Sin duda ha logrado una popularidad merecida, puesto que al margen de ponerle música a las películas más famosas y taquilleras, también ha sido el encargado de que varias generaciones asociemos de inmediato sus notas a las películas para las que las compuso. Formando parte así, de la memoria musical de miles de cinéfilos.

Y qué se puede decir de su historial, pues al alcance de muy pocos: 45 nominaciones al Oscar, 5 estatuillas, 7 premios Bafta, 20 Grammys, 4 Globos de Oro,... pero ya en los años 60 consiguió varios Emmys por su trabajo. Todo un genio de la música, que durante cinco décadas ha puesto espectaculares composiciones en películas inolvidables. Amante de las grandes orquestas, quizás algo redundante como muchos le critican, pero sensacional en los resultados. Un maestro.

Repaso las 10 mejores bandas sonoras de John Williams, bajo mi particular criterio:

‘Tiburón’

‘Star Wars’

‘Superman’

‘La lista de Schindler’

‘Jurassic Park’

‘Harry Potter y la piedra filosofal’

‘Memorias de una Geisha’

‘JFK’

‘En busca del Arca perdida’

‘Munich’

Me pregunto quiénes son los iluminados que ascienden a alguien como Michael Haneke a los altares, seguro que son la misma gente que protesta por el hecho de que ‘Avatar’ gane Globos de oro echando pestes contra los premios en general, y luego alaban los concedidos a Haneke y su última película, ‘La cinta blanca’ (‘Das weisse Band – Eine deutsche Kindergeschichte’, 2009). Lo cierto es que estamos ante una de las mejores películas de tan curioso cineasta, al menos es en la que menos imbécil me he sentido pues siempre he tenido la sensación de que este tío se ríe del público. Su cine no plantea ninguna respuesta, sólo preguntas, su obsesión por el mal y los orígenes, por el ser humano y sus intrincados sentimientos de culpabilidad y remordimiento, siguen siendo sus temas predilectos. Y no digo yo que no sean de gran importancia, lo son, pero en manos de Haneke se me antojan pueriles e insatisfactorios.

Mis compañeros Juan Luis Caviaro, Jesús León y Adrián Massanet, o lo que es lo mismo, el raro, el soso y el toca cojones, estarán absolutamente emocionados con el más que cantado Oscar para esta cinta —si gana Campanella doy una fiesta—, pues la tratan como una obra maestra, en la que éste vuestro humilde servidor, más cazurro y borrego de lo que parece, ha sido incapaz de entrar. Realmente creo que el cine de Haneke es vacío por culpa de sus formulismos, esta vez el fondo —de una envergadura dramática realmente estremecedora— queda anulado por una puesta en escena que, aún tirando a clásica se pierde al sustituir la sutileza en pos de una incapacidad narrativa hasta insultante.

El argumento de ‘La cinta blanca’ está situado entre los años 1913-1914 en un pequeño pueblo protestante del norte de Alemania. Allí poco a poco van sucediéndose extraños acontecimientos cada vez más peligrosos, accidentes de carácter mortal, incendios, y nadie encuentra ni una razón ni un culpable para ello. Ahondar más sobre esta premisa sería totalmente inútil, pero ahí tenemos a don Michael Haneke, armado de todo el valor del mundo, pretendiendo explicar los orígenes de la maldad del ser humano contextualizando la historia antes de la Primera Guerra Mundial para que yo como espectador me haga una paja mental pensado en el origen del nazismo. Haneke desconoce el verdadero significado de la palabra sutileza, y con el pretexto de dejar en manos del público el completar su propuesta, nos planta un ladrillo de dos horas y media. Tal vez Haneke debió realizar lo que tenía pensado en un principio, una miniserie de televisión dividida en tres partes.

De nada me vale que todo su reparto esté perfecto. Sus personajes no tienen alma —ahora alguien gritará que eso es precisamente lo que busca Haneke—, no siento simpatía por ninguno, entendiendo por ello que me parezcan fascinantes o mínimamente atractivos. Ni siquiera por el narrador —cuando le conviene a Haneke que sea el narrador gracias a una voz en off, porque cambia de punto de vista cada dos por tres—, un joven profesor que descubre por arte de magia, repito, por arte de magia —ahora algunos me explicarán cierta escena en la que descubre a unos niños hurgando en una ventana— a los posibles culpables de los dramáticos acontecimientos que bañan el film. Como tampoco me impresionan esos niños que parecen salidos de ‘El pueblo de los malditos’ (‘Village of the Damned’, Wolf Rilla, 1960), film sobre el que John Carpenter volvería con un olvidable remake en los 90, y que en cierto modo guarda paralelismos con ‘La cinta blanca’. Y así con el resto de personajes.

