1. ¿Nada para Clint Eastwood?
Aunque todavía no la he visto, y no me faltan ganas de hacerlo para ser vaquero en esta tierra de eastwoodófilos, la sola presencia de ‘J. Edgar’ (id, 2011), una película contemporánea ahora que nuestro país ha incluido la corrupción en cultura y deportes, me genera unas simpatías muy extremas. Y un DiCaprio en modo-todoterreno y un retrato oscuro de un hombre que era todo poder, secretos íntimos y malas decisiones y un guionista como Dustin Lance Black, premiado anteriormente. ¿Vamos a irnos de vacío?

2. El gato con botas ¿EN SERIO?

Decidme, y hacedlo con prosa que no sea de alquitrán, que la última película de DreamWorks SKG supera a la entrada más floja del canon de Pixar, esa película de coches y ecologismo y simpatía europea, y os creeré, pero es que la decisión de apartar la Pixarada padre se me antoja a un momento de descanso por parte de una Academia que ya parece haber decidido que ‘Brave’ (id, 2012) será previsible vencedora….

3. ¿Nada para Drive?
Buenas tardes, queridos Oscar. Me encanta que estéis al día, pero la sensación Windign Refn me parece mucho más importante que Woody Allen, que ejecuta un trabajo a duras penas turístico y rutinario con la encantadora ‘Medianoche en París’ (Midnight in Paris, 2011). Parece divertido devolver a Allen a una competición con Scorsese o Malick o Payne, pero no procede: la dirección de Windign Refn ha sido la más obviamente perfecta dentro del sistema. Me haré el mudito respecto a las invenciones de los hermanos Weinstein.

4. Racanería iraní.
Bien está que Nader y Simin: Una separación (2011) se ha colado en mejor guión original, dice mucho del admirable buen gusto de los chicos de la Academia, PERO la película podría estar en mejor película sobradamente, sin ese pesado extranjero que suena a trámite y más aún cuando han expandido las nominaciones. ¿En serio el calado moral y la complejidad psicológica de esta cinta tienen menos peso que el relato de “ay, mi caballo, donde esté mi caballo” de ese cineasta en perpetua huida hacia adelante de su falo?

5. Saltarse las reglas, esa quimera.
Ignorando el hecho de que ame ver nominado a Pitt por ‘Moneyball: rompiendo las reglas’ (Moneyball, 2011), justamente escogido por su carisma actoral de estrella del viejo estilo, la Academia ha cumplido a rajatabla lo que esperábamos de ella: interpretaciones-mímesis, revelación, actor latino-ya-consagrado-en-mercado internacional…¿Para cuándo un poco de transgresión? ¿Qué tal el estólido Ryan Gosling por su interpretación cuasi-paródica en ‘Drive? ¿Y Michael Fassbender? ¿Por qué le han ignorado tan salvajemente? No lo entiendo.

Imagino que muchos lectores habrán notado la ausencia de Alberto Abuín durante este mes de diciembre. Él se ha estado excusando en que tiene mucho trabajo pendiente, pero hasta hoy desconocíamos la razón principal de su falta de contribución al blog. Entre apenado y orgulloso por mi amigo y compañero, os traigo dos noticias. La mala es que Alberto deja Blogdecine. La buena es que lo hace para centrarse por completo en el guion de una película que podría dirigir Rodrigo Cortés (‘Buried’).

De momento, el proyecto carece de título oficial y se encuentra en una fase inicial de la producción, falta rematar el borrador definitivo del guion, pero ya se ha empezado a tantear a algunos actores de cierto renombre en el panorama nacional, para facilitar la siempre complicada búsqueda de financiación (no hay subvención pública alguna). La historia, llena de elementos autobiográficos, es un thriller erótico pero hay mucho humor despiadado y crítica social (dardos envenenados contra los responsables de la crisis económica en la que estamos inmersos). Os puedo adelantar que la trama gira en torno a tres personajes, una joven entregada a los vicios del sexo con hombres maduros, una ejecutiva que se deja humillar ante su jefe para mantener su empleo (hay una escena con un lápiz y un perro, no me dejan decir más), y un hombre amargado adicto al alcohol (evidentemente el alter ego de Alberto, ejem…) que intenta olvidar sus penas entre sesiones de cine y baratas prostitutas. Los destinos de los tres personajes se cruzarán a causa de un maletín lleno de dinero de enigmática procedencia…

En cuanto a Cortés, aún ocupado con la post-producción de ‘Luces rojas’, se ha mostrado muy interesado en trasladar el relato a la gran pantalla y podría ser su cuarto largometraje. Alberto mantiene una buena relación con el director orensano, al que conoció en un pase de prensa de ‘Concursante’ en 2007, y llevan meses hablando de este proyecto en común, al que Cortés ha incorporado también algunas anécdotas personales. ¿Habrá sexo en un ataúd? Ya veremos. Espero que pronto tengamos más noticias y que el rodaje pueda comenzar cuanto antes. Te echaremos de menos, ¡mucha suerte Alberto!

PD: Los especiales que llevaba (e iba a iniciar) mi compañero, dedicados a Eastwood, la Hammer o “El amor en 32 películas”, se repartirán entre los editores y se continuarán lo antes posible.

En el especial sobre nuevas formas de ver cine al que le dedicamos un análisis a fondo, hubo una plataforma que se quedó pendiente de analizar: Youzee. Llevaba meses anunciando su próximo lanzamiento y hoy, por fin, tras un largo periodo de espera ha abierto sus puertas y le hemos echado un vistazo, antes de que empiece su andadura oficial.

Desde hoy conocemos Youzee, que en breve estará accesible de forma generalizada. El denominado Netflix expañol que acaba de desembarcar viene a cubrir un hueco en esto del cine en streaming. Una nueva forma de visionado y alquiler de películas y series online, el nuevo videoclub online que se está imponiendo como una de las mejores alternativas para disfrutar del cine en casa. Hemos tenido la oportunidad de probarlo con antelación a su lanzamiento y vamos a desgranar y revisar su funcionamiento y características.

Youzze: sin distracciones, excelente diseño y solo cine y series

Su cuidado diseño, su interfaz agradable y la facilidad con la que se puede navegar por la web de Youzee es lo que primero nos llama la atención. Se aprecia y valora el buen trabajo realizado para ofrecer una plataforma vistosa, intuitiva y que, sobre todo, con su facilidad no asuste a los menos asiduos a internet. Elegir una película para su visionado en Youzee no requiere de conocimientos técnicos, todo está puesto en bandeja para no perderse entre posibilidades, características y prestaciones.

Su agradable interfaz nos demuestra que no hay un aluvión de opciones en las que perdernos, nos podemos centrar exclusivamente en películas y series, bien diferenciados, con un menú claro. Con suficiente información (texto y fotos): duración, género, calificación, sinopsis y presentada de forma muy atractiva. Sin olvidar que podemos aportar nuestros comentarios, críticas…

Un catálogo compensado y que debe crecer

De poco puede servir que la plataforma esté bien diseñada, que sea fácil manejarse y navegar si no ofrece un buen catálogo de películas. La oferta es esencial, es clave, para su triunfo y aceptación. En este caso vemos en Youzee que dispone de un catálogo con títulos interesantes pero aún no muy amplio. Aquí hay que romper una lanza en su favor, porque no es nada fácil debido a la legislación y aún escasa cultura del Video On Demand, conseguir que las distribuidoras encuentren en una plataforma así una colaboración más amplia.

