“¿Quieres ser el responsable de la completa extinción de la raza humana? ¿Podrás llevar esa carga?”

Carl Anheuser (Oliver Platt), lo creáis o no, esperando una respuesta.

Ayer vi una de las peores películas de los últimos años. Estábamos advertidos, dice el cartel, y es cierto. Sabía que no me iba a entusiasmar, desde luego, pero cuando me senté en la butaca, con mi refresco y mis palomitas, dispuesto a intentar pasar un buen rato viendo lo nuevo de Roland Emmerich, una superproducción de 200 millones de dólares y más de dos horas y media de duración, no me imaginaba que la película iba a ser tan estúpida, que iba a estar tan mal escrita, dirigida e interpretada. No me esperaba algo tan vergonzoso, más que un espectáculo es un despropósito increíble.

Y ahora viene la pregunta del millón. La que muchos estáis pensando ahora mismo. Si es tan mala, ¿por qué ha arrasado en taquilla? Bueno, es tan simple como que ha seguido una fórmula que funciona. Por muy mal que lo hagas, si gastas una cantidad obscena de dinero en efectos especiales, actores conocidos, publicidad, y tu película ocupa dos salas de los multicines de cada ciudad, prácticamente tienes asegurado el éxito en taquilla. Al menos el primer fin de semana. Por eso es tan importante que se estrene en todas partes al mismo tiempo, haciendo el máximo ruido posible, para que todos caigan en la trampa. No suele fallar, pero una semana después, una vez que la gente habla, el castillo de arena se va descomponiendo. Vamos a ello.

La verdad es que intentar relatar lo que ocurre en ‘2012’ sin tomártelo a cachondeo (véase el tronchante artículo de Rafa Martín en Las Horas Perdidas), es una tarea que se me antoja prácticamente imposible. Sencillamente, no puedo concebir que dos personas, adultas y profesionales del cine, como son Roland Emmerich y Harald Kloser, hayan escrito un guión tan demencial, con la intención de llevarlo a la pantalla convertido en una gran superproducción. Y que después de las carcajadas de los productores a los que se les propuso la idea, no les partieran la cara, por insultar al cine, al negocio del cine y, de forma más o menos directa, al público que potencialmente iría a ver la cosa cuando se estrenara.

Pero vamos a intentarlo. La película comienza mostrándonos cómo se produce el alineamiento planetario y el crecimiento de la actividad solar que, según el guión, ya adelantaron los mayas hace siglos, lo que provocaría que el 21 de diciembre de 2012 se produciría el fin del mundo. Pero ahora estamos en 2009, así que todavía tenemos algo de tiempo. Un científico de la Casa Blanca (Chiwetel Ejiofor) descubre, gracias a un colega que trabaja en una mina en la India, que el Sol está calentando el núcleo terrestre a una velocidad alarmante. La raza humana está condenada. El científico habla con su superior (Oliver Platt) y éste le pone en contacto con el Presidente (Danny Glover, que interpreta en realidad al Presidente de todos los seres humanos). Por el momento, nadie quiere que se sepa la verdad, mientras preparan un plan, y si alguien lo descubre, da igual quien sea, se le elimina por el bien de todos (Emmerich da a entender que por eso murió Lady Di).

Pasamos ya al año clave. Emmerich ha visto el remake de ‘La guerra de los mundos’ que hizo Spielberg hace unos años y le gustó mucho el rollo familiar. De este modo, tenemos a John Cusack como el padre desastroso con dos hijos (uno de los cuales no le soporta, porque así debe ser) que es incapaz de hacer nada bien, hasta que llega la hora de convertirse en el héroe de película y, mientras da lecciones de humanidad y moralidad, salvar a todos de los constantes peligros que van sucediéndose allá por donde pasan, cada vez más escandalosos y ridículos. Tenemos una imposible huida en limusina por las calles de Los Angeles, una vez que Cusack ha convencido a todos de que el mundo se hunde (por cierto, un imitador de Schwarzenegger muere en directo), o una serie de aún más inverosímiles trayectos en avión, donde un cirujano ejerce de experto piloto. Una de las cimas es la ya típica secuencia en la que todos van a morir, a menos que alguien se embarque en una misión suicida y dé su vida por los demás, entre lágrimillas y palmaditas en la espalda (no os cuento cómo acaba, por si acaso).

A lo largo de las más de dos horas y media, Super-Cusack, que está en plena forma y no necesita ni beber agua (de hecho, la respira), se va cruzando con todo tipo de personajes que de alguna forma le conocen y/o le ayudan, hasta que puede llevar a sus dos hijos y a su mujer hasta el sitio donde los gobiernos de todo el mundo han escondido unas arcas capaces de soportar todos los desastres naturales ideados por los guionistas, incluyendo también el ataque del Air Force One, que de tanta chorrada que ha pasado a su alrededor, se le han cruzado los cables y se ha vuelto malvado (bueno, más o menos). Al final… bah, ¿acaso no sabéis cómo acaba? No, si esperas un gran desenlace desolador y pesimista, no lo vas a tener, créeme, me llevé un chasco hasta en eso.

Sé que esto da mucha pasta, pero aun así me sigue sorprendiendo que tantos actores con cierto prestigio se hayan metido en esta pesca, que hayan aceptado trabajar para Emmerich en su nuevo atentado al cine. Especialmente, me sorprende lo de las actrices, que Thandie Newton y Amanda Peet interpreten a esos personajes huecos y segundones, sin ninguna importancia, y siempre a la sombra de los hombres, es increíble. Ojo a las memorables frases en torno a los pechos de Peet, y fijaos en quiénes toman siempre las decisiones relevantes; ninguna mujer. Pero bueno, la cantidad de escenas y diálogos que alcanzan la categoría de vergüenza ajena es tan elevada, que puede suponer un gran divertimento repasarlas a la salida del cine, si es que uno aún conserva el buen humor tras el maltrato recibido por sus retinas, y la más que probable destrucción de millones de neuronas durante el visionado.

Dicho todo esto, entiendo que hay un público para ‘2012’. Sin ir más lejos, a mi compañera Beatriz le pareció muy entretenida. Pero yo no le veo la gracia a esto. Para mí un buen espectáculo debe, para empezar, ser creíble, verosímil, también contar con buenas interpretaciones y, fundamentalmente, no tomarme por idiota. En realidad, creo que es por este tipo de productos por lo que se muere el cine, no por la piratería o la falta de talento de las nuevas generaciones. Estas mastodónticas superproducciones, que consumen tanto dinero, y que lo único que dan a cambio son interminables secuencias imposibles repletas de efectos especiales, hacen daño. Dominan el mercado y amenazan con ocuparlo por completo. Por mi parte, a menos que Emmerich se dedique a otras historias, es la última suya que veo. Ni un euro más. Demos oportunidades a otros, nos piden mucho menos y nos dan mucho más.

PD: En Sitges pude ver una comedia dramática con catástrofe que deja a ‘2012’ en pañales. Se titula ‘Haeundae’. El “problema” es que es coreana y probablemente no se estrene en España antes del año… 2012.

