‘Lunas de Hiel’ (Bitter Moon) donde Roman Polanski juega a colocarnos como espectadores de un matrimonio lleno de violencia (verbal y física) y un ejercicio sostenido de crueldad.

Pero Polanski es una imaginación adulta y no cree que presentando en dos escenas baste con conocer a los personajes. Nos invita a simpatizar con ellos cuando se llevan a los límites y para cuando el uno empieza a ser cruel con la otra, estamos deliberadamente a merced del director. Al final, observando la ironía, Polanski da fuerza a su tesis.
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La revelación más importante de la película se produce al cabo de una hora, lo que distancia a la Flynn guionista de la escritora. Lo que era divertido en el libro – la lectura de los dos diarios, el manipulado y el certero – es aquí particularmente tedioso. Ni siquiera el tropezón con los ladrones de poca monta es irónico. Nadie parece existir más allá del cliché redomado. Las mentiras no se ven devoradas por lo que ha sucedido, así que el juego no tiene como base lo real. Amy inventa y hace y deshace y se declara, pero rara vez existe.

Y de hecho de haber una denuncia, algo que sus defensores parecen ignorar, se hace al poder que tienen las mujeres en una sociedad donde se mediatizan y sensacionaliza la violencia respecto a los hombres. ¿Pero qué ironía deteteca Fincher en él? Ni siquiera su infidelidad – un vago lugar común sobre escritore y ego – es creíble en pantalla.

Una dirección equivocada

La dirección de Fincher también es particularmente inadecuada. No se trata solamente de que no respete los propios presupuestos del guión de Flynn, es que rueda toda la película con el mismo y monocorde tono. Sus actuaciones, pese al brillo de Pike, no son demasiado mejores.

Tomemos varios ejemplos. El estilo de Fincher no siempre es inadecuado y a ratos hay aquí una película interesante.

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Tomemos este plano medio donde da peso a lo que sucede – sencillamente expresando a sus personajes en su lugar más hipócrita, desde un espacio cerrado.

Como muchos cineastas estadounidenses contemporáneos, Fincher acorta la duración de los planos. Sin embargo, el problema es precisamente su absoluta y aparente expresividad. Celebrado por su perfeccionismo, en realidad ésta es una película completamente inadecuada en su énfasis y aburrida en su exceso visual. Voy a concretar un ejemplo. Tomemos una escena de transición donde la detective, Rhonda Boney investiga la casa del acusado Nick.

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Fincher combina los planos laterales con los medios. Pero no da información relevante. Solamente adorna el diálogo. Con lo cual ¿a qué refiere su énfasis? Ni siquiera es una pista central. El énfasis nos distrae del diálogo, tampoco se añade nada a los caracteres de sus personajes.

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De modo similar cuando la policía observa cotilleos, Fincher pasa de su punto de vista, riguroso en la composición, a otro plano diluyendo el punto de vista en un énfasis que no es tal. Al rodar cada escena con el mismo grado de estilización y un ritmo demasiado compacto, toda la película pierde cualquier sutileza estilística.

Todo está sobreenfatizado. Y con ello nada tiene, de hecho, demasiada importancia.

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<![CDATA[Entrevista a Borja Cobeaga, director de 'Negociador': "Es más cómodo reducir esto a supervillanos"]]> http://www.blogdecine.com/entrevistas/entrevista-con-borja-cobeaga-es-mucho-mas-comodo-pensar-que-todo-esto-trata-de-supervillanos http://www.blogdecine.com/entrevistas/entrevista-con-borja-cobeaga-es-mucho-mas-comodo-pensar-que-todo-esto-trata-de-supervillanos Thu, 19 Mar 2015 12:17:08 +0000 seleccionado por los expertos de djalma Cobeaga 2

Borja Cobeaga nació en San Sebastián en 1977. Su carrera vive ahora un gran momento: junto a su colaborador habitual, Diego San José, es coautor del guión del gran hit del cine español, ‘Ocho apellidos vascos’ (id, 2014). Se encuentra trabajando en la secuela mientras se estrena su última película, ‘Negociador’ (id, 2015).

Junto a San José ha escrito también sus dos primeros largometrajes, ‘Pagafantas’ (id, 2009) y ‘No Controles’ (id, 2011), comedias románticas caracterizadas por la melancolía y una feliz tendencia a presentar al hombre en una galaxia más cercana y menos idealizada. La carrera de Cobeaga comienza antes. Hizo cortos en la universidad pero el primero en adquirir notoriedad fue ‘La primera vez’, nominado al Goya en el año 2001. Poco después empezaría a trabajar en el programa de humor vasco ‘Vaya Semanita’ donde romperían tabúes sobre qué es materia de chiste o no.

