Ahora que se aproxima la noche de Halloween, costumbre cada vez más extendida por todo el mundo, es buen momento para hacer un repaso al cine de terror. En la actualidad está viviendo un momento dulce, con títulos que están copando las carteleras y que, en muchos casos, con resultados más que decentes.

Voy a repasar un top ten con todas las dificultades y limitaciones que ello conlleva. Muchas se quedan fuera inmerecidamente, pero a la hora de escoger entre diez películas de terror de toda la historia, la decisión viene dada por el buen recuerdo, la experiencia vivida con su visionado y por cierta afinidad con sus creadores o intérpretes. Vamos a recordar algunos momentos terroríficos (sin orden de preferencia).

• ‘Phantasm’ (1979)

Solo la vi una vez (en VHS) y siendo muy joven, pero el recuerdo de algunas escenas aún perdura en mi cabeza. Quizás esta cinta dirigida por Don Coscarelli no sea una de las más reputadas dentro del género, pero si que contiene momentos realmente terroríficos y es de las que no quiero volver a ver para no perder ese ¿buen? recuerdo. Tiene un aire desconcertante, con muchos tópicos del género pero con un horror sobrenatural muy hábil y es difícil no asustarse con esas bolas metálicas que me provocaron más de una pesadilla.

• ‘La última casa a la izquierda’ (‘The Last House on the Left’, 1972)

Wes Craven logró hacerse un nombre en el género de terror con este título. Esta cinta contiene escenas realmente impactantes y de gran dureza. Es una verdadera pesadilla en forma de venganza sangrienta, quizás peca de falta de ritmo, pero su estética setentera y su auténtica serie B también me encandilaron hace muchos años. Otra de las que no he querido volver a ver (y menos el reciente remake) y que me provocó algún susto inolvidable.

• ‘El pueblo de los malditos’ (‘Village of the Dammed’, 1960)

El uso de niños para provocar pánico en el cine de terror ha tenido muchos capítulos ilustres, pero un destacado hueco tiene esta cinta protagonizada por George Sanders. Un grupo de pequeños niños con poderes mentales que anda fastidiando a toda la comunidad de una pequeña población. Su mirada y su actitud desconcertante provocan auténtico pánico. Vista hoy día, quizás pierda mucha de su eficacia, pero no se puede negar que con un planteamiento tan sencillo resulta muy efectiva.

• ‘Carrie’ (1976)

Gran acierto de Brian de Palma con esta historia ingeniada por Stephen King en una novela del mismo nombre, y quizás una las mejores traslaciones de sus obras literarias a la gran pantalla. Sabe transmitir ese sentimiento inquietante, gracias a un gran trabajo de Sissy Spacek con una joven con telequinesia y que lleva a cabo su particular venganza contra los que se burlaban de ella. Inolvidable la escena del baile de graduación. Estremecedora.

• ‘Al final de la escalera’ (‘The Changeling’, 1980)

Todo un clásico en la década de los ochenta, este título protagonizado por el inolvidable George C. Scott con casa encantada incluida. Contiene elementos visuales prodigiosos y un terror muy bien dosificado, con un suspense sensacional, generando la suficiente inquietud para que la película sea realmente entretenida. Muy bien narrada por Peter Medak y con un trabajo soberbio de Scott.

• ‘La profecía’ (‘The Omen’, 1976)

Parece que tengo una especial predilección por esta década con el género de terror, pero ciertamente fue una época fructífera y que dejó grandes títulos. ‘La profecía’ es una de ellas y fue un gran éxito que tuvo sus posteriores secuelas, algo habitual. Otro niño con cara de ángel, que con su sola mirada logra inquietar al más frío. Un guión magnífico, bien construido y que Richard Donner supo aprovechar a la perfección.

• ‘La noche de Halloween’ (‘John Carpenter’s Halloween’, 1978)

Primera y más auténtica aparición de Michael Myers, uno de esos asesinos clásicos que ha dado el género. Carpenter se lució con esta cinta, contando con la inestimable participación de Jamie Lee Curtis y Donald Pleasence que aportaron mucho para lograr que esta película consiguiera transmitir verdadero horror. Fue un fenómeno en la época (de ahí su consiguiente saga interminable) y no es para menos, puesto que con un presupuesto pobre se logró que un psyco-killer como Myers fuera un reclamo tan poderoso. El suspense y el ritmo son sus mejores armas para lograr que la película, que evidencia su falta de recursos, funcione.

• ‘El cuervo’ (The Raven’, 1963)

No podía olvidarme del maestro Roger Corman. Un genio que gastaba lo mínimo pero que dejaba su entusiasmo a la hora de plasmar historias fantásticas y de terror como esta. Con un reparto de cinco estrellas (Vincent Price, Peter Lorre, Boris Karloff, Jack Nicholson) consigue una historia muy de su estilo, con decorados barrocos, un tono decadente y buenas dosis de humor. Pura y auténtica serie B.

• ‘La cosa’ (‘The Thing’, 1982)

De nuevo Carpenter dio en el clavo con esta historia claustrofóbica ambientada en la Antártida, con unos investigadores (Kurt Russell de protagonista) que se enfrentan a algo misterioso que provoca verdadero terror. Está narrada con maestría, con insipiración y cuenta con unos efectos especiales nada desdeñables para una producción así. De verdad que su eficaz suspense y su asfixiante trama la convierten en un gran clásico.

• ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960)

Dudaba mucho en incluir a esta película de Hitchcock en el top, pero creo que le tengo especial afecto y no podía excluirla. Poco nuevo se puede decir de una obra maestra así, con escenas cumbre del género en la historia del cine y con un personaje tan mítico como el interpretado por Anthony Perkins. Y reivindico la banda sonora del absoluto genio Bernard Herrmann como una de las más sobresalientes. Menos mal que logró convencer a Alfred de incluir su música en la famosa escena de la ducha. A la postre fue una de las mejores decisiones que se tomaron. Hasta el tráiler es de culto:

Por cierto, ahora que se aproxima ‘Paranormal Activity’, ¿será un título que permanezca en la memoria? (en cuanto a cifras, seguro).

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas de gángsteres de los últimos años
• Mis películas de zombis favoritas

• Mis películas bíblicas inolvidables

Hablamos de 1991 y ‘El silencio de los corderos’. Un Anthony Hopkins inconmensurable que se puso en la piel del doctor Lecter, un personaje que creó el novelista Thomas Harris, y que perdurará inolvidable gracias al trabajo del actor británico.

El acierto de este thriller fue retratar a un villano de una forma cruda, dándole más protagonismo y atrapando al espectador con su fascinante personalidad, gracias a una acertada realización y al trabajo soberbio de Hopkins. Un personaje confinado en una celda de máxima seguridad pero que se las ingenia para generar verdaderas pesadillas sin apenas pestañear o moverse. Capaz de introducirse en el alma de Clarice, la agente del FBI interpretada por Jodie Foster, y removerle su conciencia.

Su ritmo pausado, su mirada profunda, sus gestos inquietantes, son sus principales armas y hacen de Hannibal Lecter un psicópata que causa verdadero pánico. También resulta especialmente llamativo los contrastes de su personalidad, como definía al comienzo. Un tipo que es un eminente psiquiatra, a la vez que un genio y amante del arte (y también de la gastronomía “exquisita”), pero capaz de acometer las atrocidades humanas más horribles. Comerse a sus víctimas. Un canibalismo despreciable que él convierte en una desviación humana justificada. Cínico y manipulador, el doctor Lecter no aparenta ser un malvado a primera vista. Su carácter de villano se encuentra escondido en lo más profundo de su interior, aunque cuando necesita urdir su fuga, no duda en sacar a luz toda su brutalidad y despiadado comportamiento.

Su erudición no justifica su sociopatía, y Lecter se convierte en uno de los asesinos mejor retratados en la historia del cine (si obviamos el resto de títulos de la saga que no llegan a la altura de ‘El silencio de los corderos’).

Resulta fascinante cómo consigue desentrañar a otro asesino, motivo por el que Clarice Starling se entrevista con él, y con la facilidad con la que lo hace. Una nueva muestra de su doble vertiente: gran psicólogo pero con un lado asesino especialmente desarrollado (como se aprecia en la gran escena del primer encuentro entre Clarice y Lecter).

