Luis Tosar, a pesar de que ahora vive en las portadas de periódicos y revistas, no es un actor que haya buscado la relevancia a toda costa. Ni a pesar de haber cruzado el charco para aventurarse en producciones de Hollywood, se ha mostrado estar por encima del resto. Es un actor cuyo compromiso con la profesión es tan alta como la talla de persona que aparenta.

Un actor que ha crecido, pero que no ha perdido un ápice en su capacidad de entrega, de mimetismo con sus personajes y su gran capacidad para extraer lo más difícil de ellos, su personalidad, su interior, más allá de lo más obvio y superficial. Luis Tosar ha evolucionado, y con trabajo, esfuerzo y sin grandes fastos glamourosos se ha colocado como uno de los actores esenciales de nuestra cinematografía en la última década. Y eso lo sabían todos antes de verle actuar en ‘Celda 211’, y quizás por eso nadie dudaba que se merecía el premio, aunque a él, no le vaya a cambiar.

Malamadre, un papel que marca un antes y un después

Lo suyo con Malamadre es el instinto de un actor que reconocer haber recibido un gran regalo. Un personaje agradecido, pero que también había que personalizar y llevar con tino en la historia carcelaria de la que es protagonista. Es un villano diferente, pero con enorme personalidad, algo que siempre defiendo como esencial para que un film funcione. Y su galería de villanos es extensa, parece que su físico o su poderosa capacidad de sugerir miedo, misterio y fuerza lo han convertido en un actor muy capacitado para ello.

En Hollywood lo saben y por eso le han llamado para trabajar, aunque, lamentablemente con papeles tan estereotipados como planos y en los que tenga el talento que tenga el actor que los interpreta, poco bueno se les puede sacar (olvidable como toda la película ‘Corrupción en Miami’, por mucho que estuviera detrás Michael Mann). Eso también sirve para elogiarlo, no se ha venido abajo, no ha querido encasillarse, tiene mucho futuro, y en el cine español se encuentra cómodo. Y cada vez más valorado. No nació para superestrella, pero se ha convertido en un actorazo de primera.

Baste recordarlo en ‘Los lunes al sol’, en ‘Te doy mis ojos’, en ‘Flores de otro mundo’ o en ‘La flaqueza del bolchevique’. Grandes películas del cine español, pero también ha estado en éxitos de taquilla que le han colocado en la órbita de productores conocedores de su fuerza y calidad.

Lo que sí parece claro es que tras el hipnótico Malamadre Luis Tosar ha subido varios peldaños, que se ha ganado un prestigio que ya antes merecía y que seguro, le servirá para que nos fijemos más (si cabe) en él. Por cierto, acaba de confirmarse que protagonizará lo próximo de Jaume Balagueró.

Sin duda ha logrado una popularidad merecida, puesto que al margen de ponerle música a las películas más famosas y taquilleras, también ha sido el encargado de que varias generaciones asociemos de inmediato sus notas a las películas para las que las compuso. Formando parte así, de la memoria musical de miles de cinéfilos.

Y qué se puede decir de su historial, pues al alcance de muy pocos: 45 nominaciones al Oscar, 5 estatuillas, 7 premios Bafta, 20 Grammys, 4 Globos de Oro,... pero ya en los años 60 consiguió varios Emmys por su trabajo. Todo un genio de la música, que durante cinco décadas ha puesto espectaculares composiciones en películas inolvidables. Amante de las grandes orquestas, quizás algo redundante como muchos le critican, pero sensacional en los resultados. Un maestro.

Repaso las 10 mejores bandas sonoras de John Williams, bajo mi particular criterio:

‘Tiburón’

‘Star Wars’

‘Superman’

‘La lista de Schindler’

‘Jurassic Park’

‘Harry Potter y la piedra filosofal’

‘Memorias de una Geisha’

‘JFK’

‘En busca del Arca perdida’

‘Munich’

Sin embargo, una vez cruza la complicada barrera de los cuarenta (para una actriz de Hollywood), se reivindica con papeles dramáticos dignos de mención, y de nueva nominación al Oscar. Marisa Tomei ha luchado para demostrar que valía y lo ha conseguido a base de esfuerzo, insistencia y ganarse un hueco, a pesar de no ser una estrella al uso.

Siempre quiso ser actriz y desde pronto se puso manos a la obra. Crece en Brooklyn y estudia arte dramático en Boston. Su salto al mundo de la interpretación vino de mano de la pequeña pantalla, gracias a comedias de situación como ‘Un mundo diferente’ o ‘El show de Bill Cosby’. Aunque también el teatro supuso un importante entrenamiento, para forjarse como completa actriz.

Su salto a Hollywood, dato curioso, vino de la mano de Sylvester Stallone que la descubrió cuando formaba parte de un grupo de teatro vanguardista y le ofreció un papel en ‘Oscar’ (1991), que supuso su primer encuentro con el cine y con el gran público (antes apareció brevemente en ‘The Flamingo Kid’).

Poco después trabaja en la también cómica ‘Mi primo Vinny’ junto a Joe Pesci y Ralph Macchio, que le supuso una sorprendente nominación al Oscar como mejor actriz de reparto, por su papel de Mona Lisa Vito, la novia inteligente (y algo macarra) del protagonista. La película no es gran cosa, aunque entretenida, pero quizás fuese demasiado premio la nominación. Lo que vino después marcaría su futuro. Jack Palance le nombró, sorprendiendo a todos (y a ella), como ganadora. A partir de ahí, el bulo de que fue un error de Palance la acompañaría como una sombra oscura.

Aquello fue motivo de muchas especulaciones durante largo tiempo. Que si Palance estaba algo ebrio, que si fue una broma, que si todo fue error que hubo que tapar,... el caso es que, se han emitido comunicados oficiales desmintiendo todo esto. Quizás surgió con virulencia por tratarse de una desconocida (la favorita era la veterana Vanessa Redgrave) y de una película poco relevante, pero parece que el procedimiento que lleva a cabo la Academia no da lugar a este tipo de errores.

El caso es que Marisa Tomei se enfrentaba a un lanzamiento acelerado de su carrera gracias a la dorada estatuilla, lo cual quizás, era una gran ventaja, pero también disparaba una carrera que necesita de unos pasos marcados por el tiempo y la experiencia para que una actriz logre ganar reputación y cualidades.