Parece que fue ayer cuando llamaba a los despachos de la temible Filmax —¿puede haber en España una productora peor que ésta?— para asegurarme de que la segunda entrega de ‘[Rec]’ se iba a filmar. La respuesta fue un “aquí no sabemos nada” —nunca estarán tan acertados de describirse a sí mismos como con esa expresión—, y fue justo un día antes de que Paco Plaza anunciase en su blog que empezaban a rodarla. Ahora, la película ya ha pasado por Sitges y por las carteleras españolas, repitiendo más o menos el éxito de su predecesora, aunque sin llegar a armar tanto revuelo. Y eso que sus autores decidieron hacerla simple y llanamente porque el público lo pedía, no porque tuviesen algo pensado desde el principio. Una operación parecida a la que realizan al otro lado del charco cuando una película tiene éxito, léase las insulsas continuaciones de ‘Matrix’ o ‘Piratas del Caribe’, perfectos ejemplos de cómo tomarle el pelo al espectador y hacerse rico con ello.

Afortunadamente Plaza y Balagueró no han llegado a extremos tan infames como en las películas señaladas. Han sabido aprovechar lo mejor de una primera entrega excelente, intentando aportar cosas nuevas en una secuela tan entretenida como innecesaria, y si bien han perdido todo el factor sorpresa, al menos nos han ofrecido un producto por encima de la media de los films de terror salidos de nuestras tierras, lo cual ya es mucho.

‘[Rec] 2’ comienza justo después de los acontecimientos narrados en la primera entrega. En el edificio puesto en cuarentena entra una unidad de los GEOS para determinar qué está sucediendo y si pueden controlarlo. Con ellos irá un médico que sabe más de lo que dice, y muy pronto empezarán a temer por sus vidas. El terror en forma de virus contagioso se adueña de nuevo del lugar, y nuestros queridos soldaditos —entre los que se encuentra el cámara que acompañaba a Manuela Velasco en el anterior film, a modo de cameo gracioso— tendrán serias complicaciones para llevar a cabo su imposible misión.

Paco Plaza y Jaume Balagueró han confesado haberse visto todas las películas de zombies que hay, siendo evidente que de alguna de ellas se han dejado influenciar un poco. Referencias podemos encontrar miles, sobre todo al cine reciente en títulos como ’28 días después’ (‘28 Days Later…’, Danny Boyle, 2002) o ‘Amanecer de los muertos’ (‘Dawn of the Dead’, Zack Snyder, 2004), de las que cogen el elemento de que los zombies corran, lo que incrementa el temor hacia ellos. Pero de lo que nada se ha dicho, o al menos un servidor no lo ha visto por ahí, es de su descarada copia de ‘Aliens, el regreso’, la magistral película de James Cameron, con la que guarda numerosos parecidos, tantos que su primeros 20 minutos son prácticamente iguales. Sustitúyase a los marines por GEOS, a los aliens por infectados, súmesele las cámaras en los cascos de los soldaditos, idénticas reacciones ante el drama, y la comparación es innegable. Transcurrido un poco del corto metraje, la película toma otros derroteros, pero no evita caer en homenajes a films muy conocidos, como por ejemplo ‘El exorcista’ (‘The Exorcist’, William Friedkin, 1973), algo que muchos interpretarán como una broma o chiste.

Y es que ‘[Rec] 2’ camina peligrosamente por un humor que hace que el espectador no se tome demasiado en serio los acontecimientos del film, cosa que no ocurría en la primera entrega. Incluso los sustos parecen provocar ahora más risa que otra cosa, aunque los directores se reservan alguna que otra buena secuencia de miedo, que sin llegar a niveles excelentes logran levantar el vuelo de una segunda entrega en la que se notan sobre todo las prisas, y el haber resuelto la papeleta de continuar una historia con una explicación un poco cogida por los pelos, y que salvando las distancias, recuerda algo a la premisa de ‘Fallen’ (Gregory Hoblit, 1998). Si hace dos años, Balagueró y Plaza no podían presumir precisamente de poseer un buena historia, a la que afortunadamente le sacaban el máximo partido, ahora el problemas es mayor. Las referencias a otros films se disparan, los lugares comunes se repiten, y por si fuera poco, el film empieza por segunda vez, cuando decide cambiar su punto de vista a tres jóvenes que se ven metidos en el drama, personajes éstos metidos con el mayor de los calzadores.

No obstante, Balagueró y Plaza consiguen imprimir cierto ritmo al film, y sobre todo entretenernos, que es la principal intención de este tipo de films. Un entretenimiento que no le falta al respeto al espectador —como sí hace Filmax con el 90% de las cosas que produce—, y donde también podemos apreciar cómo los actores involucrados se lo han pasado en grande rodando el film, aunque rayan todos en el histrionismo, algo que acentúa un humor no deseado. Desafortunadamente, tenemos que soportar la presencia de Manuela Velasco —de lejos, lo peor de la anterior entrega—, en una intervención afortunadamente breve, que a parte de demostrar lo mala actriz que es, deja al espectador con cara de idiota siendo el único momento en el que nos preguntamos si no nos habrán querido tomar un poco el pelo.

‘[Rec] 2’ no pasará a los anales de la historia de nuestro cine, y tampoco lo pretende. Si uno logra pasar por alto algunas de las insensateces de su argumento, es muy posible que pasemos un rato de lo más entretenido, algo muy de agradecer en los tiempos que corren. Eso sí, Balagueró y Plaza deberían dirigir más películas juntos, parece que se entienden a la perfección y demuestran saber cómo se dirige una película. Por separado es otro lamentable cantar.

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘[REC] 2’, un nuevo enfoque de un mismo acontecimiento

Me hicieron llegar esta noticia ayer, bien temprano, pero me pareció algo tan increíble que quise ser prudente, y no publicar lo que bien podría ser un error, que se solucionaría a lo largo del día. Hoy las cosas siguen igual, así que os lo cuento. Este viernes se debía estrenar en nuestro país la sexta parte de la saga ‘Saw’, pero el Ministerio de Cultura ha entendido que es una película que debe recibir la calificación X, y esto hace imposible proyectarla en las salas comerciales. La única opción, por tanto, es verla en uno de los llamados cines eróticos.

En otras palabras, se ha censurado ‘Saw VI’ en España. Si echáis un vistazo a la web del Ministerio podréis comprobar que ésta es la única película no pornográfica que sido considerada X. Teniendo en cuenta que ‘Saw VI’ no incluye escenas de sexo explícito, la única explicación posible es que se ha entendido que el film realiza apología de la violencia, según se establece en el Real Decreto 1067/1983, de 27 de abril, regulador de las salas especiales de exhibición cinematográfica (desarrollando el título primero de la Ley 1/1982, de 24 de febrero).

Esta fórmula suena más a otros tiempos, de dictadura y represión cultural, pero todavía sigue vigente, y a mí me parece bien, siempre y cuando esté apoyada en argumentos sólidos y razonables. Cosa que aquí, por lo que veo, no ocurre. Se la califica X, suponemos que es por incitar a la violencia y ya está, se acabó el asunto. No hay papel para imprimir unas sencillas explicaciones. Por otro lado, el absurdo es mayor si tenemos en cuenta que es la sexta parte de una saga que si se ha caracterizado por algo es por su contenido sangriento, por los macabros juegos que prepara un personaje y que suelen acabar en grotescas muertes.

O sea, ‘Saw VI’ hace apología de la violencia, pero ‘Saw’, ‘Saw II’, ‘Saw III’, ‘Saw IV’ y ‘Saw V’ no, por eso recibieron otra calificación. ¿Dónde está la lógica? ¿Acaso esta nueva entrega lanza eficaces mensajes al público sobre lo estupendo que resulta para el cutis descuartizar seres humanos?