Aún así, como digo, no se puede negar que hay títulos interesantes y que llamarán la atención del gran público: Disney/Pixar (‘Cars’, ‘Toy Story’, ‘Wall-e’, ‘Buscando a Nemo’,…), grandes éxitos (‘Piratas del Caribe’, ‘Slumdog Millonaire’, ‘Million Dolar Baby’,…) y algunos clásicos de todas las épocas: desde ‘Reservoir Dogs’ o ‘Tron’ a ‘El tercer hombre’, ‘El espíritu de la colmena’ o ‘La quimera del oro’.

Como vemos las opciones son variadas, buscando todo tipo de público, y sin olvidarnos de las series de televisión (‘Perdidos’, ‘Anatomía de Grey’, ‘Luther’ o la exitosa ‘The Walking Dead’). Pero sigue quedando la sensación de que aún es un catálogo breve. Esperaba mucho más, sobre todo, después de que llevaran algunos meses generando expectación, pero lo lógico será que vayan creciendo en adelante.

Ahora que se postulan como clara competencia a otros servicios más asentados como Filmin o Wuaki.tv, el hecho de disponer de un buen catálogo es más que nunca la clave para su aceptación.

Eso sí, apuestan por la versión original y es algo que se agradece y mucho por la comunidad cinéfila.

Precios, suscripciones y alquiler en Youzee

Otro de los aspectos esenciales para su posible éxito o fracaso estriba en su plan de precios. Básicamente nos ofrecen dos opciones bien diferenciadas: suscripción mensual (al más puro estilo Netflix) o alquiler.

La suscripción mensual, una especie de tarifa plana que nos permite acceder y visionar buena parte de las películas y series (marcadas en verde), tiene un coste muy interesante: 6,99 euros mensuales (y con el primer mes gratuito a modo de prueba). Suficiente como para probar y empezar a valorar si merecerá o no la pena a largo plazo. Visto hoy en día los precios de las películas en DVD y Blu-ray desde luego que es muy atractivo y todo un acierto.

Eso sí, todo no es oro lo que reluce. Ya que con esta suscripción no se accede a todo el contenido del catálogo de Youzee. Hay determinadas películas y series que tienen un coste de alquiler, aparte de la mensualidad (marcadas en azul).

El alquiler de títulos, que es la segunda opción –complementaria también con la suscripción– tiene un precio que oscila entre 1,99, 2,99 y 3,99 euros (aunque ‘Cars 2’, por ejemplo, cuesta 4,20 euros), lo que parece un coste razonable, siempre y cuando se trate de títulos muy esperados o demandados, aunque de momento serán los estrenos los que conllevan esta opción. Y las posibilidades de visionado aquí se postulan en varias calidades: DVD, HD de 720p o HD de 1080p.

Eso sí, también encontraremos algo de contenido gratuito (como también hay en Filmin o Wuaki.tv), que sirve como gancho aunque aún no está disponible. Serán títulos patrocinados, que se podrán ver gratuitamente a cambio de contener publicidad. No es mala idea, sobre todo para ofrecer una alternativa más en la oferta de Youzee.

También social

No podía faltar en plena era de apogeo de los medios sociales, que en Youzee no podamos usar Facebook, Twitter, dejar comentarios, críticas, compartir títulos, … su integración social es sobresaliente. Puedes crear tu perfil, añadir tus gustos, compartir afinidades con amigos. Además, gracias a esta interacción, el sistema posee un algoritmo que recoge nuestros gustos y participación y nos facilita recomendaciones personalizadas (para los que no quieran perder tiempo buscando en el catálogo).

Algunas otras opciones a destacar es el control parental, el potente buscador, posibilidad de visionado en varios dispositivos…

Conclusiones sobre Youzee: ¿merece la pena?

Todo ello completa la excelente oferta de prestaciones de Youzee, muy bien pensado y que llega para convertirse en una referencia.

La relación calidad-precio es excelente, el diseño, facilidad de manejo y posibilidades que ofrece para extender su uso y compartirlo es uno de sus puntos fuertes. Quizás el catálogo es donde más se echa de menos una mayor variedad y cantidad. Y quizás, ya puestos a ser exigentes (hay que serlo para mejorarlo) es ofrecer algún otro tipo de suscripción premium: un coste más elevado para los que no quieran pagar dos veces (suscripción mensual y alquiler) por ver estrenos destacados. Aquí una suscripción “todo incluido” hubiese sido la guinda. Con todo, Youzee desembarca con fuerza, con excelente presentación y seguro que dará mucho que hablar. Recomensable probarlo, desde luego.

Sitio oficial | Youzee

Cuando echamos la vista atrás y vemos que la Academia de Hollywood premió como mejor película de 1998 a ‘Shakespeare enamorado’ (‘Shakespeare in Love’, John Madden, 1998) nos entristecemos un poco al pensar que fue el año de películas como ‘Salvar al soldado Ryan’ (‘Saving Private Ryan’, Steven Spielberg) —una obra maestra más de su director—, ‘La delgada línea roja’ (‘The Thin Red Line’, Terrence Malick) —una gran obra que gana con el paso del tiempo—, ‘Un plan sencillo’ (‘A Simple Plan’, Sam Raimi) —gran film noir que supone la cima de su director—, y cómo no, ‘El show de Truman’, (‘The Truman Show’, Peter Weir), film que en cierto modo profetizaba sobre el poder de los reality shows, que se erigía como una de las mejores cintas de su estimable realizador, amén de ofrecer uno de los mejores papeles de Jim Carrey, hasta aquel entonces enfrascado en un buen número de personajes llenos de tics y muecas.

Que las película mereció más nominaciones —sólo consiguió las de mejor director, mejor actor secundario y mejor guión— es algo que ya se sabía entonces y que el paso del tiempo ha ido confirmando. Recientemente en la sección Respuestas, uno de nuestros lectores, el avispado luisss, fue aplaudido al resumirla con una sola palabra: vida. Pocas veces debo estar yo de acuerdo con un lector, pero es una palabra que la define a la perfección. ‘El show de Truman’ es, a las puertas del 2012, mucho más actual y revolucionaria de lo que fue en el momento de su estreno. Un canto a la vida y una crítica sin cuartel al poder de la televisión y la lucha por las audiencias, pero sobre todo un retrato del ser humano con todo lo bueno y lo malo que tenemos, que es mucho.

El concepto de ‘Gran hermano’, tan conocido en nuestro país gracias a un penoso programa de televisión que, temporada tras temporada, ha ido lobotomizando a los espectadores tontos, proviene de la famosa novela de George Orwell ‘1984’, publicada en 1949, y que posee dos adaptaciones cinematográficas, ‘1984’ (id, Michael Anderson, 1956) y ‘1984’ (‘Nineteen Eighty-Four’, Michael Rsdford, 1984). Dicho concepto no se utiliza en la película pero su influencia está más que clara. No obstante, la idea de una vida de ficción paralela a la real tampoco es original —en realidad ¿qué es original y qué no?—; hay precedentes en la serie de televisión ‘Twilight Zone’ y en alguna que otra novela de Philip K. Dick —aún sueño con una adaptación de ‘Time Out of Joint’, cuya premisa argumental es simple y llanamente impresionante—. Andrew Niccol recupera la idea base para su libreto, y la premisa que propone aterra por su verosimilitud. Una empresa adopta un bebé al que convertirá en el protagonista del reality show más exitoso de la historia, todo un mundo creado para él, siendo totalmente inconsciente de que vive una farsa.