La fría cámara de Haneke me impide ese acercamiento, y las posteriores reflexiones —ésas que a veces se tienen transcurridos días tras un visionado— carecen totalmente de interés para mí. No necesito acciones fuera de campo alargadas hasta la extenuación, lo mismo que infinidad de planos fijos que en lugar de inquietarme provocan en mí un enorme y largo bostezo. Lo que sí me llego a preguntar es por qué demonios los padres de Michael Haneke no le inculcaron a ser otra cosa que no fuera director de cine, y así me hubiera ahorrado algunas memeces de muy señor mío. Indagaré sobre ello, me comeré el coco una y otra vez, tal vez sea ésa la verdadera intención de este director con ínfulas de autor, que descubramos qué narices hace año tras año atormentándonos.

No puedo decir qué debe ser el cine —realmente nadie puede—, pero sí puedo decir que es éste para mí o qué espero de él, porque al fin y al cabo en el fondo de todo, sólo se trata de eso, de lo que cada uno espera de este arte tan maravilloso en el que todos coincidimos en una única cosa: nuestro amor por él. Y por Dios, que nadie me salga ahora rasgándose las vestiduras hablando de que no he sabido apreciar el duro golpe que Haneke pega a la educación férrea y religiosa que más tarde deriva en el mal, o que no he entendido —y por lo tanto no he sentido— algunas de las oscuras historias innombrables que encierran los personajes que pululan por ‘La cinta blanca’, como si el entender una película fuese sinónimo de calidad. Entiendo perfectamente el cine de Michael Bay y también me parece deplorable, eso sí, al menos Bay no engaña a nadie. Precisamente lo peor de Haneke es que su discurso resulta muy obvio.

Ay, si Dreyer resucitase, la de collejas que le daría al alemán éste, o Henri-Georges Clouzot que ya contó algo parecido y mucho mejor en la excelente ‘El cuervo’ (‘Le Corbeau’, 1943).

Otras críticas en Blogdecine:

• Sevilla Festival de Cine Europeo 09: ‘La cinta blanca’, el mejor Haneke

• ‘La cinta blanca’, la perversidad del alma

Sin más, la lista de las mejores películas del 2009. Feliz año nuevo.

10.- ‘The Visitor’

Vosotros los lectores la elegisteis como la película sorpresa del año, y no es para menos. Richard Jenkins ofrece todo un recital de interpretación, merecedor de todos los premios posibles, aunque como siempre la Academia premiando lo que está de moda, o yendo a lo seguro. Sutileza y sencillez para una emotiva historia sobre la injusticia de la justicia, logrando una apología de la amistad, a través del entendimiento entre distintas culturas usando como filtro la pasión por la música. Crítica aquí.

9.- ‘District 9’

Que esté de novena en mi lista personal es toda una agradable coincidencia. Otra de las sorpresas del difunto 2009, auspiciada por el olfato de Peter Jackson, que dio la oportunidad a Neill Blomkamp de convertir en largometraje una idea genial ya plasmada en un corto. La convivencia entre aliens y seres humanos, con claras referencias al apartheid. Vigorosa, con excelentes secuencias de acción, es hasta original en los tiempos que corren. Toda una aventura que habla de la búsqueda de la propia identidad, y la demostración palpable de que para hacer una gran película de Sci-Fi —o gran película en general— no se necesitan presupuestos estratosféricos. Crítica aquí.

8.- ‘Si la cosa funciona’

Muchos hablan de un título menor dentro de la filmografía de Woody Allen, y yo pienso que es todo lo contrario. Un ejercicio de revisitación de su propia obra, siendo mucho más optimista que otras veces, y dejando a Larry David convertirse en su alter ego. Sin renunciar a cierta amargura típica en sus films, es una historia llena de momentos hilarantes servidos con inteligencia, y cómo no, ofreciendo interpretaciones geniales de un elenco de actores que en manos de Allen resultan de lo más natural. Crítica aquí.

7.- ‘The Reader’

Stephen Daldry logrando de nuevo filmar una de las mejores películas del año, como ya hiciera con las excelentes ‘Billy Elliot’ (2000) y ‘Las horas’ (2002). Reconocimiento por parte de la Academia para esa gran actriz que siempre ha sido Kate Winslet, en una de sus mejores composiciones, una inculta víctima de su propia ignorancia, que conoce poco a poco el poder del saber, del conocimiento. Dividida en tres partes bien diferenciadas, se trata de una historia de amor imposible, al mismo tiempo que toca temas como el nazismo, o la importancia de los libros como bálsamo. Crítica aquí.

6.- ‘Ponyo en el acantilado’

Nueva demostración del genio de Hayao Miyazaki, probablemente el mejor director de animación vivo —con permiso de John Lasseter y Brad Bird—, quien se adentra otra vez en el mundo de la niñez, a través de una historia de asombrosa sencillez. El amor puro, la defensa de la naturaleza —siempre presente en los films de Miyazaki—, los padres, son temas, algunos de ellos de abierto carácter autobiográfico, que se tratan con una gran capacidad de síntesis. Crítica aquí.

5.- ‘El secreto de sus ojos’

Juan José Campanella llenándose gloria como ya lo había hecho con la magistral ‘El hijo de la novia’, o algunos de los episodios de la maravillosa serie de televisión ‘House’. El amor como leit motiv de todo cuanto acontece en el film, sirviéndose de una historia de cine negro ejemplarmente narrada. De apabullante clasicismo, Campanella no reniega de virtuosismos técnicos que dejan con la boca abierta. Crítica aquí.