Quizá lo más sorprendente de todo este asunto es que esta medida es más restrictiva que la adoptada en Estados Unidos. Es decir, siempre nos burlamos de lo mojigatos que son los norteamericanos, pero resulta que ‘Saw VI’ se va a estrenar en salas comerciales allí, este mismo viernes, con una calificación R; que quiere decir que pueden entrar mayores de edad y los menores siempre que vayan acompañados por sus padres o un tutor. Los motivos de la MPAA son los de siempre: la extrema violencia y el lenguaje “inapropiado”. Repito, no hay porno, no hay sexo explícito en ‘Saw VI’. Podríamos discutir la estupidez restrictiva en torno al sexo, pero lo cierto es que se sale del tema central.

Así que, ¿qué explicación, más allá de la insuficiente que señala la ley, puede haber aquí? ¿Apoyo al cine español, eliminando una fuerte competidora? Puede ser. Y de ser así, ¿se puede ser más burro? Me cuesta creer que la gente que quería ver la nueva entrega de ‘Saw’, al privarle de esta oportunidad, vaya a entrar a ver ‘After’ o ‘Yo, también’. Eso puede funcionar con otro público, pero no con el de esta saga. No me cuadra mucho esta explicación. Pero algo debe haber pasado. Y queremos saberlo.

No por la calidad de la película en cuestión (que yo ni siquiera pensaba ir a ver), sino porque la decisión huele a podrido, y puede ser un peligroso precedente. ¿Será el inicio de una vergonzosa práctica por parte del Ministerio? Si es así, podrían haber empezado por la televisión, donde se puede ver de todo a cualquier hora, y que luego metan mano en Internet… Pero si lo que ha pasado es que hay unos currantes incompetentes en el Ministerio, que no saben lo que han hecho, entonces que se diga claramente, se tomen medidas (hay mucha gente en el paro esperando una oportunidad) y se solucione el asunto. Cuanto antes, que el viernes está aquí al lado.

Claro que, si ahora cambian de decisión, y la estrenan… con todo el lío montado, se pueden ahorrar dinero en publicidad, la decisión de la Administración española les ha hecho todo el trabajo, y gratis. En fin, a continuación, por si aún no lo habéis visto, os dejo el tráiler de la película (que ya había sido doblada al castellano, por cierto, trabajo que ahora se puede ir a la basura), que ha sido dirigida por Kevin Greutert, el frenético montador de anteriores entregas. La sinopsis de ‘Saw VI’ es la siguiente: Tras la muerte del agente especial Strahm, el detective Hoffman se convierte en el heredero del legado de Jigsaw. Sin embargo, a medida que el FBI va acercándose a descubrir su identidad, Hoffman se ve obligado a poner en marcha un plan que, por fin, permitirá explicar el gran plan de Jigsaw…

PD: Según me cuentan, la decisión ha sido convenientemente recurrida. Ya veremos si sirve de algo.

Sitio oficial | Ministerio de Cultura | Gracias a todos los lectores que nos habéis avisado, en especial a Juanlu R.

Termino con la novena jornada de Sitges 09. Como os dije, el sábado fue el “día zombie”, y la programación estaba centrada en esa temática. Excepto ‘Solomon Kane’, todo lo que vi estaba protagonizado por muertos vivientes. Ya os hablé de ‘Zombieland’, que fue lo mejor que vi ese día, y ahora os comentaré las otras: ‘George A. Romero´s Survival of the Dead’, ‘La Horde’ y ‘Colin’. Tres películas muy diferentes, tres acercamientos al subgénero zombie, pero ninguna verdaderamente valiosa, destacable.

George Romero ya me decepcionó con su anterior trabajo, la insufrible ‘El diario de los muertos’ (¿se puede hacer una película de terror más aburrida?), y la nueva no parecía tener mejor pinta, a tenor de las críticas que leí en Venecia, donde sorprendentemente fue proyectada. De ‘Colin’, una película amateur, hecha con cuatro duros, tampoco esperaba gran cosa. Así que de las tres, la que más me llamaba la atención era la francesa ‘La Horde’, sobre un grupo de policías que quieren vengar el asesinato de un compañero, pero cuando encuentran a los responsables se desata un infierno, y todos deben colaborar para poder sobrevivir. Es un film agresivo y desagradable, totalmente centrado en la violencia, dejando de lado a los personajes, a los que se presenta y se despacha con la mayor rapidez.

A mí me parece imprescindible, en una buena película de terror, sentir el miedo en la carne de los protagonistas. Y esta regla, que creo que es básica, no la veo por ninguna parte en casi todo lo que se estrena. Desde luego, cada vez menos. En momentos aislados se consigue algo de esa tensión, de ese horror por lo que pueda pasar, pero enseguida se pierde, casi siempre por la estupidez de cambiar el punto de vista de la víctima y apostar por enseñar lo que da miedo. En la gran mayoría de productos del género uno no consigue ponerse de parte de ninguno de los personajes, resultando que al final todo se basa en recrearse en sus muertes, o la de los monstruos o psicópatas que les persiguen, cuanto más sangrienta y horrenda, mejor.

Claro que, por supuesto, esto es a lo más que aspiran muchos de sus responsables, incapaces de ofrecer otra cosa. La cuestión es que hay un público para esto (nada que objetar a los fans del gore, como tampoco a los zoofílicos o a los de novelas históricas), y el problema es que gracias a eso se justifican todo tipo de atropellos cinematográficos. Está bien que se haga de todo, pero es que la evolución es muy triste. ¿Por qué es tan difícil encontrar una película que genere la ansiedad y el mal cuerpo que deja ‘Alien’? Bien, la respuesta es obvia. ‘La Horde’ no tiene nada de especial, puesto que se basa en lo de siempre, en ver a zombies agresivos matando personas, y a personas agresivas destrozando zombies. No hay más.

¿Es que eso es todo lo que se le pide? Quizá. Pero si veis ‘Amanecer de los muertos’, el brillante remake de Zack Snyder, encontraréis todo eso y mucho más, una película con sangre, violencia, pero también con personajes y emoción. Yannick Dahan y Benjamin Rocher se quedan en la superficie, en lo fácil del film de Snyder, pero no consigue, como el director de ‘300’, ir más allá, que nos sintamos identificados con quienes están sufriendo viendo cómo explota el temible día del juicio final. Dicho todo esto, a cada uno lo suyo; ‘La Horde’ está bien realizada, es entretenida y contiene algunas escenas tan violentas que es imposible olvidarlas. Todo eso lo tiene. Y quien lo busque, desde luego que lo va a encontrar.

Otra cosa es lo de George A. Romero. Este hombre, sencillamente, debería retirarse. O, por lo menos, tomarse un descanso y pensar en algo que no implique muertos que resucitan para comer carne humana. No sé, hay muchas ideas por explorar; una versión de ‘Los pájaros’ pero con altramuces mutantes, por ejemplo. Cualquier cosa. Definitivamente, Romero ha perdido el rumbo, pero gracias a las nuevas tecnologías, que permiten hacer cine más barato, y apoyado en su todavía prestigiosa firma, entrega alegremente otra lamentable película de zombies.

‘Survival of the Dead’ nos presenta a un grupo de militares que tras iniciarse el despertar de los muertos, deciden refugiarse en una isla, creyendo que el agua los mantendrá a salvo; claro, pronto descubrirán que no hay ningún sitio refugio posible, y que como siempre, son peores las personas que los zombies. Al principio parece que Romero se toma en serio lo que va a contar, pero pronto nos damos cuenta que ni él tiene ya interés por sus criaturas, que se la trae floja que haya público viendo su nueva tomadura de pelo, y así ofrece una desganada, torpe y soporífera comedia, con momentos verdaderamente vergonzosos. Serie Z. No veo la manera de hacerla peor, la verdad.