Por supuesto, le llegaron muchas ofertas para importantes producciones (‘Chaplin’), pero no tuvo suerte. La mayoría fueron fracasos y parece que hundían poco a poco a Tomei, para quedar en una actriz sin estrella y sin un futuro demasiado alentador.

Encontró en la comedia, papeles secundarios por los que discurrió sin pena ni gloria, pero que le fueron madurando: ‘Sólo tú’, ‘Siempre a tu lado’ o ‘En qué piensan las mujeres’. Y también, tuvo sus tropiezos con algunos trabajos olvidables (‘El gurú del sexo’, ‘Juego asesino’) junto con pequeños papeles en televisión.

Pero tuvo que lograr papeles dramáticos para encontrar su horma. Películas con mayor calado donde su experiencia, valía y esfuerzo empezaron a brillar por sí solas, obviando su pasado y el Oscar ganado. Así, hace un extraordinario trabajo como actriz de reparto en la rescatable ‘En la habitación’, el debut en la realización de Todd Field. Un drama cargado de grandes interpretaciones, de pocas pretensiones y con un marcado carácter intimista, y que le valió, esta vez parece que con suficientemente merecimiento, una nueva nominación al Oscar.

Marisa Tomei había encontrado en el drama independiente su mejor terreno donde brillar (‘Danika’, ‘Factotum’, ‘La vida sin Grace’). A partir de este momento fue ganando enteros entre algunos productores y directores y siendo valorada como una buena y sólida actriz. ¿Quién lo diría? Acercándose a los cuarenta años y empezando un camino prometedor. Aún así, no renuncia a papeles en comedias comerciales (‘Ejecutivo agresivo’, ‘Un toque de distinción’, ‘Cerdos salvajes’), parece que buena elección para mantener su notoriedad en Hollywood.

Y el pasado alcanzó el prestigio definitivo. Gracias a su estupendo papel en la magistral ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’. Donde, por cierto, lucía un físico espectacular, recurso quizás infravalorado hasta ahora. Y también, en la brillante ‘El luchador’ que además le ha supuesto una nueva nominación al Oscar, por su desgarrador papel de una madura stripper amiga del protagonista.

Sin embargo, Marisa Tomei no se ha apresurado aprovechar su gran momento. Continua sus pasos barajando papeles que le llenen y que sigan sacándole partido a su talento. ¿Ganará un nuevo Oscar? Es posible, pero al menos es un gran ejemplo de superación y de reivindicación con esfuerzo.

Por cierto, hoy cumple 45 añazos. Y no los lleva nada mal.

He estado en Pixar. Con motivo del estreno del DVD y el Blu-ray de ‘Up’, Disney invitó a un grupo selecto de medios nacionales, entre los que (afortunadamente para mí) estaba Blogdecine, para realizar una serie de entrevistas y visitar los estudios de donde han salido algunas de las mejores películas de los últimos años. Fue una gozada cruzar la puerta y poner el pie en aquellas instalaciones, echar un vistazo al sitio donde trabajan, comen y hasta juegan los tipos que han creado ‘Toy Story’, ‘Monstruos S.A.’ o ‘Ratatouille’.

No sé si estáis al tanto, pero Pixar está en San Francisco; California, Estados Unidos. Eso queda algo lejos de España. Ya os conté que Blogdecine me envió también a Londres a cubrir el preestreno mundial de ‘Cuento de navidad’, así que, en total, fue una paliza. El domingo 1 de noviembre salí de España y tras la estancia en Inglaterra llegué a San Francisco el jueves 5 por la noche, tras más de diez horas de vuelo desde Alemania. Si no habéis volado nunca tan lejos, os diré que la experiencia no es muy agradable. Estás horas y horas sentado, y no hay espacio; eres un pollo de granja al que han castigado por mal comportamiento, y te han encerrado en la caja más claustrofóbica que existe. Más o menos. Por suerte, durante el vuelo pude ver varias interesantes películas que todavía no se han estrenado en nuestro país, entre ellas la preciosa ‘The Time Traveler´s Wife’.

Al igual que cuando estuve en Londres, la “peña española” me ayudó mucho y contribuyó a que la estancia en suelo norteamericano resultara más amena e interesante (un afectuoso saludo desde aquí a Francisco José de Abc, Laura de La Razón, Ruth y Alberto de Tele 5 y Jose de El periódico de Sevilla). Os contaría mil cosas del viaje, de la llegada a Estados Unidos (en el aeropuerto, un agente me llegó a preguntar cuál era mi película favorita), del impresionante Hotel o de lo poco que vi de San Francisco (¡las calles son una locura, es como una montaña rusa!), pero de experiencias anteriores sé que esto no os interesa demasiado, y que lo que queréis leer, en este caso, es el paseo por los estudios Pixar, ¿cierto? Pues vamos a ello.

Llegamos a “Pixar Animation Studios” a las nueve y cuarto de la mañana; nos recogen en el Hotel (situado en Emeryville). El letrero, un jardincito, y la lámpara y la pelota, la imagen de la compañía, frente a la puerta. Nos invitan a pasar y empieza a notarse quién es fan de Pixar y quién está allí sólo por trabajo/hacer un viaje gratis. A algunos nos empieza a inundar el espíritu de Tom Cruise, pero no queremos dejar mal al país ni a nuestros respectivos medios, así que nos controlamos, abandonamos sofisticados planes para robar piezas de coleccionismo y recuperamos la profesionalidad. Acto seguido nos piden que nos pongamos en el pecho una pegatina que dice “Visitante: ¡un extraño del espacio exterior!“. Empezamos a hacer algunas fotos, pero enseguida vino un clon de “Boomer” y nos dijo, con tono amistosamente severo, que no podíamos hacer eso. Son muy celosos allí con lo que es suyo.

Nos invitan a desayunar. Evidentemente, hay de todo. Como somos españoles y es gratis, y no nos dejan sacar fotos, nos transformamos en los últimos desesperados supervivientes de la raza humana. Tras una gran comilona (había un pastel de almendra increíble), empieza el curro. Toca la visita guiada por el lugar, por las entrañas de los Pixar Studios… o eso pensábamos. En realidad, lo que nos enseñaron se alejaba mucho de lo que habíamos imaginado. Fue como una excursión escolar, en la que vimos un montón de dibujos y figuras (casi todo sobre ‘Up’, que era la película que nos había llevado allí), pero nada del proceso de trabajo, de animación de una de sus películas. En ese sentido, fue muy decepcionante. Lo más que vimos sobre eso fue, caminando de una esquina a otra, algunos despachos con la puerta entreabierta, y en su interior lo más parecido al lugar de trabajo de un adinerado friki-fan de Pixar (en serio, muñecos de las películas por todas partes).