4.- ‘Déjame entrar’

Revitalización del mito vampírico protagonizada por dos adolescentes, alejada por fortuna de las memeces de cierta saga monoeuronal. De gélido formalismo visual que hiela la sangre, nunca mejor dicho, se adentra en el mundo de los vampiros desde una perspectiva de cine de autor, sin renunciar a tics comerciales, inteligentemente insertados, adornado todo con una de las historias de amor más arriesgadas de los últimos años. Se cuece un remake en Hollywood que me apuesto lo que sea a que no será ni la mitad de bueno. Crítica aquí.

3.- ‘Despedidas’

Otra de las sorpresas del año, proveniente de Japón, que se alzó con el Oscar a la mejor película extranjera en la última edición de los famosos premios. La historia de búsqueda de un joven violoncelista que por problemas económicos acepta un trabajo en una funeraria, en la que se realizan rituales de despedida a los difuntos. Yôjirô Takita convierte una historia de ribetes tradicionales orientales en algo universal al alcance de todos. Memorable banda sonora de Joe Hisaishi. Crítica aquí.

2.- ‘Up’

La prueba definitiva de que Pixar no hace cine destinado únicamente a los más pequeños de la casa. Tras el mejor prólogo de los últimos 20 años, el último producto de la todopoderosa compañía con John Lasseter al frente, se adentra en una fantástica aventura en la que vejez e infancia se dan la mano. Impresionante equilibrio entre drama —el film aborda de lleno la muerte— y comedia —contiene los mejores gags salidos de la factoría en años—, no da respiro al espectador, al que conduce hasta un inolvidable clímax. Crítica aquí.

1.- ‘Gran Torino’

El mejor director vivo —y por lo tanto uno de los mejores de toda la historia— logra la que probablemente sea la más sencilla de sus obras maestras, todo un ejercicio de revisitación de su propia imagen dentro del séptimo arte. La redención de un amante de las tradiciones de un país al que ya no reconoce, pero para el que aún queda esperanza a través de un joven oriental que conservará la pureza de lo auténtico, gracias a sus enseñanzas. Memorable interpretación de Eastwood, e inolvidable final, logra calar hondo por la sinceridad de su autor, pero ya hablaré más extensamente de ella en el especial dedicado a su director, ése que terminaré un año de éstos.

Se quedan fuera por poco ‘El curioso caso de Benjamin Button’ de David Fincher, ‘El desafío: Frost contra Nixon’ de Ron Howard, ‘Buscando a Eric’ de Ken Loach, y ‘Avatar‘ de James Cameron. Vuestro turno.

Hemos llegado a uno de los momentos clave. Tenéis que elegir la mejor película de 2009. ¿Podréis? Bueno, como bien sabéis, por entradas anteriores, este año no tenéis que seleccionar sólo una candidata. Gracias a las nuevas páginas de producto (que ya sabemos que no son perfectas, todavía), tenéis la opción de valorar con una puntuación del 1 al 10 todas las películas nominadas; de este modo, si no podéis decidiros por una, cabe la posibilidad de votar con la máxima nota a dos o más títulos.

Sólo como recordatorio, os comento que las candidatas son películas que se han estrenado en España durante este año, y tenéis hasta el próximo domingo para votar; a partir de ese día, comenzará el recuento y os iremos diciendo los resultados de las diferentes categorías. Ahora toca la más importante, la de mejor película. Sin más, aquí os dejo la (amplia) lista de nominadas:

• ‘Avatar’ (vota aquí)

• ‘Buscando a Eric’ (vota aquí)

• ‘Déjame entrar’ (vota aquí)

• ‘District 9’ (vota aquí)

• ‘El luchador’ (vota aquí)

• ‘El secreto de sus ojos’ (vota aquí)

• ‘Gran Torino’ (vota aquí)

• ‘Malditos bastardos’ (vota aquí)

• ‘Man on Wire’ (vota aquí)

• ‘Mi nombre es Harvey Milk’ (vota aquí)

• ‘Moon’ (vota aquí)

• ‘Paranoid Park’ (vota aquí)

• ‘Ponyo en el acantilado’ (vota aquí)

• ‘Revolutionary Road’ (vota aquí)

• ‘Slumdog Millionaire’ (vota aquí)

• ‘Up’ (vota aquí)

• ‘Watchmen’ (vota aquí)

PD: Si estáis buscando ‘Dragonball Evolution’ o ‘Luna nueva’, os comento que están en una próxima lista de nominadas a peor película del año. Por si acaso.

A la luz de este acontecimiento, hemos participado en la elaboración de un Manifiesto “En defensa de los derechos fundamentales en internet”, cuyo texto asumimos y apoyamos como el punto de arranque de una oposición crítica a todos los intentos, vengan de parte de quien vengan, de menoscabar los derechos de los ciudadanos y las empresas en internet a favor de unos pocos.