Un villano de culto al que dio vida Anthony Hopkins y que, a pesar de tratarse de un personaje repulsivo, la mirada del realizador encierra una clara atracción que se transmite en esos cuidados primeros planos del actor. Esa misma atracción que nace en Clarice, y que se transmite al espectador. Es por eso que el retrato de Lecter resulta tan inquietante. Un gran trabajo que supuso un giro a la hora de mostrar a un asesino en serie en el cine y que se ha convertido en un clásico, con un malvado inolvidable.

Otros de mis villanos favoritos:

• Jack Torrance (‘El resplandor’)
• El capitán Vidal (‘El laberinto del fauno’)
• Catherine Tramell (‘Instinto Básico’)
• The Terminator (‘Terminator’)

• Annie Wilkes (‘Misery’)

En Blogdecine:

• ‘El silencio de los corderos’, la mente del dragón (I)

• ‘El silencio de los corderos’, la mente del dragón (y II)

Eso es muy cruel, Oskar. Les estás dando esperanza. No deberías hacerlo. Eso es muy cruel.

- Among Goeth

Después de ese tríptico terrible conformado por ‘Always’, ‘Hook’ y ‘Parque Jurásico’ (la primera muy cuestionable, la segunda lamentable, y la tercera flojísima), que tanto ha contribuido, en mi opinión, a rebajar la altura artística de la carrera de Steven Spielberg, llega un título clave en su filmografía, que él no tiene reparo en afirmar que es la más importante de todas las que ha hecho, mientras que por ejemplo considera ‘E.T.’ como la más personal.

Yo no estoy por la labor de llevarle la contraria. Quizá sea la más importante que ha hecho, aunque puede que también por razones que a lo mejor él no considera, como redimirle de varios años muy poco interesantes. No creo que ‘La lista de Schindler’ sea, ni mucho menos, esa obra grandiosa que muchos han proclamado, aunque está claro que es una película formidable a la que algunos defectos absurdos (y que además, convierten la práctica de la crítica cinematográfica en un ejercicio arduo de llevar a cabo) impiden una perfección absoluta que se insinúa en muchos momentos.

Un proyecto complicado

Y lo cierto es que es un proyecto que pasó por bastantes manos antes de llegar definitivamente a las suyas. Cineastas del calibre de Roman Polanski, Martin Scorsese o Billy Wilder, nada menos, pudieron haberla dirigido antes que él. El primero lo rechazó por motivos personales, el segundo intercambió proyecto con Spielberg (que iba a dirigir el remake de ‘El cabo del miedo’...), y el tercero intentó hacerse con los derechos, pero en el último momento los perdió en favor de Spielberg, cuando podría haberse convertido en el testamento del maestro austríaco, cuya madre fue asesinada en Auschwitz.

En cualquier caso, resulta apasionante la identificación que Spielberg experimenta por su protagonista, Schindler, y por el interpretado por Ben Kingsley, el contable Itzhak Stern. La notoria y en cierto modo célebre (aunque no fue la única de estas características, por supuesto, y hubo otros casos en los que se salvaron a un mayor número de judíos) historia del controvertido hombre de negocios Oskar Schindler, fue descrita de manera admirable en la novela homónima de Thomas Keneally, que Steven Zaillian, un consumado guionista, convirtió en un libreto también admirable, quizá el mejor que ha tenido Spielberg en muchos años.

El cineasta tomó la decisión, incontrovertible, de filmar en blanco y negro (exceptuando su prólogo y su epílogo), decisión que como se puede apreciar por su imagen, es acertadísima, aunque muchos temían que se pudiera acusar al director de pretencioso por ello. Pero es inimaginable esta película filmada en color, aunque se le hubiese aplicado algún tipo de decolorado, o hubieran decidido emplear una luz fría y siniestra. El blanco y negro era obligado, y en su primera colaboración con su ahora operador habitual Janusz Kaminsky (que aquí firma, de lejos, el mejor trabajo de su vida), consigue una fusión creativa total, para una imagen en verdad sublime.

Para el papel de Schindler, Spielberg contrató a Liam Neeson, y podemos afirmar que la decisión fue acertadísima. Neeson encarna al moralmente equívoco Schindler con una fuerza y una verosimilitud en verdad impresionantes y conmovedoras. Pero todo el reparto está a la misma altura. Fiennes interpreta al despiadado Amon Goeth con similar perfección. Kingsley, uno de los actores más completos de su generación, borda a su contable judío sin apenas mover una ceja. Y así todos y cada uno de los muchos intérpretes, protagonistas o episódicos. Cuando se supo que Spielberg había comenzado a filmar la película, muchas fueron las voces que demostraron su escepticismo. Supongo que muchas de ellas se acallaron cuando, al ver finalmente la película, observaron solamente el esfuerzo de Spielberg en la dirección de actores. Pero claro, hay muchos detalles más que señalar.

Complejo y contradictorio antihéroe

El tema de este relato, con el trasfondo del genocidio nazi, es por supuesto el viaje de Schindler desde el cinismo ilimitado de un hombre de negocios implacable y astuto, hasta la compasión absoluta experimentada como catarsis y transformación final. Y este largo viaje es entendido por Spielberg como una peripecia de redención a través de un dolor brutal, sin apenas esperanza. El horror visto muchas veces de frente, con la mirada limpia de un niño asombrado por la capacidad de destrucción y crueldad del ser humano. ¿Y como presenta a este anti-héroe? Es interesante observar que primero vemos sus manos, como hiciera con Indiana Jones, para después armar una magnífica secuencia en la que nos percatamos del poder de persuasión de este arribista sin escrúpulos.

En esta larga secuencia, filmada con maestría, se describe con qué habilidad Oskar se hace amigo de los principales mandos nazis para conseguir lo que se propone: salir de la ruina y forrarse con la guerra. Los azules ojos de Neeson son la viva imagen de la ambición, y en su relación con los hombres de negocios judíos (comiunidad a la que Spielberg no se resiste a criticar por su ánimo de lucro y la cobardía de algunos de ellos) comienza a gestarse su futuro destino.

Pero lo que va a vertebrar este relato son dos relaciones apasionantes, las que unen a Oskar con Itzhak Stern y Amon Goeth, respectivamente la luz y la oscuridad, que curiosamente van a extraer de Oskar lo opuesto a lo que representan. Oskar actúa como un espejo invertido ante ellos: la natural bondad del contable provoca mezquindad y displicencia en Schindler, mientras que la suprema abyección de Goeth (posiblemente uno de los personajes más repulsivos y repugnantes de la entera historia del cine) termina por sacar el lado más compasivo de este hombre tan fascinante y dual.

Schindler, poco a poco, va comprendiendo el momento histórico en el que vive, y la capacidad de ayudar de los judíos de la que goza por su privilegiada posición. Será capaz, por tanto, de pactar con el diablo (porque Goeth es el Mal Supremo), infinidad de veces, sacando partido de él, aprovechándose de su amistad, y aprendiendo a la vez a respetar el estoicismo y la serenidad de Stern.

Rasgos estilísticos

Después de tres películas de las que extraer rasgos estilísticos supone un dolor de cabeza, quizá porque no existían, ‘La lista de Schindler’ ofrece material abundante sobre el que escribir. Sin extendernos demasiado, para no hacer este capítulo demasiado largo, primero: decir que es evidente la gran autoexigencia que Spielberg demuestra durante toda la película. Y segundo: que esta historia es, incontestablemente, un verdadero “jardín”. Es decir, que el director se la juega, y de qué forma, llevando a cabo este proyecto.

Ahora bien, y después de dejar claro lo que opino de estos puntos, ‘La lista de Schindler’ queda, bajo mi punto de vista, por debajo de maravillas como ‘Shoah’ o ‘El pianista’. Por la sencilla razón de que el camino que se traza a sí mismo, Spielberg no es capaz de seguirlo durante toda la película. Me explico. Influenciado o inspirado de manera directa por las imágenes de la época y por películas como ‘Alemania, año cero’ (Roberto Rossellini, 1948), muy superior también a ésta, el director navega tanto por las aguas del melodrama histórico como por las del drama realista, y en ocasiones su barco zozobra, aunque nunca llegue a naufragar.

Visualmente alterna de manera brillante una narración cercana al documental de época (reforzado por un empleo soberbio de la cámara en mano), con una puesta en escena más clásica, aunque igualmente fluida, con un gran sentido de la atmósfera y un ritmo que no decae jamás. Y no le tiembla el pulso, narrando con una convicción inusitada esta progresión de atrocidades. Sin embargo, a medida que avanza el relato, estilísticamente sufre incoherencias y su mirada se resiente de ello. Para entendernos: esta historia nos acerca a las vidas de Schindler y sus empleados judíos, salpicada por momentos de horror, pero no siempre Spielberg está a la altura moral y estética de lo que narra.