Ya en ‘La primera vez’ encontramos las características de su cine posterior. Protagonizado por Mariví Bilbao y Aitor Beltrán, narra el frustrado desvirgamiento por parte de una anciana con un muchacho. En un giro final típico de Cobeaga será el hombre joven, en apariencia la fuente de vitalidad, el que falle.

Su siguiente cortometraje fue ‘Éramos pocos’ (2005), nominado a un Oscar. La historia de dos hombres débiles e interesados en no hacer sus tareas domésticas se encontraba con un final conmovedor, donde el equívoco era finalmente un gesto de amor.

Pero además de dos largometrajes, ha sucedido el éxito inesperado de su libreto. Cobeaga se ha convertido en una suerte de centro de la comedia romántica española, sin pretenderlo probablemente.

Y la película que estrena ahora es ‘Negociador’. La escribe en solitario y vuelve a un tono diferente. La película trata de las negociaciones por la paz con ETA desde el punto de vista de un lacónico político que debe encarar las conversaciones y que, conforme avanza la historia, se revela como una suerte de hombre heroico que soporta una existencia que le quema.

Cobeaga

Es divertida, pero no obvia. Nuestra conversación trata sobre la comedia y sobre cómo explicar o narrar esta situación en la que un hombre se sienta a tratar con otros que han matado y aterrorizado a otros de su sociedad.

Entrevista a Borja Cobeaga:

Cobeaga 1

  • Es inevitable preguntar por la génesis del proyecto. Quienes seguimos tu carrera leímos durante mucho tiempo sobre Fe de Etarras, una comedia que nunca llegó a realizarse. ¿Cuál es la relación de Negociador con Fe de Etarras? ¿Es una un derivado de la otra?

Son proyectos diferentes. Fe de etarras es un proyecto de Diego San José y mio, una comedia abierta, más alocada sobre un comando en su piso. Es como Friends pero con un comando. Negociador sale de un sitio completamente diferente y es un proyecto personal mío, muy posterior. Tras terminar ‘No Controles’, nos centramos en Fe de Etarras e intentamos ponerla en marcha, vimos que había dificultades y lo dejamos. Ahora hay productoras interesadas, pero no lo veo posible, tenemos la agenda muy llena de proyectos. ‘Negociador’ fue un proyecto más personal desde el principio.

  • Creo que también resulta inevitable preguntarte por ‘Four Lions’, la comedia vitriólica de Christopher Morris donde el yihadismo era materia de humor y situación desmelanada. ¿La tuviste en cuenta para hacer ésta película, aunque fuera como modelo a evitar?

El desarrollo de fe de etarras si que estuvo influido por Four Lions. Diego y yo vimos que era mucho mas salvaje que cualquier cosa que pudiéramos llegar a imaginar. Desde luego nuestro toque costumbrista no tenia nada que ver. Se trataba de una comedia con un tono y una propuesta muy diferente

Cobeaga 1

  • ‘Negociador’ parece un regreso a los inicios. Frente a la estética más clásica e incluso espectacular de ‘No Controles’ (id, 2010), volvemos a encontrar una película más íntima, como tu cortometraje ‘Éramos pocos’ ¿Fue una decisión de dirección deliberada?

Antes de la historia de negociador estaba el tono. En la eleccion de Ramón Barea, había una decisión estética, no va a ser un tipo joven, no va a ser una estrella de deslumbrón, un gran actor y punto.

Sí, quería volver al estilo de ‘Éramos pocos’. Justo después de hacer ‘No Controles’ supe que me gustaba hacer comedias alocadas pero me pregunté por qué no hacía una comedia melancólica, por que no hacer un largometraje así como mi cortometraje inicial.

Influencias en ‘Negociador’

  • Has hablado varias veces de tu admiración por Billy Wilder. Y me parece muy wilderiano el rol de Carlos Areces, quien cambia completamente de registro. Ya no encontramos al Areces divertidísimo y explosivo, su registro es más complicado y sutil que eso. Casi amenazador.

Me contaron que Thierry era un tipo campechano, sociable incluso simpático pero que en un momento determinado podia hacer click y convertirse en un tipo desagradable y sombrío incluso. Y creo que con Carlos buscaba justamente eso, que tuviera simpatía pero que luego tuviera ese giro. También había trabajado en una tv movie llamada Aupa Josu y ahí me demostró que era capaz de cualquier cosa. También pude verlo antes, en ‘Balada triste de trompeta’.

  • Aunque has escrito y has demostrado conocer sobradamente la comedia clásica, me parece que ‘Negociador’ es una película más europea. He pensado en algunos trabajos de Marco Ferreri. ¿Crees que hay algún tipo de influencia?