Manifiesto “En defensa de los derechos fundamentales en internet”

Ante la inclusión en el Anteproyecto de Ley de Economía sostenible de modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de internet manifestamos nuestra firme oposición al proyecto, y declaramos que…

1.- Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.

2.- La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial un organismo dependiente del ministerio de Cultura, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.

3.- La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.

4.- La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.

5.- Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.

6.- Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.

7.- Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.

8.- Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.

9.- Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.

10.- En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.

En WeblogsSL | En defensa de los derechos de los ciudadanos en internet

“Mira Danny, puedo soportar las balas, las bombas y la sangre. Y no quiero dinero ni medallas. Lo que quiero es que te cuadres ahí con tu amariconado uniforme blanco y me muestres un poco de jodida cortesía. Pidelo educadamente.”

-Coronel Jessup

El cine de juicios, ese en el que gran parte de la trama se desarrolla dentro de una corte o juzgado, es uno de los sub-géneros más populares que existen. Se situaría dentro del cine de no género, es decir lo que algunos llaman dramas. Pero también puede tener un tono de cine criminal, o melodramático. Existen cientos de casos, algunos célebres y otros plagados de clichés. Y es que ya no resulta fácil, a estas alturas, sustraerse de testigos sorpresa, golpes de efecto manidos y giros de trama mil veces vistos. Pero algunos lo logran, aunque sea basándose en textos teatrales, como es el caso. ‘Algunos hombres buenos’ (Rob Reiner, 1992) podría ser, quizá, una de las películas judiciales más sólidas y perfectas que se han hecho. Y si hablamos del sub-sub-género de los consejos de guerra, tal vez la mejor.

Basada en una exitosa pieza, que arrasó en los escenarios, escrita por el a veces genial Aaron Sorkin, que redactó a su vez el guión, esta película fue una de las pocas en discutirle al ‘Sin Perdón’ de Clint Eastwood el título de mejor película americana del año. Y no es para menos: brillantísimo drama judicial, de soberbia factura, dirigida con mano de hierro por el artesano Rob Reiner, que firma aquí la que es de lejos su mejor obra, después de demostrar su talento en ‘Misery’ o ‘La princesa prometida’, y antes de echar por tierra su buen nombre con cosas como ‘The American President’ o ‘Alex & Emma’.

Un reparto formidable y sin fisuras

En esta película, con una trama tan visualmente estática, tan basada en los diálogos, era imprescindible contar con un grupo de intérpretes solvente y en plenitud, y el reparto supera el desafío con creces. En él brilla con luz propia, como suele suceder cuando le dan papeles de esta potencia, un grandioso Jack Nicholson, que aparece en cuatro secuencias pero da la sensación de no abandonar nunca la pantalla. Su coronel es una lección magistral de interpretación, y a su lado el resto de actores no desfallece ni se sitúa a menor nivel. Incluso una actriz a menudo mediocre, como es Demi Moore, sorprende por su versatilidad y su buena presencia. Junto a ella, el siempre sobrio Kevin Pollak, que por entonces había hecho pocas películas, demuestra por qué siempre ha sido un secundario de renombre.

Pero hay bastantes más. Kevin Bacon, que es un excelente secundario y un mejor principal (aunque pocos le reconocen esto último), borda un papel que sobre el papel presenta pocos matices y escasas posibilidades de lucimiento. Un Kiefer Sutherland de veintiséis años está impresionante como el teniente y lameculos del coronel, tan abyecto como brutal. El tristemente fallecido (por un fulminante ataque al corazón a los 55 años) J.T. Walsh es el perfecto reflejo atormentado del despiadado coronel de Nicholson. Y por ahí también vemos al ahora bastante conocido, y oscarizado, Cuba Gooding Jr., o al siempre agradable y en su papel Noah Wyle, que después de esto triunfó en la ya mítica serie ‘Urgencias’.

Sin embargo, pienso que el verdadero corazón de la película es un deslumbrante Tom Cruise, que venía de protagonizar la flojísima (como no podía ser de otra manera, pues está dirigida por Ron Howard) ‘Un horizonte muy lejano’, y la horrenda (por decir algo suave) ‘Días de trueno’. Aquí Cruise asombra con una de sus tres mejores interpretaciones (sobre otra de ellas hablaremos muy pronto…), la del fanfarrón, brillante y voluntarioso teniente Kaffee, porque Cruise, por entonces, era un actorazo en plenitud absoluta, que aún no había caído en el declive que le produjo el exceso de fama y poder, y que por tanto se preocupaba más de llevar a cabo trabajos sobresalientes, como éste, que de embolsarse millones o de acatar las órdenes de su secta.

Está tan bien Cruise, que sostiene de tú a tú la secuencia con el gran Nicholson, y con entereza absoluta. Tanto es así que no hay diferencia de nivel entre los dos. No hay ni un gesto, ni una réplica ni el menor detalle en su interpretación que no esté controlado férreamente por su instinto y su control absoluto de sus herramientas de actor. Incluso a pesar de su aspecto pulcro de abogado, sabe darle a su personaje una verosimilitud admirable. Mucho más que la que le dio a su otro abogado, Mitch McDeere, en la torpona ‘La tapadera’.