Un ejemplo: un judío manco de avanzada edad es ejecutado por los nazis, y poco después de ello, Spielberg regresa al cadáver, aún con los ojos abiertos, y su cámara se aleja junto con la sangre. Es innecesario, tendencioso, y manipulador en extremo, tomando esa decisión. Sin embargo, muy poco después, Goeth manda ejecutar a la capataz judía que avisa de los malos cimientos de un futuro edificio. Ahí Spielberg es frío y despiadado, no hay un plano contemplativo o especulativo, sino la pura verdad, un balazo despiadado que nos pone la carne de gallina.

Más ejemplos: en la larga y escalofriante matanza del gueto, Spielberg alterna lo sublime (el plano de la anciana caminando por calle, adelantada por un grupo de furiosos nazis; el rosselliniano momento de la ingesta de objetos de valor) con lo vulgar y facilón (el nazi pianista tocando, mientras suenan los disparos y se ilumina el edificio con intermitencia). Y en cuanto al famoso y polémico momento de la niña vestida de rojo, creo que es una figura burda con la que Spielberg quería construir una metáfora entrañable del genocidio (el rojo quizá simbolizando la sangre derramada, como si fuera necesario simbolizar nada, el rostro espantado de una niña por cierto preciosa simbolizando la pérdida total de humanidad de los nazis) pero que resulta ñoño y tosco, y que rebaja la altura de esta escena.

Dos secuencias, eso sí, en las que Spielberg enseña el horror sin falsas componendas: la cremación de los cadáveres exhumados, y el paseo de las mujeres por el infierno en la tierra que fue Auschwitz. Ambos pueden ser los dos mejores y más escalofriantes momentos filmados jamás por Spielberg. Es conmocionador observar al nazi disparando a la pira de cadáveres (uno de los planos más desoladores que recuerdo haber visto en un cine), y es terrorífica la recreación del más famoso y siniestro lugar del siglo XX. Pero no siempre Spielberg mira al horror con semejante aplomo. Y el epílogo me parece, de nuevo innecesario, así como la caída en el sentimentalismo de ver llorar a Schindler en su despedida a sus empleados.

Conclusión

Una gran película, que roza con los dedos muchas veces la maestría, pero que no la atrapa a manos llenas. Spielberg recupera el talento perdido, o aguado, de sus realizaciones previas, y filma, junto con ‘Tiburón’, ‘E.T.’, y ‘La última cruzada’, una de sus películas más completas y conmovedoras. Se echa en falta, eso sí, una mayor cohesión estilística. Spielberg no es Rossellini, Polanski o Lanzmann, pero vuelve a ser Spielberg. La colección de barbaridades nazis en ocasiones es manipuladora, pero también en otras respira una verdad incontrovertible.

Scarlett Johansson es muy guapa, para qué vamos a engañarnos. No es el suyo un rostro fácil o típico, más bien al contrario. Hay quien dice que no es guapa, sino que resulta tremendamente atractiva a cámara. Pero además de guapa, es una mujer, y ella lo sabe muy bien, de explosiva sensualidad, que ha sabido explotar en algunas películas y en muchísimos actos públicos, a los que acude a veces resaltando su voluptuoso cuerpo, y casi siempre con un vestuario que le otorga algunos años más de los que verdaderamente tiene.

Estas dos características pueden fluctuar dependiendo de la película o el momento en que la retraten las cámaras, pero hay un consenso generalizado. Y creo que ahora mismo, son las únicas razones que justifican la gran fama mundial de una actriz que, en mi opinión, lleva demasiados años viviendo de las rentas. Sí, es cierto, no hay muchos papeles femeninos importantes en el cine, pero si ella no los consigue, no creo que haya muchas más que lo puedan hacer. ¿Qué fue de la virtuosa joven de mirada de ángel que nos subyugó a finales de los años noventa?

De Niña Actriz a Diva Erótica

Scarlett siempre supo que quería ser actriz. Dicen que desde los tres años, para asombro de sus amorosos padres. Y consiguió debutar profesionalmente a la temprana edad de ocho años. Pero fue en el teatro, y ella lo que quería era convertirse en una estrella de cine. A los nueve años llegó su primera película, dirigida por Rob Reiner, ‘North’, y la cosa fue bien a pesar de su temprana edad, pero durante algunos años tuvo que aceptar prácticamente cualquier cosa. A fin de cuentas era una niña actriz. Sin embargo tuvo la suerte de que un señor llamado Robert Redford se fijara en ella para un importantísimo papel en su quinta película como director.

‘El hombre que susurraba a los caballos’ no sólo es la mejor película de Robert Redford, sino que es una gran película. Y en ella Scarlett Johansson, con 14 años, borda la primera de las tres mejores interpretaciones de su ya larga carrera. Que con esa edad, y con tan poca experiencia, fuera capaz de sostenerse, de tú a tú, con el veterano Redford y con la maravillosa Kristin Scott Thomas, es una hazaña que quizá a simple vista no lo parezca. Pero más allá de eso, creo que la mejor de ese doloroso triángulo es precisamente Johansson, que sin apenas interpretar, tan solo con su mirada y su presencia, enamora al espectador.

A continuación pudo participar, en 2001, en sendas películas independientes, la absurda ‘El hombre que nunca estuvo allí’ y la irreverente y tierna ‘Ghost World’, aunque no había nada en esos pequeños papeles que aportaran algo a su carrera. Pero el 2003 iba a ser su año. En él verían la luz ‘Lost in Translation’ y ‘La joven de la perla’. Ese fue el inicio de su madurez como actriz, ya convertida en una bella muchacha de 18 años de enigmático rostro. La segunda era una preciosa pieza de época que explotaba el rostro casi mudo y anhelante de una etérea Johansson, en un papel perfecto para ella.

Pero, como habrá supuesto el lector, la de ‘Lost in Translation’ me parece la segunda de sus tres grandes interpretaciones. Se trataba de una aventura emocional de tremenda elegancia que buceaba en las posibilidades de un amor apasionado…pero casto, entre un hombre maduro y una jovencita. Un papel nada fácil, por mucho que se empeñen los numerosos detractores de esta cinta. En esta película Johansson era un dechado de belleza, de verdad, de sinceridad, de dulzura. Incluso aquellos a los que les gustó la película elogiaban su arrolladora, pero delicada, presencia.

Y finalmente, tras un año, 2004, repleto de proyectos intrascendentes, llegó en 2005 la mejor película que Woody Allen había dirigido en diez años, la magnífica ‘Match Point’, para la que Johansson interpretó un maravilloso papel, que iba a exigir de toda su habilidad. Y salió triunfante con creces. En este intenso relato de sexo y crimen, formaba una pareja explosiva con Jonathan Rhys Meyers. Ambos forman una de las parejas más apasionantes del cine moderno.

Con estas tres interpretaciones (de niña herida, de adolescente desorientada y de muchacha perdedora pero sensual), Johansson había demostrado talento y versatilidad, justo lo que le está faltando desde entonces. Además, hacían olvidar las pobres elecciones entre ellas. Ahora bien, el rápido aprendizaje como diva mundial ha ido acompañado de un rápido declive en la elección de sus papeles. Hablando en plata, la preciosa niña se ha convertido en una estrella mundial y en una diva erótica, y ha descuidado completamente su carrera.

Un rápido declive

Digamos que ya no es una niña, y tres papeles buenos entre dos docenas largas de trabajos no sostienen una carrera que se anunciaba tremendamente interesante. Desde ‘Match Point’, esta sensual actriz se ha estancado completamente. Sus dos siguientes papeles con Allen, no son sólo inferiores al primero, sino que está horrible (y muy poco atractiva en ambas, todo sea dicho). En ‘Scoop’ se limita a imitar al anciano director, y en ‘Vicky Cristina Barcelona’ está literalmente espantosa, muy poco creíble y sin la menor chispa.

Tampoco dos papeles que debieron ser importantes le han reportado nada. En la extraña ‘La dalia negra’ se limita a lucir tipazo. Exactamente igual que en la también extraña ‘The Prestige’. De pronto, una promesa del cine independiente, una actriz brillante, se convertía en una mera tía buena sin frase, en otra rubia en papeles postizos. No, sólo podía ser un espejismo. Pero después han llegado ‘The Spirit’ y ‘Las hermanas Bolena’, en las que confirmó que, si se empeñaba, era definitivamente una mala actriz. Eso sí, en ambas sale guapísima.