Así que la chica encargada del tour nos explicó un montón de cosas y nos aseguró que nos pasaría todas las fotos que quisiéramos; aunque luego no ha sido así, pedí expresamente (e insistí varias veces) una imagen de la “Story Corner”, para poder enseñárosla, pero no ha habido manera. Fue lo que más me gustó de lo que pudimos ver. Es, como su propio nombre indica, una esquina dedicada a las historias, a la importancia que tienen en sus películas. En las paredes había, entre otras cosas, un pequeño cómic sobre John Lasseter y el proceso de las ideas en Pixar (era algo irónico, pero no pude terminar de leerlo), la primera y la última versión del guión de ‘Buscando a Nemo’ (para expresar lo mucho que se preocupan por el guión, ya que desde el primer borrador al libreto definitivo se habían llevado cinco años trabajando) y un centenar de fotogramas de una escena de la película, dibujados primero a mano y luego animados por ordenador (para ver los detalles y el trabajo que hay detrás de la mayor bobada que os podáis imaginar).

Tras el tour, llegó el turno de las primeras entrevistas sobre ‘Up’. Tuvimos la suerte de poder hablar, primero, con el director Pete Docter y el productor Jonas Rivera, y luego, con el co-director Bob Peterson; unos quince minutos cada charla, no estuvo mal. Eran las doce, hora del almuerzo. De nuevo, un montón de cosas para elegir (ensalada, pollo, pasta, etc.). A la una, con la panza llena y ganas de una buena y reconfortante siesta, nos llevaron a una de las salas de cine que tienen allí, donde al parecer proyectan gratuitamente todo tipo de películas a sus empleados, ya seas director, animador o camarero; por cierto, es para dejar el currículum, en serio, cualquier trabajador puede ir a la Universidad Pixar y asistir a talleres gratuitos.

Nos proyectaron ‘La misión especial de Dug’, el nuevo corto de la factoría que sólo podréis encontrar en el DVD o el Blu-Ray de ‘Up’. El director es un tal Ronnie del Carmen, y él mismo entró en la sala a presentarnos brevemente su trabajo. Muy sonriente, nos explicó que la idea nació cuando pensó en qué hacía Dug cuando lo encuentran los protagonistas, qué era esa misión especial en la que tanto insiste pero que no se explica en la película. El corto, con todos los respetos, es una chorrada. Bueno, matizo, es una divertida chorrada. Es el perro y sus tres malvados compañeros dándose golpes y corriendo de un lado para otro. Pero bueno, menos da una piedra, menos da Dreamworks. Tras el visionado tuvimos otro ratillo para entrevistar a Del Carmen, al que la verdad es que no le preguntamos gran cosa, y a Enrique Vila, uno de los animadores españoles que trabajan en la compañía.

Ahí se acabó todo. Los currantes de Tele 5 se quedaron a grabar una entradilla y ver la heladería/cafetería que sale al final de la película, que dicen que es la favorita de Lasseter y Docter; nos contaron que estaba muy bien y que los norteamericanos están obesos por una clara razón: que cualquier ración individual mínima está hecha para un elefante. El resto nos metimos en un coche pagado por la Disney que nos llevó al Hotel y luego a San Francisco, a dar una vuelta y gastar unos dólares en un par de tiendas (Pixar tiene una, por cierto, aunque bastante pequeña). Sin más que contar por ahora, os dejo con las fotos más interesantes del tour, porque realmente poco más puedo añadir, mejor que veáis vosotros una muestra. En próximos días iré publicando las diferentes entrevistas, espero que os resulte una lectura entretenida, seáis fans de Pixar, de la animación, o seguidores del club contra la plastilina, creado por Vicente Molina Foix.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Estuve en una tienda llamada Amoeba, y en la sección de películas (donde me dijeron que estuve una hora, aunque a mí me parecieron diez minutos), había un apartado con un letrero que decía “¡Almodovarmanía!”.

“Tu cuerpo se muere. Pero no prestes atención. Nos pasa a todos”

-Lestat de Lioncourt

Inmersos como estamos, desgraciadamente, en una fiebre absurda, y convocada por el poder del marketing, en torno a la infame saga de películas vampíricas (por decir algo) de ‘Crepúsculo’, deberíamos echar un vistazo a algunas películas recientes en torno al mito que, sin tener como protagonista al famoso conde Dracula, mejor lo han tratado. Tal es el caso a mi parecer, de ‘Entrevista con el vampiro’, un filme que soy consciente de que no goza de excesiva fama y que, en el momento de su estreno fue despreciada como una película para chicas, al contar en su reparto con algunas caras guapas muy de agradecer, entre ellas actores en alza o estrellas consagradas. Pero si vemos el desastre de ‘Crepúsculo’ y revisamos esta, parece que exageraron un poco. Y sin ver aquel desastre, sigo pensando que es una película injustamente despreciada.

No por eso es una película sin algunos importantes defectos. Pero con sus luces y sus sombras, y adaptando la difícil novela original, se erige en un interesantísimo collage vampírico, casi un estudio de su mitología, tal como son las Crónicas Vampíricas de Anne Rice. Un filme que ha aguantado, además, muy bien el paso del tiempo, tanto temática, como narrativa, como técnicamente, y que posee una serie de ramificaciones morales tremendamente interesantes que a continuación pasaremos a analizar y bastantes valores estrictamente cinematográficos. Quince años después de su estreno, su visionado produce idéntico placer, o más, que entonces, y sus perdonables defectos se pueden perdonar tratándose de la gran producción que es y de las bazofias que se estrenan hoy día.