Una historia sobre la dignidad

Reiner dirige con estilo sobrio, sin falsas componendas, pero también sin concesiones, esta historia de orgullo militar, traiciones y dignidad humana. Una historia que tiene como trasfondo la base naval de Guantánamo que los Estados Unidos usan en Cuba para mofarse de los comunistas y del mundo. De modo que no se le puede pedir mayor vigencia, con la vergüenza histórica de los crímenes contra la humanidad allí cometidos en nombre de la Libertad, a esta película en la que los altos mandos del ejército no demuestran el menor escrúpulo de hacer valer su poder contra los más indefensos, y cuando se cometen errores, dejar a los que te sirvieron con valor tirados en el barro. Todo comienza con unos ejercicios militares tan vistosos como inútiles y termina con el arresto de un poderoso militar, pero ¿significa eso que estamos ante un panfleto antimilitarista?

En absoluto. La crítica que subyace bajo la trama es sutil, lo que la convierte en más efectiva. El ejército es tratado con respeto, pero ciertos sujetos reciben lo merecido, mientras otros aprenden lo que significa la arbitrariedad del poder, esa que algunos emplean, en teoría, para defender una nación, cuando en realidad defienden los propios intereses, aunque tengan que machacar al más débil. Tales ideas surgen, con exquisito gusto y sin énfasis, cuando Wainberg (Pollak) protesta porque abusaron del chico más débil de pelotón, lo que le indigna profundamente. Así mismo, no hay la menor alusión al régimen cubano, salvo cuando la ingenua abogada de Moore afirma que ellos defienden cierto muro, idea que pronto es rebatida con sinceridad por Kaffee.

El juicio se desarrolla veloz y sin la menor caída de ritmo (eso que no me cansaré en afirmar, una y otra vez, como la más genuina virtud del verdadero gran cine), los diálogos son certeros y magníficos, con personajes episódicos pero trazados con tiralíneas, en un crescendo admirable que concluye con uno de los diálogos más recordados del cine americano de los noventa, un enfrentamiento verbal que por muchas veces que se presencie pone la carne de gallina: la verdad frente a la hipocresía. Hasta los consabidos testigos sorpresa o giros tramáticos están tratados con singular sentido del destino, como si no pudieran desarrollarse de otra manera.

En suma, toda una joya del cine de juicios, que provoca, a cada nuevo visionado, más y más placer, y que es de obligada visión para todos los amantes (y hay muchos) del buen cine americano.

Es así de sencillo. David Bowie contó una historia mucho más interesante hace años, en menos tiempo y sin aburrir.

No tenía pensado escribir sobre ‘Moon’, película que me ha dejado más bien frío, pero dado que mi compañero Juan Luis Caviaro ha publicado recientemente entrevistas a Duncan Jones, el director, y su protagonista principal, Sam Rockwell, me he animado a intentar recordarla, ya que desaparece a pasos agigantados de mi perturbada mente. También porque la única crítica que hay en Blogdecine es una que la pone por las nubes, muy por debajo de donde se desarrolla, y muy por encima de lo que realmente se merece.

En estos tiempos de montaje acelerado, de confundir espectacularidad con aparatosidad y similares, de cine de rápido consumo, sí es de agradecer que Duncan Jones nos haya servido una obra de ciencia ficción, perdón, ficción científica, perdón, Sci-Fi, con una puesta en escena que tira hacia una sobriedad muy ausente de nuestras pupilas, al menos en este tipo de cine. Pero por eso mismo creo que algunos se han apresurado a tratar esta película como un solplo de aire fresco, como cine adulto, o simplemente como gran cine. Puede que ésas hayan sido las intenciones de Jones, totalmente loables al tratarse de un film de bajo presupuesto, y de pocas pretensiones, curiosamente lo mejor y lo peor de ‘Moon’.

La película se apoya sobre todo en unas calculadas interpretaciones de Sam Rockwell y Kevin Spacey, quien tiene la responsabilidad de prestar su voz al compañero robot del personaje principal, en lo que es una clara referencia a ‘2001’, y también a esa joyita de Douglas Trumbull ‘Naves misteriosas’ (‘Silent Running’, 1972). Y a pesar del tour de force que se marca Rockwell, creo que Spacey le roba el protagonismo con su composición de ese mecánico personaje, del que nunca te puedes fiar. Un cometido mucho más directo y claro que el de los personajes interpretados por Rockwell, en lo que parece una ensalada mental de un guionista con una buena idea, pero de pobre desarrollo.