¿Y el futuro? Suena prometedor: ...será la Viuda Negra en ‘Iron Man 2’ (cuya primera parte aún no comprendo cómo hay gente que la considera una buena película). Es decir, otro papel para lucir tipazo, engrosar su cuenta corriente, y jugar a ser estrella de cine, y que pongan su foto en revistas y blogs para ganar ventas y lecturas. Sin embargo, lo que algunos queremos, es que vuelva esa maravillosa actriz que nos enamoró hace años. Todavía no es tarde. A fin de cuentas…¡sólo tiene 25 años! No será tan díficil…digo yo…

He aquí una lista de los diez operadores que considero más en forma en el cine actual, muchos de los cuales seguro que serán del dominio público de todos:

• Emmanuel Lubezki

Este mexicano de 44 años (en el centro, en la foto, rodeado de Clive Owen y Alfonso Cuarón) es considerado uno de los maestros de la cinematografía actual. Y lo es por méritos propios. En su breve pero apasionante filmografía atesora maravillas como su exquisito trabajo, que se acerca a la perfección, de ‘Lemony Snicket’s A series of unfortunate events’, o la genialidad fotográfica de ‘Children of Men’. Pero también ha firmado joyas visuales como ‘Sleepy Hollow’, o poemas visuales como ‘The New World’.

• Christopher Doyle

Antes de ser fotógrafo, este operador sugerente, vital, imaginativo y bohemio, fue marinero, ovejero, e incluso médico en Tailandia. Hombre de mundo, hoy día es una leyenda viviente del cine. Capaz de trabajar con grandes cineastas como Zhang Yimou o Wong Kar-Wai y de ofrecer un sello personal. También hizo su aportación a la carrera de M. Night Shyamalan (‘Lady in the Water’). Uno de sus últimos trabajos ha sido la muy esperada, y que esperamos estrenen algún siglo de estos, ‘Paranoid Park’ de Gus Van Sant.

• Eduardo Serra

Por supuesto que saltó a la fama por su exquisito trabajo en ‘El marido de la peluquera’ (Leconte, 1990), de la que vemos una foto arriba (porque no encontramos una de Don Eduardo que fuera satisfactoria), pero este genial fotógrafo lleva ofreciendo su talento desde bastante antes de ese gran éxito. Es cierto que las películas a las que suele ofrecer su visión, no están a la altura de su destreza, pero cuando hace cosas como ‘La joven de la perla’ (Webber, 2003) volvemos a darnos cuenta de quién es. Ah, y ‘Unbreakable’ (Shyamalan, 2000)

• Darius Khondji

Todos le recordaremos siempre por su fotografía para ‘Se7en’, pero este oriundo de Irán de 54 años aún tiene muchas cosas que decir en el cine. Su estilo elaborado, barroco y a menudo oscuro, suele adaptarse muy bien a las historias que cuenta, por muy sorprendente que resulte. Ahora parece haberse asociado por un tiempo con Wong Kar-Wai, pues después de su gran trabajo para ‘My Blueberry Nights’ ha firmado para ‘The Lady from Shanghai’. Esperamos ansiosos, siempre, cualquier trabajo suyo.

• Janusz Kaminski

Algunos dirán que su trabajo, casi exclusivo, con Steven Spielberg, para el que ha rodado todas sus películas desde ‘La lista de Schindler’, le ayuda para estar en el candelero. Y puede que sea cierto, aunque nunca ha repetido nada como esa película o ‘Saving Private Ryan’, que son sus dos Oscars, muy merecidos. Spielberg ha encontrado a un compositor de luces con muchos registros, que se adapta a sus requerimientos con solvencia.

• Roger Deakins

Sobre todo ha trabajo con los hermanos Coen, para los que ha filmado nueve películas seguidas, salvo la última. Pero sería injusto quedarnos tan solo en eso, pues ha sido el operador jefe de maravillas como ‘The Shawshank Redemption’ (Darabont, 1994), o ‘The Village’ (Shyamalan, 2004). Este británico serio y espigado, es un cachondo, o eso dicen, que sabe llevarse bien con todo el mundo en el set.

• John Toll

Es uno de los pocos operadores de la historia en conseguir dos Oscars consecutivos, aunque fueron bien merecidos (‘Braveheart’ y ‘Legends of the Fall’), pero seguramente se lo merecía sobre todo por su extraordinario trabajo, premio especial técnico en Cannes, de ‘La delgada línea roja’, uno de los mejores trabajos fotográficos de la historia del cine. Últimamente, ha tenido películas menos impresionantes, pero ha demostrado su versatilidad, como en el excelente trabajo que hace en ‘Tropic Thunder’.

• Rodrigo Prieto

El segundo mexicano de esta lista no tiene nada que envidiar al primero. Y es de la misma quinta. Habitual de otro gran director mexicano, Alejandro González Iñárritu, ha fotografiado todas sus películas, incluso la última que se está filmando ahora. Pero además ha fotografiado dos películas para las que ha regalado una imagen sublime: ‘Alexander’ (Stone, 2004) y ‘Brokeback Mountain’ (Lee, 2005). En definitiva, un talentazo a tener en cuenta.

• Michael Ballhaus

Uno de esos veteranos que siempre está en el candelero. Es decir, que se mantiene arriba año tras año. Habiendo firmado varias películas de Coppola y Scorsese, entre ellas las geniales fotografías de ‘Bram Stoker’s Dracula’ o ‘Goodfellas’, que demuestran su genio a la hora de alternar ambientes.

• Robert Richardson

Actualmente se encuentra rodando ‘Inglourious Basterds’, de nuevo con Tarantino, aunque no quedó muy satisfecho durante el rodaje de ‘Kill Bill’ (luego, con el corte final, esto cambió), pero ya es una vaca sagrada del cin. Dos Oscars (‘J.F.K.’ y ‘The Aviator’) y una larga y fascinante carrera avalan al maestro de las luces altas y las sobreexposiciones. De su prolongada complicidad con Scorsese podemos destacar su maravilloso trabajo en ‘Casino’.

Seguro que me dejo fuera a unos cuantos. No he nombrado a viejos maestros que parecen en horas bajas o que trabajan en películas poco satisfactorias, como Gordon Willis o Vittorio Storaro, a pesar de que nadie niega su ingente aportación al cine. ¿Quisiérais poner algunos más y quitar otros?

Studio Ghibli ha firmado un acuerdo con una distribuidora de nuestro país para editar en DVD sus grandes clásicos, incluyendo varios que no se habían estrenado en cine ni habían aparecido en ningún tipo de formato. Tras diversas experiencias no del todo satisfactorias, la productora Ghibli ha sido muy cautelosa en la elección del distribuidor.

La campaña comenzará el 28 de octubre con un lanzamiento doble. Saldrá a la venta la última obra maestra de Hayao Miyazaki, ‘Ponyo en el acantilado’. Más adelante, este film verá la primera edición en Blu Ray que se hace de una película de Ghibli en el mundo, ya que hasta ahora no se había autorizado.

Actualización del 3 de septiembre: ‘Mi vecino Totoro’ se podrá disfrutar en salas comerciales, a partir del 30 de octubre por tiempo limitado, y como preludio de su edición en DVD, el próximo 9 de diciembre.

Actualización del 20 de octubre: Ghibli lanza su página web oficial española.

Al mismo tiempo que ‘Ponyo en el acantilado’, aparecerá uno de los animes no editados en nuestro país: ‘Mimi wo sumaseba’ (1995). El título japonés significa literalmente “si escuchas atentamente”. En inglés se conoce como ‘Whisper of the Heart’ y de ahí sale la traducción española: ‘Susurros del corazón’. Está dirigida por el animador Yoshifumi Kondo sobre un guión de Hayao Miyazaki, que adapta el manga de Aoi Hîragi. A continuación se puede ver el tráiler:

‘Susurros del corazón’ nos cuenta la historia de Shizuku, una adolescente aficionada a la lectura, que pasa sus vacaciones en la biblioteca leyendo y traduciendo canciones extranjeras. Para su sorpresa, descubre que siempre aparece el nombre de Seji Amasawa en las fichas de los libros que toma prestados. Un día en el tren, se encuentra con un gato misterioso que la llevará a la tienda donde Seji trabaja como aprendiz de luthier. Seji le cuenta a Shuzuku que su sueño es llevar su arte a Italia, animándola también a escribir libros. A partir de entonces Shizuku y Seji prometen que estarán siempre juntos.

