De las películas más recientes no aparece esta semana en DVD o Blu-ray ninguna de gran popularidad. Encontraremos unos cuantos títulos interesantes, pero de cine clásico o de estrenos de otras décadas, muchos de ellos en forma de pack, una de las mejores maneras de timar a los compradores de cine para el disfrute casero. Raro es que te interesen todas y que, además, no tengas ninguna, por lo que es muy habitual acabar pagando por una película que no quieres ver o por una que ya poseías, si no quieres renunciar a otro título. Los envoltorios atractivos, regalos y extras de los discos también atraen hacia este tipo de productos. No son listos ni na.

Venta

‘Un Conejo sin Orejas’ (‘Keinohrhasen’, 2007)

Uno de los pocos films de reciente estreno que aparece en venta en DVD. Esta comedia romántica, protagonizada por el atractivo Til Schweiger (‘Malditos bastardos’), nos habla de un periodista que debe hacer horas de servicios sociales en una guardería. Tiene bastante humor y consigue lo imprescindible en este género: la química entre los protagonistas. Aunque al final tarda demasiado en solucionarse, en general es un título muy recomendable, como ya dije en mi crítica.

‘El día del delfín’ (‘The Day of the Dolphin’)

Film de Mike Nichols, de 1973, protagonizado por George C. Scott. Ha sido calificado como uno de los veinte mejores trabajos de ciencia ficción y se ha convertido en film de culto, por lo que es uno de los títulos inéditos más esperados. Está basado en el relato de Robert Merle y narra un experimento para encontrar la manera de comunicarse con otras especies.

‘Simón del desierto’ (1965)

Luis Buñuel parodia la alienación religiosa y la aspiración a la santidad en esta cinta irreverente en la que Claudio Brook interpreta a Simón, un hombre que aspira al ascetismo y permanece sobre una columna para purgar sus pecados. Pese a lo radical de su planteamiento y a que debería hacerse difícil soportar un film que no se mueve de ese lugar del desierto, tiene un ácido sentido del humor y otras aportaciones que la convierten en grandiosa.

‘Viernes 13’ (‘Friday the 13th’)

Sale a la venta la colección completa de esta larguísima saga de películas de las que podría ser absurdo hablar de su calidad. Por supuesto, no la había en las primeras y la hay menos aún en las últimas. Pero quién podría negar que se trata de una serie mítica que ha marcado a generaciones enteras. Con sus planteamientos inverosímiles, pero imprescindibles —esa cantidad de jóvenes reunidos en un lugar desamparado— se ha convertido en un clásico en el imaginario colectivo.

‘El placer’

Dirigida por Max Ophuls, ‘El placer’ (‘Le plaisir’, 1952), cuenta tres historias cortas de Guy de Maupassant, que versan sobre este sentimiento: ‘La máscara’, que explora el placer y la juventud al retratar a un hombre que se oculta tras una máscara para acudir a bailes; ‘La casa Tellier’, donde se tocan los temas del placer y la pureza en una historia sobre las “empleadas” de la señora Tellier, y ‘La modelo’, en el que el concepto central es el placer y la muerte, pues nos habla de un pintor enamorado de su modelo, que acaba perdiendo la vida.

‘Barba Azul’ (‘Bluebeard, 1944)

John Carradine protagoniza esta cinta de terror sobre un pintor que asesina a sus modelos. Juraría que la vi de pequeña, pero no la recuerdo con exactitud. Curiosa la relación argumental con una de las historias cortas que adapta Ophuls y que aparece en DVD el mismo día.

Se trata de un film de Edgar G. Ulmer, director de ‘El desvío’ (‘Detour’, 1945), que salió a la venta la semana pasada y de la que se dice que es la mejor película de serie B de la historia. Con un tono de cine negro y todos los ingredientes de este género, esta road-movie, está narrada a través de un largo flashback en el que se nos comunican los avatares de un amargado viajero (Tom Neal) y una femme fatale (Claudia Drake).

Clint Eastwood Essential

Una compra interesante pueden ser las cajas tituladas Clint Eastwood Essential. El volumen 1 contiene: ‘El Bueno, el Feo y el Malo’,  ‘Million Dollar Baby’, ‘Firefox’, ‘Space Cowboys’, ‘Mystic River’, ‘Los Puentes de Madison’, ‘El jinete Pálido’, ‘Un Mundo Perfecto’, ‘Harry el Sucio’ y ‘Harry el Fuerte’.

El volumen 2 incluye: ‘Cartas desde Iwo Jima’, ‘Banderas de Nuestros Padres’, ‘Sin Perdón’, ‘Sargento de Hierro’, ‘Poder Absoluto’, ‘El Fuera de la Ley’, ‘Ejecución Inminente’, ‘Los Violentos de Kelly’, ‘En la Cuerda Floja’ y ‘Bird’.

En Blogdecine no es difícil que encontréis críticas o información de cualquiera de ellas. Entre otras cosas, podéis consultar el Especial Clint Eastwood, donde se hace un estudio de todas estas películas. Por lo tanto, poco quedaría que decir. Por supuesto, los films valen la pena, pero lo que quizá tiene poco sentido es el formato caja, pues los más aficionados seguro que ya tienen muchas de ellas, si no todas.

Pack de Sergio Leone.

No son los films más característicos del director de spaghetti Westerns lo que se publica aquí, sino los primeros trabajos de Leone, quien trabajaba como ayudante de dirección en Cinecittá y recogió la batuta que dejó Mario Bonnard para finalizar la realización de ‘Los últimos días de Pompeya’. Tras ello, se encargó de ‘El coloso de Rhodas’ y ‘Rómulo y Remo’.