Considero un gran acierto en el libreto de Niccol el hecho de que el espectador sepa enseguida que Truman vive en un enorme plató —tanto que puede apreciarse desde el espacio exterior al igual que la muralla china—, y no juegue al suspense presentándonos ese detalle al final como si de uno de esos giros dramáticos de guión se tratase. A cambio se opta por descubrir la terrible verdad al poco de su inicio —no obstante, ese foco que cae del cielo, y la angulación de la cámara, simulando monitores, son suficientes pistas al respecto—, e impactar en el espectador simplemente con la premisa, que por sí sola ya resulta aterradora y capta nuestro interés. El film critica la curiosidad humana, el vouyeur que todos llevamos dentro, y ahí estamos frente a la pantalla, interesándonos por la vida de un pobre desgraciado al que no se le ha dado la oportunidad de elegir. Hay que alabar el trabajo de síntesis realizado en el guión, pues hablamos de una película que dura poco más de hora y media, y aúna en poco tiempo mucha información hábilmente dosificada.

Y es un acierto esa opción de la supresión del suspense porque resulta prácticamente absurdo. La vida de Truman no tiene nada de especial, y me refiero a la vida ficticia que vive desde su nacimiento. Weir y Niccol ya logran que nos involucremos en la historia porque reconocemos nuestro lado vouyeur, y porque en el fondo deseamos que Truman consiga su objetivo, salir de esa mierda de mundo —dicho sea de paso que sirve como alegoría de un mundo ideal, aunque controlado por un ser superior, un dios muy particular, llamado Christof— y por ende alcanzar el amor, representado en el personaje al que da vida una encantadora Natascha McElhone. Es ése el único y poderoso punto de inflexión en la historia, y que en cierto modo habla de la propia naturaleza del ser humano al creer en algo más que lo que vemos, a aspirar a algo mejor y por coherencia a luchar por nuestros sueños, sean posibles o no. Cualquiera de nosotros puede ser Truman, nos identificamos con él y no necesitamos protagonizar un reality show para ello. Sus miedos y temores son los mismos que los nuestros y la falsedad del mundo que le rodea es la nuestra propia, el querer disfrutar con los placeres y sufrimiento de los demás, olvidándonos de lo principal: disfrutar y sufrir por nosotros mismos. De sentir.

Por primera vez en la carrera de Jim Carrey, su histrionismo le queda a la perfección. Su actuación va acorde con todo el mundo en el que vive y en el que prácticamente es un producto más de marketing. La evolución de su personaje queda perfectamente captada en una interpretación llena de matices en la que el actor demuestra que es mucho mejor de lo que nos había hecho creer con sus papeles de payaso. Atención a la forma de saludar todas las mañanas a sus vecinos, la misma que usa al final con reverencia incluida y de connotaciones muy diferentes. Pocas veces se nos ha erizado la piel como el momento de la libertad de Truman, porque representa la nuestra propia. Por el camino queda un personaje odioso a cargo de una excelente, como siempre, Laura Linney, una arrebatadora música de Burkhard von Dallwitz y Philip Glass, y un Ed Harris glorioso. Todos al servicio de una puesta en escena de Peter Weir a base de planos que encierran a sus personajes en perfecta consonancia con lo que se cuenta. La liberación de Truman se produce fuera de campo, cuando la película ha terminado y el controlable espectador busca otro canal. No es difícil imaginar que Truman se encontrará con el amor de su vida. Y habrá sido su elección, porque el amor es, como la vida, una cuestión de voluntad.

‘Transformers 3: El lado oscuro de la Luna’

La idea de un grupo de robots gigantes que encima pueden transformarse en otra cosa es algo que, sobre el papel, me resulta atractiva. El problema es cuando luego Michael Bay hace una película cansina, sin emoción y en la que, en muchas ocasiones, cuesta seguir el hilo de la acción. Y además es bastante aburrida, el gran pecado capital de cualquier película de estas características. Sin embargo, y para todos aquellos que la disfrutaron, ya se va a poder comprarla para verla en casa cuantas veces quieras. Eso sí, no esperéis ver el más mínimo extra, porque, en una decisión bastante sorprendente, no se incluye ninguno, ni en la edición en dvd (19,95 euros) ni en el bluray (24,95 euros) que también incluye el dvd a modo de regalo. Habrá que esperar unos días más si queréis comprar el steelbook que también incluirá una copia del bluray en 3D (35,95 euros). También se puede adquirir un pack con las tres entregas de la saga hasta la fecha tanto en dvd (30,95 euros) como en bluray (49,95). Eso sí, como aviso para coleccionistas, apuntar que dentro de unos días saldrá otro pack en bluray que incluirá las tres entregas dentro de una cabeza con forma de Autobot y sorprendentemente el precio (69,95 euros) no es tan estafador como cabría esperar.

En Blogdecine:

• ‘Transformers 3: El lado oscuro de la Luna’, el conejito de Rosie Hutington-Whitley

• ‘Transformers 3: El lado oscuro de la Luna’, un juguete para romper

‘Midnight in Paris’

Woody Allen puede estar unos cuantos años haciendo películas que hagan añorar sus mejores tiempos, pero aún tiene la capacidad de sorprender con películas bastante logradas e imaginativas de vez en cuando, y ese fue el caso de ‘Midnight in Paris’. El problema es que sus ediciones en formato doméstico siempre han carecido de contenidos adicionales con la más mínima profundidad y ésta no es una excepción a la regla. Se puede adquirir tanto en dvd (15,95) como en bluray (19,95) en cualquier comercio, pero Cameo ha llegado a un acuerdo con Fnac para lanzar una edición exclusiva de la multinacional francesa, la cual incluirá tanto el dvd como el bluray de la película y además contará con una presentación especial en formato digibook. En este caso, el precio es de 24,95 euros.

En Blogdecine:

• Festival de Cannes 2011: ‘Midnight in Paris’, vida, magia y amor

• ‘Midnight in Paris’ o los prodigios de la ciudad de la luz

• ‘Midnight in Paris’, la grandeza de lo sencillo

• ‘Midnight in Paris’, amor y muerte

‘My fair lady’

El bluray es un formato que pide a gritos la aparición de muchos grandes clásicos y ahora le ha llegado el turno a la estupenda ‘My fair lady’. Quizá sea demasiado larga, pero lo cierto es que me parece una película claramente superior a la mitificada ‘Desayuno con diamantes’, aunque, todo hay que decirlo, la mejor película protagonizada por Audrey Hepburn es ‘Charada’ y ya tenemos la fortuna de contar con una edición en este formato de dicha película. En lo referente a ‘My fair lady’, se ha optado por incluir el mismo contenido adicional ya presente en la edición especial en dvd del 2004. El precio de 19,95 euros invita a su compra a los que, como yo, nunca llegamos a adquirirla en dvd.

En Blogdecine: ‘My fair lady’, esa mujer

Las tres primeras entregas de las aventuras de Jack Ryan

Sí tengo que ser sincero, la verdad es que la única de estas tres películas que realmente me gusta es ‘La caza del Octubre Rojo’ y creo que el cambio de Alec Baldwin por Harrison Ford como Jack Ryan fue algo negativo. Eso sí, la aparición de Willem Dafoe en ‘Peligro inminente’ fue todo un acierto. No obstante, parece que es la propia Paramount la que reniega del cambio posterior de Harrison Ford por Ben Affleck, ya que también posee los derechos de ‘Pánico nuclear’ y ha preferido obviar su aparición en bluray. Tanto ‘La caza del Octubre Rojo’ como ‘Juego de patriotas’ y ‘Peligro inminente’ salen con el precio de 19,95 euros y con un limitado número de contenidos adicionales que se limita a repetir lo que ya podemos encontrar en las antiguas ediciones especiales en dvd.