Un proyecto arriesgado

Siendo como es una película de un gran estudio, con un presupuesto elevado, algunas estrellas importantes y la necesidad de recaudar una buena suma de dinero para que la inversión tuviera sentido, este relato resulta de una sordidez y de un tono siniestro verdaderamente notables. Cuesta imaginar algo como esto hoy día, si bien está dirigida por un director tan interesante como Neil Jordan, que ya había demostrado su capacidad para el fantástico y el terror en la estupenda ‘En compañía de lobos’, con poco poder en Estados Unidos, pero que en complicidad con Anne Rice (que adapta su propia novela) pudo llevar todo lo lejos que pudo una historia tan resbalazida y arriesgada. El comienzo es muy bueno, con una suave panorámica aérea del puerto de San Francisco, a la que le suceden varios planos urbanos que da la sensación que se tomaron sin consentimiento de los viandantes y que producen una gran sensación de realidad. Porque en todo momento vamos a tener unos vampiros muy alejados de lo que a menudo se espera de ellos, aunque siguen bebiendo sangre y muriendo a la luz del Sol.

Louis de Ponte du Lac (Brad Pitt con treinta años) va a contarnos la historia, en la larga entrevista que tiene lugar en la novela y que aquí será también la columna vertebral de la trama. Desde el mismo principio, se advierte el conveniente saneamiento que Rice ha llevado a cabo con su novela. Es la muerte de su mujer y su bebé, y no la del hermano de Louis, lo que provoca su desesperación y su deseo de morir, y el encuentro con Lestat está revestido de un aura gótica irresistible. El rubio vampiro, que se regodea en su amoralidad, le va a descubrir, no sólo un nuevo mundo sensorial, sino sobre todo un nuevo mundo moral, en el que las aceptadas normas sociales desaparecen y soon relevadas por otras nuevas. Ambos son como la noche y el día: Louis es atormentado, Lestat es vitalista; Louis es retrospectivo, Lestat es jovial; Louis se siente culpable por todo, Lestat no tiene prejuicios.

Su relación tiene momentos e ideas apasionantes, todos ellos extraídos de la novela, tales como la percepción de Lestat de la muerte no como una maldición, sino ciertamente como una bendición, y de sí mismo como alguien capaz de otorgar la paz a la desgraciada raza humana. Pese a su tono mordaz, lo piensa verdaderamente. Louis propone vivir de la sangre de animales, pero Lestat le asegura que dando la muerte a seres humanos se les libera de sufrimientos a ellos y al mismo vampiro. Pero Lestat es un pésimo maestro y se ve obligado a convertir a una niña de pocos años para no perderle. Los tres formarán una fascinante familia disfuncional, con un distorsionado complejo de edipo como catalizador del brutal final del grupo.

Impresionante Tom Cruise

Lo de Cruise es una desgracia artística, porque este hombre era, y desde luego ya no es, un actorazo con un futuro alucinante. Ya había demostrado de lo que era capaz en ‘Algunos hombres buenos’, pero aquí echa el resto (y en ‘Magnolia’ de la última prueba de su genio interpretativo), y en secuencias como esa en la que juega con una prostituta encerrándola en un ataúd se pone a la altura de los más grandes. Sus cambios de ritmo en esa secuencia, su intensidad y su abanico emocional son para quitarse el sombrero. Pero todas sus secuencias son las mejores de la película, y cuando él no está, esta baja mucho de interés. De hecho es un secundario, pero no lo parece, desde luego. Aún recuerdo que Anne Rice montó en cólera cuando supo que Cruise se vestiría de su amado Lestat, pero cuando vio lo que había hecho, desdijo sus palabras.

A su lado, Brad Pitt está muy por debajo. Actualmente, me parece un actor muy interesante, pero como ya dejé por escrito, ha evolucionado mucho este actor. Aquí está a ratos regular, a ratos bien, a ratos fatal. Tanto de ritmo como de energía, e incluso de marcaje. Neil Jordan le dirige con tino, pero Pitt sobreactúa a menudo. Pienso que cuando mejor está es cuando menos habla, pues su rostro es muy sensible a las emociones. Sin embargo la película habría ganado con otro actor principal. Tanto él como Banderas son muy inferiores a Cruise, el abismo que separa sus capacidades es inmenso.

Sólo una asombrosa Kirsten Dunst puede sostener de tú a tú el vendaval de ingenio de Cruise. Su niña vampiro es un trabajo de primer orden. No sólo esa mirada de una persona mucho mayor que ella (a fin de cuentas, un vampiro no envejece), sino secuencias como en la que descubre el cadáver de una mujer adulta enterrada entre muñecas (una idea fascinante que no estaba en la novela: a fin de obtener una imposible madurez física, la niña vampiro asesina a una mujer adulta y la entierra entre las muñecas que la representan a ella y que contabilizan su verdadera edad…). Kirsten y Cruise forman un dúo insuperable, y tanto Pitt como Banderas, como Slater, son meros comparsas para su recital.

Una dirección equilibrada

La pena es que sólo esta novela, de todas las Crónicas Vampíricas, haya conocido una adaptación decente. No quiero ni nombrar ese horror en el que Stuart Townsend hizo de Lestat. Aquí, sin embargo, tiraron la casa por la ventana, principalmente con un diseño de producción complejo y subyugante, obra del gran Dante Ferreti, y de la luz (lóbrega pero sutil) de un inspirado Philippe Rousselot, un director de fotografía al que pocas veces han considerado como merece. Ambos dan el empaque adecuado a esta historia, y Neil Jordan alcanza un equilibrio pocas veces visto en este tipo de superproducciones, si bien es cierto que la intensidad baja muchísimo una vez Lestat desaparece y Louis y Claudia viajan a Europa. Pero el que no desfallece es Elliot Goldenthal, que aquí firma su obra magna, una partitura musical densa y llena de matices, que pasa del horror al romanticismo y lo gótico sin fisuras.

El estilo de Jordan es clásico, como se suele decir, pero también muy psicológico, y se encuentra en su salsa más en las relaciones entre los personajes que en las grandes secuencias destinadas a enaltecer al público. Comprende muy bien la mitología vampírica propuesta por Rice y se entrega a ella con convicción y sin ambages. Incluso con pasión, enriqueciendo un universo ya de por sí muy particular, y logrando con esta película una a ratos sorprendente película de vampiros. Inquietante, amoral, sinfónica, psicológica.

Esta es mi opinión.