Otros:

Igualmente se podrán comprar esta semana en DVD los films ‘7 minutos’, ‘Anamorph’, ‘Dame veneno’, ‘El año pasado en Marienbad’ (de la que ya hablé en otra entrada), ‘Máncora’, ‘Policía Python 357’, ‘Presencias extrañas’ o ‘Superfrikis’ (‘Bickford Shmeckler’).

En Blu-ray aparecen a la venta: ‘300’, ‘Heat’, ‘La milla verde’, ‘El negociador’ y ‘Un Mundo de Fantasía (Willy Wonka)’, que es la versión anterior a la de Tim Burton de ‘Charlie y la fábrica de chocolate’, de Roald Dahl.

Alquiler

‘Bruno’

Una nueva locura de Sacha Baron Cohen, que me parece muy gracioso como humorista y un genial imitador, sin embargo, no creo que lo que hace sean películas, son sketches de programa y como tal habría que verlos, de hecho, así ocurre con ‘Da Ali G Show’. Juan Luis Caviaro, en su crítica, le pone estrella y media, más o menos lo mismo que le puse en mi reseña

‘Desgracia’

Desde que salió la película en cines hasta ahora me he leído el libro y, sinceramente, no me ha gustado demasiado: me parece que Coetzee fuerza mucho la decisión del final que toma el personaje de la hija. Juan Luis nos dijo que estaba bien, aunque le encontró defectos y confiaba en que el libro fuese superior, por eso comencé por leérmelo. Pero la decepción en éste me ha quitado las ganas de acercarme al film.

‘La proposición’

Sandra Bullock y Ryan Reynolds tratan de darle algo de frescura y originalidad al género de la comedia romántica. Es un film que no está mal y con el que es posible reírse, pero no emociona como deberían hacerlo los del género. Podéis leer más extensamente mi opinión en mi crítica. A pesar de que los actores son menos conocidos, recomiendo mucho más la comedia romántica que abre este artículo.

Otros:

Asimismo, salen en alquiler ‘G. I. Joe’ y ‘Zhao’.

Como Blogdecine no es una página publicitaria de estos lanzamientos en concreto, las únicas opiniones que se ofrecen aquí son las puramente cinematográficas y si se habla de calidad o de ausencia de ella, será de las películas, no de las ediciones. Todo lo que concierna al tipo de edición, a los contenidos extra y a las características, no fílmicas, sino materiales de los DVD o Blu-ray, se podrá consultar en el punto de venta o la siguiente fuente:

Vía | Zona DVD.

El ejemplo más patente de ello es ‘Men of the bridge’ (exhibida en la jornada de ayer), una coproducción entre Alemania, Holanda y Turquía dirigida por la turca Asli Özge. Un intento de reflejar la cara menos amable de un espacio como es el puente del Bósforo en Estambul, que separa la parte asiática de la europea. Por allí, entre los terribles atascos de tráfico, pululan personajes que son un fiel reflejo de la sociedad turca actual.

Sin embargo, la propuesta de la realizadora, a pesar de la evidente falta de medios, no consigue separarse de su eminente carácter documental para plantear una ficción medianamente entretenida y estimulante. Es la sucesión, sin sentido del ritmo alguno, de tres historias de tres hombres bien distintos que tienen en el puente, y en Estambul su discurrir diario, con sus particulares problemas. Un joven sin trabajo, que no ha pisado la escuela y que sobrevive vendiendo flores en la calzada repleta de coches, un conductor que se gana la vida compartiendo taxi por horas y al que su mujer le exige algo mejor, y un policía de tráfico que suele trabajar en el concurrido puente y que contacta con chicas a través de internet.

Quizás tenga un interés sociológico para los turcos, pero sinceramente no le he encontrado ninguna justificación, ni argumento donde agarrarse para entender semejante película. Quizás sea mi ignorancia, pero sinceramente no me ha parecido que tenga ni el más mínimo interés (cualquier reportaje televisivo de ‘Callejeros’ o de ‘Comando actualidad’ tiene mucho más sentido del ritmo, de realismo y de entretenimiento).

Otro título al que sumar entre los olvidables es ‘Tobruk’ una producción checa dirigida por Václav Marhoul que se ambienta en la batalla del mismo nombre de la Segunda Guerra Mundial. Es la historia de unos soldados checos que formaron parte de las filas británicas durante la famosa batalla en el norte de África. Es encomiable el esfuerzo de la dirección artística, el maquillaje, vestuario y una banda sonora espléndida (de Richard Horowitz) para dar verosimilitud. Y lo consigue. Buen trabajo en este sentido con gran realismo. Sin embargo, la historia, que no pretende ser antibelicista no termina de funcionar. Los personajes se muestran retraídos y hastiados por soportar tan dura batalla, además del castigo del desierto, pero el reflejo su lucha interior, no resulta especialmente acertado. La narración queda muy diluida y no termina de cuajar ni aportar mayor interés ni progreso desde el planteamiento.

Por último, hablamos de ‘Lourdes’ que abría la jornada de hoy y sí ha logrado dejar un agradable sabor de boca. La película está dirigida por la realizadora austriaca Jessica Hausner y nos cuenta la historia de la ambigüedad que existe en las peregrinaciones en busca de los milagros de en Lourdes. La historia, con una fotografía magnífica y una realización simple, sin riesgos pero muy efectiva, nos traslada a través de la protagonista, postrada en una silla de ruedas, al ambiente que se vive con miles de peregrinos en busca de sanación. La religión, la fe o la esperanza son temas reflejados gran acierto. Para ello, Hausner hace gala de un humor sutil, a la par que incisivo que refleja determinadas situaciones que sirven de verdadera crítica contra la religión. Interesante resultado, pero esperamos algo mucho mejor aún por llegar.