Es verdad que justamente esas comedias no me parecen evidentes, es el género de comedia no evidente el que precisamente cultiva Marco Ferreri, especialmente en las películas que escribió con Rafael Azcona. También me he fijado en peliculas americanas, como las de Hal Ashby, ‘Bienvenido mister Chance’ es la más clara, o las últimas de Alexander Payne, especialmente ‘Nebraska’. Pero las de Ashby y Payne son películas muy europeas, claro. Había un afán de hacer una comedia muy personal. ni chistes evidentes ni comedias con subrayados. Además de Ferreri también tuve en mente a otros grandes maestros italianos a los que sigo, como Dino Risi o Pietro Germi. En esas comedias he aprendido mucho.

Cobeaga 1

  • Revisando estos días películas de Bergman me he dado cuenta de lo extraordinariamente divertido que es en momentos tremendamente dolorosos. Y conoces bien el género dramático, donde terminas encontrando humor, pese a que nuestra manía de clasificar nos indique lo contrario. ¿No hay mucho de drama refinado en ‘Negociador’?

Cualquier situación aunque sea muy dramática tiene mucho humor. Es verdad que muchisimos actores muy dramáticos le sacan punta al humor por realismo. En Negociador la comedia no surge de una voluntad cómica si no de aislar cierto sdetlales, desde una perspectiva muy realista y no humoristica. Es verdad que muchisimos dramas contienen mucha comedia. Orson Welles contaba en su autobiografia que estaba viendo ‘El Proceso’ en la cinemateca de París y se estaba riendo a carcajadas y la gente le miraba. Me pasa lo mismo con las películas de Mar Coll, que me parecen divertidisimas y no creo que a nadie más se lo parezcan.

Mar Coll

  • Las películas de Mar Coll son extraordinarias. Hay una escena en ‘Tots volem el millor per ella’ (2014) donde cuenta algo tan desagradable como el probable adulterio del compañero de la protagonista con la cuñada con una sutileza bestial. Y al mismo tiempo, compartís una mirada sobre las relaciones familiares y narrar situaciones incómodas, cotidianas, a ratos de humillación

Mar es mi mejor correctora de guiones. De hecho, me pasa informes de ocho páginas y le hago caso en muchísimas cosas y es verdad que creo que compartimos esa curiosidad por contar ese tipo de cosas. Se trata de poner el foco de la cámara en situaciones que no son centrales, es ahí donde sacas la punta de los personajes, y justamente sabes más sobre ellos.

  • Ya que hablamos de Coll y de ti, me parece que un rasgo que tenéis en común es que habéis decidido explicaros social y políticamente, algo que os diferencia del resto de cineastas. Las películas de Coll tratan sobre una clase media catalana y barcelonesa incluso, muy reconocible. Las tuyas tienen a Euskadi en el punto de vista. ¿Eres consciente de esta dimensión o conciencia?

Quizás la mayor eclosión fue cuando estaba en Vaya Semanita. Allí aprendí a fijarme en lo que estaba en la calle como una Cobra y también a romper con una serie de cosas que no pensaba que si podían hacer en Euskadi. Allí aprendí mucho. Y después está la necesidad de contar a los secundarios, retratar a los que no suelen estar en pantalla. Es verdad que es el tiempo que me ha tocado vivir, pero de todos modos es el material que más me emociona.

Cine y terrorismo

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  • ‘Negociador’ es una película con un punto de vista claro, sigue a un personaje. Pero sin embargo el tema presenta una complicación adicional. ¿Cómo contar esta historia y quien debe ser el hilo? Trata, al fin y al cabo, de unos asesinos y de quien negoció con ellos para alcanzar la paz.

Admiro cada vez más las peliculas de unitrama, sin tramas secundarias, algo que no sea televisivo (donde hay una trama laboral, otra sentimental). Eso me interesaba desde el principio. La mayoría de material que había consultado era de Jesús Eguigueren, y en último lugar, respecto a la humanización de terroristas, sé que es más cómodo y fácil creer que son asesinos fríos y no tienen ningún rasgo de humanidad. Mi experiencia es diferente ya que he conocido a simpatizantes de ETA de lo más corrientes, pese a no saber nada de su tendencia política hasta al cabo de seis meses. Lo que pude ver es que eran personas como cualquiera de nosotros.

Arendt

  • Pero en el aspecto ético Negociador me parece muy clara. Es conocido el diagnóstico de la filósofa judía Hannah Arendt donde se habla de la banalidad del mal, y su texto Eichmann en Jerusalén que justamente trata de eso, de como uno de los más viles dirigentes nazis era, a ojos de Arendt, una persona vulgar, nada temible. De hecho, ése me parece el tema de la película: la banalidad del mal.