Curiosa la versión en japonés de la canción ‘Country Roads’ que ameniza el tráiler de ‘Susurros del corazón’. La marca del estudio Ghibli queda tan clara en esta producción que podría decirse que es otra creación más de Miyazaki.

En DVD, esta distribuidora ha editado ya títulos emblemáticos como ‘Cuentos de Terramar’ (‘Gedo senki’, 2006), de Goro Miyazaki; ‘Mis vecinos los Yamada’ (‘Hôhokekyo tonari no Yamada-kun (1999)’) y ‘Las Aventuras de Panda y sus Amigos’ (‘Panda kopanda’, 1972), ambas de Isao Takahata, cofundador, junto con Miyazaki, de la productora Ghibli; y ‘Puedo escuchar el mar’ (‘Umi ga Kikoeru’, 1993), de Tomomi Mochizuki. ‘El catillo ambulante’, la penúltima obra del propio Miyazaki padre, ya ha aparecido a la venta

Entre 2009 y 2010 se va a editar en DVD nueve películas, totalmente remasterizadas y en ediciones especiales. No sabemos si serán las únicas que aparezcan o si se continuará en los próximos años con más títulos. Seis de estos animes están dirigidos por Hayao Miyazaki y son los siguientes:

‘El Castillo en el Cielo’ (‘Tenkû no shiro Rapyuta’, 1986). Además de tener uno de los títulos que más problemas podrían dar si se pasasen directamente al español (a Miyazaki le ocurre un par de veces más), es una película bellísima en la que la noción fantástica de poder volar junto con tu hogar sirve de punto de partida para grandes aventuras. Si acaso se puede decir algo malo de Miyazaki, es que a veces la narración de los finales se le desfonda y este film puede ser uno de los que tienen ese pequeño defecto.

‘Mi Vecino Totoro’ (‘Tonari no Totoro’, 1988) puede ser la más lenta, pero también fascinante película de Miyazaki. Durante mucho tiempo ha sido la que se consideraba más de culto del director japonés.

‘Nicky, La Aprendiz de Bruja’ (‘Majo no takkyûbin’, 1989) Lo más notable es la recreación de las ciudades europeas de la zona de Suiza. Su historia es sencilla, pero los personajes son entrañables.

‘Pòrco Rósso’ (‘Kurenai no buta’, 1992). De las de Miyazaki, es una de las pocas películas de aventuras clásica, casi como si fuese de Hollywood o como si la hubiese firmado Howard Hawks. El final es muy elegante. Pero no le falta el punto fantástico, pues el protagonista se convierte en cerdo por una maldición.

‘La Princesa Mononoke’ (‘Mononoke Hime’, 1997) es como una auténtica pesadilla lúcida, llena de violencia y de enorme calidad. Miyazaki tiene algunas películas donde la narración se entiende peor que en otras porque son más oníricas o surrealistas. Ésta podría estar entre ellas, junto con ‘El castillo ambulante’ o ‘Totoro’.

‘Nausicäa del Valle del Viento’ (‘Kaze no tani no Naushika’, 1984), que es la única de Miyazaki que no he visto, así que me vendrá muy bien esta edición para recuperarla.

Además de la ya comentada ‘Susurros del Corazón’ (‘Mimi wo Sumaseba’), saldrán otras dos películas que no son de Miyazaki para completar los nueve títulos mencionados: ‘Recuerdos del Ayer’ (‘Omohide Poro Poro’, 1991), de Isao Takahata; que se conoce internacionalmente como ‘Only Yesterday’. De esta película lo que más me llamó la atención fue una escena en la que la familia come una piña como si fuese una cosa de otro planeta. La otra es ‘Pompoko’ (‘Heisei Tanuki Gassen Pompoko’, 1994), también de Takahata.

Las fechas de los demás lanzamientos se irán anunciando según se vayan acercando. Igor Ibeas, Director General Adjunto de Aurum Producciones, confiesa que están “aún definiendo, junto con Studio Ghibli, los plazos y los contenidos de los que vamos a disponer, empezando a trabajar en nuevos doblajes,etc… por lo que no queremos aún anunciar ninguna fecha concreta. Queremos tenerlo todo muy atado y que no vuelva a pasar lo que históricamente ha pasado con las películas de Ghibli. Los tiempos son distintos a los de otros lanzamientos, ya que además Ghibli supervisará todos los pasos que emprendamos. Lo que sí podemos asegurar es que este mismo año una parte de el catálogo estará disponible y que en el 2010 se editarán todas las demás películas. No descartamos incluso la posibilidad de estrenar en cine alguno de los títulos más emblemáticos”.

Vía | Aurum.

Proyecto Humano… ¿Por qué la gente cree en esa mierda? Sabes, aunque esa gente exista, con sus instalaciones en lugares secretos, no me jodas, ¡es muy fuerte!, aunque hayan descubierto la cura para la infertilidad, ¡no tiene importancia! Demasiado tarde. El mundo se ha ido a la mierda. ¿Sabes qué? Era demasiado tarde antes de que esto de la infertilidad ocurriera, hostias.

-Theo Faron

Hay películas que resultan tan insoportables, tan poco condescendientes con el espectador, que verlas una primera vez resulta un verdadero suplicio, pero que regresar a sus imágenes y volver a resistirlas se convierte en un verdadero calvario. ¿Por qué entonces, en casos como éste, volvemos a insertar el Dvd en el reproductor y damos click al play? En mi caso, y sospecho que en el caso de algunos más, este mazazo nos perturba, pero al mismo tiempo nos hace libres.

Por suerte para los cinéfilos, y para el cine, y para el arte, existen algunos directores muy capaces de olvidarse de lo que espera recibir la mayoría en una sala de cine, y de dedicarse a lo que tienen que hacer. Es decir, de convertir el arte, la cultura, en un instrumento de combate, al mismo tiempo que redefinen y formulan sus límites estéticos. Uno de esos elegidos es, a mi entender, el realizador mexicano Alfonso Cuarón, un tipo que está muy lejos de dormirse en los laureles de su maravilloso ‘Harry Potter y el prisionero de Azkabán’, y al que sólo le preocupa la verdad.

Otros directores pueden preocuparse de arreglarle el fin de semana a la masa de espectadores que acuden al cine a olvidarse de sus problemas, y con ello pueden contribuir a engrosar la cuenta corriente propia y la de otros. Pero dentro de pocos años pasarán justamente al olvido. Sin embargo hay directores que quieren hacer honor a su profesión. Prefieren ofrecerle algo al espectador que no le guste, hablar de cosas valiosas y de una forma auténtica, antes que firmar el enésimo ejercicio de diversión para que el personal se sienta a gusto consigo mismo (¿acaso no han pagado una entrada? tienen derecho por tanto a exigir que el cineasta les divierta).

Ahora bien, ¿hay un exceso de autocomplacencia por parte de Cuarón? ¿Un ego desatado? Nada de eso. Su dirección es asombrosa primeramente por su humildad. La primera y más importante de las decisiones de su puesta en escena es el naturalismo absoluto, y el ascetismo más suicida. Filmada en super 35, haciendo uso de grandes angulares que posibilitan una extraordinaria profundidad de campo, el repetido uso de la cámara en mano da lugar a algunos de los planos secuencias más notables de la historia del cine. Pero el objetivo de Cuarón a la hora de elaborar estos complejísimos planos no produce la sensación de la búsqueda de lucimiento, sino de la búsqueda de la verdad.

La combinación insuperable de los planos secuencia (por ejemplo, el de la importante muerte de un personaje que creíamos esencial en el futuro del relato), la coreografía de los actores y de los técnicos, convoca una tensión psíquica que no se logra por otros medios. Con estos planos secuencia Cuarón se erige como uno de los dos o tres directores con más pericia y talento de su generación. Y los lleva a cabo como si fueran fáciles. Imposible imaginar el inmenso trabajo de preproducción que requieren, y el esfuerzo de un equipo fabuloso perfectamente orquestado.

Cuarón, de este modo, aprovecha el gran éxito y poder que le supuso llevar a buen puerto la tercera aventura del niño mago para viajar a Londres, y allí y en sus alrededores filmar esta adaptación de la talentosa escritora (casi nonagenaria) de novelas policiacas P.D. James, cuyo relato ‘Children of men’ fascinó a Cuarón lo suficiente como para embarcarse en este proyecto que, hasta la fecha, tan poco dinero ha reportado, y que a pesar de que goza de cierto prestigio crítico, no es un película ni por asomo famosa. Aunque eso a quién le importa.