Recuerdo a Daniel Monzón como un crítico cinematográfico con buen gusto y mejores maneras. Un chaval con cultura y buen verbo al que daba gusto leer. Un buen día dio el paso de hacerse director de cine, y no puede decirse que empezara con buen pie. ‘El corazón del guerrero’, que fue su debut, podría haber dado algo de sí en otras manos, pero en las suyas se convirtió en una carta de presentación muy floja, sin ningún interés.

Pero menos interés tuvo aún el intento de comedia de ‘El robo más grande jamás contado’, que algunos analistas defendieron con presencia de ánimo admirable pero estéril, pues no había por donde cogerla. Y con la anodina ‘La caja Kovak’ terminé por perder la esperanza de que este extraordinario cinéfilo pudiera convertirse en director importante alguna vez. Pero ahora llega con ‘Celda 211’, que es algo más que una buena película de género. Es la película española del año.

Un relato poderoso y sin fisuras

Justo cuando no daba un duro por él, se calza Monzón un relato de presos, cárceles y motines que se erige, por derecho propio, en todo un clásico de este subgénero del suspense. Con una experiencia en la dirección de actores y la puesta en escena, que se le supone en su ya cuarta realización, y adaptando de manera ejemplar la novela homónima de Francisco Pérez Gandul, ayudado en esas labores por el excelente guionista Jorge Gerricaechevarría, Daniel Monzón se hace mayor como artista incontestablemente.

En sus manos, la novela de Pérez Gandul deviene una mina de oro de inagotables posibilidades visuales. La cárcel, cualquier cárcel, se convierte en un espacio asfixiante donde la muerte, el dolor y las posibilidades de traición son infinitas, donde la vida y la esperanza son efímeras, y donde las más primarias pasiones humanas se dan la mano con la cobardía y la estupidez, la crueldad y la dignidad de las ratas atrapadas y en el punto de mira.

Comienza de manera admirable esta ‘Celda 211’, y lo mejor es que va subiendo más y más, sin parar, en un crescendo admirable sin la menor concesión con el espectador. El que espere un espectáculo amable que se quede en casa. Esto es cine descarnado y brutal, cine de verdad, grande, adulto, complejo. Con una galería de personajes inolvidable, algunos de los cuales abandonan su rol previo para transformarse a causa de la desesperanza y la violencia.

Y entre todos los presos destaca Luis Tosar en una interpretación antológica, que le coloca desde ya mismo entre los más grandes intérpretes europeos. Su Malamadre no es sólo una bestia con corazón, pues el director y el intérprete son lo suficientemente inteligentes y talentosos para dotar de una vida a este personaje como pocas hemos visto en el cine español de los últimos años. Malamadre es el alma de la película, y lo que la hace trascender los límites del propio género. Le amamos y le odiamos al mismo tiempo, qué pocas veces sucede eso en una pantalla de cine.

A su lado, Alberto Ammann compone un digno funcionario de prisiones, aunque es cierto que el actor sufre en comparación con el gigante Tosar. Es un actor competente, si bien un par de veces parece que van a fallarle las piernas. Pero mantiene el tipo. Aunque en general el reparto es poco menos que formidable, y el casting soberbio. Nos creemos hasta al último figurante con frase que se pasea por la cárcel (entre otras cosas, porque los diálogos son excelentes), y es que aquí han hecho las cosas como Dios manda.

Monzón narra con convicción y sobriedad, sin cosas extrañas ni florituras, ateniéndose a los personajes y preocupándose por ser creíble siempre. Nunca pierde el control de la historia, y ayudado por la labor del operador Carles Gusi (que firma una imagen dura y acerada) y la de la montadora Cristina Pastor (que monta con talento y elegancia un tema tan escabroso), además de por la percutiente partitura de Roque Baños, firma una obra contundente e inolvidable.

Post Data Inevitable

Esto es cine de primerísima factura, con una producción de gran profesionalidad, que está dando sus frutos en taquilla y entre la crítica. Viene a demostrar que la gente desea ver buen cine español, por mucho que algunos no se quieran dar cuenta. Ahora bien, tiene que valer la pena verlo. Hoy estaba la sala a rebosar, y más que va a estarlo cuando arrase en los Goya, como estoy seguro que va a hacer.

Por cierto, apuesto porque el inevitable remake americano no se hará esperar. Pero esta no se la pierdan.

Celda 211 en Blogdecine

• Sitges 09 | Tercera jornada | ‘La huérfana’ y ‘Celda 211’ no decepcionan

¿Tienes un conejo en tu bolsillo o es que te alegras de verme?

-Dolores

Hay películas que son mucho más de lo que aparentan a simple vista. Hay también supuestas obras de arte que lo son más por grandilocuencia que por verdadera poesía. Todo depende de quién mire.

Actualmente Robert Zemeckis es un director sin rumbo, que efectuó una pirueta similar a la de su mentor Steven Spielberg cuando intentó dejar atrás su más fecunda etapa para convertirse en eso que se suele llamar “director de prestigio”, quizá sin saber que lo que le dio verdadero prestigio fue la trilogía ‘Regreso al futuro’ y algunas películas de aquella época, en las que su alegría por filmar, su amor por el cine y su imaginación (apadrinado por Spielberg, por supuesto, pues el viejo zorro sabía que el pupilo tenía talento) eran arrolladoras.

Porque amor por el cine, grandioso e ilimitado, tiene esta joya titulada ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’, precisamente lo que no tienen otras de las suyas, como la ultraconservadora, ridícula ‘Contact’, de la que hablamos hace unos meses, o la también ultraconservadora y superficial ‘Forrest Gump’. Zemeckis es un director de un ingenio desbordante, capaz de deleitarnos con aventuras muy por encima de la media. Y esto se percibe desde el mismo comienzo de esta maravilla.

Un guión modélico

En España no existe esa tradición, pero en Estados Unidos, algunas distribuidoras ofrecen, de cuando en cuando, un mini-episodio de ‘The Simpsons’ o alguna otra serie de animación como extra al visionado del largometraje por el que se ha pagado la entrada. Y eso es lo que parece la introducción de esta película, en la que Roger Rabbit, un cruce entre la torpeza extrema de Goofy y el estoicismo del pato Lucas, sufre lo indecible para ejercer de canguro del bebé Herman, una adorable criatura que, en busca de galletas, mete en serios apuros al conejo.