Recuerdo a Daniel Monzón como un crítico cinematográfico con buen gusto y mejores maneras. Un chaval con cultura y buen verbo al que daba gusto leer. Un buen día dio el paso de hacerse director de cine, y no puede decirse que empezara con buen pie. ‘El corazón del guerrero’, que fue su debut, podría haber dado algo de sí en otras manos, pero en las suyas se convirtió en una carta de presentación muy floja, sin ningún interés.

Pero menos interés tuvo aún el intento de comedia de ‘El robo más grande jamás contado’, que algunos analistas defendieron con presencia de ánimo admirable pero estéril, pues no había por donde cogerla. Y con la anodina ‘La caja Kovak’ terminé por perder la esperanza de que este extraordinario cinéfilo pudiera convertirse en director importante alguna vez. Pero ahora llega con ‘Celda 211’, que es algo más que una buena película de género. Es la película española del año.

Un relato poderoso y sin fisuras

Justo cuando no daba un duro por él, se calza Monzón un relato de presos, cárceles y motines que se erige, por derecho propio, en todo un clásico de este subgénero del suspense. Con una experiencia en la dirección de actores y la puesta en escena, que se le supone en su ya cuarta realización, y adaptando de manera ejemplar la novela homónima de Francisco Pérez Gandul, ayudado en esas labores por el excelente guionista Jorge Gerricaechevarría, Daniel Monzón se hace mayor como artista incontestablemente.

En sus manos, la novela de Pérez Gandul deviene una mina de oro de inagotables posibilidades visuales. La cárcel, cualquier cárcel, se convierte en un espacio asfixiante donde la muerte, el dolor y las posibilidades de traición son infinitas, donde la vida y la esperanza son efímeras, y donde las más primarias pasiones humanas se dan la mano con la cobardía y la estupidez, la crueldad y la dignidad de las ratas atrapadas y en el punto de mira.

Comienza de manera admirable esta ‘Celda 211’, y lo mejor es que va subiendo más y más, sin parar, en un crescendo admirable sin la menor concesión con el espectador. El que espere un espectáculo amable que se quede en casa. Esto es cine descarnado y brutal, cine de verdad, grande, adulto, complejo. Con una galería de personajes inolvidable, algunos de los cuales abandonan su rol previo para transformarse a causa de la desesperanza y la violencia.

Y entre todos los presos destaca Luis Tosar en una interpretación antológica, que le coloca desde ya mismo entre los más grandes intérpretes europeos. Su Malamadre no es sólo una bestia con corazón, pues el director y el intérprete son lo suficientemente inteligentes y talentosos para dotar de una vida a este personaje como pocas hemos visto en el cine español de los últimos años. Malamadre es el alma de la película, y lo que la hace trascender los límites del propio género. Le amamos y le odiamos al mismo tiempo, qué pocas veces sucede eso en una pantalla de cine.

A su lado, Alberto Ammann compone un digno funcionario de prisiones, aunque es cierto que el actor sufre en comparación con el gigante Tosar. Es un actor competente, si bien un par de veces parece que van a fallarle las piernas. Pero mantiene el tipo. Aunque en general el reparto es poco menos que formidable, y el casting soberbio. Nos creemos hasta al último figurante con frase que se pasea por la cárcel (entre otras cosas, porque los diálogos son excelentes), y es que aquí han hecho las cosas como Dios manda.

Monzón narra con convicción y sobriedad, sin cosas extrañas ni florituras, ateniéndose a los personajes y preocupándose por ser creíble siempre. Nunca pierde el control de la historia, y ayudado por la labor del operador Carles Gusi (que firma una imagen dura y acerada) y la de la montadora Cristina Pastor (que monta con talento y elegancia un tema tan escabroso), además de por la percutiente partitura de Roque Baños, firma una obra contundente e inolvidable.

Post Data Inevitable

Esto es cine de primerísima factura, con una producción de gran profesionalidad, que está dando sus frutos en taquilla y entre la crítica. Viene a demostrar que la gente desea ver buen cine español, por mucho que algunos no se quieran dar cuenta. Ahora bien, tiene que valer la pena verlo. Hoy estaba la sala a rebosar, y más que va a estarlo cuando arrase en los Goya, como estoy seguro que va a hacer.

Por cierto, apuesto porque el inevitable remake americano no se hará esperar. Pero esta no se la pierdan.

Celda 211 en Blogdecine

• Sitges 09 | Tercera jornada | ‘La huérfana’ y ‘Celda 211’ no decepcionan

Robert Zemeckis sigue obsesionado por la animación en 3-D con ‘Cuento de navidad’ (‘A Christmas Carol’), y aunque de momento no lo ha hecho nada mal, somos muchos los que deseamos que algún día regrese al cine de imagen real. De momento, tenemos que conformarnos con esta nueva adaptación del famoso cuento de Charles Dickens, en la que un animado Jim Carrey hará las delicias —o no— del aficionado. La crítica estadounidense no la trata con demasiada alegría, y el público votante en la IMDb se deja influir más por el cercano espíritu navideño. Por estos lares la veremos a partir del 13 de noviembre.