Se supone, si hacemos caso a este viejecillo simpático de enormes gafas, que su nueva película da un paso más en la evolución de los muertos vivientes, pero lo único “nuevo” que hay aquí está al final, en los últimos minutos, y dudo mucho que sea algo nunca visto. Claro que él cree que es el inventor del zombie, así que es normal su delirio. Encantador incluso, de no ser porque sus últimas películas huelen peor que los come-cerebros que las protagonizan.

Tras el tostón de Romero, me apetecía terriblemente cambiar de género, ver cualquier cosa que no tuviera nada que ver con muertos. Pero el día anterior no sospechaba que estaría tan harto, y pedí un ticket para ver ‘Colin’, que en teoría daba un giro al subgénero, centrándose en el punto de vista de un zombie. Con una cena basura en el estómago, y las prisas habituales, me desplomé en la butaca con la única idea de tratar de aguantar despierto hasta el final. Eran las once de la noche y ya había visto cuatro películas, así que el reto era más complicado de lo que puede parecer al lector.

Unos minutos antes de empezar la proyección, sin embargo, mis expectativas cambiaron. Se encontraba allí Alastair Kirton, el protagonista de la película. Habló poco, pero se mostró tan divertido, y tan sincero contando cómo habían realizado la película, en la que habían puesto tanto esfuerzo y cariño, que no pude evitar pensar que ‘Colin’ me iba a gustar. Pensé poner todo de mi parte y perdonarle, de antemano, los errores que seguro iba a encontrar, tratándose de un trabajo hecho por aficionados en sus ratos libres, sin presupuesto, sin actores de verdad.

Al poco de empezar, me di cuenta, como en otras tantas ocasiones, que me era imposible pasar por alto todo aquello. Marc Price, el director, cree que rodar una escena de acción es mover mucho la cámara y que no veamos nada; no os miento, parecía que el tipo había colgado la cámara del techo y se había puesto a darle golpes, lanzándola de un lado para otro. Así durante gran parte de los interminables cien minutos que dura su película. Por otra parte, se suponía que esto iba a ser algo nuevo, que la historia se centraría en el zombie, pero no es cierto, muchas secuencias están protagonizadas por humanos, que o bien huyen o bien atacan a los muertos. En fin, salvo el curioso trabajo de Kirton, y la interesante idea de partida, otra tontería más.

A la una de la mañana, con el cuerpo dolorido, cargando con la pesada mochila, y los ojos violados por tanto cine malo, el verdadero zombie que paseaba por Sitges era definitivamente yo. Siete horas después me esperaba una nueva jornada, la última. Menos mal que empezaría con ‘The Road’, que si no…

PD: En el primer post de la novena jornada se me olvidó comentar algo. A la entrada del pase de prensa de ‘Zombieland’ nos regalaron una camiseta de la película, que algunos no dudaron en vestir rápidamente. Es bastante fea, pero oye, fue un detalle y se agradece. De hecho la llevo puesto ahora mismo, para entrar en ambiente.

Mel Gibson ha vuelto. El australiano es el gran protagonista de ‘Edge of Darkness’, un thriller policiaco que ha dirigido Martin Campbell, responsable de ‘Goldeneye’ o ‘La máscara del Zorro’. En esta entrada tenéis el tráiler y el cartel de la película, que tiene mejor pinta de lo que esperaba. O quizá sólo sea un espejismo, lo cierto es que el avance me ha parecido fantástico, trepidante, con un Gibson espectacular. Por cierto, se nota que Campbell dirigió ‘Casino Royale’ antes, hay escenas de acción que parecen sacadas de las últimas películas de la saga Bond (o sea, de la saga Bourne).

Escrita por William Monahan y Andrew Bovell, a partir del guión de una exitosa miniserie de los ochenta, ‘Edge of Darkness’ se centra en un veterano policía (Gibson) cuya única hija es asesinada en las escaleras de su casa. En su búsqueda de venganza, el policía destapará la vida secreta de su hija y descubrirá un mundo de corporaciones corruptas. Ray Winstone, Danny Huston, Shawn Roberts, Bojana Novakovic, Frank Grillo y Gbenga Akinnagbe acompañan a Gibson al frente del reparto. La fecha del estreno es el 29 de enero de 2010.

PD: Robert de Niro estuvo vinculado al proyecto, pero se retiró poco antes del rodaje y fue sustituido por Winstone.

Vía | ComingSoon | Gracias a Cachicamo por el aviso.

Decir que tras nueve días, estaba cansado, es quedarme muy corto. Pero lo cierto es que la última jornada del Festival se presentaba muy atractiva (no sólo por ser la última), y de hecho, cuando me levanté a las siete y media de la mañana, me sentía con energía, deseando llegar al Meliá y ver una de esas películas por las que había decidido ir a Sitges, la adaptación de ‘The Road (La carretera)’. Como ya os conté, a media mañana tendría lugar la rueda de prensa con Viggo Mortensen y John Hillcoat, algo que me apetecía mucho presenciar (creo que mereció la pena, aunque no creo que las preguntas que se hicieron fueran las más acertadas).

Estaba más despierto de lo habitual, viendo ya el final del túnel, y me permití el lujo de desayunar antes de entrar a la sala, en una de las numerosas cafeterías que riegan el centro del pueblo. Un zumo, un sándwich vegetal y un café después, volvía a encontrarme en una de esas situaciones que me caracterizan: con prisas, mirando la hora y maldiciendo mis grandes ideas. Al final tuve que subirme a un taxi para llegar a tiempo (te cobran un suplemento por ser domingo, y creo que otro por haber perdido el tiempo tontamente).

Al final de la cola me saludó Rafa, de Público, que me dijo que leía mis artículos desde hacía tiempo. Tuvimos una charla agradable y entramos juntos al Auditori. Me sorprendió que nada más empezar el ritual de los spots del Festival, dirigiera su mirada a la pantalla y no hiciera ni un solo comentario más; es una sana costumbre, mucha gente aprovecha la compañía para ponerse a hablar durante la proyección, comentando chorradas que no interesan al resto de los espectadores, sino todo lo contrario (los “shhh” son un clásico).

Y empezó ‘The Road’. Como ya sabréis, se basa en la novela de Cormac McCarthy, editada en España, ha sido dirigida por John Hillcoat, conocido por su western ‘The Proposition’, y está protagonizada por Viggo Mortensen y Kodi Smit-McPhee, en los papeles principales, “el hombre” y “el niño”. La película nos presenta un mundo devastado, un futuro post-apocalíptico, de cielos grises y olor a muerte. El hombre y el niño son los “buenos”, transportan el fuego (no literalmente) y deben sobrevivir mientras tratan de llegar a la costa, con la esperanza de encontrar una salida, un refugio donde escapar al horror.

Hillcoat recupera el tono seco, sucio y realista de su anterior película, mostrándose implacable en el retrato de este mundo muerto, donde los protagonistas parecen condenados a caer rendidos, por falta de alimento, enfermedad o la acción de algunos de los “malos” que se encuentran por el camino; la carretera les lleva por el buen camino, pero a menudo deben huir de los despiadados caníbales. Mortensen ya lo dijo a la prensa, su intención con este trabajo era darlo todo, decir las cosas sin palabras y mostrar un vínculo único con el pequeño que interpreta a su hijo. Todo eso se nota al ver la película, y de nuevo hay que aplaudir a este grandísimo actor.