‘Hook’

La aventura peterpanesca de Steven Spielberg era una de las muchas películas suyas que aún no habían aparecido en bluray, pero Sony pone solución a ese problema esta semana. Llama la atención la ausencia total de extras, ya que ni siquiera recurre al viejo de truco de incluir al menos el tráiler para aparentar que no es una edición algo descuidada. No obstante, Sony es una editora que suele cuidar mucho la calidad tanto de la imagen como del sonido, por lo que sus 14,95 euros de precio parecen bastante ajustados. Total, luego la mayoría no suele ver los extras, así que mejor un precio más bajo. Eso sí, habiendo extras incluidos en la antigua edición especial en dvd, no termino de entender el motivo de su exclusión.

‘Space Jam’

Esta es una película a la que tenía mucho cariño en mis años mozos, ya que siempre me ha gustado el baloncesto y la idea de unir a Michael Jordan con Bugs Bunny y compañía me parecía casi la perfección en esa época. Ahora, la verdad es que me sigue pareciendo una película entretenida y se agradece la presencia (algo desaprovechada, no voy a negarlo) de Bill Murray. Esta semana nos llega la edición en bluray cuyo extra más interesante, el audiocomentario con la presencia de varios personajes de los ‘Looney Tunnes’, carece de subtítulos al ser un título que edita Warner. Lo mejor es el precio, ya que mantiene la línea de la editora de ir sacando títulos de catálogo a coste reducido: Tan sólo 9,95 euros.

‘Rio’

Lo cierto es que este título de animación de la Fox no me parece que mejore en demasía a la saga de ‘Ice Age’, pero tampoco es una película que convenga despreciar sin más, ya que ofrece un entretenimiento digno si sabes ver que no puedes exigir lo mismo que en una producción de Pixar. Aquí, y siguiendo la política de Fox de los últimos tiempos, tendrás que comprar sí o sí la edición que incluye la película en dvd y bluray, pero con la ventaja de poder escoger una funda tamaño dvd o bluray. Se incluyen varios extras que parecen centrados en la atención de los más pequeños de la casa, aunque llama la atención es que se incluyan vídeos del juego ‘Angry Birds’. El precio es de 21,95 euros, pero sí tienes la suerte de contar con una televisión y un reproductor compatible con la tecnología 3D también puedes adquirir ‘Rio’ en la edición que incluye lo mismo que la edición normal y una copia en 3D de la película en bluray por 29,95 euros.

Colección Pixar

Se acercan ya las Navidades y es normal que se empiecen a lanzar packs pensando en conseguir más dinero vendiendo lo mismo con otro envoltorio, y eso es lo que nos propone Pixar con el lanzamiento de 11 de sus películas en un voluminoso pack en bluray. ¿Cuál es el problema? Pues que ni siquiera pueden llamarlo colección completa al no haberse aún ‘Buscando a Nemo’ en ese formato. Además, no se incluyen todos los discos de las ediciones individuales, ya que se incluye un disco por película cuando las de películas como ‘Wall-E’, ‘Up’ o ‘Toy Story 3’ llevaban dos. Un pack al que le viene bastante bien el concepto de sacacuartos, aunque al menos no tiene un precio excesivo, ya que 11 películas en bluray por 144,95 euros es algo bastante aceptable. Yo, de estar interesado, esperaría a las rebajas posteriores a Navidad para comprarlo, eso sí. También aparece en formato dvd, eliminando los segundos discos de las ediciones especiales e incluyendo ‘Buscando a Nemo’ por el módico precio de 92,99 euros. ¿Por qué las comillas en módico? Pues porque hace apenas unos meses apareció un pack que incluye los mismos títulos con la salvedad de ‘Cars 2’ y costaba 32 euros menos. Vamos, un timo.

En Blogdecine:

‘Up’

• UPoteosica

• ‘UP’, arriba la emoción, arriba la aventura, arriba el cine

• ‘Up’, despliegue de sentimientos en 3D

• ‘Up’, una historia verdadera

‘Toy Story 3’

• ‘Toy story 3’, los juguetes vuelven a atrapar el corazón de adultos y niños

• ‘Toy story 3’, ¿dónde dejé mis viejos juguetes?

• ‘Toy story 3’ es la mejor película de Pixar

‘Toy Story 2’

• ‘Toy story 2’, cuando las secuelas son maravillosas

‘Toy Story’

• ‘Toy story’, y la animación cambió

‘Wall-E’

• ‘Wall-E’, una maravilla con el personaje más entrañable de los últimos tiempos

• ‘Wall-E’, directo al corazón

• ‘Wall-E’, Pixar, otro mundo

• ‘Wall-E’, batallón de limpieza del mal cine

‘Cars 2’

• ‘Cars 2’, la peor película de Pixar

• ‘Cars 2’, ex-ce-len-te

‘Cars’

• ‘Cars’, otra joya de Pixar

‘Ratatouille’

• ‘Ratatouille’, manjar exquisito

Vía | ZonaDVD

Una isla misteriosa. Un orfanato abandonado, al que llega el joven Jacob, de dieciséis años, para descubrir que los niños que una vez vivieron allí fueron algo más que peculiares. Una niña que levitaba sobre el suelo, un par de gemelas con telepatía, una que podía mantener el fuego encendido en sus manos sin quemarse… Uno de los internos fue su abuelo, que acaba de morir y que durante la infancia de Jacob siempre le contó historias sobre el orfanato, algunas de ellas terroríficas. Quizá fueran puestos en cuarentena en esa desolada isla por una buena causa, quizá eran peligrosos. Y de algún modo –aunque parezca imposible– puede que sigan vivos.

Esta es la historia de ‘Miss Peregrine’s Home For Peculiar Children’ –no se ha publicado en España, por lo que no hay traducción oficial, pero quiere decir algo así como “El orfanato de la Señorita Peregrine para niños peculiares“–, la primera novela de Ransom Riggs, cuyos derechos han adquirido la 20th Fox y Chernin Entertainment con la idea de que Tim Burton dirija su adaptación. El libro incluye fotografías, que se han podido ver en el tráiler anterior, por lo que el director ya se habrá hecho una idea de cómo afrontar los decorados, aunque no nos extrañaría que los convirtiese en algo aún más oscuro y siniestro.

Burton todavía tiene que aceptar el proyecto y en estos momentos, se encuentra muy ocupado finalizando ‘Dark Shadows’ y supervisando la adaptación a largo de stop-motion de su corto ‘Frankenweenie’.

No todo lo que ha hecho Tim Burton ha sido de mi completo agrado, pero otras de sus películas me parece que son entre brillantes y obras maestras. Lo que no se le puede negar es una visión muy personal y casi hasta diría que radical para ambientar cierto tipo de historias y la de ‘Miss Peregrine’s Home For Peculiar Children’ parece ideada para él. Si finalmente se decide a llevarla a cabo, puede que nos encontremos ante una peculiar y atractiva película. Y, de momento, otro libro que habrá que buscar, pues no es poca la curiosidad que me ha creado.

Vía | Empire.

Las películas basadas en hechos reales son ese gran filón que la industria del cine suele aprovechar para dos cosas: Rellenar el horario peliculero de Antena 3 los fines de semana después de comer o hacer obras que utilizan lo que sucedió realmente según les interese a sus responsables. ¿Que podemos basarnos en una hipótesis no demostrada (y muy discutible) para dejar a William Shakespeare a la altura del betún? Pues hacemos la absurda ‘Anonymous’. Cierto que esas licencias pueden ser necesarias para rellenar huecos que los secretos de estado impiden saber con certeza su verosimilitud (me viene a la mente la excelente ‘J.F.K.: Caso abierto’) o simplemente buscando ser más consecuentes con la historia que se estaba contando (‘Malditos bastardos’). Mantenerse fiel a la realidad es sólo una opción una vez que te has asegurado de tener los derechos sobre la historia para que luego no te caigan un montón de demandas. El resto de problemas que puedan causar la película es algo que poco importa.