Pero nada es lo que parece. No es un sketch previo al pase, sino un breve episodio a la manera de las series de animación de los años 40 (eso sí, hiperbolizada, como mandan los tiempos). Pero no es una animación, sino imagen real, pues los dibus son actores filmados a cámara. Y el bebé Herman no es adorable, sino un viejo verde. Nada es lo que parece. Descubrimos la pequeñez del set, que parecía enorme viendo la secuencia (uno de los cientos de falseos de la película), y el director de la misma (encarnado por el famoso productor Joel Silver), la corta porque, a pesar de la perfección técnica de la misma, no le parece adecuado cambiar el guión cuando a Roger le salen pajaritos de la cabeza en vez de estrellitas.

De modo que no estamos en una muestra de “cine dentro del cine”, sino en un “cine dentro de un cine que homenajea y reinterpreta a dicho cine”, por llamarlo de alguna manera. Eddie Valiant (fenomenal Bob Hoskins, un actorazo de los pocos que hay), un detective en horas bajas que en lugar de pistola lleva una petaca en su funda, es contratado por el magnate de los estudios de animación para un trabajo sucio (sacarle unas fotos a la mujer del conejo, para animarle la vista…) y absurdo, pero él, desesperado, lo acepta, sin saber dónde se mete.

Basada muy libremente en la novela de Gary K. Wolf, la historia acoge todos los lugares comunes del cine negro clásico de los años treinta, cuarenta y primeros cincuenta, para deconstruirlos y reírse de ellos, pero al mismo tiempo les rinde pleitesía y efectúa la pirueta con cariño y pasión extremos. Así, en la larga secuencia del tugurio llamado ‘La tinta y la pintura’ el gorila es un gorila de animación, al igual que el barman es un pulpo con docenas de brazos, los camareros son pingüinos, y la mujer de Roger Rabbit no es una coneja, sino una hembra impresionante mezcla de Lauren Bacall, Greta Garbo y todas las femmes fatale del género que imaginar quepan, y como tal va a ejercer en esta trama.

Insuperable mixtura de géneros

Quizá el ejemplo perfecto de esa mixtura (sumada al referido amor por el cine) sea la “traición” de Jessica Rabbit a Roger Rabbit, las “palmitas” que lleva a cabo con Marvin Acme… que en efecto ¡son palmas, palmitas! Eso sí, Roger se siente igualmente dolido. Así se mezcla de manera genial la turbiedad del cine negro con el cachondeo desatado de la comedia animada. Pero hay muchos más ejemplos en un conjunto narrado de manera inspiradísima por un Zemeckis en estado de gracia, que imprime (nunca mejor dicho) una nostalgia sincera a la película.

Fenomenal es el plano en el que la cámara se pasea por las pertenencias polvorientas del hermano fallecido de Eddie, que termina precisamente en el propio Eddie a la mañana siguiente, durmiendo la mona. Como fenomenales son todas sus decisiones de puesta en escena, empezando por los actores, pues Hoskins es la antítesis del clásico detective del género, aunque nos lo creemos sin ningún problema. La habilidad de Zemeckis es tal que puede mezclarle en la misma escena con el tenebroso juez Doom (otra caricaturesca y sublime creación del sinpar Christopher Lloyd), un personaje salido de cómic, y que ambos estilos no se anulen el uno al otro, sino que se enriquezcan.

Es decir, lo que quizás en manos de otro cineasta hubiera resultado un collage amorfo, en las de este artista del entretenimiento se convierte en un divertimento insuperable, desprejuiciado y referencial.

Post Data Inevitable: No es una película infantil

Con cada nuevo visionado, me sorprende la violencia de una película que algunos tomaron en su tiempo, equivocadamente, como una muestra de cine para niños, como si hubieran tomado el modelo de cine de detectives y le hubieran rebajado la edad por el mero hecho de incluir dibujos animados (por cierto, en este aspecto, técnicamente no ha sido superada todavía), cuando en verdad se trata de un relato en ocasiones muy oscuro, que provoca la risa pero que también tiene momentos e ideas turbadores.

Turbador es el “baño”, caldo creado por el juez Doom que derrite a los dibus y que parece ser la única forma de matarles (aunque luego iremos viendo unas cuantas maneras más de hacerlo). Inquietantes son los agentes del juez, que no podían ser representados sino como hienas comadrejas (estas pueden morir de un ataque de risa). Dibulywood (en realidad ToonTown) es una especie de Barrio Chino, en el que la ley apenas puede controlar el crimen. El duelo de piano entre el pato Lucas y el pato Donald (la Warner contra la Disney) concluye con este último empleando un cañón, y con los cuernos del diablo, para dejar fuera de combate a su oponente.

Finalmente el juez Doom es el psicópata responsable de la muerte del hermano de Eddie, y su caracterización pone los pelos de punta: una suerte de mutante de dibujos capaz de cualquier crueldad, incluida la destrucción total de ToonTown o del asesinato del mítico Marvin Acme, tirándole una caja fuerte a la cabeza. De hecho, más que enturbiar la comedia de dibujos, parece que la comedia aligera un poco un relato tan sórdido como cualquier otro clásico importante de la gran estirpe del film noir.

A todos nos gusta Ed Harris. Es una especie de pandemia, mucho más extendida que otras, y cien mil veces más placentera. Consiste en tragarnos absolutamente todo lo que haga este hombre, oriundo de Nueva Jersey y nacido hace casi cincuenta y nueve años, aunque en verdad ha hecho casi cualquier cosa. Ahora bien, tiene la manía de mejorar muchos productos que, sin él, serían carne de videoclub, y no precisamente de la salvable.

Sin duda, es en la actualidad uno de los actores más prestigiosos de su país, y aunque ha participado en pocas películas realmente redondas (como la mayoría de los actores realmente buenos de su país), sus buenos trabajos son numerosos, y ahora vamos a hablar de la mayoría de ellos. Hombre de profundas ideas de izquierdas, sus ojos azul claro sirven tanto para mostrar compasión como crueldad. Pero sobre todo es la elegancia personificada.

Una cabeza despejada de pelo (casi desde que le conocemos, si exceptuamos alguna escasa película en la que le pusieron un peluquín) anuncia un rostro que se ha ido volviendo cada vez más pétreo. Dos ojillos pequeños, inteligentes y penetrantes, cejas pobladas, una nariz que a pesar de su anchura guarda una armonía sorprendente con el rostro, y una boca que siempre parece apretada. Ese es el rostro de nuestro actor, a lo que hay que sumar una voz bellamente atenorada, suave y viril. Sí, Harris tiene estilo.