No creo que sea justo quedarse con su anécdota principal, la que narra que en el mundo ya no nacen niños y que la humanidad se enfrenta a su final. La película no se centra sólo en ello, y esa es una de las razones de su grandeza. Otras películas sí se quedan en la superficie y no llegan más allá, pero en ‘Hijos de los hombres’ esto no es más que una excusa para trazar un exacto y tenebroso retrato no de la cloaca de mundo del futuro, sino de la cloaca de mundo infecto que nos ha tocado vivir. El espectador, me temo, no siente, aunque se trate de una ficción futurista, que le instalen en un mundo futuro. No, en realidad sentimos que alguien ha bajado a los infiernos de este mundo, este y no otro.

De ahí su poderosísima verdad, y su brutal impacto. Observamos los guettos y confinamientos (en realidad, fortalezas del horror para inmigrantes) que existen por todo el mundo. Asistimos, estupefactos, a la hipocresía y violencia salvaje de los que se llaman nuestros gobernantes o nuestros salvadores de las barbaridades de estos gobernantes. Somos testigos de la cárcel del mundo moderno, de su suciedad, su demencia y corrupción. No hay esperanza, y Cuarón no está dispuesto a proporcionarnos paños calientes. Y en medio de todo este horror (que es el mundo tal cual, queramos o no verlo), aún hay espacio para rayos de esperanza.

Esa esperanza es la que alguna que otra vez puede disfrutar en su itinerario al filo de la muerte el desengañado Theo (interpretado con gran humanidad y sobriedad por el estupendo intérprete Clive Owen), y que toma cuerpo con las apariciones maravillosas de Julianne Moore o Michael Caine, dos de los mejores intérpretes vivos. Theo es un hombre, por lo demás, superado absolutamente por las circunstancias, y que apenas puede lidiar con la situación que le ha tocado vivir, a la que le han llevado una mezcla de principios e instinto de supervivencia.

Con una selección de canciones magnífica, que sin cargar las tintas en sus códigos genéricos, sino ecléctica pero igualmente devastadora, y con la formidable dirección de fotografía de Emmanuel Lubezki (sin duda, el operador más dotado de su generación), la vorágine de ‘Hijos de los hombres’ nos repele y nos atrae al mismo tiempo.

Apenas hay, por tanto, momentos para la risa o la relajación, sumidos además en ese mundo grisaceo y decolorado, espantoso de puro real. Los diseñadores de ese futuro se plantearon, de hecho, una solución muy alejada a la que llevó a Ridley Scott a construir su ‘Blade Runner’. Todo lo que allí es poesía impostada, aquí es una verdad dolorosa y fugaz; lo que allí es una atmósfera como verdadero protagonista, aquí es un elemento más de la narración y un apoyo anímico a los personajes. Lo que allí es un final feliz anticlimático aquí es un final ambiguo y descarnado, que nos deja el corazón en un puño y nos empuja a pensar, a cambiar y a mejorar. No lo haremos, pues somos personas. Pero quizá seamos un poco más lúcidos.

‘Hijos de los hombres’ es, junto a ‘La joven del agua’, la mejor y más bella película estrenada en el mundo en 2006. Creo esto tan firmemente como que el mundo se va a la mierda y que no se merece maravillas como la última película, hasta la fecha, de Alfonso Cuarón.

Otras críticas en Blogdecine:

• ‘Hijos de los Hombres’, simplemente, la mejor película del año

• ‘Hijos de los hombres’, ‘Children of men’, tan bella como insustancial

• ‘Hijos de los Hombres’, cuando el destino nos alcance

Me encantan las listas. Y hace tiempo que no hago ninguna. Y como ya estoy oficialmente de vacaciones (aunque aún me faltan coger unos días de vacaciones de blogdecine…) pues qué mejor que dejar una lista que, como todas ellas, es asquerosamente subjetiva, y está basada en mis conocimientos parciales (no he visto todas las de cada año, evidentemente, y tampoco creo que haga falta para confeccionar una lista personal) y en mi vehemencia menos reposada.

A menudo no puedo quedarme con una por año. Y han de ser dos. Incluso hay un año con tres. Imposible decidirse. Pero dudo mucho que haya otras que puedan reemplazarlas. Uno ya está muy fogueado y tiene las cosas claras. Aunque, si he de ser sincero, la verdad es que algunas de estas en un principio no me interesaban nada, y tuvieron mucho que insistirme para que las viera. Y aquí están…

Echadles un vistazo:

• 2008: ‘Entre les murs’ (Laurent Cantet)

Ha habido algunas impresionantes realizadas en 2008. Pero esta excepcional película francesa es claramente la mejor de todas ellas.

• 2007: ‘There Will Be Blood’ (Paul Thomas Anderson) y ‘4 meses, 3 semanas y 2 días’ (Christian Mungiu)

Primera ocasión en que me es imposible decidirme. Sendas obras maestras, una rumana y otra norteamericana, para la posteridad.

• 2006: ‘Hijos de los hombres’ (Alfonso Cuarón) y ‘La joven del agua’ (M. Night Shyamalan)

Otra pareja sobre la que no puedo decidir. La espeluznante ficción científica del mexicano Cuarón o la desbordante sensibilidad de Shyamalan, ambas cine imperecedero.

• 2005: ‘El nuevo mundo’ (Terrence Malick) y ‘‘Brokeback Mountain’ (Ang Lee)

Malick es el mejor director vivo. Y Lee es el mejor lector de guiones (un talento muy raro de encontrar) del mundo. Ambos firmaron dos piezas sublimes este año.

• 2004: ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’ (Michel Gondry)

Aquí no hay discusión. En un año con algunas obras maestras, el galardón a mejor película en el Festival Adrián Massanet es para un relato que reinventa y da al aliento al cine futuro.

• 2003: ‘Mystic River’ (Clint Eastwood) y ‘Ciudad de Dios’ (Fernando Meirelles)

Una pareja de historias sobre los bajos fondos, sobre traumas infantiles y violencia infernal. Muy distintas entre sí, claro está. Maravillosas ambas.

• 2002: ‘Ser y tener’ (Nicolas Philibert) y ‘El pianista’ (Roman Polanski)

Uno de esos documentales que deberían hacer sonrojar a tanto geniecillo sin talento y la redención de un grande.

• 2001: ‘Y tu mamá también’ (Alfonso Cuarón)

Cuarón es uno de los talentos del cine mundial. Este fantasmagórico viaje al corazón de su país, melancólico y sensual, le alza a la categoría de maestro.

• 2000: ‘Dancer in the Dark’ (Lars Von Trier) y ‘Unbreakable’ (M. Night Shyamalan’)

El musical de Trier y la fantasía de Shyamalan mano a mano. De nuevo imposible decidirse.

• 1999: ‘Hoy empieza todo’ (Bertrand Tarvernier) y ‘El camino a casa’ (Zhang Yimou)

Tercera película francesa y además con temática pedagógica, al igual que la china, bellísima historia de amor. Ambas excepcionales.

• 1998: ‘La delgada línea roja’ (Terrence Malick)

Aquí no hay discusión. La mejor película de aquel año (y puede que de algunos más) sin titubeos.

• 1997: ‘Titanic’ (James Cameron)

Aquí tampoco hay discusión, Cameron se zambulle en el melodrama histórico. Muchos la detestan con argumentos tan pueriles como conmovedora y libérrima es la película.

• 1996: ‘Rompiendo las olas’ (Lars Von Trier)

Tampoco veo mucha discusión. Trier emula a Dreyer.

• 1995: ‘Dead Man Walking’ (Tim Robbins)

Obra maestra absoluta: dos actores en estado de gracia, un director humilde y apasionado. Imposible pedirle más al cine.

• 
  1994: ‘The Shawshank Redemption’ (Frank Darabont)

Debut asombroso de Darabont en la dirección, muy por encima de la oscarizada aquel año y de otras muchas que otros consideran mejores sin llegar nunca a convencerme de ello.

• 1993: ‘Adiós a mi concubina’ (Chen Kaige)

Sencillamente más belleza, más sensibilidad y más verdad no caben en una pantalla.

• 1992: ‘Unforgiven’ (Clint Eastwood) y ‘Bram Stoker’s Dracula’ (Francis Ford Coppola)

Volvemos a las parejas. La consumación de Eastwood en su periplo por el western y el gran sueño de Coppola de filmar el clásico de Stoker. Nunca pienso en una sin la otra. Modernidad y clasicismo equilibrados en ambas.