‘Asesinos de élite’ nos cuenta la historia de un asesino a sueldo (Jason Statham) que ya no puede soportar el trabajo que realiza, pero al que el secuestro de su compañero de profesión y mejor amigo (Robert De Niro) le obliga a tener que aceptar un último trabajo. Ya empezamos mal con el tópico de alguien a punto de retirarse y todo lo que eso trae consigo. Afortunadamente, no estamos ante un policía secundario en la trama, porque entonces todos sabemos que no pasarían ni cinco minutos antes de que lo cargasen. En este caso, el gran peaje a pagar es la inclusión de una trama romántica para el protagonista que, a ratos, recuerda a una muy similar que el propio Statham tenía en ‘Los mercenarios’, pero he de apuntar que aquí está mejor llevada y no me daban ganas de dormirme, cosa que sí sucedía en los momentos equivalentes de la película de Sylvester Stallone.

Volviendo al argumento, Statham tiene que matar a los culpables de las muertes de tres hijos de un jeque árabe (al verle mi cabeza sólo podía pensar en Osama Bin Laden), pero la cosa es especialmente complicado porque los responsables son miembros del Servicio Especial Aéreo británico, y cuenta la leyenda que es muy complicado acceder a ellos sin que una malévola organización secreta que los protege no acabe capturándote y, espero que captéis lo que quiero decir, haciéndote desaparecer.

Una de las cosas que llamaron mi atención en un primer momento fue que ‘Asesinos de élite’ es la primera película como director de Gary McKendry y también el primer trabajo como guionista de Matt Sherring, algo que me despertó bastante dudas sobre el resultado final. No obstante, su trabajo no supone realmente una lacra, sino que simplemente no destaca. McKendry dirige con corrección, pero no tiene la suficiente capacidad como para que las escenas de acción resulten vibrantes y te tengan atado a la butaca. Y Sherring consigue que una historia que podía tender muy fácilmente hacia el absurdo con la organización secreta que protege a las víctimas potenciales se siga con claridad. A cambio, la evolución del argumento es previsible (ya de entrada apostaba por un final como el que acaba teniendo la película) y acaba siendo un tanto redundante al dejar una molesta sensación de repetición con uso reiterado de este esquema: Ejecución-persecuciones-ejecución, etc. Y además, Sherring se saca de la manga un giro de guión que, si bien puede estar justificado, sólo sirve para alargar la agonía de las repeticiones. Y es que ‘Asesinos de élite’ dura casi dos horas cuando algo más cercano a los noventa minutos le hubiese sentado de maravilla.

‘Asesinos de élite’, la solvencia de los actores

En mi opinión, Jason Statham debería ser el gran héroe de acción del cine contemporáneo, pero no ha logrado encontrar el gran éxito que pueda convertirle en, salvando las distancias, el nuevo Bruce Willis. Cierto que ha protagonizado sagas de éxito como ‘Transporter’ o ‘Crank’, pero su impacto en las taquillas no fue tan grande y además últimamente parece que Statham no interprete un papel, sino al tópico que él ha creado de héroe de acción. Mismas expresiones, reacciones, líneas de diálogo casi clónicas e incluso argumentos con unos cuantos puntos en común, ya que ‘Asesinos de élite’ tiene varios elementos en común con ‘The mechanic’. Así nunca lo va a conseguir, porque encima opta por una intensidad en la que no ha lugar la comicidad, y eso hoy en día resulta imprescindible. En el caso que nos ocupa, Statham está igual de bien (o mal, aquí ya entran los gustos personales) que en la mayoría de sus últimas películas. Eso sí, creíble en el papel lo es de sobra y carisma tiene el suficiente para que no nos cansemos de las diatribas morales de su personaje, pero ya está. No esperéis un personaje mítico que perdure, puesto que al de unas horas de haber visto la película ya había olvidado su nombre, y no mucho después ya empezaba a mezclar cosas de ‘Asesinos de élite’ con otras películas suyas. Eso sí, como “fan” (muy necesarias las comillas) suyo a mí no es algo que me resultase molesto mientras veía la película, lo cual, a fin de cuentas, es lo realmente importante.

Más interesante resulta el trabajo de sus dos coprotagonistas, aunque aquí conviene hacer una aclaración para evitar posibles decepciones: Robert De Niro tiene un papel muy secundario, casi más propio de ser llamado un cameo extendido que de colocarle a la altura de los otros dos protagonistas. Y es una pena, porque De Niro parece que disfrutó rodando la película y si bien no ofrece un trabajo del nivel de, por poner un ejemplo, ‘Toro salvaje’, sí que se nota que se está esforzando y no aparece en la película sólo para cobrar un cheque. Sin embargo, el gran atractivo de ‘Asesinos de élite’ es la presencia de Clive Owen, el actor que podría ser poco menos que un Dios en el cine de acción si se lo propusiera (basta con ver su trabajo en la entretenidísima ‘Shoot ´Em Up’ para hacerse una idea), pero que sabiamente ha preferido llevar una carrera mucho más variada. Y la cuestión es que en esta película vuelve a demostrar su gran capacidad en un personaje marcado por sus obsesiones y que Owen sabe aprovechar para erigirse como lo mejor de ‘Asesinos de élite’ con mucha diferencia. Tampoco lo tenía muy difícil.

En el resto del reparto sobresalen dos rostros eminentemente televisivos: Yvonne Strahovski es la chica de la trama amorosa del protagonista y lo mejor que puede decirse de ella es el acierto de la película en dejar que use su acento australiano. Por lo demás, un personaje vulgar con muy poco que ver con el que la actriz tiene en la serie ‘Chuck’. Por otro lado, tenemos a Dominic Purcell, el hermano encarcelado que había que liberar en ‘Prison break’, como el compañero deslenguado de Statham, y hay que decir que cumple perfectamente con un papel que básicamente combina el aspecto físico con una inteligencia moderada. El resto del reparto cumple a secas su cometido siguiendo así la tónica general de la propia película.

En definitiva, ‘Asesinos de élite’ es una película que debería haberme encantado, pero que se queda en tierra de nadie. Ni buena, ni mala. Ni entretenida, ni aburrida. Simplemente, una obra anodina que desaprovecha un reparto harto prometedor en el que hasta Robert De Niro se desmarca con un buen trabajo, algo no demasiado habitual en su carrera en los últimos ¿10 años? Quizá más. Y tampoco es la película que vaya a convertir a Jason Statham en la gran figura del cine de acción que debería ser, pero que parece nunca conseguirá ser. ‘Asesinos de élite’ es un pasatiempo menor, suficientemente aceptable para pasar un par de horas aburridas en casa en las que no sepas qué hacer, pero que no justifica el pagar una entrada de cine. Si buscáis algo llevadero con lo que no quedar demasiadas neuronas haréis mejor esperando al estreno de la simpática ‘El gato con botas’ la próxima semana.

En lo que llevamos de año nos hemos encontrado, en lo referente a las bandas sonoras, con agradables sorpresas, algunos chascos, pero en general, queda la sensación que lo mejor está por llegar. Aún quedan algunos títulos que entre este final de año y comienzo del que viene nos deben sorprender, esperemos que gratamente.