Debutó en el cine de la mano de Michael Crichton, en una película hoy olvidada, ‘Coma’, que sin embargo estaba bastante interesante. Y después de aquella, siguió participando en innumerables (y poco reseñables) productos televisivos y en varias películas carentes del más mínimo interés, excepto dos títulos: ‘Bajo el fuego’ y ‘Elegidos para la gloria’, que sin ser grandes películas, sí eran serias e interesantes, que demostraban que era un todoterreno capaz de hacer bien cualquier encargo que le propusieran.

Empezaron a llamarle directores de la solidez de Robert Benton, Jonathan Demme, e incluso Louis Malle. Pero definitivamente su vida cambió cuando le llamó James Cameron en 1988, mal que le pese a él mismo.

No me puedo imaginar la dureza del rodaje de ‘The Abyss’, pero tuvo que ser algo serio cuando Ed Harris, a día de hoy, aún no se habla con James Cameron. No es que este genial director vaya haciendo amigos por sus rodajes (nadie le lleva la contraria). Aquel era un proyecto verdaderamente único. Nunca se había filmado tanto material bajo el agua en una película de ficción, y menos con esas ambiciones visuales. Con su presupuesto y sus innovadoras técnicas digitales de efectos digitales, se esperaba un grandioso éxito de taquilla que no se produjo.

Y Ed Harris se enfrentó a su primer papel estelar con muchísima entereza, sacando de dentro esa humanidad y el naturalismo que le caracterizan, ofreciendo un Virgil Brigman honesto, terco y valiente, alejado quizá de los tópicos del héroe de aventuras, y por ello más interesante que muchos. Puede que ‘The Abyss’ no sea la grandísima película que tendría que haber sido, pero al menos sirvió para que el rostro de este actor se hiciera más internacional.

También participó en ‘Conspiración para matar a un cura’, la primera de las tres películas (dos de ellas con curas, además) que protagonizaría para Agnieszka Holland, directora que ha ido de más a menos y con la que la une una gran complicidad. De hecho, sus trabajos para ella se cuentan entre lo mejor (aunque quizá no necesariamente lo más popular) que ha hecho este actor, al que después de aquello pudimos ver en la floja ‘El clan de los irlandeses’ y en la razonablemente interesante ‘Glengarry Glenn Ross’, una película cuyo mayor aliciente era el reparto y el guión de David Mamet.

Pero parecía condenado a papeles pequeños, a los que ofrecía lo que podía, pero que no eran gran cosa, como el que tuvo en la también muy floja ‘The Firm’ (una de las peores de Pollack), o la ultra-conservadora ‘Apollo 13’, en la que tenía algo más de presencia. Él aportaba esa gran presencia humana, esa inteligencia en su mirada y ese saber estar, hasta el punto de ser lo mejor de productos como ese, y con lo que más se quedaba el personal. Pero no tuvo mucha suerte en la primera mitad de los noventa, y la segunda tampoco fue mucho mejor, aceptando papeles como el de la palomitera ‘La roca’ o la lacrimógena ‘Quédate a m ilado’. Lo curioso es que Harris siempre estaba bien, sobrio, convincente.

Las cosas empezaron a cambiar cuando Eastwood (¿cuántas carreras habrá ayudado a mejorar’) le llamó para ‘Poder absoluto’, una irregular aunque a ratos apasionante película de política-ficción. Y al año siguiente pudo demostrar que es un actor de raza en la fallida ‘The Truman Show’. Su papel de Christof era sutil y fascinante, con mucho lo mejor de una película que hacía aguas por su indefinición y su conservadurismo.

La presente década ha sido, con mucho, la mejor para él. En ella ha dado su mejor papel, en ‘Las horas’, y algunos realmente impresionantes, en los que apenas tenía que hacer nada, simplemente estar, demostrando lo mucho que ha crecido como actor. Me refiero a sus personajes en ‘Enemigo a las puertas’ (una más que digna película de aventuras) y ‘Una historia de violencia’ (ni por asomo el film genial que muchos proclaman, pero sí una película muy interesante). Además, en el año 2000 debutó en la dirección con la estupenda ‘Pollock’ y ha cumplido uno de los sueños de su vida interpretando a Beethoven.

Ed Harris ya es una leyenda, y poco importa que vuelva a intervenir en películas mediocres. A fin de cuentas, estará él. Nominado cuatro veces para el Oscar, el premio se le resiste, para desesperación de sus seguidores. Pero a mí me es igual, no lo necesita. Además, no es un premio distinguido ni elegante. Sólo lo será el día que Ed Harris se alce con él.

¿Qué se puede añadir a estas alturas a lo que se ha dicho hasta la extenuación sobre una película que, estrenada casi un año de manera triunfal, es ya una leyenda del cine, tanto por razones cinematográficas como extra-cinemátográficas, y que a pesar de tener una legión de fans, también tiene a un núcleo de detractores bien aguerrido y con las ideas bien claras? Yo creo que algo se puede añadir siempre, y como la tengo en DVD desde hace un tiempo y de vez en cuando pongo alguna secuencia suya (todas ellas con el Joker presente, dicho sea de paso), creo que debo sentarme y escribir lo que pienso. No teman, no es una crítica más. Se trata, más bien, de una pataleta.

Desde luego, no hay duda de que fue una buena película, y creo que va a envejecer realmente bien. Y ello no sólo por un par de motivos superficiales, sino por más de uno importante. Pocas veces una película de gran presupuesto y de gran calado entre el público masivo ha demostrado tanta solidez, tanta elegancia y tanto ingenio. Sin embargo, y a pesar de que me cuesta mucho decirlo, resulta bastante frustrante enfrentarse a un final que destruye en parte las expectativas creadas, sin llegar a empañar los grandes logros de la película.