El hecho de que la sorpresa argumental se desvele tan pronto no debería importar demasiado —al fin y al cabo Jones no pretende coger por sorpresa al espectador con ello—, si al menos todo lo que de ella se desprende estuviera explotado al máximo. Temas tan interesantes como la clonación —ecos de ‘Blade Runner’, la película favorita de mi compañero Adrián Massanet, el Justo—, podría haber dado lugar a interesantes reflexiones sobre la identidad —ecos de ‘Solaris’, la de Tarkovsky, evidentemente—, incluso sobre la existencia en sí, o la soledad. Pero Jones pasa superficialmente por todo ello, a pesar de su correcta puesta en escena, herencia directa de los años 70, década en la que surgieron algunas de las películas más interesantes propuestas de ciencia ficción del cine. Films como ‘Cuando el destino nos alcance’ (‘Soylent Green’, Richard Fleischer, 1973) o la citada ‘Naves misteriosas’ —de urgente reivindicación— son precedentes directos de esta ‘Moon’. Incluso la espléndida ‘Atmósfera cero’ (‘Outland’, Peter Hyams, 1981) tiene su presencia en el film, con homenajes muy directos.

Y he aquí, a mi juicio —¿por qué narices usaré expresiones como ésta, si ya está claro que todo esto es única y exclusivamente mi opinión?— uno de los errores de ‘Moon’. Se trata de una película demasiado referencial, con demasiados homenajes; hasta tal punto que carece casi de identidad propia. Si tales films no existiesen, ‘Moon’ no sería una realidad, y eso es lo peor que le puede pasar al film. Como siempre, no llegan las intenciones, y ‘Moon’, aunque interesante y hasta cierto punto refrescante en el actual panorama cinematográfico, no es memorable, no permanecerá en el recuerdo. La fascinación que produce el espacio merecía mucho más. Eso sí, la acertadísima frase final del film no tiene desperdicio. Toda una declaración de intenciones, una denuncia a la inmensa estupidez del ser humano.

Mucho más no puedo decir, estoy cansado, mi clon ya viene a sustituirme, yo me retiro a mis aposentos a ver como me llueven los insultos por decir la verdad sobre Muse.

Hoy ha fallecido Jacinto Molina, conocido cinematográficamente como Paul Naschy. Si bien no tenemos esa capacidad de adelantarnos de otros medios y no seremos quienes demos este dato a conocer, sí queremos sumarnos a ese pequeño homenaje que se merecen los que dejan huella en la historia y que no consiste más que en comunicar la noticia: aquejado de un cáncer, Naschy ha muerto a los 75 años de edad.

Nacido en 1934, Naschy comenzó a trabajar en cine por afición, porque le gustaban los films de terror que veía como espectador. Entró en el mundillo por las especialidades de producción y dirección y pasó por casi todos los cargos, pero su verdadero sitio estaba delante de las cámaras. Siempre dando rostro al enemigo o al monstruo, era habitualmente comparado con actores extranjeros de papeles similares, como Boris Karloff o Lon Chaney, pero creo que se ha ganado una posición suficiente como para que hablemos de él sin llamarle “El … español”.

Su encarnación más característica fue la del licántropo doctor Waldemar Daninsky, en la saga que comenzó en 1968 con ‘La marca del hombre lobo’. Sus intervenciones como actor casi llegan a la centena, por lo que carecería de sentido comenzar a dar títulos, pero sí se puede mencionar que su fama fue tan internacional que llegó a trabajar en EE. UU. y en Japón. Como director firmó 14 películas, y como guionista, más de 40. Pasado su momento de apogeo, el incansable creador siguió buscando films que pudiesen satisfacer sus criterios, ya que opinaba que el cine de autor que comenzó a hacerse en España en los ’80 no tenía ningún valor.

Aunque su fama se asocia a los films de los años ’60 y ’70, mi último recuerdo suyo es de cuando vi las películas ‘School Killer’, de Carlos Gil, o ‘Rottweiler’, de Brian Yuzna, en las que volvía a ser el malo. Más que papeles, lo que hacía ya en esta época eran cameos. Y las dos cintas mencionadas, más que el terror, podrían despertar la risa o el horror, pero de otro tipo. Para los directores de estos títulos, contar con él suponía rendirle homenaje.

No podemos hablar de un cine de calidad, pues los casi cien productos que ha protagonizado ni siquiera aspiraban a tenerla, sino que se movían bajo el umbral de la serie Z. Pero no se puede negar un aire entrañable a todo lo que rodea estas producciones de terror.

Tal ha sido la importancia de Naschy que en los últimos tiempos había recibido varios reconocimientos, como el premio Karl Laemmle en Washington y la Medalla de Oro de las Bellas Artes. Aquí anunciamos el homenaje que recibió en 2006 en Córdoba, en el Certamen Audiovisual de Cabra, donde también fue miembro del jurado.

En 2007 comunicamos que Carlos Aured —director que había trabajado con Naschy en ocasiones anteriores— rodaba ‘La gaviota’, un proyecto que nunca verá la luz, ya que Aured falleció en febrero de 2008.

Un hombre muy polifacético, Molina también fue levantador de peso, dibujante de tebeos y escritor de novelas.