Son títulos muy esperados, películas que deben alcanzar gran notoriedad y que vienen acompañadas de compositores que podrían haber puesto lo mejor de sí mismos para ayudar al éxito de estos films. Por ello, vamos a repasar cinco bandas sonoras que deben sorprendernos, que podrían elevar la satisfacción a los aficionados a la música de cine.

‘In Time’

El compositor Craig Armstrong ha sido el encargado de ponerle música al nuevo film de Andrew Niccol. ‘In Time’ cuenta con acción, suspense y ciencia ficción, los ingredientes donde parece que Armstrong ha logrado un trabajo de gran altura. Según las críticas, casi mejor que el resultado de Niccol en la dirección de la película.

Pero esperemos un poco que en breve llega a nuestras pantallas (2 de diciembre) y podremos descubrir cómo encaja el trabajo de Armstrong con las imágenes. Parece que se ha querido desmarcar de los sonidos propios del futuro y fantásticos, para apostar más por la intensidad, el ritmo de sintetizadores, percusión y con intensidad a lo largo de toda banda sonora. El tema principal es evocador y estimulante.

‘War Horse’ (‘Caballo de batalla’)

En un plazo breve vamos a poder disfrutar de la segunda banda sonora de John Williams. Hemos gozado con la música para ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio’ y en breve acompañará a ‘War Horse’ (‘Caballo de batalla’), colaborando por enésima vez con Spielberg, como no podía ser de otra forma. Ya se conoce la lista de temas, pero por suerte no hace mucho que en la emisora de radio WQXR en un especial exclusivo adelantaron algunos fragmentos que aquí se pueden disfrutar (intercalados entre famosos temas del compositor), o bien en YouTube podrán escucharlos (o adquirir el score completo en Amazon, por ejemplo).

Muy en la línea de John Williams desde luego y con toda la épica que es capaz de otorgar para esta historia que debe arrastrar a las familias a las salas en las próximas semanas (su estreno en Estados Unidos es el día de Navidad). ¿Será capaz de reinventarse, de sorprender nuevamente? Con ‘Tintín’ hay sentimientos encontrados, siendo el resultado global muy notable. Veremos de qué es capaz con ‘War Horse’ (‘Caballo de batalla’).

‘La invención de Hugo’

La nueva película del gran Martin Scorsese nos trasladará a París en los años 30 y bajo el prisma de un niño huérfano sobre el gira el argumento. Para ponerle música Scorsese ha acudido a Howard Shore (por cierto que estrena sello discográfico propio con este trabajo: Howe Records) por sexta ocasión. Se espera mucho de Shore y debería ser capaz de demostrar lo mejor de sí. La historia, ambientación… todo acompaña para Shore juegue con la imaginación en ‘La invención de Hugo’.

La banda sonora se podrá adquirir a partir del día 22 de noviembre, justo antes del estreno. Y el tema principal, según ha descrito el propio compositor, se trata de un vals parisino, para el que ha contado con Elizabeth Cotnoir. Eso sí, una cuestión cuanto menos estimulante es que el compositor ha compuesto temas centrados en los personajes, lo que puede resultar “un matrimonio de luz y sonido”, como lo ha calificado.

‘Sherlock Holmes: juego de sombras’

La primera parte de la nueva aproximación al mítico detective contó con una magistral composición de Hans Zimmer. Entre lo mejor de hace un par de años, lástima que fuera una banda sonora muy breve y quizás le restara enteros para competir, a nivel de premios, con otras, pero suficientemente meritoria para alabarla en su justa medida. Esta segunda parte cuenta de nuevo con la aportación de Zimmer, que es de suponer se basará en su excelente partitura para hacer más variaciones.

Con lo poco que se puede apreciar de momento, el resultado podría tomar dos vías: que consiga mejorar aún más y darle más desarrollo a los brillantes temas anteriores. O bien que no sea más que un remix, explotando una y otra vez el tema principal, sin aportar muchos más matices. De Zimmer siempre hay que esperar lo mejor, así que soy optimista con ‘Sherlock Holmes: Juego de sombras’. Se podrá adquirir a partir del 13 de diciembre y al parecer contará también con temas clásicos como un fragmento de ‘Don Giovanni’ de Mozart, ‘Die Forelle’ de Schubert y también de Ennio Morricone (‘Dos mulas y una mujer’).

‘Mision Imposible 4: protocolo fantasma’

Explotando una saga más en Hollywood que cuenta, como no podía ser de otra forma, con un tema principal mítico (de Lalo Schifrin), versionado hasta la saciedad. Esto es una ventaja para identificar al film, pero también puede ser un lastre para componer una completa partitura sin desentonar. No hay nada imposible, así que jugado con el título nada mejor que contar con el imprescindible Michael Giacchino. Que además repite en la saga, por cierto.

Es probable que el compositor ofrezca algo muy diferente a lo que nos tiene acostumbrados. Que se aleje del minimalismo para dar paso a la imaginación, a ritmos más trepidantes que acompañen la acción del heróico Ethan Hunt (encarnado por el eterno Tom Cruise). A ver si también el reto le afina la inspiración y consigue mejorar incluso su trabajo anterior para ‘Misión Imposible III’ (2006), que era demasiado frenético y acelerado.

Aún no se conoce fecha de lanzamiento ni más detalles, esperemos que no tardemos mucho más en descubrir lo nuevo de Giacchino.

¿Alguna otra banda sonora que esperéis con muchas ganas?

Si quieres guiar a la gente, tienes que tener una meta…

-El Chico de la Moto

El Chico de la Moto no manda (rules), sino que reina (reigns). Eso rezan las pintadas que inundan esa ciudad fantasmal (una Tulsa abstracta), y en verdad está tratado como una figura shakesperiana (un rey en el exilio, le llaman algunos) e inasible para su propio hermano Rusty James. El primero es un pletórico Mickey Rourke de 31 años, el segundo un fabuloso Matt Dillon de 18. En realidad ambos son espejos románticos del hermano mayor de Francis, y del propio Francis, respectivamente. Esto es una declaración de amor.

Y no sólo su propio hermano (al que está dedicada la película), sino también a la literatura de Susan E. Hinton, de quién adapta una segunda novela con pocos meses de diferencia y de manera consecutiva, en un ejemplo sin precedentes, al menos recientes, de una adhesión semejante a un mismo autor. Con la espada de Damocles más lejana, después del grandioso éxito de ‘Rebeldes’, Coppola firma la película más artística, desatada y vanguardista de toda su carrera. Coppola ya no en el abismo, sino frente al espejo de Welles.

De una manera obvia, pero tremendamente natural, ‘La ley de la calle’ (interesante título para el original ‘Rumble Fish’, pez luchador…) es la otra cara de la moneda con ‘Rebeldes’. Todo lo que allí era placidez y luz, aquí es nervio y sombras. Y aunque en aquélla, a pesar de la dureza en el retrato de una juventud desamparada, aún queda algo de esperanza, en esta se estamos en la pérdida de la ilusión. Y si allí el tema era la libertad, aquí es el tiempo, desde luego, muy presente tanto en los diálogos o discursos, como el de Benny (gran Tom Waits, que compuso las canciones de ‘Corazonada’ y que alcanzó la cumbre de su colaboración con Coppola interpretando nada menos que a Renfield en ‘Dracula’), así como en los múltiples relojes y en el sonido, que imita a menudo al minutero de un reloj.