• 1991: ‘El silencio de los corderos’ (Jonathan Demme) y ‘Terminator 2’ (James Cameron)

La madre de todas las películas con psicópata que nadie logrará superar jamás. Y la secuela más perfecta de una obra maesta de la sci-fi

• 1990: ‘Goodfellas’ (Martin Scorsese) y ‘El padrino, parte III’ (Francis Ford Coppola) y ‘Miller’s Crossing’ (Joel y Ethan Coen)

Tres películas negras. Tres obras maestras. Nada más que añadir.

• 1989: ‘Apuntes del natural’ (Martin Scorsese)

Un tanto desconocida. Y seguro que muchos me critican por considerar la mejor del año a un mediometraje. Me da lo mismo. Para mí es la mejor de aquel año.

• 1988: ‘Die Hard’ (John Mctiernan)

Repasando aquel pobre año, me acuerdo de una de mis películas de aventuras predilectas. Y no me tiembla el pulso al darle el galardón.

¿Tenéis las vuestras vosotros?

Con algo de retraso respecto a mis compañeros, aquí os dejo el “top ten” con el que, en mi opinión, se resume el mejor cine estrenado en España durante el año 2008.

Un año que, como decíamos cuando repasamos las diez peores, nos ha dejado un gran número de películas mediocres o, por lo menos, muy por debajo de lo esperado. ¿Y qué es lo esperado? Pues en muchas ocasiones, simplemente, no ir al cine para aburrirse. En el menor de los casos esperamos una gran película, pero conforme va pasando el tiempo, las expectativas bajan y volvemos a lo de antes: no pensar que se está perdiendo el tiempo.

De todas formas, tampoco ha escaseado el buen cine, aunque sí podríamos decir que hay pocas que hayan dejado un sabor de boca memorable, que hayan impactado al público de verdad, ya sea con un gran espectáculo y/o con una gran historia. Quizá es lo que decíamos, si se estrenaran más películas no puramente comerciales…

En fin, vamos al meollo de la cuestión. Diez películas; lo mejor del año. Del 10 al 1...

• 10- ‘12’ o el hombre con piedad

El primero de los dos remakes de esta selecta lista lo llevó a cabo el ruso Nikita Mihalkov, que tomó como base el clásico ‘Doce hombres sin piedad’ (ópera prima de Sidney Lumet) para tratar sus propias inquietudes y realizar un estudio fantástico sobre el individuo moderno, especialmente (por supuesto) al que vive en su país. Una valiosa película cuyo mayor problema es la duración (dos horas y media) pero que, con tranquilidad, se disfruta plenamente.

Podéis leer más en mi crítica.

• 9- ‘No es país para viejos’ o ‘Fargo’ en el desierto

Estrenada a principios de año en España, fue, en mi opinión, otra demostración de que muy a menudo los Oscars (como cualquier certamen) premian lo bueno, pero no lo mejor. Joel y Ethan Coen tienen en su filmografía obras más logradas, pero ha sido ésta la que les ha consagrado en la industria. De todas formas se lo merecen porque son unos cineastas que llevan años alegrándonos con sus obras. Como de costumbre el reparto está estupendo, entre los que destaca Javier Bardem.

Hay más en mi crítica.

• 8- ‘El tren de las 3:10’ o lo que debería ser un remake

Segunda puesta al día de un clásico. En esta ocasión, James Mangold parte del sólido trabajo de Delmer Daves para filmar un western que, si bien respeta todas las reglas del género y se mantiene altamente respetuoso con la manera clásica, pertenece a esta época, para bien y para mal. Curiosamente, aquí también se añade historia y metraje a la obra original, sin que por ello el conjunto se resienta. Gran duelo interpretativo entre Christian Bale y Russell Crowe.

Me extiendo más en mi crítica.

• 7- ‘WALL·E’ o la ternura de un robot solitario

Desde hace años, lo que sale de Pixar suele estar en las listas de lo mejor del año de casi todo el mundo. Sus películas consiguen algo extraordinario y es poner a casi todos de acuerdo, tanto en el público como en la crítica. Andrew Stanton es el encargado de situarnos en un planeta destruido y narrarnos la particular historia de un robot cuya única compañía, durante años, ha sido una cucaracha. Hasta que un buen día aterriza una nave y encuentra a su alma gemela…

Tenéis más en mi crítica.

• 6- ‘La escafandra y la mariposa’ o la versión alternativa de ‘Johnny cogió su fusil’

Película emocionante y dura donde las haya. La historia de Jean-Dominique Bauby cuya vida sufre un trágico giro, traspasa la pantalla y nos obliga a la reflexión. Curiosamente, en 2008 se estrenaron tres películas protagonizadas por Mathieu Amalric; también llegaron ‘La cuestión humana’ y ’007: Quantum of Solace’, ambas muy inferiores a la que nos ocupa. Sólo en esta obra de Julian Schnabel realiza Amalric una interpretación verdaderamente memorable. Tengo pendiente la crítica, espero publicarla en los próximos días.

• 5- ‘Appaloosa’ o la pérdida de la integridad

Otro western. El género olvidado por los que manejan el negocio del cine hoy día. Ed Harris, que creció fascinado por las películas de pistoleros, rinde homenaje al western con una película muy cuidada, de aroma clásico y un reparto de lujo donde destaca poderosamente el personaje al que da vida Viggo Mortensen, un hombre solitario que se mantiene fiel a unos valores mientras todos los que le rodean parecen olvidar quiénes son y por qué viven. Nostálgica, reflexiva y llena de tensión.

Podéis leer más en mi crítica.

• 4- ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’ o el ser humano apesta

Sidney Lumet está al final de su carrera por edad, no por talento. El realizador norteamericano sigue muy vivo, lleno de garra y con deseos de seguir contando historias que lleguen al público y no le dejen indiferente. Desde luego, pocas películas se estrenaron el pasado tan dramáticas y tan intensas como ésta, protagonizada por Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke y Albert Finney; los tres están fantásticos dando vida a unos personajes destinados a la tragedia.

Hay más en mi crítica.

• 3- ‘La niebla’ o lo que da más miedo

Tras ver cómo rechazaban su trabajo para la cuarta parte de ‘Indiana Jones’, Frank Darabont vuelve a recurrir a una obra de Stephen King y acierta de pleno. Una película impresionante centrada en un grupo de personas que se encierran en un supermercado, amenazadas por una extraña niebla que oculta todo tipo de criaturas monstruosas. La excusa fantástica le sirve a Darabont para hablar de cómo el miedo afecta a las personas. De antología el final, uno de los que cuesta recuperarse.

Podéis seguir leyendo en mi crítica.

• 2- ‘El caballero oscuro’ o el día que quisimos ver el mundo arder

Cuando le encargaron a Christopher Nolan la recuperación cinematográfica de Batman, pocos podían esperar los resultados que se iba a lograr. Tras la notable ‘Batman Begins’, Nolan cuenta con más medios y más libertad para rodar una continuación. Y éste lo aprovecha al máximo, filmando una película tan rompedora por dentro como por fuera, con unas secuencias de acción realmente espectaculares pero también con una trama cuidada y unos personajes con entidad. Éxito de público y de crítica como pocas veces se ha visto, y todos esperando con impaciencia la tercera parte. Para la posteridad, el fascinante Joker de Heath Ledger.

Digo más en mi crítica.

• 1- ‘El intercambio’ o cómo reconciliarse con el séptimo arte

Y llegamos al número 1. Para mí, la única obra maestra que se estrenó en España. Clint Eastwood es otro de esos cineastas veteranos que el tiempo está cuidando de forma milagrosa, aportándole energía para seguir narrando, con sabiduría y clase. Pocos, por no decir ninguno, consiguen emocionar como Eastwood, en esta ocasión con la historia de una mujer (gran trabajo de Angelina Jolie) que es tratada por la policía de forma indignante. Otro año que la mejor película nos llega con su firma.

Hay más en mi crítica.

Como hice cuando comenté lo peor, no puedo terminar este repaso al mejor cine de 2008 sin mencionar tres títulos que, fuera de las diez, resultaron ser grandes alegrías: ‘My Blueberry Nights’, ‘Mongol’ y ‘The Fall: El sueño de Alexandria’. La primera por la belleza de sus imágenes y una banda sonora deliciosa, aunque Wong Kar-Wai casi se haya limitado a repetir sus logros (por mi parte, ningún problema); destacar también el estupendo debut de la cantante Norah Jones. La segunda por la extraordinaria mezcla de espectacularidad e intimismo, en mi opinión, dejando en evidencia a la mayoría de las superproducciones de Hollywood; gran trabajo del realizador, Sergei Bodrov, y el protagonista, Tadanobu Asano. Por último, la tercera, que nos llegó con muchísimo retraso, por el logro de su director Tarsem, que supo conciliar su inquietud por lo visual con la narración de una buena historia; Cantica Untaru demostró que hay niños que valen más que actores adultos.