¡Vaya, sí! Cuando vi la pelicula de ‘Hannah Arendt’ me atrapó mucho por eso. Después estuve leyendo sobre ella y pensé que estaba en lo cierto. Es mucho mas cómodo por eso mismo pensar que todo esto trata de supervillanos y personas con colmillos o cuerno y rabos. Pero todo esto va de tipos eficaces desideologizados que buscan méritos y creo que eso está muy bien retratado en ‘Michael Clayton’ donde la malvada no parece sacada de James Bond si no que se trata de una ejecutiva trepa muy mediocre, y que tira hacia adelante sin saber las barbaridades que comete.

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  • Para terminar y ya que hemos hablado de Arendt, quien hubo de enfrentarse con muchas críticas por su condición de judía escribiendo sobre verdugos antisemitas en un tono arriesgado ¿Temes un recibimiento polémico o acalorado por el tema que tratas?

Es verdad que es una película que puede sonar fuerte, un cocktail arriesgado: comedia, negociación, ETA. Pero a la hora de la verdad la pelicula no pretende polemizar ni parecer muy transgresora. Lo que me interesa es el punto de vista humano y sobre todo el contraste entre la solemnidad del discurso y la realidad de andar por casa. Al menos eso fue lo que vi.

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<![CDATA['El Francotirador', un mito roto]]> http://www.blogdecine.com/criticas/el-francotirador-un-mito-roto http://www.blogdecine.com/criticas/el-francotirador-un-mito-roto Tue, 03 Mar 2015 17:15:28 +0000 seleccionado por los expertos de djalma American 0

La última película de Clint Eastwood, ‘El Francotirador’ (American Sniper, 2014) es sugerente, qué duda cabe, pero también problemática. Mi intención es leer esta película en la misma línea que ‘El Lobo de Wall Street’ (The Wolf Of Wall Street, 2013): como trabajos de maestros cansados en donde las elecciones subjetivas son problemáticas.

Tanto Martin Scorsese como Eastwood, significativamente, no escriben sus guiones lo que, a mi parecer, los deja siempre a merced de sus materiales. Eastwood, es sabido, suele cambiar algunos de sus trabajos y exigir retoques. Sin embargo, aquí está, como dijo mi compañero Zorrilla, probando que no es infalible.

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La película narra la historia de Chris Kyle partiendo de su autobiografía. La historia se inicia cuando el francotirador está a punto de disparar a una mujer y un niño árabes – afganos o iraquíes presuntamente – que están cogiendo un misil para atacar a sus compañeros.

Interpretado por un espléndido y nada sobreactuado Bradley Cooper, Kyle se nos presenta como un niño de una família estricta educado en términos simples por su padre. Para cuando crece, es un cowboy indiferente junto a su hermano hasta que se alista en los Navy Seals. Conoce pronto a Taya, y se casará con ella. Sienna Miller tiene poco que hacer con su rol de esposa, además de gritar clichés sentimentales y parecer íntima; el director tampoco aprovecha su talento.
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El 11 de Septiembre le da un propósito y su fama heroica, algo exagerada, le da un valor mítico. Su destino es ahora matar árabes y salvar a sus compañeros. “Perros, ovejas y lobos” como hubo oído siendo niño será el eslogan que seguirá. Un letal francotirador será la némesis que perseguirá en cada uno de los despliegues.

Los problemas de la subjetividad

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Durante la primera hora pude aceptar esta película como relato subjetivo de un hombre que, efectivamente, es un psicópata que no se entera de nada. Mientras su hermano o compañeros terminan enloquecidos, el francotirador, impasible, cumple con su trabajo.

Pero esta historia me parece éticamente reprobable en sus énfasis y hasta en sus notas ambiguas, que existen. El principal argumento de defensa de la película, esgrimido por Carlos Reviriego y otros críticos, asume que Eastwood es ambiguo y no está a favor de la guerra.

Bien. Volvamos sobre ‘El sargento de hierro’ (The Heartbreak Ridge, 1986) una de sus más divertidas y livianas películas. Toda la película bordea la parodia, cuando no la acepta.: el entrenamiento, el lenguaje de las figuras masculinas…
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Pero en el fondo, eso es lo que la hace atractiva. Lo mismo sucede aquí.: aunque sea el punto de vista del protagoniste, el cine es un medio de comunicación de masas. ¿Tiene el cine que seguir representando a los árabes con cánticos religiosos y como sujetos deshumanizados y asesinables? ¿Puede ser que en una película de invasores la mayor disyuntiva sea el protagonista no queriendo matar a otro niño – que indudablemente se posiciona contra los marines americanos pero finalmente desiste – y no otra cosa?
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El cine tiene interlocutores y el principal de esta película es el público estadounidense, que ha respondido en masa. Ese público ¿tiene que escuchar otro relato de un hombre herido que dio la vida por su país? Eastwood viola su punto de vista al presentar a un villano digno del cine de Chuck Norris: un villano malvado, invencible, que da saltos por los tejados y no tiene piedad. Se salta así su pretendida narración subjetiva para presentar a un villano visible y bien cruel. ¿Qué otra intención hay en esos alarmantes cambios de punto de vista?