De hecho, gran parte del reparto de ‘Rebeldes’ está presente en este ‘La ley de la calle’, con mención especial para Dillon, que parece prolongar con gran acierto y lucidez su maravilloso personaje de Dallas, para enriquecerlo con su inolvidable Rusty James, el renqueante hermano menor, una fuerza de la naturaleza descarriada que no deja de cometer las más grandes insensateces, y de fastidiar a todo el mundo, obsesionado como está por la figura de su hermano mayor, el misterioso, místico, Chico de la Moto. También vuelve Dennis Hopper, y claro, la guapísima Diane Lane, además de otros intérpretes con los que Coppola forma una troupe unida y muy bien entramada.

Y al color de ‘Rebeldes’ se opone el rotundo, elocuente blanco y negro dirigido por el mismo operador del anterior, Stephen H. Burum, y que busca el manierismo por encima de cualquier otra consideración, buscando en la cualidad de la imagen una razón de ser narrativa y anímica. El referente más nítido es ‘Sed de mal’, pero también ‘El extraño’ y ‘Campanadas a medianoche’. Coppola sabe que está a la altura de lo que intenta homenajear, y se entrega a la labor con una vehemencia digna de elogio. Parece filmar y montar con una alegría y una energía avasalladoras, organizando a sus actores como si fueran bailarines de ballet, haciéndoles girar y moverse dentro y fuera de cuadro, sin importarle una verosimilitud, digamos, realista.

El Chico de la Moto es como Michael Corleone, como Kurtz, como Drácula, una figura patética, vencida por el tiempo, más allá de la moral o de la muerte, incapaz de aleccionar o de hacerse entender por los que le rodean. Está lejos aunque esté cerca, y desde su regreso de California está más extraño que nunca. Sigue protegiendo a su hermano (aunque llega, por dos veces, tarde) pero tiene asuntos pendientes con su propio vacío. El viaje que emprenden juntos, más emocional que físico, por las calles nocturnas de la ciudad, es una maravilla abstracta y poética. Averiguamos que el blanco y negro es por la visión defectuosa del Chico de la Moto. Pero los peces son de colores

No es de extrañar el rotundo fracaso comercial de esta película, con la que Coppola fundió los beneficios recién adquiridos de la anterior. No es un relato clásico, es lo que ‘El padrino II’ a ‘El Padrino’: al pretendido clasicismo se le opone un vanguardismo, una audacia extremas. El tiempo pasa volando y no hay tiempo para lamentarse. Esta será la última vez que Coppola goce de esta libertad y esta plenitud. Su desastroso estreno le obliga a firmar en cierta película de época en la que tendrá muy poco tiempo para rectificar las cosas. La suerte está echada, y a la ambición se une la amarga ley de la taquilla.

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“A tomar por el culo el mundo…” – Santos Trinidad

En el casi siempre predecible, de respaldo industrial más bien escaso (por no decir que ante todo faltan en España buenos y valientes y honestos productores de cine, más que actores, aunque también, guionistas o directores), de crisis perenne y aparentemente invencible, en el que los géneros parecen proscritos o causan pavor, en el que o eres un director consagrado (y por tanto haces películas con relativa frecuencia) o eres un don nadie (y puedes contentarte con hacer una primera película…y alguna más en veinte o treinta años), que siempre anda mirando de reojo lo que se hace en Estados Unidos en lugar de construir un sentido cinematográfico propio, ‘No habrá paz para los malvados’ (2011), séptimo largometraje en la trayectoria como director del bilbaíno Enrique Urbizu después de ocho años de inactividad como cineasta (si exceptuamos su segmento para ‘Historias para no dormir’, que poca gente ha visto), representa algo así como un milagro, un maldito milagro que asombra que se haya hecho realidad, en medio de un desierto tan desolador como ofrece un panorama presidido por los mismos nombres de siempre, los mismos temas de siempre y la misma carencia de audacia, rigor, fortaleza narrativa, profundidad psicológica, y ante todo personalidad, visión propia del mundo y del hombre. Del cine, en definitiva.

En la pasada década, Enrique Urbizu había firmado dos feroces, imprescindibles, retratos del ser humano al límite, tanto en el exterior, en su relación con una sociedad podrida, como en su interior, en la lucha contra unos demonios aún más terribles que cualquier enemigo. Ambos magníficos filmes no obtuvieron, ni de lejos, todo el reconocimiento que merecían, ni el éxito de un público que, lógicamente, ha dejado de creer en grandes cineastas españoles. ‘La caja 507’ (2001) era un policiaco de la mejor estirpe, y ‘La vida mancha’ (2003) un melodrama devastador, pero esas propuestas, me temo, estaban muy lejos de querer complacer al espectador. Muy al contrario, le desafiaban a una implacable lucha consigo mismo. Cine sin concesiones, descarnado, que rechazaba de plano el dar respuestas y que nos colmaba de interrogantes, enigmas, desasosiegos. Y ahora, por fin, regresa al policiaco con la que probablemente es su obra cumbre, de plenitud, en pleno dominio de su talento, y con más mala leche y mayor desesperanza que nunca. Hace pocas horas que he vuelto a ver ‘No habrá paz para los malvados’, y puedo decir, sin que me tiemble en absoluto el pulso escribiendo, que pocas veces, por no decir nunca, he pasado dos horas más felices en una sala de cine viendo una película española.

Entre las muchas clases de directores que existen (a Dios gracias…) hay un tipo que yo suelo definir como astutos. Gente de cine que conoce bien el medio, está armado con excelentes herramientas técnicas, y sabe darle al espectador una buena dosis de pirotecnia audiovisual. En este grupito incluiría a Alejandro Amenábar, los hermanos Coen (salvando sus primeras películas…), Mel Gibson, Bryan Singer, Peter Jackson, Ron Howard, Guillermo del Toro, Steven Soderbergh, Michael Mann, Spike Jonze, J. J. Abrams, Jean-Pierre Jeunet, Christopher Nolan, Darren Aronofsky, Ridley Scott y muchos otros. Me duele verles emparentados en demasiadas ocasiones con grandes narradores de verdad, como Clint Eastwood, John McTiernan, Kathryn Bigelow, John Carpenter, Steven Spielberg, Werner Herzog, Paul Verhoeven, Ang Lee, Alfonso Cuarón y, por supuesto, Enrique Urbizu. Esos astutos directores son los más preparados para dar gato por liebre, epatando con su estrategia narrativa, buscando lo impactante, lo impresionante y lamentablemente perecedero. Pero los grandes narradores, como los nombrados, son capaces, siempre que pueden y les dejan, de trascender con mucho el marco de los géneros que excitan su imaginación y divierten su creatividad. Saben de sobra que un género como el thriller, el noir o policiaco, es sobre todo una forma moral de observar el mundo, y el poso que dejan en sus imágenes permite que éstas sobrevivan al capricho de las modas, porque se erigen en un juicio, un análisis, de un hombre y una sociedad determinadas, y construyen en torno a eso la ficción que las alimenta.