‘The Man Who Stared at Goats’ es una comedia con un punto de partida delirante. Un reportero se encuentra en Irak con un hombre perteneciente al primer batallón de las fuerzas norteamericanas, en el que se asegura que utilizan poderes paranormales para llevar a cabo sus misiones. Un reparto de órdago —George Clooney, Jeff Bridges, Ewan McGregor, Kevin Spacey y Robert Patrick— para una película que la crítica no destaca, y el público votante la acepta de mejor grado. No hay fecha de estreno para nuestro país.

‘The Fourth Kind’ es un film de terror que dicen utiliza la técnica utilizada en films con ‘El proyecto de la bruja de Blair’ o ‘Paranormal Activity’, con la diferencia de que aquí veremos las conocidas caras de Milla Jovovich, Will Patton y Elias Koteas. Abducciones es el tema, y la crítica no la ha puesto precisamente bien; eso sí, el público votante parece entusiasmado. Otra que no tiene fecha de estreno español.

‘The Box’ es el nuevo film del sobrevalorado Richard Kelly —autor de la aún más sobrevalorada ‘Donnie Darko‘—, y que parece que no es capaz de volver a llamar la atención como lo hizo con el film protagonizado por Jake Gyllenhaal. Tras ‘Southland Tales’, que aún espera ser estrenada por estos lares, Kelly no consigue un éxito de taquilla, aun contando con un reparto estelar, y el excelente Richard Matheson como base. La crítica no la aprueba, y el público votante está más contento.

Vía | IMDb

Empiezo a detestar la expresión Obra Maestra. Se usa con demasiada complacencia y, a menudo, con insuficiente modestia o quizá exceso de coraje. También debería ser empleada con algo más de conocimiento. El término alude a películas en las que la diferencia entre lo buscado y lo encontrado es inexistente. Y no sólo a eso, también a dramas que convocan una tensión psíquica y emocional extrema en el espectador, a la vez que extraen de él lo mejor y lo peor de su interior. Nada más y nada menos. Una de las películas de este año que merece tal calificativo es, a mi juicio, y sin ninguna duda, la cuarta realización de Juan José Campanella.

Decía el director que gana mucho más dinero con un solo episodio de la inigualable serie de televisión ‘House M.D.’, para la que ya ha dirigido tres episodios, que con cualquiera de sus películas. Puede que sea cierto. Pero aunque su gran tríptico televisivo es digno de elogio, en la memoria de los cinéfilos de todo el mundo va a quedarse, y para siempre, ‘El secreto de sus ojos’, un melodrama impredecible, conmocionador y apasionante, muy intrincado, pero resuelto con sencillez y precisión admirables. ¿La película del año?

Tuve la oportunidad de ver esta noble película hace pocos días, durante el último Festival Internacional de San Sebastián. Yo estaba allí, y puedo atestiguar que, justo antes de los títulos de crédito, ya comenzó una atronadora ovación que es, o eso se decía, una de las más inolvidables que ha conocido una película en ese certamen. Y he de reconocer que, dada la respuesta colectiva unánime ante ese visionado, tenía mis dudas de que fuera, en verdad, tan magnífica. Pero la he vuelto a ver y es cierto. No sólo es magnífica, además, es bellísima.

Campanella ya había conocido un éxito masivo con el estupendo melodrama ‘El hijo de la novia’, en la que ya mostraba sus armas como buen director de actores, competentísimo realizador y sensible y habilidoso guionista. Sus otras películas conocidas, ‘El mismo amor, la misma lluvia’ y ‘Luna de Avellaneda’ (entre una filmografía no muy extensa, no tuvieron una respuesta tan global, aunque eran tragicomedias bastante interesantes. En todas ellas el protagonista fue Ricardo Darín, quien de nuevo repite en esta última, y que está, a falta de otra palabra mejor, espectacular.

Pero es que todos los actores, hasta el último del extenso reparto, están increíbles. Nunca vimos más guapa y fascinante a Soledad Villamil, y Guillermo Francella borda el precioso personaje sanchopancesco de Sandoval, tan importante en esta historia de perdedores cuyo pasado sentimental quedó unido para siempre con el profesional, y cuyas heridas nunca caducan sino que supuran fantasmas imposibles de redimir si no es con una investigación policial interminable y angustiosa.

De modo que se trenzan, de manera magistral, una historia romántica y una historia criminal, que se alimentan y se repudian mutuamente, y el director se mueve entre ambos tonos como pez en el agua, sin perder jamás el control de la historia, capaz de armar la atmósfera precisa a cada momento, y dando muestras de un nervio narrativo inusitado. Los que ya la hayan visto recordarán un plano secuencia (lógicamente trucado, pero no por ello menos meritorio), que tiene lugar en un estadio de fútbol, que será el decorado de una persecución memorable. Pero es la excepción, porque despliega una elegancia y una contención que no aspiran a impresionar al espectador, sino a conmoverle.

Hay secuencias truculentas, otras muy tensas. Pero en ninguna de ellas Campanella se entrega a lo morboso ni a lo efectista, sino que persigue solamente la verdad y la emoción más primaria, más noble. Este cineasta se convierte, de manera incontestable, en un maestro del melodrama y del cine negro, de la ironía y de la convocatoria más sincera a las lágrimas que dentro de una sala de cine nos liberan del propio pasado, de los propios fantasmas, pues nos coloca un espejo, hermoso y libre, en el que desahogarnos y sentirnos vivos de nuevo.