Tanto el director como él nos dijeron que sin un niño apropiado, no tendrían película, y es cierto. Sin embargo, la suerte les sonrió y encontraron a Smit-McPhee, que está fantástico. Quizá lo único que se le puede reprochar es que no es un niño que dé la impresión de estar pasando hambre, tiene una cara rellenita, pero la verdad es que eso deja de tener importancia cuando la cámara se centra en él y mira, habla, sonríe o sufre. Robert Duvall, Charlize Theron y Guy Pearce también intervienen, interpretando roles muy secundarios, para adornar el cartel y vender mejor la película. Los tres están muy bien, pero sin duda podrían haber elegido a actores de menos nombre para esos personajes.

No me gustó demasiado el libro ‘The Road’, pero me encanta la película. La historia me parece más apropiada para el cine, aunque para eso, claro, hacía falta tomarse en serio el trabajo, y contar con profesionales de talento, que entendieran el relato y supieran trasladarlo a la pantalla. Así ha sido, a mi entender, y aunque la película no es perfecta, sí cuenta con suficientes aciertos como para catalogarla como una de las mejores del año.

De lo mejor que he visto este año también es el trabajo de Paul Giamatti en ‘Cold Souls’ escrita y dirigida por Sophie Barthes, una comedia dramática, con un toque fantástico, de la que ya habíamos hablado en Blogdecine. Las buenas sensaciones que despierta el tráiler se confirman en la película, si bien todo es menos profundo y original de lo que se podría llegar a pensar, leyendo la sinopsis.

‘Cold Souls’ gira en torno al actor Paul Giamatti (se interpreta a sí mismo), que se encuentra bloqueado cuando prepara una representación teatral de ‘Tío Vania’, de Chéjov. El actor está tan obsesionado con el personaje que no puede sacárselo de encima cuando abandona los ensayos, y esto le está amargando la vida. Así que cuando encuentra un anuncio en la prensa, de una empresa que permite extraer el alma y, con ello hacer más feliz a la gente, cree haber dado con la solución. Sin embargo, porque en caso contrario no habría película, nada sale como había previsto, y cuando intenta recuperar su alma, descubre una traficante de almas la ha robado.

Giamatti, que en ‘American Splendor’, ‘Entre copas’ o ‘La joven del agua’ ha demostrado de lo que es capaz, siendo en mi opinión uno de los mejores del planeta, sostiene ‘Cold Souls’ y le da vida, haciéndola más interesante de lo que en realidad es. Barthes no sabe desarrollar el llamativo punto de partida, y no deja de dar vueltas sobre lo mismo, sin avanzar, y tampoco saca provecho a todo lo que sucede con la traficante rusa. Así que, en definitiva, el conjunto se salva gracias al protagonista, que hace de todo (es impecable en la comedia y en el drama), aparentemente con suma facilidad. Es increíble cómo refleja el sutil cambio que sufre su personaje cuando pierde su alma, tenéis que verlo.

Sin creérmelo del todo, transcurrió mi último día en Sitges. Quise darme un buen paseo, antes de hacer la maleta y acudir a mi confortable cama. Recorrí de nuevo las calles del centro, y me acerqué a mirar el mar, echando un último vistazo a las tiendas del Miramar (no llegué a comprar nada, el fantasma del ahorro no me lo permitió). Me acerqué al mirador y respiré profundamente. Se siente uno tan bien ante semejante vista, tan inmensa y natural. Miré la oscuridad de las aguas durante un buen rato. Adiós, Sitges. Adéu.

PD: Tengo pendiente hablar de seis películas que también vi en Sitges, pero que he ido dejando para no recargar más los artículos, ni recortarlos para incluir más texto sobre cine. Dos epílogos, y acabo.

El estelar Bruce Willis, uno de los actores más queridos del planeta, encabeza el reparto de ‘Los sustitutos (Surrogates)’, la nueva película del director Jonathan Mostow (‘Breakdown’, ‘Terminator 3: La rebelión de las máquinas’), una adaptación del cómic creado por Robert Venditti y Brett Weldele. Cuando el viernes pasado comenté los estrenos, y me tocó aventurar algo sobre este producto, me dejé llevar por la ingenuidad que aún me caracteriza, sin la cual me resultaría imposible ir al cine por mi propia voluntad, y dejé escrita mi esperanza de encontrar una interesante propuesta de acción y ciencia ficción.

No es que el tráiler invitara al optimismo, más bien hacía temer lo peor, pero el argumento resultaba muy atractivo (al menos para un aficionado a la ciencia ficción, como un servidor) y no creo que fuera descabellado pensar que Mostow podía haber sacado provecho de un presupuesto estimado en 80 millones de dólares, para filmar espectaculares secuencias de acción en un entorno futurista, animando la historia de un tipo que se encuentra, de pronto, caminando solo en un mundo habitado por robots; una variación de lo que un buen día ideó Richard Matheson con otro personaje (llevado al cine varias veces y nunca muy bien). ‘Los sustitutos (Surrogates)’ nos presenta un futuro en el que la raza humana prefiere vivir a través de máquinas, con las que pueden interactuar sin riesgo alguno, y tener el aspecto que siempre envidiaron.

Ciertamente, Willis está solo en esta película, en todos los sentidos. Su personaje llega a pasearse por las calles sin compañía humana, tras una serie de accidentes y circunstancias (en una escalada de absurdos realmente sorprendente), pero es que también el actor se mantiene como el único punto a favor de la película, un completo despropósito que debería acabar ipso facto con la carrera de Jonathan Mostow en el cine. Y lo digo totalmente en serio, este hombre, a tenor de lo visto, ya no sirve para esto, sería preferible para el bien de todos que se dedicara a otra cosa, dejando su sitio a otro realizador, que por lo menos crea en su trabajo, aunque sea una producción comercial de tres al cuarto, sin pretensiones, como la que nos ocupa.

No es que Mostow fuera un gran director antes, pero no cabe duda que desde la entretenidísima ‘Breakdown’ ha ido cayendo en picado, hasta llegar a esta cosa, que es aun peor que ‘Terminator 3’. Precisamente, Mostow no es el único que ha puesto sus manos en ‘Los sustitutos’ tras empezar a destrozar la saga de ‘Terminator’. La tarea de trasladar la historia del cómic de Venditti y Weldele al cine ha corrido a cargo de Michael Ferris y John Brancato, los mismos guionistas que perpetraron ‘Terminator 3: La rebelión de las máquinas’ y la siguiente, ‘Terminator Salvation’ (posiblemente, la peor). Que estos tipos sigan trabajando, escribiendo los guiones de superproducciones que no sólo resultan de mediocre calidad, sino que además fracasan en taquilla, es algo incomprensible, a menos que los productores que les pagan sean aún más ineptos que ellos, claro. Me imagino la escena: “Oye, ¿estos dos no escribieron una de robots? Pues ala, dales lo que pidan y listo, qué más da, es una peli para frikis”.

Hablando de millones, apenas quince ha recaudado ‘Los sustitutos’ durante su primer fin se semana en Estados Unidos, y eso que se estrenaba sin fuertes competidores. No va a recuperar ni la mitad de lo que ha costado, especialmente cuando se corra la voz de que lo mala, ridícula que es. Tampoco creo que a Bruce Willis le importe esto lo más mínimo, ya ha demostrado todo lo que tenía que demostrar, y si quiere un éxito de taquilla sólo tiene que aceptar un sueldazo multimillonario por encarnar de nuevo a John McLane (algo a lo que ya ha dicho que está dispuesto). Por cierto, en una reciente entrevista, el actor calificó de “repugnante” el look que Mostow y los guionistas le impusieron cuando en la película da vida a su “sustituto”, teóricamente una visión idealizada de sí mismo. No creo que le extrañe a nadie, hay que ser idiota para creer que Willis querría ir así por la calle.