¡Incluso el único árabe amable que aparece es el traidor que guarda las armas!

Final sin dudas

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Hay, por supuesto, una última ironía. Con una elipsis equivocada e injustificable, Eastwood hace que Kyle supere su regreso de la guerra, aunque el único problema que parece tener tras ella es su vuelta. En seguida vuelve a ser el marido, el padre, el hombre vitalista del principio. Pero será otro veterano el que lo mate.
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Pero las imágenes finales, con el largo desfile de coches en Dallas, son documentales, reales.: No hay duda en el cineasta norteamericano. Quiere usar un fragmento de la realidad cuando le conviene.

Película problemática, repetitiva en su concepción y finalmente simple.: en este agotamiento no hay sabiduría ni perspectiva alguna. Tampoco un retrato psicológico de hondura o interés.

Y diré más.: favorecer la deshumanización del otro, entiendo que el cine con ambición artística no debe hablar el mismo lenguaje parcial y sensacionalista que los medios de comunicación parciales, no es un argumento válido cuando hablamos de narración subjetiva.

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Las personas, y esto es sabido, ni hablan ni sienten como un informativo de derechas sobre villanos iraquíes, aquí tratados como salvajes en un contexto donde, por supuesto, no debe ni mencionarse que están actuando de manera insurgente. Esta parcialidad no debe ocultar el lenguaje audiovisual que representa y monta y escoge qué cosas se oyen y cuales no.

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<![CDATA[Sobre la marcha: Terrence Malick y 'Knight of Cups' ]]> http://www.blogdecine.com/reflexiones-de-cine/sobre-la-marcha-terrence-malick-y-knight-of-cups http://www.blogdecine.com/reflexiones-de-cine/sobre-la-marcha-terrence-malick-y-knight-of-cups Tue, 03 Feb 2015 11:01:21 +0000 seleccionado por los expertos de djalma Knight of Cups

Son conocidas las declaraciones de Christopher Plummer donde se muestra crítico con el método de trabajo de Terrence Malick. El actor explica que cree que Malick necesita un escritor y que nunca más trabajará con él.

Con todo, tiene la educación de expresar admiración por sus películas. Recientemente, Antonio Banderas explicó como trabajó en ‘Knight of Cups’ (id, 2015) y de qué manera. Todavía no está seguro de cual es su rol. Todo esto parece darle la razón a los cuñaos. Uno puede oír en la voz del clásico cinéfilo, el eterno cuñao, que Malick “va de artista” y, despreciativamente, “improvisa” porque “no tiene nada claro”.

To The Wonder

También oímos la probable parodia de un Joaquín Reyes: ¡Hola! ¡Soy Terrence Malick! Artista libérrimo del cine. Ponte en el charco ahí, que ya verás, cinco planazos del cielo te meto.

Toda esta crítica tendría sentido si Terrence Malick fuera, efectivamente, un ingeniero o un doctor, alguien cuya labor práctica fuera, en esencia, lo que constituye su profesión. Sin embargo, todo lo que esta crítica nos dice es que preferimos destinos seguros y hay una fuerte corriente antiintelectual contra la duda, el desconcierto y la exploración en el cine.

Personalmente, me siento inclinado a confiar mucho en cineastas cuya hoja de ruta no conocen y que, durante la película, la van expresando. ¿Qué sería del Cine sin ellos? Jean-Luc Godard se obsesiona con captar la vida o con ensayar sobre materia cinematográfica, los resultados varian; Malick, en su última etapa, intenta conjugar temas grandilocuentes (por resumirlo: los cruces entre lo divino y lo humano) a partir de materiales disparejos.

Ensayo e incertidumbre

¿Por qué debería hacer más películas normales? ¿Es que acaso no estamos saturados de películas perfectamente escritas? ¿Y son eso una garantía de mayor rigor artístico? No demasiado. Son garantía, y solamente a veces, de un cierto entretenimiento. Es evidente que toda exploración conlleva errores.

Me interesa más ‘To the wonder’ (id, 2012) con su Dios perdido entre la conciencia de una expatriada y un americano que la visión del suburbio norteamericano como Paraíso y la madre de antaño como la Virgen contenida en ‘El árbol de la vida’ (The tree of life, 2011).

Pero así como veo necesario clasificar las virtudes (la originalidad, la inteligencia, la amplitud de miras) también deberíamos empezar a clasificar los errores.