Antes de entrar en materia (no hay que vender el pescado tan pronto) podríamos detenernos en algunos aspectos que no han sido comentados por casi nadie, o nadie, al menos que yo haya leído. Me llama la atención la extrema elegancia de Nolan a la hora de tratar la muerte violenta de las múltiples personas que pierden la vida en esta película (merecería la pena ponerse a contar cuántas, serían bastantes). Para entendernos, nunca, en ningún momento, se ve cómo la persona es mutilada, o disparada, o volada en pedazos. Recordemos de qué forma, cuando el Joker le corta la boca a Gambol, el plano corta al plano del testigo de ese acto.

O cómo, cuando el Joker dispara a un policía desde el camión, el plano corta a la siguiente secuencia. También cuando Dos Caras dispara al chófer de Maroni, o cuando el propio Lau está a punto de morir calcinado. Nunca, pero nunca, vemos a una persona, sin cortes, pasar de la vida a la muerte de forma gráfica. Esto, teniendo en cuenta que se trata de un thriller, es notable e interesantísimo. Y no por ello hay menos violencia, además. Pero hay otros aspectos igualmente interesantes que en una crítica ordinaria en el momento del estreno, se pasan por alto o simplemente se ignoran.

Como por ejemplo la identificación del Joker con los perros, y con algunos otros elementos visuales infernales. Me llama poderosamente la atención la primera secuencia en la que vemos a Batman, esa que también tiene al Espantapájaros de protagonista. El gangster Chechen (Ritchie Coster) intenta intimidarle, sintiéndose timado: “¡Mis perros tienen hambre”!, le espeta. Muchas escenas más tarde, justo cuando el Joker le prende fuego a cientos de millones de dólares y a Lau, y decide asesinar también a Chechen, decepcionado porque sólo se preocupa por el dinero y él tiene más categoría, entrega a Chechen a sus propios perros, y le dice: “ya veremos cuánta hambre tienen de verdad”.

Esto da que pensar. A fin de cuentas, en aquella escena con el espantapájaros, a Batman un perro le da estopa a base de bien. Precisamente la misma raza de perros con los que el Joker le espera en su enfrentamiento final. Sin duda el salvaje villano (memorable la creación de Ledger) fue testigo de aquel acontecimiento. En caso contrario, ¿cómo iba a saber que el superhéroe tiene dificultades con los canes? Pero hay más. Pues los perros negros son una de las representaciones del demonio, desde la antigüedad. Y el propio Joker parece un perro. ¿Acaso no olisquea a Rachel para intimidarla, como hacen los mastines? ¿Acaso no se define a sí mismo como un perro que persigue coches?

Pero hay más detalles…infernales, por llamarlos de alguna manera. En una película con una fotografía tan azul (que inventó Cameron hace muchos años, y que perfeccionó con la insuperable ‘Terminator 2’), es significativo observar de qué modo el color vira a un naranja o a un rojo infernal en los momentos en que debe hacerlo. Por ejemplo en la soberbia escena de acción en la que el Joker intenta dar caza a Harvey Dent. De qué modo destaca, con fuerza indescriptible, el rojo de las llamas del camión de bomberos, y el rojo de las luces del túnel, sobre el entorno azulado. Y, para más inri, la comitiva se desvía hacia el subsuelo. Es decir, hacia abajo, hacia las profundidades, donde se desatará el caos.

Pero además, el relato funciona a niveles bastante abstractos, como el hecho de que el propio Joker (el único personaje que me interesa de toda la película, y con el que me siento teremendamente identificado, como posiblemente les suceda a muchos, mal que les pese, que me estén leyendo en estos momentos) se alimenta de manera invisible de la mezquindad y los bajos instintos de las personas que les rodean, teniendo como ejemplo máximo a Dos Caras. Por eso tiene sentido que cuando los ocupantes de los dos ferrys condenados a muerte finalmente deciden no accionar la bomba, el Joker pierda su aparentemente superioridad frente a Batman y no tarde ni un segundo en resultar derrotado.

Ahora bien, y ya vamos a vender todo el pescado, precisamente hablábamos de los dos ferrys, y tengo que decir que es una verdadera lástima que los ocupantes de cualquiera de los dos no apretara el botón y mandara a los otros al cuerno. Es más, tal como me sugería una amiga, el giro genial habría resultado que los ocupantes de cualquier barco que accionara la bomba murieran engañados, volando en pedazos por el hecho de apretar el botón. A fin de cuentas, el Joker se había encargado durante dos horas de darle la vuelta a todas las hipocresías y etiquetas sociales. Aquél hubiera sido su clímax. Pero supongo que era ir demasiado lejos. Y es una lástima.

Es decir, ya nos había convencido, más que de sobra, nuestro villano favorito, de que el hombre es un lobo para el hombre, de que somos tan buenos como nos permiten ser, y de que cuando las cosas van mal abandonamos nuestras falsas reglas para salvar el culo. Entonces, ¿cómo intentan colarnos a ese fornido preso tirando por la ventana el aparato que haría accionar la bomba que les salvará a ellos la vida? Cuando Batman le responde al Joker que los ciudadanos de Gotham le acaban de demostrar su capacidad para el bien, lo siento, pero me dan ganas de vomitar. La peña, la gente, la people, no está preparada para el bien, ni ahora, ni nunca. Está preparada para sobrevivir sea cual sea el coste. Los santos sólo existen por fanatismo.

Al menos Nolan tiene el talento suficiente como para regalarnos ese precioso final con Dos Caras y el discurso final, emocionante y exacto, del comisionado Gordon. Que les den por saco a sus defectos. Qué gran película, redios…

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Y seguimos hablando de secuelas. Pero esta vez no nos tenemos que ir hasta Hollywood (como para viajar en avión), nos quedamos aquí en nuestro querido país, donde también se controla eso de sacar tajada de películas que han sido un éxito de taquilla. Aquí os traigo el segundo tráiler de ‘[REC] 2’, de la que ya habíamos podido ver un cartel y un primer teaser.

Este segundo avance no desvela más que el anterior, y personalmente lo encuentro perfecto, prefiero muchísimo más este tipo de tráileres que no esos otros en los que te desvelan el principio, el nudo y hasta el desenlace de la película. Aquí muestran lo justo y está acompañando por una banda sonora realmente fantástica, el contraste es una pasada, no os lo perdáis.

Por supuesto, ‘[REC] 2’ ha sido dirigida nuevamente por Jaume Balagueró y Paco Plaza. La fecha de estreno es “muy pronto”.

PD: Y si les llega la pasta, la tercera será en 3D.

Vía | Web oficial