El 22 de enero se estrena una de sus últimas intervenciones cinematográficas: ‘La herencia Valdemar’, film dirigido por José Luis Alemán, al que pertenece la fotografía que abre esta entrada. En él, Naschy interpretaba a Jervás, un sirviente de la mansión Valdemar en la que, en 1880, se celebraban sesiones de espiritismo. El film, basado en el universo de Lovecraft, comienza en el presente, cuando una tasadora de antigüedades desaparece en esta mansión.

Vía | Naschy.com, entre otros.

Vosotros sois la plaga…y nosotros la cura

-Agente Smith

La ciencia ficción (o, más exactamente, la ficción científica, que es una traducción más exacta y no un anglicismo), cuenta entre su cinematografía con pocas obras excepcionales, quizá porque domeñar sus códigos, su misma esencia, y al mismo tiempo crear algo original, personal, es algo extremadamente difícil, que muy pocos grandes artistas han podido convertir en algo único. Ahora bien, maravillas como ‘Hijos de los hombres’, ‘The Terminator’, ‘El planeta de los simios’, ‘Stalker’, ‘Metrópolis’ o ‘Soylent Green’ demuestran hasta donde puede llegar esta forma de poesía en su función de radiografía del presente y en la de profetizar el futuro.

Quizá sea necesario estar hecho de una pasta especial, además de la vasta cultura y observación analítica para cuajar un gran título de ficción científica. También creo que es necesaria una honradez a prueba de divismos y de búsquedas de éxitos económicos, y una gran dignidad artística para ir hasta el final. Dudo mucho que los ínclitos hermanos Wachowski reúnan ni una sola de estas condiciones, sino más bien algunas otras, directamente opuestas.

Realidades alternativas y profecías

Resulta muy interesante constatar hasta qué punto todos los relatos estructurados según la convención de “la búsqueda del héroe” repiten un cierto esquema hasta la saciedad. Esquema que tan solo un talento como George Lucas pudo fusionar con gran belleza en la fundacional ‘Star Wars’, y que en 1999 fue transcrito con algunas ideas interesantes por los proverbiales hermanos en un guión con bastantes posibilidades, recurriendo, eso sí, al clásico cuento de realidades alternativas. Pero vamos por partes.

La cosa empieza bastante bien, aunque tampoco sea nada excepcional. Una fugitiva de la justicia, aparentemente, es acorralada por la policía en un edificio, y después perseguida por los agentes, y por unos individuos con el aspecto clásico de pertenecer al FBI (aunque pronto veremos que esto no es así). Tras una persecución no demasiado lograda, aunque digna, por varias azoteas, la chica realiza un salto imposible entre dos edificios, para después lanzarse, casi volando, por una ventana. Uno de los supuestos federales realiza un salto similar para alcanzarla. La secuencia termina con la chica desapareciendo en el último segundo antes de ser aplastada por un camión (conducido, claro, por estos supuestos federales), mientras intenta “escapar” efectuando una llamada telefónica.

Digamos que este arranque promete una atmósfera, unos códigos y un frenesí que nos mantiene atentos a lo que sucede, a ver a dónde nos llevan los directores. El siguiente bloque es bastante peor. Nos presentan a una especie de hacker que durante el día tiene un puesto en una empresa informática. Neo (anagrama facilón de One, el único o elegido) está interpretado con absoluta falta de recursos por el paupérrimo actor Keanu Reeves. La cosa empieza a hacer aguas. Desde su aparición, es completamente imposible experimentar la mínima empatía por este individuo. Pero le vemos encontrarse con Trinity (una desaprovechada Carrie Anne-Moss, una actriz casi siempre muy interesante), tras un guiño al cuento de Lewis Carroll “Alicia en el país de las maravillas” (esos guiños se irán sucediendo durante la primera parte de la película). En su oficina, tiene lugar la primera secuencia absurda de una película que, incomprensiblemente, patina con la desidia de los cuentos mal armados: un tal Morfeo, al que Neo no conoce, le llama a su oficina y le insta a salir de allí porque sabe que vienen a buscarle. Neo, de manera risible, se pone en tensión tras escuchar las advertencias de un desconocido y hasta llega a intentar hacerle caso, saltando del edificio.

Soy consciente de que esto representa una primera prueba de fe para Neo, en teoría el elegido de una profecía que asegura que él salvará el mundo. Y también que, al fracasar (como Luke en Dagobah) comienza su aprendizaje hacia la comprensión de sus capacidades. Pero mientras Skywalker (interpretado con gran convicción por el siempre denostado Mark Hamill) queda creíble cayendo en sus miedos y sufriendo un doloroso fracaso, Neo, por una mala escritura y una peor dirección, queda ridículo, imposible de creer.

Regresa un personaje bastante interesante, el agente Smith, interpretado con gran fuerza por un estupendo Hugo Weaving (sin duda entre lo mejor de la película) para intentar adherirse a Neo, a lo que el elegido se niega. Detalles como este indican que los hermanos W. iban escribiendo sobre la marcha, pues guarda poca coherencia argumental que Smith intente primero ganarse a Neo, para luego pasarse tres películas buscando la forma de destruirle, más aún cuando incluso es capaz de borrarle para siempre la memoria.