El actor es un profesional y hace lo que puede con su personaje, a pesar del horrendo guión, que tiene momentos verdaderamente antológicos (véase la escenita, ya por el final, del técnico informático, que por supuesto es un sucio gordinflón, indicando a Willis qué teclas debe pulsar, mientras la cuenta atrás va agotándose), y de que a Jonathan Mostow no le queda nada por dar al cine, filmando unas persecuciones lamentables, mareantes y sin criterio alguno, centrando la cámara en objetivos aleatorios, impidiendo saber qué demonios ocurre en la escena y dónde está cada personaje.

El resto del reparto tampoco tiene mucha culpa del desaguisado, aunque lo de Ving Rhames como El Profeta debería ser delito, y que hayan contratado al gran James Cromwell para lo que hace aquí, también (a menos que hayan recortado escenas suyas en la sala de montaje); Radha Mitchell y Rosamund Pike cumplen, sin más. En definitiva, ‘Los sustitutos’ no logra nada de lo que se propone, se desinfla muy rápido, tirando por tierra enseguida un interesante punto de partida, que podría haber dado mucho juego en otras manos; pero claro, para eso hace falta tiempo y talento, cosas de las que al parecer carecen los dos guionistas y el director de esta película inútil.

En 1978, el temible Enzo G. Castellari realizó ‘Aquel maldito tren blindado’ (‘Quel maledetto treno blindato’), cuyo título internacional fue ‘Inglorious Bastards’, y que muy convenientemente ha sido editada hace poco en nuestro país. Dice el propio Tarantino que dicha película le inspiró para realizar su ‘Malditos bastardos’ (‘Inglorious Basterds’), en otra demostración de su cinefilia —cinefagia, dirán algunos—, encontrando y revitalizando títulos poco conocidos por la audiencia media. Lo cierto es que el film de Castellari, que tuve oportunidad de ver hace poco, aprovechando la ocasión, es un producto de serie B —siendo generosos— mal montado, y peor dirigido e interpretado. Un subproducto que alcanza niveles bochornosos, que narra la imposible misión de un grupo de desertores que por culpa de los caprichos del destino, se ven envueltos en una odisea que podría redimirles de sus pecados.

Un humor zafio, aún teniendo algún instante conseguido, y casi molesto, eran las principales virtudes de una película en la que podía entreverse fácilmente algunas cualidades que harían las delicias de Tarantino en una de sus operaciones de reciclaje. Si uno intenta comparar ambas películas, encontrará que sus coincidencias son cero, esto es, ninguna. Únicamente, ambas pertenecen al género del cine bélico, y eso por la manía que tenemos de querer etiquetarlo todo, porque hasta ese punto sería discutible. El caso es que un servidor esperaba que Mr. Tarantino se pasase toda su película rindiendo una especie de homenaje al film citado, y de paso a otros títulos mucho más famosos, pero para mi sorpresa, el director de ‘Pulp Fiction’ va mucho más allá.

No es ‘Malditos bastardos’ una película bélica al uso sin más. Su más que simple trama se resume diciendo que se trata de una historia de buenos muy buenos y malos muy malos, y de cómo los buenos tiene que volverse más bestias que los malos para acabar con estos últimos. El bien y el mal enfrentados una vez más bajo la apariencia de puro entretenimiento con algunas de las mejores secuencias del año. Y es que Quentin Tarantino, como buen cinéfilo que es, es un completo adorador de momentos, de instantes, de escenas para el recuerdo. En muchas de las conversaciones cinéfilas que tengo con amigos y enemigos, a todos nos gusta recordar determinados instantes del cine que permanece en nuestras retinas, y en algunos casos, en nuestros corazones. La escena de la despedida en ‘Casablanca’ (Michael Curtiz, 1943), la muerte de Lillian Gish en ‘Duelo al sol’ (‘Duel in the Sun’, King Vidor’, 1946), el final de ‘Dejad paso al mañana’ (‘Make Way for Tomorrow’, Leo McCarey, 1937), por poner sólo tres ejemplos bien claros, son momentos que cualquier cinéfilo —con todo lo que esta palabra significa de verdad— no puede olvidar, se quedan grabados con letras de fuego en la memoria de aquellos que amamos el cine.

Tarantino construye así su cine, a base de querer hacer grandes momentos, aunque sea sin unirlos con coherencia. ‘Malditos bastardos’ ofrece el espectador toda una sucesión de grandes instantes, uno tras otro, en los que Tarantino hace gala de una envidiable capacidad para crear una determinada atmósfera, de innegable intensidad. Pero también cae en el error de ofrecerlo todo en un nada equilibrado conjunto, que adolece de la necesaria progresión dramática. Curiosamente, esto no estropea la película, pues sus momentos/segmentos son tan intensos, tan espectaculares, tan enfurecidos, que se valen por sí mismos. Es el juego que Tarantino propone, y como en todo juego, el espectador es muy libre de entrar o no. Sí, para sorpresa de medio mundo, yo entré. Y reconozco habérmelo pasado pipa, como un enano. No me pregunten el porqué en ésta sí y en otras no —‘Pulp Fiction’ la he visto siete veces y cada vez me ha parecido peor—, tal vez ésa sea la magia indescriptible del cine, el misterio que nunca hay que resolver a cerca de este maravilloso arte.

Un prólogo que es puro western, con homenaje incluido a un famoso director de westerns, nos mete de lleno en la psicología del verdadero alma mater de la película: un personaje llamado Hans Landa, coronel nazi caza judíos, interpretado de manera magistral por Christoph Waltz. Un villano de tal envergadura que Tarantino hace suya una de las máximas de don Alfred Hitchcock: una película vale lo que vale el malo de la misma. Si no fuera por la arrolladora personalidad de Landa, personaje al que se ama y odia al mismo tiempo, estoy completamente seguro de que ‘Malditos bastardos’ sería otra cosa completamente distinta. Waltz, en una de esas composiciones que merecen una nominación al Oscar, pone toda la carne en el asador y se come literalmente a todos los demás compañeros de reparto. Él abre el film, y más tarde es toda una delicia comprobar cómo se merienda sin compasión a actores tan solventes como Brad Pitt o Diane Kruger, quienes se entregan a su roles con diversión y desenfado, lo mismo que Tarantino hace con su historia, a la cual parece maltratar adrede.

Waltz es el verdadero sustento de una película que pierde demasiado fuelle cuando cambia de capítulo, o segmento, o bloque, o como queráis llamarlo. Tarantino se muestra incapaz —como siempre— de darle una coherencia a todo el conjunto, y sin embargo, se revela como un excelente director a la hora de componer un determinado plano, o secuencia. Sirva como ejemplo, la que para mí es la mejor secuencia del film, la de la taberna, donde una vez más el director rinde tributo a Hitchcock, y lleva el suspense hasta límites poco vistos en el cine reciente. Un uso extraordinario del alargamiento del tiempo, bañado con diálogos vivaces y divertidos, explota en un clímax inolvidable que pone de relieve las intenciones de su autor: sangre y destrucción. Si de algo hace gala ‘Malditos bastardos’ es de ser, sin disimulo alguno, toda una orgía de violencia sin concesiones, de brutalidad sin límites, en la que incluso Tarantino apuesta fuerte al cambiar el curso de una guerra cuyo final sabemos que no fue ése.