To The Wonder

Curiosamente, la última etapa de Malick es la ideológicamente más preclara.: es un cineasta cristiano obsesionado en volver, una y otra vez, a la posibilidad de un Dios redentor y omnisciente al que los humanos deban regresar.

La incertidumbre concreta de Malick afecta solamente a la naturaleza misma de su historia, a la narrativa, y no al terreno donde se mueve, lleno de las mismas ideas.

Es curioso porque su cine, en sus mejores y en sus peores momentos, sigue siendo un frágil equilibrio entre misterio y creencia.

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<![CDATA['The 9th Life of Louis Drax', primera imagen de Jamie Dornan en lo nuevo de Alexandre Aja ]]> http://www.blogdecine.com/carteles/the-9th-life-of-louis-drax-primera-imagen-de-jamie-dornan-en-lo-nuevo-de-alexandre-aja http://www.blogdecine.com/carteles/the-9th-life-of-louis-drax-primera-imagen-de-jamie-dornan-en-lo-nuevo-de-alexandre-aja Sat, 31 Jan 2015 21:59:10 +0000 seleccionado por los expertos de djalma Drax

Está claro que los productores de ‘The 9th Life of Louis Drax‘ han tenido muy en cuenta que apenas faltan unos días para el estreno de ‘Cincuenta sombras de Grey‘ para decidir que era el momento adecuado para lanzar la primera imagen que aquí os traigo de Jamie Dornan en esta nueva película de Alexandre Aja.

‘The 9th Life of Louis Drax’ supone el salto al cine de la novela ‘Las vidas de Louis Drax‘ de Liz Jensen cuya historia gira alrededor de la investigación que emprende un Doctor sobre un enigmático accidente que provoca que un niño acabe en coma, pero también en los sentimientos que van surgiendo por su parte hacia la madre del joven Louis. Del trabajo de adaptación se ha encargado el actor Max Minghella en su primera experiencia como guionista.

En su reparto también podremos ver a Sarah Gadon, Aaron Paul ¿le darán alguna vez un buen papel en la gran pantalla?, Molly Parker, Barbara Hershey y Oliver Platt. Por ahora se desconoce cuándo tendrá lugar el estreno de ‘The 9th Life of Louis Drax’

Vía | Shock Till You Drop

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<![CDATA['Resident Evil: The Final Chapter' se rueda este verano y llegará en 2016 ]]> http://www.blogdecine.com/noticias/resident-evil-the-final-chapter-se-rueda-este-verano-y-llegara-en-2016 http://www.blogdecine.com/noticias/resident-evil-the-final-chapter-se-rueda-este-verano-y-llegara-en-2016 Fri, 23 Jan 2015 21:10:10 +0000 seleccionado por los expertos de djalma

La franquicia ‘Resident Evil’ sigue viva. Así lo ha confirmado su estrella protagonista, Milla Jovovich, a través de un mensaje en Facebook: “Estoy muy orgullosa de mí misma por no haber ganado tanto peso como con nuestro primer hijo porque tengo que prepararme para rodar ‘Resident Evil – The Final Chapter’ en agosto y también estaré cuidando de un niño al mismo tiempo, ¡no quiero ponerme ninguna dieta extrema para estar lista y volver al modo “heroína de acción”!“.

Tras el inevitable éxito en taquilla de la quinta parte, ‘Resident Evil: Venganza’ (‘Resident Evil: Retribution’, 2012), Sony dio luz verde a una otra secuela prevista para 2014, de nuevo con la actriz al frente del reparto y su marido, Paul W.S. Anderson, como director. Otros proyectos, tanto profesionales (‘Pompeya’ de Anderson) como personales (el segundo embarazo de Jovovich) retrasaron la producción, en la que también repite Wentworth Miller y cuyo estreno tendrá lugar el 2 de septiembre de 2016.

A pesar del título, cuesta creer que ‘Resident Evil: The Final Chapter’ sea la última película basada en la saga de videojuegos de zombies (por cierto, ¿habéis visto el tráiler de ‘Dead Rising’?), lo más probable es que el plan sea acabar esta historia con otro clásico del subgénero Jovovich-Anderson y poner en marcha un reboot. Bueno, más vale tarde que nunca…

PD: Curiosamente, las dos últimas grandes aportaciones al cine de muertos vivientes (realizadas por Zack Snyder y Edgar Wright) nos llegaron en 2004. ¿Habéis visto otra posterior a ese nivel?