Pero Neo tiene un destino y Morfeo (un inaguantable, pasadísimo, risible, Lawrence Fishburne, que a menudo demuestra su talento, no aquí) logra “despertarle”. En una secuencia bastante bien escrita, le saca de su hibernación, por así llamarla, y le explica la cruda realidad. Con la famosa frase “bienvenido al mundo de lo real”, concluye la primera parte, que pese a sus defectos, es bastante interesante. Los W establecen un tono y una atmósfera (con sus luces y sus sombras) y se disponen, una vez establecidos los cimientos, a culminar la historia.

Un desarrollo de autocomplacientes aficionados

El problema es que, a partir de aquí, lo (poco) que se había conseguido se echa a perder. Creo, sinceramente, que este mundo es en verdad una suave apariencia, que puede desmoronarse con un poco de esfuerzo y mucho coraje. Por eso me gustan las historias que indagan acerca de la mentira del mundo en que vivimos, sea en clave metafórica o directamente gráfica. Pero para cuando Neo acude a visitar al Oráculo, se han abandonado de forma incomprensible los rasgos científicos, para abrazar sin pudor los fantásticos.

Existen renombrados filósofos que han encontrado ideas de incontestable resonancia en el pequeño bloque que tiene al Oráculo (interpretado por la fallecida Gloria Foster) como protagonista. Yo debo ser lelo, o de necesitar una lobotomía, porque no encuentro nada de especial en él. La robusta mujer negra examina los ojos y la boca de Neo, llega a la conclusión de que no es el Elegido (luego sabremos que es un truco suyo para demostrarle que sí lo es…) y, finalmente, deja caer una advertencia: “vas a tener que elegir”. Y coloca a Morfeo en una mano y su propia vida en la otra. Sólo uno se salvará. Podría ser emocionante si Neo fuera ese héroe compasivo que nunca es, entre otras cosas por la incapacidad, ya citada, de Reeves para otorgar a su personaje algo más que un peinado molón.

Efectivamente, llegan los agentes, capitaneados por el brutal Smith, cogen a Morfeo (que se sacrifica porque cree en Neo) y se lo llevan. El último bloque de la película consiste en el inevitable intento de rescatar a Morfeo por parte de Trinity y Neo, un intento de crescendo más basado en el despilfarro de balas y destrucción que en auténtica capacidad de tensión y frenesí narrativos. Como no podía ser de otra manera, rescatan a Morfeo, y como no podía ser de otra manera, Neo se enfrenta a su destino y descubre su verdadera naturaleza.

No voy a profundizar, una vez más, en que Neo es un personaje que me parece falto de todo interés. Podríamos hablar, llegados a este punto, del punto de vista inherente a dos personalidades artísticas tan cuestionables como los Wachoswki. A fin de cuentas, en el arte, lo bueno es que puedes (y debes) ponerte en el lugar del artista. Me voy a permitir la licencia de hacerlo con algo de sorna, pidiendo perdón por adelantado: “somos Andy y Larry Wachowski, queremos forrarnos de pasta y hacer alucinar al espectador, de modo que vamos a plagiar esa idea de que las máquinas toman el control de la Tierra (que vimos en ‘The Terminator’), mezclada con una fusión de teorías mesiánicas y cultura cyber-punk, y vamos a triunfar”.

Puede parecer exagerado lo que digo, pero si estamos hablando de la destrucción de la humanidad, parece un tono descaradamente frívolo coger a tus personajes, unos luchadores que se sacrifican para que la raza siga adelante, y ponerles una ropa y un aspecto super cool, y unos movimientos de combate tan chulos, y unas frases tan forzadamente poéticas (algunas ridículas: “lo que te ha dicho es para tí...y sólo para tí”). Sobre todo, finalmente, queda un desarrollo de aficionado, que alimenta la idea de improvisación en la escritura y de soluciones incoherentes en la puesta en escena. Fijémonos bien en su endeble andamiaje: presentación, liberación de Neo, entrenamiento de Neo, encuentro con el Oráculo, salvación de Morfeo y revelación de Neo. No hay más. Y de todo ello, lo mejor la liberación de Neo.

Conclusión: floja acción, tristes continuaciones

¿Es este la gran acción que tantos defienden? A mí me parece una planificación digna de un videojuego de Play Station 2. Además, si el espectador se fija, resulta que Reeves es el intérprete menos adecuado para hacer acción. Quizá por sus múltiples accidentes de moto (porque en ‘Point Break’ no le pasa lo mismo), el caso es que Reeves es incapaz de mover el cuello. No bromeo. Presten atención. Corra, salte o se gire, su cuello permanece en la misma posición. Este lamentable actor no puede ni hacer creíble una patada. Sin comentarios.

En cuanto a las dos partes que siguieron a este éxito de taquilla, he de reconocer, no sin vergüenza, que jamás he podido verlas completas sin caer dormido, aunque esto fuera a las dos de la tarde. Prometo volver a intentarlo, para completar mi apreciación sobre la “obra magna” de los ínclitos hermanos W.