‘Malditos bastardos’ es también la película más cinéfila de su director, aquella en la que su amor por el séptimo arte queda más claro, ya no sólo por su referencias formales a directores como Sergio Leone —buena parte del cine de Tarantino bebe de la obra del director de ‘La muerte tenía un precio’— o Hitchcock, sino también por directas alusiones al cine de Leni Riefenstahl, Henri-Georges Cluzot —en la marquesina de un cine puede verse el título de ‘El cuervo’—, Chaplin, y también por situar el que se supone el momento álgido del film, en un cine repleto de gente, y que es utilizado por Tarantino como elemento catártico. Eso sí, la frase final del film, pronunciada por Brad Pitt, suena a cachondeo de más, una ¿broma? que no todos recibiremos e interpretaremos de igual manera. ‘Malditos bastardos’ no es una obra maestra, pero sí un sano entretenimiento como hace tiempo no veía, y de mano de un director del que no me lo esperaba. Sorpresa doble.

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‘Watchmen’

Fue uno de los títulos más esperados meses atrás. Una gran promoción acorde con las enormes expectativas, la convirtieron un título sonado. Aunque el resultado en taquilla no fue tan bombazo como podría suponerse. Y las opiniones fueron dispares. Me parece una cinta que se hace pesada en algunos momentos y que tiene todos los ingredientes para ser una grandísima película, sin embargo no terminó de convencerme, aunque contiene aspectos muy meritorios. También es cierto, que la adaptación no fue tarea fácil. Para los más fanáticos, o simplemente los que quieran darle otra oportunidad (entre los que me incluyo), ‘Watchmen’ sale editada con todo lujo, en varias versiones y también disponible en el espectacular Blu-Ray, donde seguro encontrará un hueco de superventas, por sus características visuales. Edición simple en DVD, en 2 discos DVD o Blu-Ray con contenido extra, que incluye el vídeo musical. Por supuesto, también en caja metálica, por cierto bastante atractiva en su diseño.

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‘Déjame entrar’

Una de las mejores películas en lo que llevamos de año y toda una sorpresa que nos llegó desde la gélida Suecia. Una aproximación al cine de vampiros tremendamente original, impactante y de una solidez narrativa desbordante. Pocos son los adjetivos que pueden hacer justicia a esta obra maestra, en la que un joven solitario se hace amigo de una misteriosa chica, cuya llegada coincide con unas muertes. Una historia de amistad que nos descubre una nueva perspectiva del vampiro. Es de las que bien merece coleccionar y visionar cada cierto tiempo, así que su lanzamiento en Blu-Ray y en DVD, edición coleccionista se hace indispensable. Como material extra se incluye un audiocomentario del director y del guionista (y autor de la obra literaria original), así como escenas eliminadas, un videochat exclusivo comentando las interioridades de la película, y un análisis de las claves a cargo de Carlos Boyero, Ángel Sala y J. Bayona. No está nada mal esta edición coleccionista, y parece que en Karma Films han querido cuidarla al máximo.

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‘The International: Dinero en la sombra’

Este thriller protagonizado por Clive Owen y Naomi Watts, y dirigido por el alemán Tom Tykwer resulta interesante en su planteamiento, aunque sin brillar en exceso. Dispone de una buena puesta en escena, aunque se pliega en exceso hacia el estilo más comercial, abandonando cualquier atisbo de originalidad. Plantea una historia intrigante, pero brilla con más fuerza cuando la acción domina la escena y las persecuciones levantan la emoción del film. Una superproducción que al menos entretiene y que tiene alguna escena sublime, como la batalla planteada en el museo Guggenheim de Nueva York, excelentemente rodada y quizás lo mejor de todo el film. Lástima que el papel de Naomi Watts esté tan desaprovechando, ya que Owen se hace con el peso de la cinta conforme avanza la trama, convirtiéndose en el protagonista absoluto de esta intriga bancaria. También se lanza en una edición especial con documentales, escenas eliminadas y audiocomentarios.

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‘Monstruos contra alienígenas’

Apuesta de la DreamWorks con esta historia de alienígenas con claro estilo retro, de los años 50. Una comedia de acción para todos los públicos y que resulta entretenida aunque a ratos pierde algo de ritmo. Siimpáticos monstruos que ponen la nota de humor a esta historia en la que el gobierno necesita de la ayuda de un seres encarcelados para hacer frente a una invasión alienígena. La edición especial contiene lo habitual: escenas elminadas, comentarios y, especialmente, un cortometraje titulado ‘BOB se lo pasa bomba’, que viene en 3D y con las correspondientes gafas para disfrutarlo. Buen acierto, si quieren sacar el máximo partido a esta tecnología, que en el ámbito doméstico se convierte también en un interesante camino para el 3D.

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‘Por un puñado de dólares’

Título imprescindible para los amantes del buen cine, de western en general y de Clint Eastwood en particular. Una obra de Sergio Leone que ahora cumple su 45º aniversario y se lanza una edición especial conmemorativa. Una revisión del clásico ‘Yojimbo’ llevado al lejano oeste, donde participó la imprescindible mano de Ennio Morricone en la banda sonora. Viene con dos discos y un CD con la música, un libreto de 36 páginas y postales con fotos de esta mítica película.

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‘Easy Rider: Buscando mi destino’

Este mítico título, dirigido por Dennis Hopper con escaso presupuesto y un espíritu independiente, se convirtió pronto en una película que abanderó a toda una generación. Un clásico de los sesenta, en el que se muestran las actitudes, deseos y ambiciones de la juventud de la época. Peter Fonda y el propio Dennis Hopper cruzan el país de costa a costa, en busca de la América real y en su camino vivirán variedad de experiencias, muy propias de la época. Tardó en llegar a las salas españolas y ahora esta edición en flamante Blu-Ray está indicado para los más nostálgicos o los que quieran revivir el espíritu de una época (incluída una banda sonora de lo más rockandrollera). Más mítica que excelente en su resultado, al menos merece su visión alguna vez. En DVD saldrá dentro de algunas semanas.

La Trilogía Explosiva de Terence Hill y Bud Spencer

El dúo formado por estos dos actores dio lugar a un puñado de películas que tuvieron un notable éxito y los convirtieron en una pareja destacada de las comedias de mamporros. Si se me permite el término. Ahora se lanza un pack especial para coleccionistas que quieran recuperar tres títulos esenciales de este eurowestern tan peculiar. Los tres títulos son ‘Le llamaban Trinidad’, ‘Le seguían llamando Trinidad’ y ‘Mi nombre es Ninguno’. La edición es limitada y viene acompañada de un libro y la banda sonora original. Todo ello presentado adecuadamente en una caja y aun precio aproximado que rondará los 40 euros.

‘El sargento York’

Y para los amantes de los clásicos bélicos, este título protagonizado por Gary Cooper se lanza en una edición doméstica simple, sin contenidos extra. Esta película dirigida por Howard Hawks en 1941 nos cuenta la historia de Alvin York y cómo se convirtió en el héroe más aclamado de la Primera Guerra Mundial, a pesar de debatirse entre el pacifismo religioso y el patriotismo. Se trata de un sencillo granjero que capturó a un buen puñado de alemanes durante una batalla. Esta interpretación de Cooper le valió su primer Oscar como actor y el aplauso del público. La película tuvo un gran éxito, con once nominaciones al Oscar, quizás por ese tono heroico que destila. Lo cierto es que la película logra su propósito y es una gran película.