Con esto termino mi selección del cine más destacado (para bien y para mal) del año pasado. Espero que os haya resultado interesante y entretenido de leer. Por cierto, me encantaría saber vuestro top ten, si no estáis ya un poco cansados del tema, a ver si coincido con alguien.

Uno de los directores más famosos del mundo es el realizador canadiense James Cameron. Este grado de conocimiento, de sus películas y su nombre, por parte del gran público, no va exactamente parejo con el grado de conocimiento acerca de las razones que impulsan su obra. Tampoco se le concede, por lo general, el grado de “autoría cinematográfica” que ostentan otros creadores, aunque estos no firmen todos sus guiones, o aunque no produzcan ni una sola de sus películas. Es por tanto, a juicio de quien esto escribe, víctima de cierto elitismo crítico, que incluso ha visto justificada su postura tras una película tan de prestigio, en teoría, como ‘Titanic’.

Es un caso parecido al de Steven Spielberg, si bien el director de ‘Saving Private Ryan’ ha desarrollado una carrera con más puntos débiles (también por el hecho de haber dirigido cuatro veces más películas), mientras que, de nuevo a juicio de quien esto escribe, Cameron es probablemente el más grande, complejo y poderoso director de Sci-fi de la Historia del Cine, y con una única película fuera de ese género, la ya nombrada tragedia marina, que es una joya pocas veces valorada sin prejuicios o ideas preconcebidas.

Tampoco es que las características superficiales de su carrera ayuden mucho: cada película suya ha costado, sistemáticamente, más dinero que la anterior (su futura ‘Avatar’ no va a ser una excepción); es notoria su ilimitada exigencia hacia los actores, hasta el punto de que muchos no se hablan con él; es un pionero en los efectos visuales de sus películas, lo que ofrece carnaza a los puristas que le acusan de no tener sustancia; en todas sus películas hay profusión de armas y tiros (incluso en ‘Titanic’, donde el barco puede considerarse un arma tecnológica y tienen lugar varios famosos tiroteos) lo que da carnaza a los progres que le acusan de ultraderechista; es considerado un gran director de escenas de acción (muchas de ellas grandes espectáculos), un inoculador de testosterona, lo que para muchos es síntoma de comercialidad extrema y simpleza mental y su relación con Arnold Schwarzenegger en la mitad de las películas que ha dirigido hasta ahora termina por completar el cuadro.

Pero si no nos limitamos a lo superficial, sino que profundizamos un poco (que para eso estamos escribiendo estas líneas), observamos que Cameron supo crear una obra imperecedera con cuatro chavos, ‘The terminator’, y que el presupuesto elevado (o elevadísimo) del resto de sus producciones, esta plenamente justificado por la historia que pretende contar y por la investigación técnica que requiere dar vida a futuros sombríos o trágicos eventos del pasado; que aunque suele ser muy duro con sus actores a menudo arranca de estos interpretaciones memorables, algo inusual en un director de superproducciones; que sus proverbiales magníficos efectos visuales son para él (casi)siempre una herramienta para hacer más creíble la película y no una razón para contar determinada historia; que la profusión de armas en sus películas resultan de su conocimiento de estas pero también de su interés por criticar un mundo que es peor gracias a ellas.

Pero es su pericia y su talento para el cine de acción lo que le sitúan en el punto de mira. François Truffaut escribía a propósito de su admirado Alfred en el imprescindible ‘El cine según Hitchcock’ que muchos desdeñan el suspense, pero que este es en verdad el núcleo del cine. Yo añadiría que la acción, y no sólo los tiros y persecuciones, son junto al suspense el núcleo y el corazón del cine. Muchos quizás ignoren que drama proviene del griego dram, que significa acción. Y esa es la primera palabra que el director grita para que comience eso, la acción. Como iremos demostrando y analizando sucesivamente, no es que Cameron sea un gran director de secuencias de acción y por eso es un gran director, sino que es un gran director y por eso tiene grandes secuencias de acción.

Cameron tiene mucho en común con Hitchcock. Sobre todo en lo concerniente a su efectividad narrativa, a su dominio de la acción y el suspense como herramientas absolutas del cineasta de raza, y como objetivo final de la puesta en escena. El cine, más que una coda de la literatura, es con directores como Hitchcock y Cameron un soporte dinámico de emociones e imágenes vibrantes, llenas de vida. Si con el tiempo se ha comprendido la profunda compasión y melancolía de Hitchcock tras décadas de ser tachado de gélido y cerebral, algo parecido creemos que ocurrirá con el canadiense.

No se trata de proponer a Cameron como dueño de una carrera sin falla ninguna y perfecto en todo. Nada más lejos. Se trata de situarle apropiadamente, siempre a juicio del que firma, entre los mejores directores de la historia. Así de sencillo. Pero vamos a profundizar lo más posible en su carrera, con sus luces y sus sombras, lus logros, sus hazañas y sus decepciones; sus constantes y sus incoherencias (que las tiene); su evolución y su compleja personalidad. Cameron dirige, escribe, produce, monta, lleva la cámara, hace maquetas, sabe de maquillaje. No hay muchos directores tan completos y que dominen tantas disciplinas cinematográficas como él, y que hayan dejado una huella tan profunda en la Sci-Fi, y vamos a encargarnos de demostrarlo.

Seis películas. Ochocientos cincuenta y cinco minutos de cine. Seiscientos sesenta y uno de ellos dedicados a una Sci-Fi que oscila entre lo mejor, como ‘Aliens’, y lo peor, como ‘True Lies’. Ciento noventa y cuatro dedicados al melodrama histórico, ese feo género despreciado por manipulador y folletinesco. Eso sin contar los doscientos cincuenta y uno que son cine documental, y su serie de televisión, dicen que de culto pero que significó prácticamente un rotundo fracaso, ‘Dark Angel’. Una filmografía corta. Seis ficciones, tres documentales, una serie de la que dirigió un episodio, un par de cortometrajes (‘Xenogénesis’ y ‘T2:3D’), algunos pocos guiones para terceros, parecen poco para treinta y un años de carrera. Pero sin duda han cambiado el cine.

La Sci-fi es un género resbaladizo, inasequible para la mayoría de los cineastas. Muchos grandes creadores que aportan su granito de arena al género, sino fracasan (o firman películas que rápidamente se quedan obsoletas) acaban cayendo en una Sci-Fi con trazas de fantasía, lo que significa aguar las posibilidades del género cinematográfico, después del documental, con más posiblidades de alcanzar lo que sólo el gran arte logra: un carácter visionario, profético casi. Dicen que la Sci-Fi, en el mundo en que vivimos, se ha quedado sin argumentos, y que la gran mayoría de ideas y títulos comienzan a quedarse atrás. Sin embargo el mundo descrito en el díptico ‘Terminator’ está ahora más vigente que nunca.

Este director, al que dedicaremos un análisis de su obra cada dos días, nos habla de la miserable condición humana en su mejor cine, tanto en ‘Titanic’ como en ‘The Terminator’, y nos propone un futuro desolador, el de ahora mismo, o el de pasado mañana, proponiendo un espejo donde reconocernos. Analizaremos sus seis largometrajes con rigor y con sobriedad. Su fallida serie ‘Dark Angel’, que podría haber resultado un estimulante título que se implementara a su discurso, tiene realmente muy poco de la densidad del gran Cameron. Su primera película oficial (de la que fue despedido), ‘Piranha II: The Spawning’, no aporta realmente nada a su carrera más que hablar de su tenacidad (se colaba en la sala de montaje para intentar arreglar a escondidas el desaguisado del productor), y aunque su director afirma con sorna que es “la mejor película de pirañas voladoras que se ha hecho” (algo que estamos dispuestos a creer) no hay nada suyo en ella, salvo ese pecio escondido que 16 años más tarde se convertiría en el ‘Titanic’.

En el próximo capítulo hablaremos de la génesis del universo ‘Terminator’ (con ‘Xenogénesis’) y comenzaremos a hablar de ese díptico extraordinario.