Muchos nos habéis escrito, desde el domingo, enviándonos la noticia del famoso arresto del director Roman Polanski en Zurich, donde iba a recibir un homenaje por toda su obra. Pensamos que no era muy buena idea comentar aquí el asunto, ya que se prestaba más a la discusión sobre el viejo caso por el que se le juzgó, cuando lo que a nosotros nos interesa en este sitio es hablar de cine. Pero la detención de Polanski ha afectado a su última película, y eso ya sí que entra totalmente en nuestro terreno.

Tenía pendiente hablar sobre ‘The Ghost’ en Blogdecine, después de que este verano empezase a circular en Internet un primer y diminuto avance de la película, lo nuevo de Polanski desde la adaptación de ‘Oliver Twist’ (2005). Según se ha informado a la prensa, el último trabajo del cineasta no está totalmente acabado, y ahora mismo corre peligro, ante la posibilidad de que Polanski sea deportado a Estados Unidos. Al parecer, faltaba terminar el montaje y añadir la música, tareas que están en el aire en este momento.

Basada en la novela de Robert Harris, ‘The Ghost’ (‘El fantasma’) gira en torno a un primer ministro británico y a un escritor “fantasma”, contratado para ayudarle a terminar sus memorias pero cuyo nombre no aparecerá acreditado; lo que aquí llamamos un “negro”. La trama explota cuando el político revela secretos que ponen en peligro la vida del escritor. A continuación tenéis el “teaser” tráiler de la película, que apenas dura diecisiete segundos:

La película, que está protagonizada por Pierce Brosnan, Ewan McGregor Kim Cattrall, Tom Wilkinson, Timothy Hutton, Eli Wallach, Olivia Williams y James Belushi, no tenía aún distribuidor para Estados Unidos, y con el arresto, que ha vuelto a levantar la polémica en torno al director, parece improbable que alguien esté interesado en hacerse con los derechos para estrenarla allí, con lo puritanos que son.

Esto no tiene nada que ver con Europa, el estreno de ‘The Ghost’ en países como Alemania y Francia ya estaba asegurado, por lo que la llegada a los cines españoles no corría peligro. Eso era antes, cuando todo iba según lo previsto. Pero así es la vida, todo puede cambiar en un segundo. Ya veremos qué ocurre con la película, y con el director, al que ahora mismo le debe importar un pimiento el cine.

PD: Un extra, un consejo del señor Polanski para los aspirantes a cineastas:

Vía | Empire

Con cinco candidaturas a los Oscar y varios premios ya recibidos, se estrena el día 13 ‘The Reader’ (el lector), la adaptación que ha realizado Stephen Daldry (‘Las horas’) de la novela ‘Der Vorleser’, de Bernhard Schlink. Encabezan el reparto Kate Winslet, Ralph Fiennes, Bruno Ganz y Lena Olin, a quienes acompañan rostros menos conocidos como los de David Kross, Jeanette Hain o Ludwig Blochberger.

Una revisora de tranvía, Hanna Schmitz (Winslet), conoce a un adolescente, Michael Berg (Kross), cuando él vomita en su portal. Ella le ayuda y, una vez él ha recuperado su enfermedad, vuelve a su casa para agradecérselo

Así es como comienza ‘The Reader’ , aunque lo que de verdad hace arrancar la película es otro acontecimiento muy diferente. Lo que vemos en esta introducción son situaciones que, aunque podrían haber quedado zafias con otro tratamiento, aquí se perciben delicadas. Es un retazo de la historia que necesitamos conocer para comprender el argumento. No sólo conocerlo cual frío dato informativo: necesitamos ver cómo sucede, pues las emociones que se derivan de ese romance serán lo que dé fuerza a los hechos posteriores. Así que no es algo del todo prescindible. Pero, a pesar de eso, el guión de David Hare dedica a esta etapa más minutos de los necesarios. Ya que la acción no avanza y las escenas se hacen repetitivas en cuanto a su contenido, con algo menos de duración, el efecto habría sido equivalente.

Una vez se ha superado este período, ‘The Reader’ mejora muchísimo y, más adelante, pasado el ecuador del metraje, hay un tramo de película muy poderoso, que es donde todo cobra sentido, donde de verdad se producen sentimientos en el espectador y donde se establece la identificación con los personajes. Se comenta que sería extraño que se llevase el Oscar a la Mejor Película un film que ni siquiera está nominado al mejor montaje. Parece claro que sin un buen montaje una película no puede ser impecable y ‘The Reader’ no cuenta con una buena labor de edición. No estoy hablando de ritmo o duración de los planos, sino de lo que el montaje debería haber hecho con la estructura: con una introducción menos extensa y llegando antes al juicio, el film concentraría sólo momentos buenos en lugar de estar sufriendo altibajos. La división en tres partes de la novela no da los mismos resultados en cine. Si se añade una cuarta en forma de epílogo de dudosa pertinencia, el conjunto es aún más cuestionable.

El juego temporal a base de flashbacks, que no estaba en la novela, no habría sido necesario. En todo caso, sirve para lastrar aún más el ya de por sí lento avance de la historia. Permitiéndose la libertad de hacer cambios, habría sido más sabio por parte de Hare acercarse a una estructura más cinematográfica y ágil para centrarse en los mejores momentos de la narración, que incluir este recurso tan artificioso.