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<![CDATA[Alfred Hitchcock: 'Marnie, la ladrona']]> http://www.blogdecine.com/criticas/alfred-hitchcock-marnie-la-ladrona http://www.blogdecine.com/criticas/alfred-hitchcock-marnie-la-ladrona Tue, 20 Jan 2015 07:01:14 +0000 seleccionado por los expertos de djalma Marnief1

Tras filmar ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960) Alfred Hitchcock anunció que su próximo película sería la adaptación del libro de Winston Graham que terminaría siendo ‘Marnie, la ladrona’ (‘Marnie’, 1964), y que la misma estaría protagonizada por Grace Kelly, en lo que sería su regreso triunfal al gran cine. El anuncio creó una gran expectación y Hitchcock no cabía de felicidad en sí mismo, hasta que el príncipe Rainiero, alegando problemas en Mónaco, mostró su desacuerdo y todo quedó en nada.

El director británico, claramente decepcionado, abandonó el proyecto y se centró en el que sería su siguiente éxito, ‘Los pájaros’ (‘The Birds’, 1962). En dicho rodaje conoció a Tippi Hedren, de la que enseguida quedó prendado –su pasión por las rubias− y no tardó en ofrecerle a Hedren el papel que le inmortalizaría, el de la cleptómana y frígida Marnie, en una de las películas de su director consideradas menores durante mucho tiempo, y a la que el paso del tiempo creo que ha colocado en su justo lugar, al lado de las mayores.

Hitchccok siempre pensó que su película le había quedado a medias, no totalmente conseguida, que la pasión y deseo que el protagonista masculino –Sean Connery en un acierto absoluto de casting, después de que director y productores vieran algunas escenas del primer Bond de Terence Young− estaba tan conseguida como el mostrado por James Stewart en ‘Vértigo’ (‘Vertigo’, 1958). Sin embargo, creo que Hitchcock dio un paso muy coherente en su filmografía.

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Un historia de deseo

Al igual que en sus dos obras anteriores, las relaciones maternofiliales tienen una poderosa presencia en el relato. Norman Bates, influenciado por su madre muerta, en ‘Psicosis’, o la extraña relación de dependencia por parte de la madre del personaje de Rod Taylor en ‘Los pájaros’. En ‘Marnie, la ladrona’ da una vuelta de tuerca más, y sin tratar de ser profundo en los aspectos psicoanalíticos, algo que muchos han visto como un defecto, Hitchcock vuelve a demostrar su dominio de la cámara, de la imagen, de forma apasionante, con rabia, en una historia de amor hacia la que prácticamente es obligada a ir la protagonista.

Porque después de un primer tramo de presentación de personajes –iniciado por la excelente secuencia de montaje paralelo de una mujer a la que nunca vemos la cara con la denuncia policial de un robo, de rasgos cómicos, los únicos de todo el film− y escenas de tensión máxima como la del robo –conseguida con una sencilla mezcla de planificación y uso del silencio−, viene un muy retorcido juego de seducción por parte de Mark (Connery) que encuentra muy atrayente a una cleptómana, detalle tan interesante como perturbador, definiendo al personaje masculino como un cazador.

Dicho juego tiene su clímax en una de las violaciones más elegantemente filmadas de toda la historia del cine, y que tiene lugar en el barco donde la pareja está pasando sus vacaciones, mientras ella intenta desaparecer de la vida de Mark, y él se siente más y más fascinado por una mujer con secretos de infancia –otro de los elementos característicos del cine de Hitchcock, los recuerdos, ergo, los sueños−, y cuyo encuentro con un hombre que no la va a juzgar a la ligera por su condición de ladrona, irá cambiando su estado de ánimo, hasta el punto de enfrentarse a sus miedos más ocultos.

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‘Marnie, la ladrona’ supuso la última colaboración entre el maestro y uno de sus colaboradores habituales, el insigne Bernard Herrmann –el compositor por excelencia de música puramente cinematográfica−, quien viste adecuadamente muchos de los momentos del film. A destacar la estampida de Marnie a lomos del caballo que concluirá con una terrible decisión y que funciona a modo de alegoría: destruir lo que más se ama.

Robert Burks vuelve a bañar de luminosidad la obra de Hitchock, con decisiones tan efectivas, por sencillas, como el viraje de color cuando Marnie ve el color rojo. En el montaje George Tomasini, que fallecería ese mismo año, con instantes tan milimétricamente medidos como el del interrogatorio/terapia por parte de Mark a Marnie en el camarote del barco. Una vez más el lenguaje cinematográfico demostrando la vital importancia de la narración fílmica por encima de cualquier línea de diálogo.

La película parece concedernos un falso final feliz con ese plano de los niños jugando delante de la puerta del hogar materno de Marnie, enfocado el tiempo suficiente como para inquietarnos y dejarnos pensando. Otra de las obras maestras de su director, quien firmaría una de sus películas-isla más destacables. Al año siguiente, con los muy de moda Paul Newman y Julie Andrews comenzaría otra etapa en su filmografía.