Santos Trinidad, el espejo del Madrid del siglo XXI

Como otros grandes narradores, Urbizu solamente deja de dedicarse a otras cosas (en su caso, de dar clases o de escribir guiones), cuando puede hacer la película que le viene en gana. Sin embargo, en esta ocasión, a punto estuvo de no ver la luz su proyecto, cuando una vez más vio reducido su presupuesto y su plan de trabajo. Pero, en un ejercicio de ascetismo y voluntad admirables, despojó al guión de algunas páginas (relativas, al parecer, a la trama yihadista) y depuró la historia en torno a Santos Trinidad, verdadero compendio y cristalización de todos los antihéroes que, desde siempre, han obsesionado a Urbizu, hasta el punto de erigirse en un grotesco, desaforado, alter-ego de sí mismo. Un individuo detestable hacia el que, asombrosamente, sentimos piedad y hasta una retorcida admiración, un sujeto abyecto capaz de los actos más ignominiosos y de las heroicidades más violentas. Jose Coronado vuela en una creación poco menos que sublime (muy alejada de su oscuro Rafael Mazas, rapado, en forma y perfectamente afeitado, pues aquí luce greñas, carece de cintura y lleva barba y bigotazo grasientos), que vuelve a certificarle como el actorazo que siempre ha sido (aunque, como todos los actores, más aún los españoles, ha participado en subproductos de todo tipo para sobrevivir). Coronado es una fuerza de la naturaleza desde el principio hasta el final. Sus ojos de pantera, sus andares de alcohólico irredento, la profundísima tristeza y ambiguedad de todos y cada uno de sus gestos, le convierten, desde ya, en una leyenda del cine español.

Con Santos empezamos, y con él terminamos la película. Una narración compulsiva que se podría describir, a grandes rasgos, como quince minutos iniciales de una sordidez salvaje, una zona media en la que se van superponiendo los puntos de vista de manera ejemplar, y que se dirigen, frenéticos, a los quince minutos finales, en los que no oímos ni un solo diálogo, y que son la explosión de todos los elementos, el clímax perfecto de una ficción que no deja tregua al espectador. En esos quince minutos iniciales nos zambullimos en un Madrid que se palpa, se huele, que apesta a verdad. Siendo una ciudad que conozco tan bien, y más aún en esas noches alcohólicas, dejo de sentir que delante me están ofreciendo una puesta en escena, y respiro ambientes, tipos, actitudes tan reales, o más, que la vida misma. Ahí está Madrid, y toda su compulsiva vida nocturna. Y ese primer cuarto de hora es, creo, lo mejor que ha filmado Urbizu en toda su vida y, por extensión, lo más estremecedor, libre, cautivador que se ha visto en el cine español en demasiados años, y una muestra de que las películas de este país pueden, deben, ser tan potentes como cualquier otra cinematografía. Ausente la música, los lugares fáciles, sólo nos queda aferrarnos a los ojos insondables de un policía al que le tiemblan las manos para coger la copa pero no para apretar el gatillo. Santos es una mezcla gozosa de vaquero, samurái e icono hediondo del cine negro. Y probablemente existan unos cuantos Santos Trinidad patrullando por Madrid…

Pero, aunque siempre por debajo de la memorable creación de Coronado, ‘No habrá paz para los malvados’ se beneficia de un reparto en estado de gracia, un extenso elenco de secundarios, asignatura pendiente del cine español en la mayoría de sus producciones, en las que ni sobra ni falta nadie, y en la que todos están dirigidos con mano maestra y elegidos con minuciosidad de relojero. Tanto es así que gente que casi nunca me convence, como Juanjo Artero, es esencial para el discurrir y la tensión de la trama. Y otros como Rodolfo Sancho, Julio Perillán, Ricardo Dávila, Nadia Casado, Luis del Valle, amén del resto, configuran un collage de rostros sin la menor fisura, que dibujan un Madrid desesperanzado, en el que apenas cabe la sonrisa que no sea cínica, ni una sola intención que no sea mezquina, y en el que no hay cabida para la compasión o la empatía. Y finalmente Helena Miquel, que apenas ha hecho nada en cine hasta ahora, clava el carácter opuesto a Santos Trinidad, la verdadera heroína de la película, la jueza Chacón, capaz de compatibilizar una gran carrera profesional con el hecho de ser madre. Una mujer de gran fortaleza mental que poco a poco se irá dando cuenta de que los diferentes departamentos de la policía no se comunican entre sí, lo que provoca unos fallos en la seguridad nacional que pueden dar lugar a las grandes tragedias que nos han sacudido.

La maliciosa y lúcida mirada de Urbizu

Porque si en ‘La caja 507’ de lo que se trataba era de hablar de la especulación del suelo en España, de los que se cargan montes, costas y familias para construir chalés, urbanizaciones de ricos, y carísimos puertos deportivos plagados de yates, en ‘No habrá paz para los malvados’ el tema es la falsa seguridad en la que vivimos, la incapacidad de la ley, por muchos esfuerzos que haga, para garantizar que sucedan grandes masacres terroristas. La sombra del 11-M, sin llegar a ser explícita, sobrevuela toda la trama de la película. Pero Urbizu no se contenta con eso. Es capaz, gracias a la creatividad y a la férrea escritura que ha llevado a cabo con su inseparable guionista Michel Gaztambide, de hablar también de los cargamentos de droga que entran por la vía africana, y de conectar todo ese submundo de mafias y narcóticos cuyo origen es Colombia y Venezuela, con las bandas de marroquíes y árabes que se han instalado en Lavapiés desde hace muchos años. Y lo conecta todo con una perfección que asusta, sin perder jamás el control de lo que está contando, ni crear confusión en el espectador, todo unido por la mirada brumosa, pero de cazador nato, de Santos Trinidad, que se convertirá en héroe sin ni siquiera proponérselo, pues todo lo que le mueve es salvarse a sí mismo de sus atrocidades. Y así, las casualidades con las que arranca el relato se convierten en algo parecido a la predestinación, y ésta hace posible una redención de resonancias bíblicas.

Pero Urbizu llega incluso más allá. Debajo de toda la trama, de la vertiginosa aventura que nos cuenta, existe una mirada maliciosa, llena de ironía y mala uva, hacia la sociedad actual, sobre todo la madrileña. En una puesta en escena en la que no hay ni rastro de autocomplacencia (porque no cree necesario demostrar nada a nadie salvo a sí mismo), de una sequedad y precisión que muy pocos pueden alcanzar, se va colando por sus grietas una crónica despiadada de la vida, de nuestra vida. En cada escena y casi en cada imagen, su imaginación vuela para proponer ideas perversas, y si hay una televisión en último término del plano, vemos la telebasura o la obsesión del español medio por el fútbol, y si Santos entra en un establecimiento, el cartel de “se traspasa” deja caer el fantasma de la crisis. Y muchos cortes de montaje (por cierto, soberbio montaje de Pablo Blanco) o movimientos de cámara sugieren ideas síntesis o discursos morales, como un ascensor que se cierra con el terrorista dentro y una puerta que se abre con el policía que no pudo, o no supo, capturarle. La riqueza narrativa de Urbizu y Gaztambide es tal que hay que ver varias veces la película para percatarse de todo. En ella cabe la épica del antihéroe con la sociedad de las eternas tragaperras y el cubata, el conocimiento profundo de las armas blancas y de fuego con el pijerío nocturno de Madrid, el horror de la violencia infernal con la melancolía de una soledad incurable.

Y dirige el director bilbaíno con un nihilismo lleno de furia, con secuencias de acción terribles y tenebrosas, convirtiendo a su película en un puñetazo en el estómago que perdura en la memoria y que te obliga a hacerte preguntas sobre la falsa moral que rige la sociedad, sobre lo fácil que es morir en cualquier esquina. Y la mayor pregunta de todas es: ¿qué película podría haber hecho Urbizu con más presupuesto y aún mayor libertad?, pero también: ¿qué podría dar de sí este hombre en Estados Unidos? ¿por qué la única pega que se puede sacar a ‘No habrá paz para los malvados’ es lo corta que se hace y las ganas de más? ¿Quién puede evitar soñar con una miniserie sobre Santos Trinidad? Preguntas que nunca obtendrán respuesta, como los enigmas morales de esta obra maestra del cine español.