La interpretación de Kate Winslet es buena, pero opino que no iguala la que hizo en ‘Revolutionary Road’ y que, si había que convocarla para el Premio de la Academia por un único film, habría sido preferible elegir el de Mendes. Allí cada palabra que salía de sus labios parecía que estaba gritando Oscar. Aquí su actuación es más monótona, basada casi siempre en una expresión de ceño fruncido que presenta pocos matices. Más profundamente se puede saber si la interpretación es mejor o peor analizando los resultados: la identificación que nos ha creado hacia su personaje es un termómetro perfecto de su trabajo como actriz. Y, al menos a mí personalmente, me despertó mucha más empatía en ‘Revolutionary Road’ que en el film que nos ocupa.

El otro protagonista, David Kross, en el papel de un Ralph Fiennes joven, carece de definición, se presenta vacío, plano. Es difícil mantenerse a su lado ante sus cuitas o ver el atractivo que encuentran en él los personajes femeninos. Uno de sus compañeros de la Universidad de Derecho, con una sola frase, ya demuestra mucho más carisma que Kross en todo el film. Ese Berg joven nunca termina de despertarnos nada, como sí logrará cuando cambie de intérprete para alcanzar la edad madura. Por otro lado, no es creíble que el chico no se hubiese dado cuenta antes de que (SPOILER) Schmitz no sabía leer. Así, el momento de su descubrimiento se nos antoja débil, como también todo el problema que supone para ella el analfabetismo (FIN DEL SPOILER).

El personaje de Bruno Ganz, un intérprete que podría haber aportado mucho a la película, se presenta cuando conviene, como vehículos para sacar adelante el argumento, y luego se abandona por completo, sin que se sepa qué es de él. Lena Olin hace una extraña aparición con un obvio maquillaje avejentador que te hace pensar que inmediatamente habrá un flashback donde la veremos en su edad natural. Sin embargo, no se nos desvelará el misterio del porqué de esta transformación hasta el final. Habría sido mejor evitar esa sensación de descoloque que se produce al verla en el papel de vieja, sobre todo porque más adelante se comprende que era innecesaria y que únicamente se trataba de un capricho, quizá del director, quizá de la propia actriz.

El fondo de esta historia –parcialmente autobiográfica— presenta dilemas morales que, sobre el papel, tienen una enorme fuerza dramática. Sin embargo, en el film no percibimos tales diatribas con la misma intensidad. En el personaje de Winslet sobreentendemos una necesidad de arrepentimiento tras lo que hizo en el pasado. Pero no lo vemos en ella, ya que su interpretación es demasiado hermética en el momento en el que se tendrían que entrever las ganas de reflexionar. Igualmente, cuando se cierne sobre su cabeza la posibilidad de una condena, sentimos poca empatía con Schmitz. Esto también es cuestión de guión, por supuesto: (SPOILER) es decisión suya no sacar a la luz lo que la podría salvar. Y ya que antepone el orgullo a la libertad, suponemos que es lo que ha preferido. Si a ella no le importa ir a la cárcel, tampoco puede provocarnos pena a los espectadores (FIN DEL SPOILER). Con el personaje de Kross también tendríamos que sentirnos conmovidos por la dificultad ante la decisión de si confesar o no ese secreto. Y esto tampoco se transmite en la película.

En ‘The Reader’ podemos hallar grandes momentos rodados de forma bella y elegante –la nominación a la Mejor Dirección de Fotografía me parece adecuada—. Encontramos buenos intérpretes. Se nos narra en ella una historia con aristas emocionales y posibilidades de despertar grandes sentimientos. Pero no es una película perfecta. Muy al contrario, se trata de un film en el que se diferencian demasiado los fragmentos mejores de los no tan logrados.

Más información en Blogdecine sobre ‘The Reader’.

Mi puntuación:

Jean Cocteau es uno de los cineastas más extraños y fascinantes que ha dado el cine en toda su existencia. Hombre polifacético en cuanto al arte —fue pintor y escritor en varios géneros literarios—, llegó a colaborar con gente como Erik Satie, Igor Stravinsky y Pablo Picasso. Atraído por el cine de vanguardia, un vizconde le financia su primera película —‘La sangre de un poeta’ (‘Le sang d’un poète’, 1930)— que junto a ‘Orfeo’ (‘Orphée’, 1950) y ‘El testamento de ‘Orfeo’ (‘Le testament d’Orphée, ou ne me demandez pas pourquoi!’, 1960) componen un trilogía temática que navega alrededor del mito de Orfeo.

Orfeo es un personaje perteneciente a la mitología griega, y una de las historias más famosas sobre él es el rescate de su mujer Eurídice del inframundo, al que los dioses dejan entrar encandilados por sus cantos a la lira. Una vez allí, le advierten que mientras se la lleve no podrá mirarla hasta que sea bañada por los rayos del sol, algo que hace justo cuando Eurídice aún tiene puesto un pie en el inframundo. Cocteau situó esta historia en el París existencialista de los años 50, con ese toque literario y surrealista que caracterizaba su cine, más lo primero que lo segundo.

El mencionado mito griego ya tiene un gran interés por sí sólo, pero Jean Cocteau lo lleva a su terreno, consiguiendo resultados inimaginables. El director de la maravillosa versión de ‘La bella y la bestia’ (‘La belle et la bête’, 1946) compone una historia de amor inusitadamente extraña, original y atrayente. Una vez más, Cocteau realiza un film/isla dentro de su filmografía —a pesar de las equivalencias formales—, y cómo no, dentro de la filmografía francesa (nota mental: realizar un estudio sobre el cine francés de los años 30, 40 y 50, y entonces no dormir más el resto de mi vida). Dejando a un lado las influencias de Cocteau en el cine posterior —que llegan hasta el mismísimo Ridley Scott—, sus películas no tienen parangón posible con ningún otro cineasta, dicho en otras palabras, a Cocteau no le salieron imitadores, al igual que a otros realizadores tan apartados de él, como por ejemplo, Stanley Kubrick o Peter Greenaway.