Especial Alfred Hitchcock en Blogdecine:

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<![CDATA[Revisitando 'Doce Monos']]> http://www.blogdecine.com/criticas/revisitando-doce-monos http://www.blogdecine.com/criticas/revisitando-doce-monos Mon, 19 Jan 2015 18:25:10 +0000 seleccionado por los expertos de djalma Twelve Monkeys

Hay algo redundante en volver a ver ‘Doce Monos’ (‘Twelve Monkeys’, 1995): es una película sobre recuerdos del pasado a los que volvemos una y otra vez, y es una película que también conforma mi propio pasado.

La película tenía fama de extraña durante mi adolescencia y algunos de mis amigos y yo la descubrimos y adoramos sin entender muy bien por qué razones: sabíamos que Bruce Willis, de protagonista, no se parecía a sus otros papeles, sabíamos que había algo extraño y trágico en el final, nos fascinaba la historia y sus pistas sin respuesta.

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No resulta extraño que haya inspirado una serie de televisión: su estructura de misterio es perfecta para un sinfín de continuarás y la ciencia ficción no lineal ya tiene acreditada su valía en el medio desde ‘Perdidos’ (Lost, 2004-2010).

El estilo de Terry Gilliam siempre me ha parecido fascinante, pero nunca necesariamente una bendición. Pongamos por caso una de sus películas más celebradas, ‘Brazil’ (id, 1985).

Ciertamente, durante casi dos tercios, la pelicula es inventiva.: plano a plano, idea a idea. Pero Gilliam se parece, al mismo tiempo, demasiado al Fellini tardío: sus películas terminan siendo encadenados de viñetas, sin un surrealismo lo suficiente potente en el todo para disculparlas.
Twelve Monkeys 2
Cuando encuentra un proyecto donde las viñetas se ajustan a una subjetividad, funciona. Como ‘Miedo y asco en Las Vegas’ (Fear and Loathing in Las Vegas, 1998). Pero su mejor película sigue siendo esta que, significativamente, no escribió.

Y el argumento parece, en principio, habitual de la ciencia ficción.: un soldado viaja al pasado para evitar la expansión de un virus. Juzgando que la extraña secta de los Doce Monos es la responsable de los ataques del futuro, perseguirá el origen del virus y caerá enamorado de una doctora, Kathryn Railly.

Vértigo

‘La Jetée’ (id, 1962) es el hermosísimo mediometraje que inspiró la película. Chris Marker partía de ‘Vértigo’ (id, 1958) y, además de reconocer la influencia, ‘Doce Monos’ contiene una hermosa escena donde los protagonistas hablan de la película. Dicen que no es la película de Alfred Hitchock la que cambia si no ellos mismos.

En una película sobre la naturaleza polisémica del recuerdo resulta adecuado. Pero sucede lo mismo para el espectador de la película: Doce Monos pasa de ser una rara historia de amor a una honda reflexión sobre el amor, los sueños rotos y el fracaso (incluso en una dimensión política) si ha pasado el tiempo suficiente.

La película fue escrita por David Peoples, y de su trilogía de hombres solitarios al límite, junto a ‘Blade Runner’ (id, 1982) y ‘Sin Perdón’ (Unforgiven, 1992) esta es la mejor. Probablemente por su estructura no linear, porque su héroe es el más ambiguo y el más herido y porque su final resulta inteligente, finalmente dolorosa.
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Quizás por eso mismo el habitual festival del estilo de Gilliam, contrapicados expresivos, frenéticos travellings, ángulos abiertos resulta más que adecuado y tan magistral. Brad Pitt ofrece su talento para el habitual y paranoico secundario gilliamesco, y Willis y Madeleine Stowe ofrecen una convincente historia de amor y recuerdo.

El guión de Peoples sigue siendo la misma historia hermosa y perfecta de Marker: un hombre, atormentado por un viejo recuerdo, viaja al pasado para salvar al mundo, donde se enamora de una mujer. Una vez salva al mundo, regresa a por la mujer y solamente allí entiende el recuerdo que le acecha.: el de su muerte.

Borgiano, pues, el cortometraje de Marker es hermoso, exacto, con narrador. Gilliam es poético, abigarrado, con subjetividad. Estamos dentro de la mente fracturada. Ya no asentimos a la perfecta ruptura entre narración e imágenes y sonido del genio Marker.
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Ahora presenciamos el relato desde la mirada de él. El recuerdo, en la versión de Gilliam y Peoples, es un presagio: es el sueño de los años y del porvenir.

El viaje en el tiempo no tiene final, como la memoria misma no desaparece si no que regresa una y otra vez con otro significado.

Y como esta obra maestra lírica, sensacional, perfecta.

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