Vía | Zona DVD

Diez años ha tardado Quentin Tarantino en tener lista su particular visión de la II Guerra Mundial. Diez años desde que, tras finalizar ‘Jackie Brown’ (la única de su filmografía que no parte de un guión original, y curiosamente, para muchos su obra más redonda), Tarantino quiso crear su propia película bélica, inspirado por la italiana ‘Aquel maldito tren blindado’ (‘The Inglorious Bastards’ en Estados Unidos) de Enzo G. Castellari, por la que siente verdadera fascinación, a pesar de ser un aburrido bodrio de cabo a rabo. Pero es que al director de ‘Pulp Fiction’ le pierde la serie B y el exploitation, lo bizarro, lo cutre y lo exótico, como queda bien claro por todos los homenajes (o plagios, según el observador) que nutren su cine.

El norteamericano quería narrar la aventura de un grupo de soldados que deben infiltrarse entre los nazis para llevar a cabo una misión suicida. Pronto surgieron los nombres de Arnold Schwarzenegger, Sylvester Stallone o Bruce Willis, pero Tarantino no se decide, deja el guión sin acabar y decide cambiar de proyecto, centrándose en otro que había nacido durante el rodaje de ‘Pulp Fiction’ (‘Kill Bill’, que por razones comerciales acabó dividida en dos). Con el apoyo de un gran estudio como la Universal, que cubría los costes de la película que tenía en mente, y tras permitirse el lujo de rodar la divertida ‘Death Proof’ para la fallida experiencia de ‘Grindhouse’, Tarantino acaba el guión y emprende por fin el rodaje de su ‘Inglorious Bastards’, que acaba llamándose ‘Inglourious Basterds’, y que en España se ha estrenado como ‘Malditos traductores’... ah, no, ‘Malditos bastardos’.

Afirma Tarantino que durante todos estos años ha estado reescribiendo el guión de ‘Malditos bastardos’, y que sus personajes han ido cambiando de bando a bando, de situación en situación, hasta que finalmente encontró una historia que le dejó satisfecho, y dio el aviso para empezar con la pre-producción de su nuevo trabajo como director, el séptimo en términos oficiales (no se cuenta ‘My Best Friend´s Birthday’, según el realizador, un film de aprendizaje). Lo que finalmente se ve en la gran pantalla dista mucho de parecerse a su querida ‘Quel maledetto treno blindato’ (1978), lo cual es una muy buena noticia, manteniéndose sólo el tono ligero de la narración, dando cabida a bromas y diálogos intrascendentes aun en momentos de grave peligro, y, claro, que hay un comando de soldados norteamericanos que deben realizar una misión prácticamente suicida contra los nazis.

Con el típico arranque de cuento, “Érase una vez…”, Tarantino nos prepara para sumergirnos otra vez en su singular universo, en esta ocasión para contarnos por primera vez una historia (o puzzle de historias, más bien) no contemporánea. La película comienza con un capítulo que parece sacado de un spaguetti western, incluso con la música de Ennio Morricone para hacer más creíble la ilusión, salvo por un pequeño pero crucial detalle; esto es, como nos han anunciado, la Francia ocupada por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial, y la cosa va de unos nazis despiadados que persiguen y aniquilan judíos. Así de simple, así de ficticio, así de sangriento; esto es Tarantino. Nada que objetar, lo contrario sería engañarse.

Así que empieza esta ‘Malditos bastardos’, tan esperada y con un guión que supuestamente ha requerido diez años de trabajo, y se nos presenta una situación en la que un granjero recibe, en su tranquila casa en medio del campo, la visita de un coronel nazi llamado Hans Landa. Desde el principio, sin sutilezas (que nadie las busque aquí), sabemos que el alemán sabe más de lo que aparenta y que el francés está mintiendo, pero claro, no se lo va a poner fácil al coronel, hay demasiado en juego. Todo bien, muy bien, hasta que la conversación y el juego detectivesco de Landa comienza a extenderse sin medida, de forma casi ridícula, sin llevar a ninguna parte. Todo es charla, y a Tarantino parece valerle, pensando que con los diálogos y el paso de los minutos es suficiente para crear tensión.

Pero la tensión hace aguas por todas partes cuando los dos tipos no dejan de hablar, y no pasa nada. Al final, como esperábamos desde hacía tiempo, el nazi pone las cartas sobre la mesa, el granjero confiesa y los judíos que estaba ocultando… Bueno, ya sabéis. El desenlace de la secuencia es estupendo, vigoroso y visualmente brillante (por cierto, con guiño cinéfilo a cierta obra maestra de ese director que “sólo” hacía westerns). Pero es que para llegar a eso, se ha tenido que pasar por un tedioso intercambio de frases que no tiene ningún sentido, más allá de que el realizador esté encantadísimo con sus personajes y encuentre tronchante cada detalle de la interpretación de Christoph Waltz, que efectivamente, como se dijo en Cannes (donde ganó el premio al mejor actor), es lo mejor de ‘Malditos bastardos’.

La estructura de este primer capítulo se repite, más o menos, en todos los demás que están por venir, hasta que Tarantino se queda contento, después de unas innecesarias, exageradas dos horas y media, y nos dice a la cara, a través de uno de sus bastardos, que cree que ésta es su obra maestra (si esto es así, y no otro chiste más, es que ha perdido definitivamente el juicio). El cineasta adora tanto a sus personajes (esto es, en el fondo, a sí mismo) que no sabe cuándo parar, cuándo mandarles callar, y deja que suelten un rollo increíble cada vez que aparecen, regodeándose en larguísimas secuencias donde lo relevante se presenta al principio y al final, sobrando prácticamente todo lo demás (esto se nota especialmente en el interminable encuentro en la taberna). De los gratuitos y lentos planos detalle de la nata de los postres, o de Mélanie Laurent pintándose los labios, mejor ni hablar.

Dicho esto, no puedo sino sorprenderme (porque soy un tipo tranquilo, si no ya estaría correteando por los tejados lanzando patéticas maldiciones) ante el éxito cosechado por ‘Malditos bastardos’ en Estados Unidos, donde ha recaudado más de cien millones de dólares y parece que ha dejado al público de lo más contentico, hablándose ya de una secuela; en la popular Imdb, el nuevo trabajo de Tarantino(rrrrr) aparece entre las 50 mejores películas de todos los tiempos (da una risa tremenda, cuando lo piensas de verdad). No me cabe la menor duda de que aquí se dará un resultado similar en taquilla, esto se viene anunciando desde hace mucho, y el tono cómico-sangriento de la propuesta, más Brad Pitt en el cartel, atrae mucho; lo que no tengo tan claro es que la respuesta del público español sea tan positiva. Estoy impaciente por comprobarlo.

No estoy de acuerdo con los que dicen, como mi compañero Adrián, que esto es puro Tarantino. Lo parece, durante la película están los rasgos más superficiales de su cine, pero no está lo importante, la frescura y la fuerza narrativa de sus anteriores trabajos. ‘Malditos bastardos’ es la primera película de Tarantino que me aburre, la primera cuyos diálogos (la mayoría, no todos) no entretienen ni sorprenden, sino que parecen escritos sin ningún criterio, por mero divertimento de su autor; es más, exceptuando el Hans Landa que compone Waltz, no hay nada aquí que justifique un segundo visionado, cuando en otras ocasiones era algo que estaba deseando al salir del cine. ¿Divertida? Bueno, alguna risa saca, cierto, y si te divierte ver a Eli Roth masacrando nazis, definitivamente, ésta es tu película.