La historia de amor de ‘Orfeo’ rebasa todo los límites conocidos. El poeta enamorado de la muerte, la muerte enamorada de él y dándole la vuelta a la mitología, ella puede mirar pero no poseer lo que mira. Un amor imposible que trasciende los propios límites de la vida, tras la cual existe otro mundo en el que la muerte es un emisario más —impagable detalle de guión—, al servicio de un poder mayor que dicta las leyes en el inframundo. La muerte, que en la película recibe el nombre de La princesa, está interpretada por la coruñesa María Casares —en un papel rechazado por Greta Garbo y Marlene Dietrich, que sin duda hubieran estado igual de sensacionales—, quien enamora literalmente a la cámara en una arriesgada composición. Sus silenciosas miradas a Orfeo transmiten una pasión contenida imposible de saciar, su rostro iluminado, ya sea por las luces de unos motoristas —mensajeros y verdugos de las decisiones tomadas en el inframundo— o por su reflejo en el espejo, puerta de enlace entre los dos mundos.

El espejo es, según Cocteau, el lugar a través del cual la muerte trabaja, el elemento a través del cual, el director enfrenta vida y muerte. La puesta en escena de Cocteau alcanza momentos sublimes, sobre todo a la hora de diferenciar ambos mundos. Su concisión en la vida entronca con los juegos visuales a los que nos somete en el tránsito de Orfeo por el inframundo. De abierto carácter onírico, sus sugerentes movimientos de cámara, sus trucos con el agua y el espejo —conseguido realmente utilizando estaño—, nos enseñan a modo de sueño —el lugar favorito de Cocteau—, todo lo irreal del inframundo, retratado éste a través de las ruinas bombardeadas de una academia militar, escenario idóneo para el tono de la historia.

Además de la mencionada María Casares, destacan en el reparto de ‘Orfeo’, Jean Marais, amante de Cocteau, en el papel principal, pero sobre todo François Périer, como la mano derecha de La princesa, que ayuda a Orfeo a sumergirse en el lugar en el que su mujer Eurídice ahora habita. Actores al servicio de la mano del poeta Cocteau, esculpiendo sueños más allá de las fronteras, derribadas y negadas por el autor, que en sus alegorías sobre el deseo, el que lleva a la muerte y desear más allá del espejo, límite del mundo donde eso sería una ley inquebrantable, y al que pertenece irremediablemente.

Una obra maestra para paladear exquisitamente —está editada en DVD por Suevia—, y dejarse llevar por la innegable fuerza de las imágenes que Cocteau construía, haciendo confluir literatura y cine en una comunión íntima, procedente de sus propios sueños.

‘Buda’ y ‘La princesa caballero’, de Osamu Tezuka, son obras de corte muy distinto. La primera es una saga medianamente larga, publicada en España en 10 tomos, que nos narra la biografía de Siddhartha, fundador del Budismo, y que no tiene problema para incluir críticas a la religión y un repaso a la historia, hecho de una forma muy personal.

Mi opinión es que se trata de una gran obra y que tiene muchas de las características del mangaka, como el humor metalingüístico, pero me gusta menos que otras de las sagas de similar duración, como ‘Adolf’ o ‘El árbol que da sombra’, quizá porque las ideas del budismo me producen un rechazo ideológico, o sea, por un motivo que poco tiene que ver con los méritos de Tezuka.

‘La princesa caballero’ (‘Ribon no Kishi’), sin embargo, se divide sólo en tres tomos y es uno de los pocos sojo mangas que creó Tezuka, es decir, lo que podríamos llamar un manga para chicas. Pero incluso dentro de esta etiqueta, lo que cuenta el japonés sigue siendo muy diferente a los clásicos del sojo, pues esa cursilería habitual en ellos aquí se evita gracias a humor y aventuras disparatadas.

Es una obra muy recomendable y, si hay algo que se le puede achacar es que, debido a la forma en la que fue escrita y publicada y a que Osamu Tezuka abandonó su creación para retomarla más adelante, no tiene una línea argumental muy clara, sino que pega algunos giros entre un tomo y otro. Pero esto también puede verse como parte del encanto.

La productora Tezuka Productions ha anunciado recientemente que planean estrenar las películas animadas basadas en estas dos obras manga para finales de 2010, aproximadamente.

En el caso del ‘Buda’, será la primera vez que esta obra vea la luz en animación. Mientras, ‘La princesa caballero’ ya tiene una película, estrenada en 1994, y un anime de 52 episodios llamado ‘Ribbon no Kishi’, que se comenzó a emitir en los años 60.

Sabemos ya, gracias a numerosas noticias, que la adaptación al cine en 3D de ‘Astro Boy’ está en camino. También habíamos comunicado que se trasladaría a la gran pantalla ‘MW’, un manga más corto que los mencionados en el primer párrafo y que personalmente encuentro magistral. Creado en los años setenta, contiene una crítica política hacia las armas nucleares y resulta muy polémico para el Japón de entonces porque introduce el tema de la homosexualidad.

Más información en Blogdecine sobre Osamu Tezuka.

Vía | Ramen para dos.

‘Despedidas’ (‘Okuribito’) se alzó con el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en la pasada edición de los famosos premios. Al respecto coincido con mi compañero Jesús León, quien en su crítica afirma, no sin razón, que gracias a ese premio hemos podido disfrutar en nuestro país (y supongo que en muchos otros) de una película como la que nos ocupa. Y así es, me temo. Si el film ganador hubiese sido ‘Vals con Bashir’ o ‘La clase’ (las dos favoritas), es muy probable que ‘Despedidas’ no hubiese gozado ni de estreno en salas comerciales, que todo hay que decirlo, tampoco ha disfrutado de una distribución envidiable.

Sea como fuere, el estreno se ha producido, y eso ha hecho que muchos hayan podido disfrutar de una película que merece todos los elogios posibles, acompañados de los epítetos que tanto nos gusta utilizar, más unas cuantas alabanzas. Yôjirô Takita, que proviene de realizar cintas eróticas se ha marcado un inesperado tanto con una película a la que se ha tachado de ser demasiado occidentalizada. Creo que lo más correcto sería decir que ‘Despedidas’ es una película universal, su mensaje llega a cualquiera más allá de doctrinas, creencias o culturas. Al fin y al cabo, uno de sus temas centrales es la muerte, ésa que no conoce de fronteras ni nacionalidades y a todos trata por igual.

‘Despedidas’ (la traducción literal del título original tendría que haber sido ‘El que envía’) narra la historia de Daigo Kobayashi, un violonchelista que se tiene que buscar la vida cuando la orquesta en la que toca se disuelve porque no compensa económicamente el mantenerla. Terminará siendo ayudante en una funeraria, en la que realizan una ceremonia de despedida del difunto delante de sus familiares, limpiando y maquillando el cuerpo para que su tránsito al otro mundo sea más puro. Daigo se verá metido en un oficio que en un principio no entiende demasiado bien, teniendo que ocultarlo a su propia mujer y conocidos, ya que no está bien aceptado socialmente.

‘Despedidas’ puede recordar a esa joya de la televisión llamada ‘A dos metros bajo tierra’ (‘Six Feet Under’) en la que la familia Fischer arregla sus propios problemas personales mientras día a día conviven con la muerte. Pero recuerda única y exclusivamente porque el personaje central del film trabaja en una funeraria, lo cual servirá de catalizador para hablar de otras cosas. La obra maestra de la HBO, a su modo trasciende sobre un tema muy común, pero al que todos tenemos un miedo atroz: la muerte. ‘Despedidas’ se acerca también a ella, desde una óptica localista, con sencillez aunque elevando el tono en determinados pasajes, lo cual servirá para ser tachada de sentimentaloide, cuando en verdad no debería ser así.

‘Despedidas’ recuerda en forma a otra película ganadora del mismo premio, y que suele ser la debilidad de todo cinéfilo: ‘Cinema paradiso’. Algunos pensarán que la comparación es exagerada o errónea, pero si se comparan ambas películas se verá que los resortes narrativos son exactamente los mismos, y la forma de llevar al espectador a donde el director quiere, manejando a su antojo los sentimientos de éste (algo parecido sucede en esa joya de nombre ‘Up’), pero lo hace descubriendo totalmente sus cartas, sin trucos ni manipulaciones, logrando ser un film honesto y sincero. Es el espectador quien decide (como ocurre siempre en esto del arte, tal y como decía Kubrick) entrar o no en ese juego. Por mi parte sólo puedo decir que entré de cabeza, dejándome arrastrar por todo un torrente de emociones expuestas a lo largo de una historia que trata no sólo de la muerte, sino del amor por el trabajo, la dedicación, el valor de la vida, el respeto, y sobre todo la comprensión.

Masahiro Motoki da vida al personaje central con una vitalidad sorprendente, comprendiendo a la perfección la evolución del mismo, logrando una empatía con el espectador fuera de lo común. Él es el pilar fundamental de la película. Desde su fracaso inicial, que le lleva a la frustración por tener que aceptar un trabajo que no comprende, mientras regresa a su pueblo natal donde la memoria le jugará una mala pesada, recordando a un padre que jamás le atendió como quiso. De sus primeros contactos con la muerte, a través de cadáveres que le repugnará tocar aprenderá el valor de la vida en sí y lo efímero de la misma, pero también comprenderá gracias a su jefe (un inmenso Tustomu Yamazaki) el valor de las ceremonias de despedida de los difuntos. El film alcanzará su apogeo en la búsqueda interior de los recuerdos de Daigo, catalizados a través de la más perfecta de las ceremonias, aquella en la que todo cobra sentido, y el film se convierte en una experiencia catártica.

Joe Hisaishi baña musicalmente las imágenes de ‘Despedidas’. El habitual compositor de Hayao Miyazaki es el intermediario entre la película y el público, son sus atemporales notas, cargadas de sensibilidad, las que nos introducen en la historia (cuánta importancia casi invisible hay en la banda sonora de este film, en las de tantos films…). Así pues, y sin cargar jamás las tintas, las melodías de Hisaishi, transportadas al cello de Daigo, acompañan con delicada pleitesía (como cada una de las ceremonias en los funerales) al protagonista, hasta esa explosión final en la que un enfoque de cámara alcanza dimensiones elegíacas.

‘Despedidas’ es un bálsamo en estos tiempos de incomprensión y prejuicios, una obra maestra instantánea e imperecedera, de sublime sencillez, a la que rendirse sin ningún tipo de rubor. Su sinceridad nos arropa con la misma delicadeza con la que Daigo viste a sus pacientes inmóviles, y nos hace recordar la importancia de estar vivos, no por la vida en sí, sino por lo que hacemos con ella.